Año: 2019

LIBRO PUNK CHILENO 1986-1996 SERÁ LANZADO EN EL MÍTICO TALLER SOL

LIBRO PUNK CHILENO 1986-1996 SERÁ LANZADO EN EL MÍTICO TALLER SOL

«PUNK Chileno 1986-1996 – 10 años de autogestión« libro del musicólogo Jorge Canales estudia las herramientas, recursos y espacios que permitieron dar sustento a una escena musical de resistencia, surgida en el contexto de la posdictadura.

Un acucioso trabajo de investigación y articulación que recopila material audiovisual (con acceso a registros en libro) y un compilado de 13 bandas (CD incluido) que tuvieron una significativa presencia durante esta década.  Una coedición a cargo de los sellos NoPatria Editorial y Editorial Camino en colaboración con la Corporación Fonográfica Autónoma – CFA,  encargados de producir el disco compilatorio que acompaña al libro.

La presentación estará a cargo de tres nombres involucrados en la publicación: el periodista Emiliano Aguayo, autor del prólogo del libro, el gestor cultural, director de CFA Dennis Dañobeitía, y el editor Jonathan Lukinovic.

 

 

Domingo 29 de Septiembre a las 18:00 hrs en Parque Portales (Portales #2615 esquina Cueto) a las afueras del mítico Tallersol de Santiago.

La jornada, contará con la presencia de las bandas Raja Pelá y Vino y Muerte -quienes forman parte del compilado, y stands con muestras discográficas e editoriales.

 

ÁLBUM 6 : POR UNA CUECA EXPERIMENTAL

ÁLBUM 6 : POR UNA CUECA EXPERIMENTAL

Por una cueca experimental, mi alma, me perdí de bailar en las fondas de mi juventud.

Por una cueca sónica, ay sí.

Por una cueca que no fuera trillada, mierda, no escuché cueca.

Y no quiero, no quiero decir nada de qué es la juventud. Y no quiero, no quiero decir por qué es imposible encontrar en nuestros dispositivos de música esa larguísima tradición de composiciones cuequeras que sí existe y que le mete electricidad, le baja el pulso, le cambia la rima, le quita el habla, le agrega voces de mujeres, le suma sílabas, le interviene sus 3/4 o o sus 7/8, sólo que tenía catorce cuando decidí que sí, que iba a seguir yendo a las fondas con la familia y con los amigotes y con las vecinas y con los compañeros y con el grupo y con el taller y con el partido y con los desconocidos y con la extranjería compatriota, pero no iba a bailar más que una cumbia o algún sound o un axé o una bachatita, pero no la cueca, no; ya me habían enseñado tantas veces los pasos en forma de ocho y de acoso –¿por qué no de signo infinito, profe?–, y haber bailado una era haberlas bailado todas, y esas letras eran siempre burlas, desprecios, desconfianzas y agresiones, y si había podido agarrar mi guitarra para repetir los ocho compases por una vez ya había contenido en mi canto a la Violeta, a La Voz del Pueblo, a la Margot y a José Zapiola y a la Petronila.

 

 

Por una cueca experimental, mi alma, no quise entender el valor que la repetición y las formas rígidas deben tener para la construcción de una comunidad nacional.

Pero entendí que esa comunidad estado-nacional tenía el monopolio de la educación y de las armas, ay sí.

Y de la imaginación.

 

 

Por una cueca que no fuera emitida una vez más por el único parlante de ese septiembre que ha zapateado su sangre y polvadera del 11 al 19 en círculos concéntricos y vuelta, por esa cueca ofrecí el oído a lo que comenzara namás de la distorsión y terminara namás en un sonido que no pueda escucharse por las orejas y vuelta, ofrecí la escucha a lo que se aprenda sin disfraz, sin saberes de huasos y de chinitas –estereotipos del mando medio y de la xenofobia–, sin simulaciones de campesinado cuando el campo es pura cuestión capitalina, pesticida, semilla patentada y rodeo.

Por una cueca de raíz meridional, gitana, negra e indígena, ay sí, que compartamos las personas de Chile con las de Oaxaca, con las de Bolivia, con las de Argentina, y que la palabra folklore siga siendo un extranjerismo y no tírate un pie.

Por una cueca cuya etimología sea chueca en vez de clueca, ch-hueca.

 

 

Por una cueca que comience en un solo de guitarra eléctrica y cierre con sintetizadores, con un big beat y motosierra, en la ultratumba de todas nuestras muertes bajo la Recta Provincia y todas nuestras celebraciones de que estamos vivos en el mar y cordillera, risa y encuentro de bailarines.

 

 

Por una cueca experimental exijo la liberación de nuestro baile y nuestro oído nacional.

 

AMOR POR EL JAZZ:  CRISTÓBAL MASIS PRESENTA SU NUEVO DISCO.

AMOR POR EL JAZZ: CRISTÓBAL MASIS PRESENTA SU NUEVO DISCO.

Cristóbal Massis estrena su nuevo disco inspirado en la amistad y el amor por el jazz

“Canciones de Mis Amigos” es una mezcla homogénea de creatividad, improvisación y admiración a jazzistas chilenos, la que puede palparse en cada nota y canción del álbum.

 

 

Lo que en abril inició como una idea relámpago camino a dar clases, hoy es una realidad para el baterista nacional Cristóbal Massis, quien presentará a trío el disco “Canciones de Mis Amigos”, con un concierto en vivo el 26 de septiembre a las 23:00 horas, en Thelonious Lugar de Jazz (Bombero Núñez #336).

Todas las canciones fueron grabadas durante un fin de semana de junio en el Estudio Palo Quemado, de Nicolás Ríos, junto al saxofonista estadounidense Rob Haight y el destacado contrabajista nacional Milton Russell.  

En ausencia de Rob Haight, quien está en el extranjero, las partes de saxo serán interpretadas por Claudio Rubio, reconocido saxofonista nacional y uno de los amigos compositores de las “Canciones”.

 

 

LOS AMIGOS

Siete canciones son las que forman este disco, compuestas por los saxofonistas Claudio Rubio y Cristián Gallardo; los guitarristas Cristóbal Menares, Nicolás Reyes y Diego Riedemann; el pianista Felipe Riveros y el contrabajista Juan Villarroel. 

En paralelo comenzó un trabajo artístico visual de mano de la diseñadora nacional Abril Bustamante, quien ha captado la esencia de Massis y el trabajo del disco desde un principio. 

 

CONCIERTOS

El 26 de septiembre, también será el lanzamiento oficial en las plataformas digitales.

Además, para quienes sigan con ganas de buena música, el 25 de octubre habrá un segundo concierto en Thelonious Lugar de Jazz a las 21:00 horas y a fines de noviembre el disco se presentará de forma íntegra en el Festival de Jazz de Recoleta, comuna natal del baterista. 

 

DISPARA USTED: CARLOS MÜLLER

DISPARA USTED: CARLOS MÜLLER

Abrimos este telón de entrevistas con el destacado fotógrafo musical oriundo de San Pedro de La Paz, Concepción, Carlos Müller Cáceres, quien fuera elegido por la banda The Rolling Stones en su último paso por Chile para retratarlos en su show, de aquel concierto destaca una foto, en la que sale Mick Jagger y Keith Richards abrazados, retrato que nueve meses después del concierto es elegida para la portada de la revista Rolling Stone del año 2016, para las ediciones de US, Japón, Australia, India y Brasil. 

Autodidacta de formación ha trabajado con las bandas nacionales como: Los Tres, Los Jaivas, Quilapayún, Illapu, Los Bunkers, Francisca Valenzuela, Nicole, entre otros. Internacionalmente ha trabajado para The Rolling Stones, Cat Stevens, Fito Páez, Pedro Aznar y Kevin Johansen. 

Sus imágenes han sido publicadas en El Clarín (Argentina), El País (España) y The New York Time (US), en los libros «La última canción» (biografía de Los Tres), “Maldito Sudaca” (conversaciones con Jorge González), ”Exijo ser un héroe» (biografía del grupo musical Los Prisioneros). “La Vida Mágica de Los Jaivas” (biografía del Los Jaivas), “Cancionero Ilustrado” (Los Jaivas), “Los Jaivas Medio Siglo”, “Canciones del Fin del Mundo”, “La Diversidad es Tuya” (biografía visual del Teatro Nescafé de las Artes). 

 

 

 

KJ ¿Cómo y por qué comenzaste en la foto musical?

CM: En la adolescencia, en primero medio me tocó ir a un concierto de una banda que me gustaba mucho, entonces pasó que la primera parte del concierto lo pase muy bien disfrutando y la segunda parte empecé a sufrir porque sabía que iba a terminar luego, uno de mis hermanos que estudiaba arte, en su carrera tenía un ramo de fotografía y por ese tiempo estaba practicando con fotografía blanco y negro, entonces empecé a descubrir un poco que la solución para que el concierto continuará, era registrarlo, pero como una cosa mía, al tiempo tuve una cámara de foto y empecé a hacer fotos, recuerdo que el primer rollo me duraba 1 mes y ese rollo tenía muchas cosas distintas había una parte de ese primer rollo que tenía un concierto eran unas 6 fotos, entonces empecé a ir a conciertos en esa época. 

 

KJ: ¿De qué año estamos hablando?

CM: Del año 89-90. 

 

KJ: ¿Estudiaste Fotografía?

CM: Para nada, empecé a hacer fotos en enseñanza media, lo principal que hice en esos años era que el colegio tenia un festival de la voz el 15 de agosto para el aniversario de los Salesianos de Concepción y siempre llevaban una banda para el cierre del festival, han estado Illapu, Los Prisioneros, Los Tres, el concierto que alcance a ver dentro del aniversario del colegio fue Illapu y esa fue la primera vez que fui con la cámara análoga que me prestó mi hermano, llevaba un juego de lentes, quedó bastante aceptable el resultado del rollo que tome esa vez, también fui por primera vez a un concierto de Los Prisioneros, por esa época era la gira de promoción del disco Corazones y ahí ya tomé fotos con la cámara de “la familia”, era una cámara súper chica, cuadradita el rollo quedaba casi justo, súper práctica y tome una mierda de fotos, quedaron todas movidas no sabía como regular la cámara pero tuve ese impulso de estar entremedio del público, avanzar y tomar fotos, cuando estaba en la Universidad del Bío-Bío estudiando ingeniería había una actividad extra programática de fotografía y me metí ahí. 

 

                                                             Jorge González

 

CM: Por esa época comencé a ir cuanto concierto había en Concepción, de público, no tenía idea que iban fotógrafos a hacer fotos a los shows.  Me acuerdo de Illapu, Inti Illimani o Congreso en ese tiempo estaba escuchando ese tipo de música, me conseguía la entrada o concursaba en la radio, lo que pasa que es muy predecible concepción hay como dos o tres radios que cuando hay conciertos siempre en esas radio promocionan los shows y ya cachaba que por ejemplo si esa tarde había un concierto de Inti Illimani sabía que en la mañana o a mediodía iba a estar la banda en esa radio y que la iban a entrevistar y hacían concursos para regalar entradas, estaba preparado para concursar, y siempre me ganaba las entradas, iba a los conciertos con mi cámara, en esa época no te decían nada por entrar con la cámara o de repente pasaba que iba a un concierto solo con la cámara y llegaba donde la gente que estaba cortando los tickets, pasaba con la cámara y decía que era fotógrafo de prensa y pasaba, era otra época. 

Igual era raro, los fotógrafos de diario que habían en esa época eran de 50 años para arriba entonces un cabro de 20 metido ahí con una cámara grande era extraño no era lo cotidiano, hoy está llena la calle de muchachos con cámara. 

A poco tiempo de ir a tantos conciertos empecé a conocer gente y conocí a gente del diario entonces quise meterme a trabajar al diario porque sabía que tenía muchas trabas para entrar a los concierto, pero cuando decías que eras de prensa se te habrían todas las puertas, era el interés de tener en la espalda un medio. Entonces me metí un verano a trabajar, estuve como dos meses y medio gratis, obviamente me daban de pega “lo que boto la ola” como dicen, las fotos que nadie quería hacer, fotos que no necesitan mucha técnica. Al tiempo tenía todas las puertas abiertas para hacer lo que quisiera desde ir a los conciertos o fotografiar a músicos. Y paso que cubrir conciertos para los fotógrafos del diario era muy complejo, ellos entraban a las 8 de la mañana a hacer su turno y terminan hecho bolsa a las 6 de la tarde entonces ningún fotógrafo quería ir al concierto a las 9 de la noche a esa hora ya estaban reventados, me convertí en el que cubría todos los grandes conciertos que pasaban en Concepción en esa época, como por 5 o 6 años. 

 

 

 

KJ: ¿De qué diario estamos hablando?

CM: En ese tiempo se llamaba Crónica que era una especie como la cuarta en cuanto a formato y público objetivo y El Sur que es como la copia de El Mercurio o trata de copiarlo, para esos dos trabajaba, hasta el día de hoy soy muy amigo de los dos editores de espectáculo de los dos diarios y tenía la chance de hacer fotos donde quisiera tanto de entrevista y de artistas de conciertos. 

KJ: ¿Por qué crees que las bandas te eligen como fotógrafo?

CM: Eso habría que preguntárselo a las bandas, no sé en realidad hasta hace poco había pocos fotógrafos haciendo esa pega, a veces no podía cubrir un concierto importante y después me daba cuenta que nadie fotografío ese show y cuando no sé hay como 6 escuelas para estudiar fotografía, está la gente autodidacta igual que yo, quizás es falta de interés, claro que hay cosas que le interesan a uno, hay cosas interesante de registrar por el carácter histórico que tiene un concierto y pasan como si nada, no hay registros. 

 

KJ: ¿Cuál fue tu primer encargo fotográfico?

CM: No recuerdo mucho, pero desde que empecé a fotografiar bandas no partí en circuito chico para llegar a un circuito grande, sino que partí en un circuito grande al tiro, yendo a fotografiar a los grandes conciertos de concepción, lo primero que me paso fue el año 2002, la revista Rolling Stone tenía una versión chilena, la revista venía cocinada como en 40% de estados unidos, el otro 40 se hacía en argentina y el otro 20% se hacía en Chile, en diciembre la revista llevaba el personaje del año en la tapa, ese año en que había edición chilena porque duró muy poco, la tapa fue de Los Búnkers y ese reportaje lo hizo la Marisol García que viajó a Concepción, estuvo con la banda varios días y consiguieron material inédito, igual era una banda nueva así que no fue difícil conseguir material antiguo o de los inicios pero ella también necesitaba tener material en vivo de buena calidad, la banda se acordaba de mi y ese fue como el primer encargo, no me pagaron pero ya tenía una capacidad de negociación, les dije yo compro la revista todos los meses por último si no tienen para pagar denme una suscripción, me llegó por un año gratis. 

 

 

KJ: ¿Con que bandas trabajas?

CM: En este momento no es que sea el fotógrafo de cabecera de nadie, he trabajado con muchas bandas y músicos no hay una banda o artista que necesite fotógrafo constantemente por ejemplo Los Jaivas me llaman cuando hay algún concierto grande igual ellos tocan harto y a veces no hay mucho atractivo en ir a registrar un concierto a alguna ciudad, pero si hablamos de un libro de Los Jaivas quizás en esos hitos ellos tienen perfectamente claro que tienen que tener buenos registros y me llaman, Los Jaivas tienen muchos amigos por todos lados y siempre hubo alguien que les tomo foto sin ellos planearlos o había un amigo que tenía una cámara de cine y los filmó. 

 

Algunas bandas con las que has trabajo son: Los Tres, Los Jaivas, Inti-illimani, Quilapayún, Illapu, Los Bunkers, Francisca Valenzuela, Manuel García, Los Pettinellis, Angel Parra Trio, Lucybell, Nicole, Astro, Alex Anwandter. Internacionalmente he trabajado para The Rolling Stones, Cat Stevens, Fito Páez, Pedro Aznar y Kevin Johansen. 

 

 

Manuel García (29 julio 2016) / Teatro Nescafe de las Artes – Santiago, CHILE.

 

KJ: ¿Qué papel cumple la fotografía en la industria de la música?

 

CM: Siempre ha tenido un papel importante porque la música suena pero no se ve, entonces una forma de que se vea la música es a través de la fotografía o del arte gráfico, pero en lo que respecta a nosotros la foto cumple un papel importante porque mostramos al artista, no hay que olvidar que en una época la gente solo tenía la tapa para saber quién era el artista y no había ni siquiera la posibilidad de ver al artista en televisión como para saber como era, estaba leyendo la biografía de The Beatles y en la época que ellos recién estaban partiendo y se estaban consiguiendo discos de las bandas que a ellos les gustaba, cuentan en la biografía que habían muchos artistas que tocaban temas de otros artistas y se hacían pasar por la banda, porque la gente no los conocía de cara, para que veas lo importante que es hoy en día ver quien esta cantando la canción, ese el papel importante de ver como se ve y como suena, ahí está el rol de la fotografía de mostrar al artista y también como elemento del marketing, hay gente que va a llegar a escuchar la música porque le gustó la foto o le intrigo la banda de como miraban estos tipos en la foto, hoy en día el valor que tiene el hecho de tener buenos registros de cuando toca una banda, si ese show no está registrado o si no publican fotos o vídeos en las redes sociales este show nunca existió o si ese show lo vieron 30 personas y lo registras lo subes a tus redes ese show lo va ver mas gente. 

 

 

 

KJ: Hablemos de The Rolling Stones 

CM: La banda hizo la gira latinoamericana y no trajo a su fotógrafo, lo que hace normalmente una banda es que viaja con su fotógrafo, ellos contrataron a un fotógrafo en cada una de las ciudades de la gira, en el caso de Chile solicitaron a la productora local entre todas las cosas que pidieron, un fotógrafo en Santiago, pidieron el book de tres fotógrafos para ellos decidir, a mi me avisaron de la productora que me iban a proponer un trabajo con una banda grande no me dijeron que banda era, esto fue 4 meses antes del concierto y me eligieron e hice las fotos. 

 

 

KJ: Eres el único fotógrafo chileno en llegar con una foto a la portada de la revista Rolling Stone

CM: Ni yo esperaba que una de esas fotos llegara a la portada de la edición de diciembre de revista Rolling Stone. Un amigo me avisó que estaba apareciendo la foto en la portada, pero yo no tenía idea. La hice para la banda, e imagino que está en el stock de fotos que ellos distribuyen de forma promocional. 

 

 

 

 

 

KJ: Explícame tus 3 formas de trabajar 

 

CM: La primera es ir acreditado por un medio de prensa ya sea para una página web o una radio, esta es el tipo de registro que es menos profundo por lo general, tiene muchas restricciones, la norma es que te dejan fotografiar los 3 primeros temas de un concierto, ellos designan una ubicación que tiene que ver con logística de ese momento, tiene que ver con que tan arrugado este el artista o que tan violento puede ser el público de la primera fila para ponerte ahí, a mi y a mis colegas nos han escupido, nos han tironeado, por lo bajo me han llegado palmetazos en la cabeza, entonces hay un montón de cosas que se analizan para ver dónde ubicar a los fotógrafos de los medios.

 

 

CM: Esto únicamente lo decide el artista, hay artistas que han dejado fotografiar un solo tema pero hay artistas que por ejemplo dicen los vamos a dejar fotografiar el tema 13, 14 y 15, recuerdo un concierto de Regina Spektor nos dejaron fotografiar el primer tema después del primer minuto, un minuto del tema, nos pusieron en una tarima super lejos, Regina Spektor gran parte del concierto lo hace sentada en el piano, nos pusieron al lado de la mesa de sonido todos con las cámaras para abajo dos personas con cronómetro a cada lado de la tarima, parte el primer tema y ellos parten con el cronómetro cuando el show va en el primer minuto se pueden levantar las cámaras y cuando se termina ese minuto tenemos que bajar la cámara y salir con guardias. Me gustaría saber la lógica de eso, por ejemplo, esa vez que nos dejaron fotografiar el tema 13,14 y 15, era un concierto de Charly García y tenía que ver con que Charly pasa mucho tiempo en el piano en los primeros temas e íbamos a tener siempre una foto estática de él en el piano, en cambio, en el tema demoliendo hoteles toca una parte en piano y en un momento se para, va al medio, aplaude con el público, y después se va a sentar al piano, entonces ahí tenemos la variedad,  y eso tiene una lógica. Lo otro no sé que lógica tiene. En el fondo es algo que elige la banda y tu registro va a ser bien limitado. 

 

 

La segunda opción es cuando eres fotógrafo de la productora, trabajo para Lottus la que hace el Lollapalooza y tiene varios conciertos durante el año, es un poco más flexible a mi como fotógrafo de la productora me permiten hacer fotos en otras partes del concierto, a las productoras les interesa obviamente mostrar que el concierto fue un éxito. 

Y la opción tres es cuando eres contratado por el artista, entonces ahí puedes hacer lo que quieras, te dejan fotografiar el camarín, camino al escenario, en la prueba de sonido, el concierto mismo de todo el ángulo que quieras, es lo que más me gusta a mi, el libre control. 

 

KJ: ¿Vas de gira con las bandas? 

CM: Ahora último no tanto, anoche estaba revisando unas cosas de Los Bunkers y me dí cuenta que un año la banda entre enero y marzo tuvo 47 shows, obviamente no los hice todos pero es cansador, es interesante mantener ese ritmo de gira de equipo humano viajando, de convivir con otras personas, conocí Chile con Los Bunkers. 

 

 

 

KJ: ¿Qué lentes ocupas?

CM: Tengo un conjunto de 3 lentes son los que más me acomodan, es un 50, un 16-35 y el 70- 200 mm. 

 

KJ: ¿Ocupas flash?

CM: El flash lo meto a mi mochila muy pocas veces, en una época empecé a hacer tocatas punk y ahí no tenía ninguna posibilidad porque a veces ni siquiera había luz y ahí si tenía que ocuparlo y ese mismo flashazo le daba toda una onda estética a la foto, en los conciertos por lo general no permiten usar flash por la molestia que provoca al público y al artista.  

 

 

KJ: ¿Has pensado en hacer videoclips, salir de la imagen estática?

CM: Lo he hecho en partes, he grabado trozos de vídeos que han terminado en videoclips, por ejemplo hay imágenes mías en un vídeo de Nicole (Nuestro Tiempo) otro de Gepe (Platina) que es corte documental y de Los Bunkers, hice una edición de un vídeo de esta gira larga de 47 fechas (Tour verano 2014 »La Velocidad de la Luz’’), gira que no sabía que terminaba con el receso de la banda hice un corto de formato documental. Me acomoda más el formato de vídeo clips documental más que de vídeo clips. 

 

 

 

KJ: ¿Por qué crees que en Chile hay pocos libros sobre foto de música?

CM: Porque siempre es más caro hacer un libro de fotos que un libro de texto, debieran haber más libros de foto musical, soy un fanático de los libros los colecciono. 

 

KJ: Solo has hecho una exposición en toda tu carrera ¿por qué?

CM: Nunca me interesó hacer exposición de fotos, estaba cerrado en una idea “que hoy en día no es necesario que la gente salga de su casa o vaya a algún lugar a ver la foto a un lugar en particular porque hoy está a un solo click en la web”, me lograron convencer que es muy distinto verlo en una pantalla a verla en papel detenida frente a ti el tiempo que quieras y lo hice fue una invitación de la gente de La Casa de la Cultura de Quilicura, me pareció interesante tuve el auspicio de canon que hizo las impresiones de las fotos y me lance no mas, me gusto mucho el resultado. 

 

 

 

KJ: Huawei te invitó junto a otro fotógrafo para recorrer Chile y probar la cámara de su último teléfono 

CM: Claro, segunda vez que una marca de teléfono de alta gama se acerca para que pruebe la cámara del teléfono, más allá de tener aplicaciones, hoy en día la máxima competencia que tiene un teléfono es la cámara, entonces cada vez tienen cámaras más sofisticada y para sacarle el máximo partido a las cámaras las marcas necesitan a alguien que les saque el jugo y demostrar que es buena cámara, pasa mucho que las marcas se acerquen a los fotógrafos para que prueben sus cámaras. 

Me tocó viajar a Chiloé estuve 3 días en el Parque Tantauco y 3 días en San Pedro de Atacama, éramos dos fotógrafos fuimos con Darwin Vera que es un fotógrafo de naturaleza y en el viaje al sur fue Pedro Astorga, el hace kayac y al norte fuimos con la actriz María José Bello, este fue un programa de Discovery Chanel, un comercial que duraba 1 minuto estuvo apareciendo entre abril y mayo, el slogan es “redefine las reglas de la fotografía con esta cámara”, por el zoom, la resolución y por la forma que tiene de captar los colores. 

 

KJ: ¿En qué estás ahora? 

CM: Estoy digitalizando todo mi archivo análogo que hice en mi primera época, yo creo que fueron como 10 años y estoy viendo fotos que nunca vi, en esa época tomaba un rollo cuando iba a conciertos, por ese entonces trabajaba en el diario y revelaba ahí, pasaba a papel un par de fotos, pero casi nunca las pasaba por completo a papel, me compre un escáner de negativos y estoy descubriendo cosas que estaban ahí, está apareciendo toda esa época de conciertos de Los Tres originales, de Los Bunkers cuando eran muchachos, Los Jaivas con Gato Alquinta, toda esa época donde no me perdí ningún concierto de esas tres bandas cuando pasaban por Concepción, lo estoy digitalizando un poco también para ordenarme en lo que tengo y bueno quien sabe lo que sale de ese material. 

 

KJ: ¿Qué música escuchas?

CMPor lo general escucho bandas que me tocan fotografiar y siempre estoy al tanto de lo que está sonando, ahora estoy escuchando a una banda de noruega que está cantado en inglés, se llama Boy Pablo hacen un indie pop, su vocalista es hijo de un chileno, también estoy escuchando a un músico inglés que es de padres senegaleses que se llama Michael Kiwanuka hace una mezcla de soul pero se le mete por los poros el folclore africano. 

KJ: ¿Tienes referentes fotográficos?

Me gustan los fotógrafos que trabajan con las bandas que me gustan, como: Bob Gruen o Annie Leibovitz, el fotógrafo de Los Beatles, Terence Spencer. En Chile, Jorge Gronemeyer, conozco su etapa ligada a la música, hizo todas las fotos promocionales y la tapa del disco Pateando Piedras de Los Prisioneros, me gusta harto su trabajo a pesar de que pareciera que hizo algo puntual en relación a la música, su trabajo va por otro lado, por la misma época está Cristián Galaz tuvo una época que pasó por la fotografía y después derivó en el cine hizo varios videoclips, también hizo las fotos promocionales de La voz de los ’80 y otras que son en diferentes lugares no sé si en el persa o en la vega, me gusta harto esa época de sesión de bandas ochenteras, también me gusta harto las fotos de un fotógrafo El Mercurio, cuando estaba chico en mi casa compraban el Wikén los viernes, y era esperar esa tapa porque siempre tenía que ver con algo actual. Un fotógrafo que aún trabaja ahí, se llama José Francisco Somalo, recuerdo muy buenas fotos de él de música, fue invitado para hacer las fotos del backstage del videoclip Tren al Sur, publicaron en el diario una foto muy bonita a Jorge González sentado en el tren apoyado con el codo en la ventana y frente a él a un camarógrafo grabando el clip. 

 

KJ: ¿Cuántos años llevas en la foto musical?

CM: Desde que tengo 14 unos 30 años. Profesional con boleta y todo 20 años. 

 

KJ ¿Qué opinas con que varios medios no acostumbren a poner el nombre del fotógrafo al lado de la foto (crédito) ?

CM: Lo primero es que esta muy mal pagado y muy mal acostumbrados los medios o quien contrata, en la sociedad chilena hay muy mala valorización del arte y para que hablar de la fotografía, la gente a veces peca de falta de conocimiento o falta de trato. Me escribe gente y me dice: «oye, me puedes mandar esa foto que subiste a Instagram, me la puedes mandar en alta por favor la quiero tener pero solo para usarla yo», piensan que es gratis no cachan que es un trabajo que tiene precio. 

El tema del crédito es algo que yo siempre he peleado, pero en realidad estamos hablando de algo que es ley, está contemplado dentro de la ley de propiedad intelectualidad, una vez tuve una discusión con un editor que me decía que él no ponía los créditos porque en realidad esa foto ya me la había pagado la productora, y esta ocupando la foto de la productora y que no tienen porque poner crédito si la foto ya estaba pagada, y hay un error de concepto grave porque la ley 17.336, indica que por más allá que te han pagado una foto o te hayan comprado una foto o hayas vendido los derechos de uso comercial.

 

Álvaro López

 

CM: El fotógrafo tiene el derecho de que tu nombre este puesto al costado de la foto, eso se llama derecho patrimonial, el derecho de autor tiene dos derechos, el derecho de autor es el que te pueden comprar y pagar y el derecho patrimonial es el que indica que tu nombre siempre tiene que estar asociado a tu foto de autor, te hayan pagado o no, y ese nombre al lado de la foto no es de quien te haya pagado la foto, del sello de la productora o del diario, la ley dice que va el nombre del autor, no puede decir Copesa, no puede decir cedida.

Ayer salió una foto de Gepe en La Tercera y decía Gepe. La foto era bien buena y quería saber de quién era, la foto decía como que la había tomado el mismo Gepe, pero la foto la tomó un fotógrafo. La ley dice que tiene que tener el nombre del autor y hay un desconocimiento en esto. Lo que más molesta de todo el tema, es que me ha pasado que mi foto va a dos páginas en una revista, el periodista va con su crédito y el fotógrafo no. Esa es una injusticia, es una falta de respeto. Lo que le decía a un periodista la otra vez , es que en un momento nos vamos a dar cuenta que por mucho tiempo se pasaron por el culo los derechos de los fotógrafos, ahora está normalizado que a nadie le importe, pero es sentido común ¿por qué el periodista pone su nombre y el del fotógrafo no? esto paso mucho en regiones. 

 

 

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THE STOOGES:  A CINCUENTA AÑOS DE LA EXPLOSIÓN.

THE STOOGES: A CINCUENTA AÑOS DE LA EXPLOSIÓN.

Acerca de Danny Fields se podría hacer un documental completo y, de hecho, ya se hizo. Mientras este publicista, periodista y empresario musical trabajó en el sello discográfico Elektra como buscatalentos, quedó impactado con la fuerza del show en vivo de la banda, hasta entonces desconocida, MC5. Se acercó a ellos para ofrecerles un contrato con el sello. “Si nosotros llamamos tu atención, espera a ver a los Stooges”, le respondieron. Así, Danny Fields asistió esa misma noche a ver un show en vivo de los Stooges, quedando absolutamente impresionado. Era increíble lo ruidosa y violenta que sonaba la banda liderada por Iggy Pop, un extravagante frontman que se arrojaba sobre el público, se esparcía crema de maní sobre el cuerpo y sangraba por las heridas que se autoinfligía con trozos de vidrio en el pecho desnudo. Fue así como, de una pasada por la ciudad de Detroit, Danny Fields fichó para Elektra Records a MC5 y a los Stooges. Meses más tarde, en agosto de 1969, y hace exactos cincuenta años, salió a la luz el disco debut de Iggy Pop y sus secuaces, el homónimo The Stooges.

 

 

 

Antes de firmar para Elektra y viajar a Nueva York para grabar el álbum, la banda se hacía llamar The Psychodelic Stooges y solían hacer shows con cinco temas, que llevaban una primera parte como canción convencional, más una segunda parte improvisada que solía durar varios minutos. Por eso, al momento de grabar el álbum, y bajo expresa exigencia de los ejecutivos de Elektra, tuvieron que componer en el hotel Chelsea —el día antes de entrar al estudio— cuatro canciones más y limitar las composiciones antiguas a una duración más convencional, a excepción de la hipnótica y siniestra “We Will Fall”, que registra una duración superior a los diez minutos. Así fue como quedaron inmortalizadas las hoy clásicas “1969”, “No fun” o la impagable “I Wanna be Your Dog”. Estructuras que se repiten una y otra vez, progresiones simples, como si se tratara de blues acelerados e hiper ruidosos, pero todo manchado con la fuerza de un sonido alucinante, heredero del garage sesentero y la psicodelia menos comercial.

 

El disco, a pesar de sus bajas ventas y de no ser realmente valorado al momento de su publicación, hoy en día es considerado un clásico, un disco de culto. El sonido de la banda quedó definido de una vez y para siempre, con esas bases rítmicas simples soportando el peso de una guitarra atronadora, pesada, distorsionada, todo esto sumado a la voz inconfundible de Iggy Pop como guinda del pastel. Escucharlo es sumergirse en una explosión de ruido, actitud y psicodelia.

 

 

La influencia de los Stooges, y de este disco en particular, en la música posterior es innegable. Es difícil pensar que el punk podría haber existido si este disco jamás hubiera salido a la luz. El atrevimiento y desfachatez de Iggy Pop sobre el escenario, el ruido, la suciedad, el peligro, son marcas que toda una generación tomó como punto de partida. Por algo los mismos Sex Pistols (“No fun”) y Joey Ramone (“1969”) versionaron sus canciones. Para qué hablar de “I Wanna be Your Dog”, canción fundamental que ha sido versionada por bandas tan reconocidas como los Red Hot Chili Peppers, Sonic Youth o Joan Jett, hasta por innumerables bandas punk y underground como El último ke Zierre, Parálisis Permanente y Las Vulpess (estas últimas cambiando el título por “Me Gusta ser una Zorra”). Pero no solo el punk rock ha sido influenciado por este álbum, sino también bandas de distintos estilos. Sin ir más lejos, Queens of the Stone Age son herederos directos del sonido de Stooges. Basta fijarse en el sonido de la guitarra en “I Wanna be Your Dog” para comprender de qué estoy hablando.

 

 

Si bien una de las mayores virtudes del disco es que presentaron un sonido que no tenía precedentes directos, la influencia de ciertas bandas no se puede desconocer. Me refiero a MC5, The Doors y la Velvet Underground.

De MC5, los Stooges rescataron el peso y la distorsión de la guitarra (destaca el uso insistente del efecto popularmente conocido como Wah-Wah); de los Doors tomaron la agresividad en el escenario de Jim Morrison —aunque llevada al extremo por Iggy Pop— además de beber de la misma fuente blusera como columna vertebral. Y no solo eso, pues recordemos que Elektra es el mismo sello que publicó el monumental disco debut de The Doors (1967) e incluso la portada de ambos discos debut tiene similitudes evidentes. Y, en tercer lugar, tenemos a la Velvet Underground. La banda del futuro amigo del alma de Iggy, Lou Reed, sembró una sonoridad intencionalmente cruda y desprolija que los Stooges supieron plasmar en este álbum. No por casualidad John Cale, miembro y segundo hombre al mando de la Velvet, fue el productor del álbum de Iggy y los suyos.

 

 

Lo que vino después fueron dos álbumes geniales: Fun House y Raw Power, discos que tal vez superaron en calidad al debut, pero la explosión en la cara del mundo fue este álbum, el primero de una trilogía brillante, fundamental para el nacimiento del punk e influencia absoluta para el hard rock y músicos de todas las tendencias. También vinieron las drogas, los excesos, la heroína, hasta que la banda —que en cierto momento pasó a llamarse Iggy and The Stooges— vio su fin en 1974. En el nuevo siglo los Stooges tuvieron su reunión, dando giras, tocando en festivales y lanzando álbumes, hasta su nueva y definitiva separación. Pero los discos siguen aquí, listos para explotar en la cara de quien los ponga a girar.

 

Joey Ramone and Danny Fields at a Lou Reed after show party at Jerry’s Restaurant in New York City on October 17, 1984. (Photo by Ebet Roberts/Redferns)
BLACK NEEDLE NOISE AGENDA FECHA EN SANTIAGO

BLACK NEEDLE NOISE AGENDA FECHA EN SANTIAGO

BLACK NEEDLE NOISE proyecto musical de John Fryer, debuta en Chile el próximo 14 de diciembre en CLUB SUBTERRÁNEO. 

JOHN FRYER, el músico y productor del sello 4AD, llega a Chile  por primera vez para presentar su actual proyecto musical BLACK NEEDLE NOISE, la progresión de THIS MORTAL COIL, el grupo all stars que incluyó a artistas como Robin Guthrie, Lisa Gerard, Liz Fraser, entre otros. Continuando el espíritu de This Mortal Coil, Black Needle Noise propone una experiencia en vivo que contempla varias voces en escena, buscando reforzar el sonido dream pop de avanzada con matices post industrial.

Desde 2016, BLACK NEEDLE NOISE ha trabajado con diversos músicos como Zialand, Jarboe. (Swans, Neurosis), Patas, Andreas Elevens, Antic Clay, Attasalina, Elena Alice Fossi (Cámara Kirlian), Betsy Martin (Caterwaul, Purr Machine), Spectra Paris, Bill Leeb (Front Line Assembly, Delirium), Mimi Page (Delirium ), Jennie Vee (Hole), Ana Breton (Dead Leaf Echo), Omniflux (Puscifer), Kendra Frost (Kite Base), Andrea Kerr (Colt), Sivert Hoyem, Tara Busch (I Speak Machine), Chris Connelly (Ministry, Revolting Cocks, Sons of the Silent Age), entre otros.

John Fryer es uno de los forjadores del sonido del dark y post punk a través de su permanente colaboración con bandas como Cocteau Twins, Dead Can Dance, Dif Juz, Lush, Clan of Xymox, etc. Además fue el productor tras el sonido de Depeche Mode, Erasure, Yazoo, Nietzer Ebb, etc.

 

 

EL PROYECTO

 

Black Needle Noise comenzó en 2016 cuando Fryer invita a trabajar a artistas como, Zialand, Jarboe. (Swans, Neurosis), Patas, Andreas Elevens, Antic Clay, Attasalina, Elena Alice Fossi (Kirlian Camera), Betsy Martin. Este mes de septiembre, la banda editará su segundo disco, Lost in Reflections, el cual cuenta con las voces de las artista Zialand (Noruega), Kendra Frost (Kite Base), Andrea Kerr (Colt), Jennie Vee (Pixies, Hole, Eagles of Death Metal), entre otros.

 

 

Su carrera comienza en  Blackwing Studios en el sur de Londres, como parte de los sellos discográficos 4AD, Mute, Rough Trade y Beggars Banquet, cuyos catálogos incluían a bandas como Fad Gadget y Cocteau Twins. Fue su trabajo con esta última banda en el desarrollo del sonido etéreo y ambiental, lo que llevó a Watts-Russell a poner los ojos  sobre  Fryer como su socio musical y productor para This Mortal Coil.

Fryer también es conocido por su trabajo de producción en el género de rock industrial, trabajando con Nine Inch Nails, Stabbing Westward y Gravity Kills.  Paralelamente también produjo, diseñó y mezcló Spellemannspris de The Schools, trabajo que recibió un Grammy noruego. Y mezcló el innovador álbum de Jesus Jones, Doubt.

Fryer es uno de los productores más importantes en el ámbito del desarrollo sonoro en las últimas cuatro décadas por el trabajo realizado con los ya mencionados Depeche Mode, Cocteau Twins, Nine In Nails (Pretty Hate Machine), Love and Rockets, HIM (Razorblade Romance) entre docenas de otras. Su canción «Song to the Siren» (interpretada por Liz Fraser de Cocteau Twins) fue descrita por David Lynch como una de las mejores en su «lista de las canciones más hermosas de todos los tiempos».

 

OBTENER ENTRADAS EVENTRID

 

FUENTE: COMUNICADO OFICIAL URI MARKA PRODUCCIONES

 

 

MÚSICA Y MEMORIA : FAM VÍCTOR JARA PROMUEVE PRECIOS POPULARES

MÚSICA Y MEMORIA : FAM VÍCTOR JARA PROMUEVE PRECIOS POPULARES

EL FESTIVAL DE ARTE Y MEMORIA, FAM VÍCTOR JARA, ORGANIZADO POR LA FUNDACIÓN QUE RESGUARDA LA MEMORIA Y LEGADO DE UNO DE LOS ARTISTAS MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO XX EN CHILE, BUSCA FOMENTAR LA PARTICIPACIÓN DE ORGANIZACIONES CULTURALES Y SOCIALES GRACIAS A PRECIOS POPULARES EN SUS ENTRADAS.

DE ESTA FORMA LA GRAN PARRILLA QUE REÚNE UN AMPLIO ESPECTRO DE MÚSICOS, ESTILOS, SONIDOS Y PROPUESTAS, TIENE COMO PRINCIPAL FINALIDAD PERMITIR QUE LA MAYOR CANTIDAD DE PÚBLICO TENGA ACCESO A UNA JORNADA MUSICAL DE ESTAS CARACTERÍSTICAS POCO FRECUENTES EN LOS ESCENARIOS LOCALES.

 

 

 

1. Las entradas se podrán comprar a mitad de precio. Esto es: en caso de galería la entrada queda en $ 3.500 y en caso de cancha a $ 5.000.

2. Las entradas son válidas para los días 22, 23 y 24 de septiembre (ver programa en www.famvictorjara.cl).

3. Programa a los que se aplica el beneficio:

a. Día Domingo 22 de Septiembre: 1. OBRA DE TEATRO PATEANDO PIEDRAS 2. JORGE ALIS y 3. PASCUALA ILABACA. b. Día Lunes 23 de Septiembre: 1. Cantata Víctor Jara de HOSKEN 2. BANDA LOS CELESTINOS y 3. LOS JAIVAS. c. Día Martes 24 de Septiembre: 1. TRIO MEMORIAL. 2. BANDA CADIMA Y 3. MANUEL GARCIA Y SU BANDA d. Día Viernes 27 de septiembre: 1. FISCALES AD HOK. 2. LOS MISERABLES. 3. MAURICIO REDOLÉS. 4. FDE 5. HORREGIAS.

4. Las entradas solo se podrán comprar en nuestra casa fundación ubicada en Almirante Riveros 067 a pasos de Metro estación Santa Isabel, en los siguientes horarios: de Martes a Viernes de 11 a 20 hrs. y sábado de 10 a 14 hrs. Solo se pueden comprar con dinero en efectivo.

5. Se pueden adquirir un mínimo de 10 entradas por organización y un máximo de 40.

6. Los cupos de entradas son limitados.

7. Una vez enviado el formulario será contactado por la producción del Festival para concretar la adquisición de las entradas.

 

MAS INFORMACIÓN  WWW.FAMVICTORJARA.CL

DÍAS DE NEGRO :  CLAN OF XYMOX EN CONCIERTO.

DÍAS DE NEGRO : CLAN OF XYMOX EN CONCIERTO.

Ciclo Aniversario Blondie Presenta:

«Clan Of Xymox Days of Black»

Viernes 27 Septiembre, 21:00 Hrs.

 

Luego de 4 años, Clan of Xymox vuelve al mítico club nocturno que vio nacer y crecer la movida dark gótica en Santiago, Blondie, que el próximo 27 de septiembre celebrará su aniversario 26 con la banda de Ronny Mooring, presentándose en el marco de su gira promocional para«Days of Black».

La larga trayectoria Clan of Xymox  posee un repertorio donde melodías de color negro han predominado y definido su sonido.  Su reciente trabajo de estudio “Days of Black” no es la excepción.  Si «Matters Of Mind, Body And Soul» (2014) bajaba los tonos oscuros, este nuevo trabajo los recupera con temas bailables como «Loneliness» y «I Need to be Alone»,  en contrapunto con composiciones emo-tivas como «Set you Free» «Your Kiis«, y los densos «Leave Me Be» o «I Couldn’t Save You». La envolvente y profunda voz de Ronny Moorings sigue siendo uno de los elementos claves en la ecuación sonora que la banda patentó.

Parte importante del repertorio que se escuchará el 27 de septiembre, proviene de DAYS OF BLACK,  sin embargo este nuevo encuentro con la banda, no dejará de lado el repertorio de discos tan importantes como MEDUSA TWIST OF SHADOWS,  y un recorrido por sus «grandes éxitos»

 

 

Venta de Entradas

 

Preventa 2: $10.000
Preventa General: $13.000
Puerta: $15.000
Ubicación Preferencia $20.000 (Solo 40 Cupos)

Venta Sin cargo y Pago en Efectivo:

Sonar: Paseo Las Palmas 017, Metro Los Leones.
Disqueria Indie Records, Eurocentro Local 0118

Fuente: comunicado oficial evento.

EL SUEÑO DE PATTI SMITH

EL SUEÑO DE PATTI SMITH

El próximo 18 de noviembre el Teatro Caupolicán recibirá a Patti Smith, una de las figuras más reconocidas de la antigua escena punk de NUEVA YORK, concretando, luego de años de gestiones, la esperada visita de la cantante y poeta.

 

 

 

Su nombre es referente de generaciones tanto por sus primeros días en CBGB, como por ser una de esas figuras que han formado parte de un imaginario cultural que traspasa lo musical.  Desde sus inicios ligada a la actividad artística a través de la poesía, la fotografía, la pintura, y la narrativa, PATTI SMITH,  ha sido, ante todo, un icono de la cultura alternativa en su país como en el resto del planeta.  Su aplaudido álbum debut Horses (1975), sigue siendo discografía fundamental en la crónica sobre quienes forjaron el camino de las mujeres en la música rock.

 

 

Su visita ha dejado de ser un sueño para sus admiradores, después de años de rumores y esperanzas alimentadas por entrevistas en medios nacionales sobre su gusto por las obras de Bolaño y Nicanor Parra, todo esto en el contexto de bulladas visitas a México que parecían acercarla a algo que aún era lejano.

Sin embargo, después de todos los intentos,  2019 es el año en que el sueño de Patti Smith tocando en Chile se materializa, al menos, el próximo 18 de noviembre cuando Patricia suba al escenario del ya mítico Caupolicán.

PATTI SMITH PARTICIPARÁ EN CATÉDRA BOLAÑO

 

La casa de estudios anunció esta semana la participación de SMITH en la célebre cátedra dedicada a la obra y figura del escritor Roberto Bolaño.   La declarada admiración de la artista hacia Bolaño, y la influencia que su literatura ha tenido en el trabajo de la también escritora, ha adquirido notoriedad en los últimos años a través de diferentes instancias mediáticas y artísticas en que la cantante ha dado a conocer su obsesión por el autor.

Cátedra Abierta, de la Universidad Diego Portales (UDP) nació como homenaje al autor de obras como 2666 y Los detectives salvajes y en reconocimiento como uno de los creadores latinoamericanos más relevantes del siglo pasado.

El encuentro aún sin fecha de realización, se suma a la agenda de actividades de la cantante en su priemera visita al país.

 

 

 

La venta de Entradas contara con dos etapas Preventa exclusiva para clientes de una compañía telefónica desde martes 6 de agosto del 2019 desde las 11:00 Horas y los precios irán entre $32.300 y $104.500.

Entrada general desde el jueves 8 de agosto 2019, con precios entre $39.100 y $126.500

TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA

TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA

Como parte de su trabajo en el ámbito de la experimentación desde el sonido, el colectivo Hogareño, realizará TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA.

Enfocados en la creación de música experimental, exploración sonora, performances y producción de actividades vinculadas a la experimentación en el sonido, el colectivo Hogareño, encabezado por los productores y músicos Renato Ortíz y Sebastián Tapia, convoca al TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA, registro, procesamiento de audio digital y composición colectiva, el sábado 7 de septiembre.

La actividad propone una forma de trabajo en que los participantes elegirán y grabarán un sonido “X” de corta duración. Luego se traspasará el sonido al computador para ser procesado en el software libre “Audacity”, buscando aprender a diferenciar los tipos de procesadores que existen y cada participante aplicará el que estime conveniente. Finalmente, como una forma de intercambio, los sonidos resultantes convergerán entre si y se discutirá el orden de aparición, los niveles, entre otras decisiones compositivas.

Como clausura de la jornada, a las 20 hrs, se realizará una muestra abierta a todo público para escuchar los resultados del taller, además habrá una presentación musical del artista experimental Renato Ortiz .

Una vez terminado el taller los sonidos y la obra colectiva será subida a una página web.

 

 

Requisitos para los participantes:

-dispositivo para grabar audio (grabadora digital, celular, cámara)
-computador (con el software Audacity instalado)
-audífonos (auriculares)

Valor del taller: $5.000
Duración: 4 horas
Monitor: Sebastián Tapia Núñez

Dirección: Maturana 1090 esquina Bulnes / Villa Alemana

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