Mes: mayo 2019

ÁLBUM: HISTORIAS VERDADERAS RIMA CON BANDERAS

ÁLBUM: HISTORIAS VERDADERAS RIMA CON BANDERAS

Cuando voy temprano en la mañana a dejar a nuestra cría y deidad a su sala cuna, trato de ir con un poquito de tiempo. Es que le gusta ir tocando cada una de las banderas colgadas del techo en el pasillo por donde entramos hacia el ascensor al fondo del edificio.

Entonces levanto a nuestra cría y deidad, mientras con el cuerpo empujo el coche y avanzamos. Van sus bracitos arriba —boca abierta en carcajada ínfima la suya, dedos chicos en punta— para que apenas agarre, esquina por esquina, esos viejos paños de raso y yo, si tengo aliento, voy diciéndole en voz alta: China Popular, isla británica de Jamaica, Estados Unidos de México, Irlanda Independiente, territorio poscolonial de Guinea, y me pregunto una vez más qué es este edificio, este lugar tan privado como comunitario permite el capitalismo, donde te dan la bienvenida con un montón de banderas, entre las cuales se supone que debe estar la tuya.

 

Comienza a sonar en mi magín el primer loop andino, la repetición de una frase de quena y charango con que empieza la canción “Historias verdaderas” de los Rebel Diaz, entre los platillos que dan entrada al beat y a su rapeo. La Mitad de la Gran Colombia, sigo enumerando por el pasillo, Algeria independiente, Corea Estadounidense, Trinidad y Tabaco, Australia de la Reina. Al tacto gozoso de nuestra cría y deidad en camino a su sala de crías y deidades estos pabellones tal vez ya no tengan el peso fanático, militar, excluyentes en sus fronteras y violentos en el monopolio de las armas de sus estados, sino la vibración de un montón de estrellas, soles y lunas que giran y ponen en juego una combinación de colores y formas. Resuena esa levedad en mi magín cuando

“un invierno

se congelaba el lago

mil novecientos

ochenta y cuatro

éramos cuatro

en un cuarto

en la casa del Lito

en el norte de Chicago

mi mamá, María

Marcelo, mi hermano

yo soy el Rodri

mi papá es el Mario

el Lito tenía al Dani

un hijo de cinco

mitad chileno

y mitad de Puerto Rico

desde ese momento

que somos amigos

caballito blanco

llévanos contigo

llévame a Chicago

donde yo crecí

chileno, exiliao

big boy

MC!”

Mientras el Rodri Venegas y el Gonzalo —los Rebel Diaz— cantan eso al fondo de mi oído, nuestra cría y deidad va desarmando cada rectángulo nacional con un solo golpe de su puño de wawa.

 

“ Esto es pa mi tía

mi tía Sonia

hago hip hop

siempre en tu memoria.

Te cuento que el Nico

también es un rapero

sus líricas son fuego

otro guerrillero.

Esto es pal Julito

mi amigo desde chico

después crecimos

y nunca más nos vimos

yo andaba en Guatemala

mi mama me llamaba

que el Julito había muerto

y yo solo lloraba.

Me dolió en el corazón,

tan frágil la vida.

Si escuchas, te mando

un saludo, tía Luisa.”

 

 

A ese ritmo se suceden las banderas. Estados Unidos de Brasil, Guyana colonial francesa, Costa de Marfil, Canadá de la Reina y Uruguay oriental sólo para los argentinos, al momento que, a mitad de camino, nuestra cría y deidad apunta a la derecha, hacia donde se abre otro pasillo lejos del ascensor —porque todavía queda tiempo, siempre hay un poco, parece decirme, así como baja a través de mis brazos, boquiabierta como yo—, porque de repente ante nosotros se abren paredes tapizadas por una serie enorme de vinilos incontables, multicolores, por varias décadas y tradiciones, de The Como Mamas a Otis Redding, de Barry Manilow a Janet Jackson, de Wu Tang Clan a Solange; de la Fania a Selena, de Irakere Ivy Queen y a Aventura. ¿Qué es este lugar, este territorio privado y comunitario, donde en los muros resuena una historia del consumo musical de sus habitantes?

Mientras con la cría y deidad estiramos los brazos para ir tocando la superficie multicolor de las portadas, caigo en la cuenta de que en cualquier momento podría asomarse en este muro el vinilo de América vs Amerikkka de Rebel Diaz, ese donde viene el tema “Historias verdaderas”. Pero, cuando volvemos a enrumbar hacia el ascensor, no aparece la bandera tricolor de la estrella solitaria entre la serie del pasillo principal. Aun si la cría y deidad, los Rebel Diaz y yo seamos en buena parte sureños de la parte sur de este continente, no encontramos una bandera de Chile colgada en el pasillo. Tal vez porque nadie de este edificio ondea una historia verdadera de ese país. Por ahora —eso también parece decirme la cría y deidad con la mirada, justo cuando suena el timbre del ascensor que llega.

 

Por CARLOS LABBÉ desde Nueva York, Estados Unidos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

SOBRE EL AUTOR :

Carlos Labbé nació en Santiago de Chile en 1977. Ha publicado la hipernovela Pentagonal: incluidos tú y yo (2001), las novelas Libro de plumas (2004), Navidad y Matanza (2007, traducida al inglés y al alemán), Locuela (2009), Piezas secretas contra el mundo (2014), La parvá (Sangría, 2015) y Coreografías espirituales (Periférica, 2017 / Sangría, 2018), además de los cuentarios Caracteres blancos (Sangría, 2010 / Periférica, 2o11)Short the Seven Nightmares with Alebrijes (2015) / Cortas las pesadillas con alebrijes (Sangría, 2017).

Fue parte de las bandas Ex Fiesta y Tornasólidos. Sus discos de música solista son Doce canciones para Eleodora (2007), Monicacofonía (2008), Mi nuevo órgano (2011), Repeticiones para romper el cerco (2013) y Ofri Afro (2018). Ha sido coguionista de las películas Malta con huevo(2007), El nombre (2016). Es licenciado y magíster en literatura. Ejerce la crítica literaria en Sobrelibros.cl y forma parte del colectivo editorial Sangría. Acaba de publicar la edición en inglés de «Coreografías espirituales».

Monophone Records reedita EL JAZZ EN CHILE

Monophone Records reedita EL JAZZ EN CHILE

El incipiente sello discográfico patrimonial Monophone Records, presenta el primer número de su catálogo con la reedición en vinilo y en plataformas digitales del emblemático disco “El Jazz En Chile”, long play publicado originalmente el año 1962 por Ediciones L.R. Ortiz.

Gracias al financiamiento del Fondo Para el Fomento de La Música Nacional 2018, el sello chileno MONOPHONE RECORDS, rescata el primer disco de larga duración grabado por jazzistas chilenos en la Radio Corporación el año 1962 . Una pieza clave para el desarrollo del jazz local.

La cinta, es la primera grabación oficial de una Jam Session cuyo registro sería llevado al formato vinilo, constituyendo el inicio del catálogo de EDICIONES L.R.ORTIZ, el primer sello discográfico creado en Chile como respuesta a las grandes corporaciones musicales de la época. Sello que además, contribuye a la masificación del género en nuestro país.

La lista de músicos que participan en la grabación incluye a jazzistas de formación tradicional como a jazzistas de formación tropical, venidos de orquestas de baile con repertorios de boleros, mambos y tangos. En cuanto al género, la antesala del afro jazz y el jazz fusión. Y de importante influencia para el desarrollo de nuevos géneros en la música popular chilena, lo que se verá reflejado en la cueca, el canto nuevo y la fusión criolla.

EL JAZZ  EN CHILE, en reedición de lujo, incluye el arte gráfico, documentos y fotografías de aquella primera edición, y la total recuperación del audio original en alta fidelidad.

El disco será presentado este martes 28 de mayo 2019, a las 19:30 hrs, en el Auditorio Bellavista PROJAZZ, (Purísima 178, Metro Baquedano), con la participación del musicólogo y especialista en JAZZ, Álvaro Menanteau, y los fundadores de MONOPHONE RECORDS, Juan Pablo Bastidas y René Ortíz.

 

 

 

FOTOS CORTESÍA PÁGINA FB MONOPHONE RECORDS.

Día del Patrimonio Cultural en el MUSEO DEL SONIDO

Día del Patrimonio Cultural en el MUSEO DEL SONIDO

El Museo del Sonido abrió sus puertas a público el pasado 29 de marzo, llevando menos de dos meses desde su apertura, sin embargo, no quiere quedarse fuera de esta fecha tan importante y abrirá sus puertas todo el fin de semana del patrimonio de manera gratuita, con variadas actividades para todo público.
1.- Recorrido por el Museo del Sonido, su museografía y puesta en valor de la restauración de la Casona familia Prendez
2.- Pequeñas charlas sobre la historia de registro y reproducción musical, con horario y cupos definidos.
3.- Taller de Creación de un instrumento de cuerdas no tradicional. Talleres con horario y cupos definidos.
4.- Dibujando el sonido, taller rotativo de arte y música.

Día del Patrimonio from Ministerio de las Culturas on Vimeo.

Nunca pensamos que nos volveríamos viejos.

Nunca pensamos que nos volveríamos viejos.

ROBERT ALLEN ZIMMERMAN, 24 DE MAYO 1941. 

ÉRASE UNA NOCHE EN EL DESIERTO. (OCTUBRE 2016)

Es viernes por la noche. A miles de kilómetros está por empezar eso que han llamado el concierto del siglo. El Oldchella Desert Trip, el festival que reúne a Bob Dylan, The Rolling Stones, Paul McCartney, Roger Waters, The Who y Neil Young, en la bien llamada ciudad de los festivales, INDIO, en el Valle de Coachella, al sur de California.

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Por supuesto no existe transmisión de streaming y el mundo expectante tendrá que esperar hasta que el festival salga en algún formato de colección como bien rezan los mandatos del marketing. Pero no queremos esperar. Es viernes en la noche y queremos estar allá, queremos saber qué está pasando.

Estamos un poco obsesionados, y las redes sociales son el camino para seguir la pista del magno recital. Twitter, Instagram y el ahora “bendito” Periscope ayudan a satisfacer la necesidad de información en momentos así.

El desierto de California ya no parece tan lejano, al menos, en este instante. Las redes sociales oficiales del evento, incluyendo su aplicación para móviles, nos daban la previa, el ambiente, la llegada de los visitantes y el atardecer tricolor con las localidades ya ocupadas. La escena es apoteósica. Es el desierto de California, ni más ni menos, un lugar que ha alimentado el imaginario de la música, el cine y la literatura norteamericana. Un paisaje recurrente dentro del cancionero de la american music.

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Solo horas antes de comenzar, – 7 de la tarde  en Santiago de Chile –  la reflexión de Dylan venida de otro tiempo, publicada por Ron Wood en su página de Facebook, aquella tarde:

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Ya es media noche en esta ciudad, mientras que allá, la noche recién comienza. Dicen los tweets de asistentes al concierto y corresponsales de medios de comunicación, que Dylan ya ha subido a escenario y que suena Rainy day women. Mientras busco los primeros vídeos y fotos para constatarlo, trato de imaginar qué viste Dylan, cómo suena la banda, y cómo se escucha su voz. Entonces encuentro el siguiente tweet de Laura Steele, reportera de Cincinnati 92.5 Indy Classic Hits 104.5 WJJK –

Las imágenes y el sonido hablan del Dylan que creemos conocer y que recordamos.  El hombre de sombrero y traje negro, en penumbras, ensimismado, sentado al piano cantando con la voz que el paso del tiempo ha vuelto más y más aguardentosa transformando su repertorio como bien lo comenta el corresponsal de Agencia EFEDavid Villafranca:

Los aplausos y comentarios llegan desde el desierto, porque Dylan deslumbra con quietud, sobriedad y un poco de ese usual mal carácter sin dejarse fotografiar en la gran noche pero tocando lo que el público ha añorado escuchar: Don´t think twice it´s alright”, “Highway 61 revisited”, “It´s all over now, baby blue”, “Love sick” e incluso la inmensa“Desolation Rowcon McCartney como espectador a un costado del escenario, cuentan los afortunados testigos a través de sus cuentas.

Ballad of a thin man y Masters of war hacen olvidar a los que twittean que Dylan está flojo, aún así pareciera que Dylan busca una y otra vez romper con su propio mito y con la adoración que se le profesa.  Sin embargo, otros dicen que todo lo que hace es a propósito del mito, arrogante y sin respeto alguno por sus seguidores cantando versiones irreconocibles de sus mejores composiciones. Dylan guarda silencio. Guarda silencio incluso cuando gana un Nobel. Esta noche no es diferente. No saluda, ni se levanta del piano para dejarse ver. El hombre del sombrero es casi un sombra, distante, impenetrable y odioso, complaciendo sin complacer.

Tres años después, los registros de de esa noche corroboran eso y todo el resto. Corroboran 80 minutos de historia musical decisiva de la cual los Stones y los Beatles aprendieron.

 

 

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Eduardo Fabregat Editor C&E del Diario Página 12 :

Recopilación fuentes y redacción de textos por Rossana Montalbán
Fuentes fotográficas: Enterprise Press, El País, Chicago Tribune
¿DE QUIÉN ES EL LIBRO?

¿DE QUIÉN ES EL LIBRO?

Una familia londinense en el contexto de la agitada vida moderna y dos generaciones que se encuentran y desencuentran en un entorno diverso y movedizo donde las amistades,  los vínculos amorosos e incluso las relaciones laborales se desdibujan, es lo que explora THE AGE OF ANXIETY, la primera novela del legendario guitarrista y compositor inglés PETE TOWNSHEND, fundador de THE WHO.

Programado para lanzarse mundialmente el próximo 05 de noviembre, THE AGE OF ANXIETY, forma parte de un extenso y multidisciplinario trabajo realizado por el músico en los últimos años. Y el cual contempla la publicación de un disco y el montaje de una instalación artística bajo el mismo título.

En 2015, TOWNSHEND declaraba a revista Rolling Stone sus intenciones de trabajar en obras que abarcasen distintos formatos y soportes. Ahora, con el anuncio de su novela, ha señalado: “Hace diez años, decidí crear una obra magna que combinaría ópera, una instalación de arte y una novela. De repente, acá estoy, con un libro terminado y listo para publicarse. Soy un ávido lector y realmente disfruté escribirlo, y también estoy feliz de anunciar que la mayor parte de la música ya está compuesta, lista para ser pulida para su grabación e interpretación. Es tremendamente emocionante”.

¿APUESTA SEGURA?

La industria editorial nuevamente apunta a un público probado, apostando a que los seguidores de THE WHO querrán leer la ficción de su guitarra fundadora, cuya autobiografía publicada en 2012 fue una de las más vendidas de ese año. WHO I´M, era un descarnado relato en primera persona sobre los acontecimientos más sabrosos y complejos de la vida del músico.  Por su parte, The Age of Anxiety se nos presenta como “Una gran novela rockera que captura la locura de la industria de la música” vista a través de los ojos de un narrador que es “culto, ingenioso y poco confiable”, según señala el comunicado oficial emitido por la casa editorial HACHETTE BOOKS .

Suspicacias más o suspicacias menos, resulta casi imposible que este cruce entre la ficción y la música no nos haga rememorar la experiencia de proyectos artísticos como la película realizada en 1975 desprendida del disco TOMMY. Un film dirigido por KEN RUSELL, con un elenco estelar integrado por ERIC CLAPTON, TINA TURNER, ELTON JOHN, KEITH MOON, ROGER DALTREY JACK NICHOLSON, ROBERT POWELL, entre otros. Un film del cual, probablemente, solo preferimos recordar sus canciones.

 

Lo cierto es que TOWNSHEND ha mantenido un permanente interés en la escritura y en los libros, no solo como letrista y ávido lector.  Sino que, sobre todo, llamativa es, su extensa faceta de editor y autor realizado.

Corría 1975, año de la publicación de su ópera rock TOMMY y del estreno de la película del mismo nombre. Dos hechos que darían material suficiente para THE STORY OF TOMMY,  un libro escrito a cuatro manos con RICHARD BARNES, cuyos textos y fotografías recogen la grabación del disco y el rodaje del film de Ken Rusell.  Así comienza el viaje de Townshend por el mundo editorial. Una viaje inusual y largo que data de 1983, cuando The Who se disuelve.  Este viaje lo llevará a ser el editor de adquisiciones de FABER & FABER. Bajo su dirección, el departamento encargado de decidir qué libros se publicarían, se editó la autobiografía de ERIC BURDON de THE ANIMALS, titulada I USED TO BE AN ANIMAL, BUT I´M ALRIGHT NOW. Un libro hasta ahora inédito en español. Otro título no menor publicado en este periodo fue CROSSTOWN TRAFFIC: JIMI HENDRIX AND POST-WAR POP de CHARLES SHAAR MURRAY, uno de esos libros que resaltan por ser un estudio profundo del arte y vida de HENDRIX, considerado en esas páginas «el instrumentista más elocuente que haya trabajado en rock». Posteriormente, el guitarrista se aventura a editar el exquisito libro que reúne las letras de BRIAN ENO acompañadas de pinturas del artista visual Russell Mills, MORE DARK THAN SHARK.

Así llegamos a 1985, año en que el héroe de la guitarra publica, bajo el mismo sello editor, su primer libro de relatos breves. Una colección de cuentos escritos entre 1979 y 1984, titulada HORSE’S NECK, desde donde se desprende el siguiente párrafo:

«This giant of a man threw the full weight of his body against mine. He was standing in the audience, on a chair behind me, and he put his arms around my neck to support himself. He smelled like a rag used to wipe beer splashes from a bar. He was wet with sweat, and his arms were strong and irresistible. His hands were like the spreading branches of a small, hardy shrub reaching out to the sun, sinuous and brown in the theater lights.»

 

 

Las credenciales musicales de TOWNSHEND son irrefutables. Su curatoría editorial pareciera hablar por sí sola, así también sus primeras incursiones en la narrativa. Pero quién sabe, solo en unos cuantos meses podremos leer la acabada pluma del célebre guitarrista, genio de una generación de inventores que continuaron la gran revolución cultural de los 60s y el Siglo XX: el rock n roll. ¿Autor de novelas? no sabemos. ¿Autor de algunas de las más incendiarias líneas de guitarra de su era y de de inmortales frases de ficción? Sí, absolutamente : I’ll tip my hat to the new constitution / Take a bow for the new revolution / Smile and grin at the change all around / Pick up my guitar and play / Just like yesterday / Then I’ll get on my knees and pray / We don’t get fooled again”.

 

THE AGE OF ANXIETY se encuentra disponible para pre venta en la página

 

Por Rossana Montalbán.

Periodista especializada en Industria editorial.

Directora de Crónica Sonora .

 

Charlando en el Forestal: Joy Division: El fuego helado

Charlando en el Forestal: Joy Division: El fuego helado

En el marco del ciclo CHARLANDO EN EL FORESTAL, el investigador y autor, Carlos Reyes conversará con la periodista especializada en música e industria editorial Rossana Montalbán, sobre la reciente publicación en Chile del libro del cronista español Marcos GendreJOY DIVISION EL FUEGO HELADO, editado por SANTIAGO ANDER. Un repaso a la trayectoria y legado de la banda de Manchester a través del trabajo realizado por el reconocido columnista de ROCKDELUXE y La Zancadilla.  Un encuentro para seguidores del sonido post punk y amantes de la lectura.

El libro JOY DIVISION EL FUEGO HELADO de Marcos Gendre edición chilena 2019 publicada por editorial Santiago Ander, fue presentado el pasado 02 de mayo en Librería del GAM, con la participación de los periodistas Francisco Reinoso y Rossana Montalbán, junto a la música de Intimate Stranger. Te invitamos a leer la reseña.

El conversatorio se llevará  a cabo en librería QUÉ LEO FORESTAL, a partir de las 19 hrs,

Todos los detalles en link 

«En ese sonido hay misterios de todo tipo»

«En ese sonido hay misterios de todo tipo»

Desde 2016, cada viernes la señal de Radio BBC 6 transmite IGGY CONFIDENTIAL, programa radial donde la IGUANA, comparte su amplio espectro musical, oficiando de presentador y DJ. Un espectro que ya había sacado a la luz en el disco de 2012, APRÉS, donde versiona a Cole Porter, Serge Gainsbourg, George Bressens, Frank Sinatra, Fred Neil y otros. Como la gran parte de los músicos de su generación, esa generación de “inventores”, Iggy creció escuchando Blues, Jazz, Swing, Folk y la prehistoria del rock n roll como lo conocemos. En su programa, Pop se pasea por un exquisito y seminal repertorio donde suenan sus héroes de antaño, sus amigos y sus recientes descubrimientos. Es ahí, en ese recorrido, donde nos encontramos con su amor por la música de Bo Diddley, tal como ocurre años atrás en un texto escrito por él para la revista Rolling Stone. Porque África, el Missisipi y la Motor City, Detroit, donde el sonido de los fierros y la Motown convergieron, no están tan lejos. Y un hombre negro, una batería primitiva y un sólo eléctrificante acorde, son parte de una reacción en cadena que nos llevan a The Stooges y al Proto punk.

 

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Bo Diddley por Iggy Pop.

“La música de Bo Diddley es monumental. Es profundamente conmovedora. Tiene la fuerza sugerente y sexual del África. En ese sonido hay misterios de todo tipo. La gente escucha sus grabaciones y piensa: “Ah, si uno hace bom – bobom, bom-bobom, logra el ritmo de Bo Diddley. Pero no es tan fácil.”

Diddley, tocaba cosas sencillísimas pero con una autoridad increíble. La primera vez que escuché un tema suyo fue en un disco de los Rolling Stones, en una versión que hicieron de “Mona”. Era un tema genial: miré los créditos y leí: “Ellas McDaniel” y pensé : “¿Quién carajo es?” Pero cuando quise comenzar a componer, él me dio la clave. Yo no tenía un gran espectro vocal y no sabía muchos acordes de guitarra. Así que buscaba una forma de escribir, y ahí estaba él, componiendo canciones muy completas y memorables, sin tanto aspaviento. No eran pomposas.

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Para empezar, él nunca se molestaba en cambiar de acorde… ¡lo cual es muy heavy metal! Es algo hipnótico. Y, por supuesto, está la actitud, la cuestión de subir el mentón y sacar pecho. Bo tenia algo de toro. Su voz me recuerda al blues elemental del DeltaMuddy Watters pero más urbano y acelerado. Y tiene un alarido profundo y penetrante. También está su forma de tocar la guitarra. En primer lugar, las manos de Bo miden como treinta centímetros desde la muñeca hasta la punta de los dedos. Controla totalmente la guitarra.

 

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Lo que hoy en día se acepta cada vez más como guitarra es un tarado con efecto de distorsión. Bo Diddley tuvo un impacto enorme en el rock n roll de los años 60s. Lo versionaron los Stones, los Yardbirds hicieron “I’m your man” y los Pretty Things tocaron “Pretty thing”, también de él.

 

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The Iguanas, la banda de la que formé parte en el colegio secundario, hacía algunas canciones de él. Como “Road runner”, y en los Stooges se oye también su influencia. Yo tuve algunos pequeños encuentros con él. Una vez trabajamos juntos en Las Vegas, y en los 80s y 90s me lo crucé un montón de veces en aviones; siempre en primera clase, siempre solo, siempre con un bolso de mano, su gorro de policía y su placa de sheriff. Pienso que tanto Bo como Chuck Berry sufrieron la trivialización de aquellos a los que se versiona demasiado. Influyeron en todos, pero sus carreras personales están un poco venidas a menos. Hace falta que una empresa de autos o de jeans ponga un tema de él en una publicidad para que un montón de chabones y chaboncitas digan: “¡Eh! ¿Quién toca esto tan bueno?”

 

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Texto: Bob Diddley por Iggy Pop

Revista Rolling Stone, Pag. 88, Julio 2000, edición impresa. 

Introducción: Crónica Sonora

Comértelo y cagarlo.

Comértelo y cagarlo.

Una manifestación artística es la expresión de un tiempo determinado, de un contexto social y cultural específico. A esta máxima podemos agregar que, las crisis sociales y los abusos de poder obligan a las corrientes artísticas a expresar el carácter de los tiempos.

Corría 1961, cuando Janio Da Silva Quadros renunciaba a la presidencia de Brasil después de medio año al mando y después de haber arrasado en las elecciones. Hablamos de principios de la década de los sesentas, una época donde las ideologías políticas habían adquirido profundos valores humanistas y socialistas en Sudamérica. Estados Unidos y las fuerzas militares sacaban de su cargo al presidente electo- nos suena familiar- como parte de las primeras intervenciones que realizaría en el continente para mantener la hegemonía neoliberal. Brasil había sufrido un golpe de Estado. La dictadura se instalaba en el país más grande del mundo hasta 1985.

Eran días convulsionados alrededor de todo el mundo, guerra de Vietnam, luchas ideológicas, revolución estudiantil, revolución cultural. Brasil no era la excepción, los cambios habían sido detenidos abruptamente y era momento de responder a la dictadura.

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Es así como comienza a gestarse una de las formas de resistencia cultural más fuertes contra la dictadura, a partir de un nuevo “género musical” influenciado por la psicódelia de la época, y desde luego, por The Beatles, ambos, en una relectura bajo los códigos brasileños y una amplia mezcla de ritmos, cuyos pioneros fueron Caetano Veloso y Gilberto Gil.

Tropicália se asomaba como un fiel reflejo de la cultura y sociedad brasileña: una aglomeración de ritmos e influencias musicales que provenían tanto de fuera como de dentro de Brasil, fuertemente basado en el imaginario de poetas como Oswald De Andrade y su manifiesto antropófago de 1928.

Una nueva expresión del espíritu brasileño en medio de la dictadura. Electricidad, cadencia y lisergia; futuristas y rupturistas, así sonaban Os Mutantes con Rita LeeGilberto Gil , Gal Costa , Tom Zé.

Recordadas son sus participaciones en el festival de televisión de Sao Paulo de 1967, donde Caetano Veloso y Os Mutantes, en sus respectivas presentaciones, manifestaron el repudio a la dictadura de manera contundente, entre discursos y potentes manifestaciones musicales. Días después los músicos serían deportados del país

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Todo esto era la esencia de Tropicália, una respuesta a lo establecido, a las viejas formas, a la pérdida del carácter social; una respuesta a la dictadura política y a la dictadura musical de la Bossa Nova. A su vez, esta respuesta buscaba ser una expresión sin fronteras, muy visionaria y global para la época, incluyendo todo, desde el sonido afro hasta el rock n roll, sin localismos, ni abanderamientos sudamericanos, mucho menos brasileños. Un golpe a la cátedra. Esto iba más allá de colores políticos o ideologías americanistas en boga en esos años. La derecha los tildaba de hippies comunistas, mientras que la izquierda de anti marxistas y anti nacionalistas. Tropicália fue la verdadera transgresión y la vanguardia. Pero no nos equivoquemos, sus canciones eran de protesta y denuncia.

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Recordado es el episodio de 1968 en que los músicos fueron encarcelados después de tomar el himno nacional para realizar algo muy similar a lo que Jimmy Hendrix había hecho en Woodstock con el himno de lo E.E.U.UGilberto Gil y sus compañeros de banda, fueron arrestados, según argumentaron los oficiales, por haber faltado el respeto a la bandera y al himno de los brasileños. En febrero de 1969, finalmente fueron exiliados del país, con dirección a Londres.

Como suele ocurrir con los regímenes totalitarios, el barrido cultural y por sobre todo, de cualquier manifestación que salga de la uniformidad, fue inminente. La uniformidad del nacionalismo anti yankee de la izquierda y la uniformidad del fascismo derechista que elimina todo aquello que no se le parezca habían sido desafiadas. Pues bien, para el establishment no era ni derecha ni izquierda; Tropicália era simplemente muy enigmático e incomprensible. Y nuevamente, como suele ocurrir con las expresiones artísticas, su impacto no se calcula en su tiempo de desarrollo, en este caso, alrededor de tres años, sino a través de su huella, una huella que en 1972 al regreso de los músicos a Brasil, aún estaba marcada para su posteridad en la música brasileña.

Tropicália fue aquella antropofagia de la que de Andrade habla en su manifiesto: tomar cualquier cosa que provenga de fuera y de dentro, comértelo, cagarlo y hacer algo nuevo con ello.

 

POR ROSSANA MONTALBÁN

DIRECTORA DE CRÓNICA SONORA

¡ FOME, FOME, FOME !

¡ FOME, FOME, FOME !

LOS TRES retoman los escenarios en un histórico reencuentro entre sus miembros originales y el público. Un reencuentro enmarcado en el aniversario 22 del disco FOME. Aniversario que se celebra con la publicación de un libro de colección que recoge el mítico periodo de grabación de uno de los discos más importantes  de su trayectoria y del rock chileno de los noventas.

Este viernes 10 y sábado 11 de mayo, la banda penquista se presentará en el Teatro Coliseo de la capital,  inaugurando la gira de reunión que recorrerá el país revisitando de forma íntegra las 15 canciones que componen el celebrado disco.

El Tour book del mismo nombre, escrito por David Ponce, editado por Gonzalo Planet y publicado por Libros del Pez Espiral, recopila material inédito y material de archivo que reconstruye el brillante periodo de la banda, a través de fotografías, manuscritos de canciones y testimonios del entorno de la agrupación en esos días, detallando sabrosas anécdotas y pormenores de la grabación.   Además de una interesante entrevista a JOE BLANEY productor del disco.

 

 

Los Tres – Fome – Tour book

Letras por Álvaro Henríquez

Fotos por Roberto Titae Lindl y Gonzalo Henríquez

Textos y entrevista al productor Joe Blaney por David Ponce

Edición por Gonzalo Planet

Libros del Pez Espiral

100 páginas

Santiago, 2019

 

NATY LANE presenta PRIMAVERA SALVAJE en Santiago

NATY LANE presenta PRIMAVERA SALVAJE en Santiago

 

NATY LANE, es la mujer encargada de hacer sonar los acordes del bajo en ADELAIDA, la gran banda de rock alternativo en la escena porteña de los últimos 10 años. PRIMAVERA SALVAJE es su segundo libro de relatos, publicado este 2019 bajo el sello editorial SANTIAGO ANDER, y será presentado en la capital, el próximo 18 de mayo, en Bar Loreto. Mientras que el viernes 17, estará firmando libros y conversando acerca de este trabajo en la librería Qué leo Tobalaba .

 

 

Con una dupleta de actividades, la escritora y bajista llega a Santiago para promover su reciente libro de ralatos. La primera de las actividades se realizará este jueves 17 de mayo, alas 19 hrs,  en la librería QUÉ LEO TOBALABA, (Tobalaba 5151, Ñuñoa, Metro Príncipe de Gales) en el marco de las sesiones de En vino y en directo, una instancia de encuentro entre autores y lectores, para dialogar sobre literatura y procesos creativos. 

Este viernes 18 de mayo, en una noche de música, lecturas y performances artísticas, PRIMAVERA SALVAJE será presentado por la destacada música, productora e ingeniera en audio Victoria Cordero (Chibi Records), Francesca Coeffé y Emilio Vilches, editores de este trabajo.

La performance teatral y musical estarán a cargo de la actríz Carolina Aparici (LA Máquina Elhastio), quien toma y ordena cronológicamente algunos de los textos más representativos del libro para desarrollar un intenso monólogo. La lectura dramatizada estará acompañada de la música incidental compuesta por Maximiliano Mendoza en guitarra y violín y la ejecución musical de la autora, en teclados y voz.

«Naty Lane nos entrega en Primavera Salvaje un conjunto de relatos que exploran la sexualidad y la emocionalidad femenina desde un punto de vista desgarradoramente honesta, desprejuiciado, desafiante, lleno de humor negro, pero también de reflexión. Los relatos ambientados en su mayoría en la Quinta Región, van mostrándonos distintas etapas de la vida de la narradora, desde su infancia y despertar sexual, hasta llegar a historias en su vida como artista en el mundo del rock chileno, asumiendo en algunos casos un tono reflexivo, casi melancólico, y en otros, uno realmente hilarante. Sexo, violencia, fiestas, amantes, viajes, música, despedidas, tristeza, amor, mucho amor… Primavera Salvaje es todo esto y mucho más».

(Emilio Vilches, Editorial Santiago-Ander).

 

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portada naty
PRIMAVERA SALVAJE. RELATOS ÍNTIMOS DE NATY LANE
Colección de Mural
Cuentos / Material Gráfico
Naty Lane
2019
118 págs.
ISBN: 9789569921131
Naty Lane (escritora y bajista de la banda Adelaida, entre otros proyectos musicales) nos entrega en Primavera Salvaje un conjunto de relatos que exploran la sexualidad y la emocionalidad femenina desde un punto de vista desgarradoramente honesto, desprejuiciado, desafiante, lleno de humor negro, pero también de reflexión. Los relatos, ambientados en su mayoría en la Quinta Región, van mostrándonos distintas etapas de la vida de la narradora, desde su infancia y despertar sexual, hasta llegar a historias de su vida como artista en el mundo del rock chileno, asumiendo en algunos casos un tono reflexivo, casi melancólico, y en otros, uno realmente hilarante. Sexo, violencia, fiestas, amantes, viajes, música, despedidas, tristeza, amor, mucho amor… Primavera Salvaje es todo esto y mucho más.