Mes: junio 2020

DERRIBANDO MURALLAS: MÚSICA DISIDENTE

DERRIBANDO MURALLAS: MÚSICA DISIDENTE

Conmemoramos el mes del Orgullo a través de la música con una recopilación de seis de nuestros artículos más recientes dedicados a músicxs que han aportado desde sus obras y su trayectoria a abrir puertas a la comunidad LGTB en la industria musical a lo largo de la historia de la música popular. Una revisión a aquellos hitos musicales que instalaron nuevas estéticas de liberación, ambigüedad y diversidad.

Una recopilación de artículos y columnas en primera persona de músicxs que han vivido en carne propia la lucha disidente. Textos sobre discos, bandas, sonidos creados por individuxs que han derribado prejuicios, censuras, discriminación, invisibilización, y han luchado por la diversidad sexual y derechos humanos. Aquí, una mirada a su música y a su rol como disidencias.

ESPECIAL MÚSICA DISIDENTE

LEE DUSTY SPINGFIELD: SOUL DISIDENTE

 

LEE DIAVOL STRAIN UNDERGROUND Y HETEROPATRIARCADO

 

LEE SEXO, RAZA Y ROCK AND ROLL: LITTLE RICHARD INICIANDO LA REVOLUCIÓN

LEE LITTLE RICHARD : ENTRE EL CIELO Y EL INFIERNO

LEE DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

LEE CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: JUDAS PRIEST SIN AFTER SIN

DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

El extravagante código de vestuario del Glam Rock quedó grabado en las memorias de la escena musical; maquillaje recargado, colores brillantes y pantalones apretados. ¿Lo más importante? Eran hombres quienes vestían estos atuendos, marcando un antes y un después en la percepción de la sexualidad masculina en occidente.    

Las cambiantes representaciones de la masculinidad que ocurrieron en la escena musical a finales de los 60’s y principio de los 70’s fueron parte de una serie de repercusiones culturales de un mundo que vestía nuevos colores: La legalización de la homosexualidad y el crecimiento en los movimientos de la liberación de la mujer tuvieron un efecto en cómo se exploraba la representación masculina en las esferas culturales. La música siempre ha sido pionera en ejemplificar, bajo las luces del escenario, dichos cambios. 

El caso del Glam Rock tiene entre sus ejemplos rostros tan reconocidos como lo es el de David Bowie. Adoptando un vestuario unisex que jugaba con elementos andróginos, la feminización de la figura masculina era mostrada como algo erótico, culminando con el travestismo performativo sobre el escenario.

Muchas veces el valor simbólico de la vestimenta ha sido mirado en menos en favor de los discursos. Sin embargo, algo no tiene que ser necesariamente textual para ser político y contestatario. La forma en la que se utilizan los recursos visuales tiene también la capacidad de desafiar las estructuras dominantes, cuestionando lo que se entiende por normal. El Glam Rock desafió directamente a la hegemonía heterosexual masculina de la época. 

Algunas de las principales características del estilo visual del Glam eran el uso de glitter, telas brillantes y suaves como el satín y el terciopelo acompañadas de pantalones de látex o cuero. Colores llamativos, patrones de aspecto psicodélico e incluso uso de prendas socialmente entendidas como ‘de mujer’. Un ejemplo de esto es la carátula del LP The Man Who Sold the World, de David Bowie en 1970, en donde luce un vestido de satín crema con patrones de flores azules, el cabello largo y una pose que destila elegancia y seducción, no hay nada de ambiguo en la imagen, su mensaje directo. 

Musicalmente el Glam Rock hacía uso de toda esta parafernalia para dar lugar a un sonido dramático lleno de artificios, con vocalistas que hacían uso de vibratos y notas altas (Como Bowie y Mercury), además de arreglos complejos de carácter progresivo. Lo glamoroso y femenino no tenía por qué significar carente de técnica o contenido.  

La extensión de su influencia llegó a los rincones más inesperados del globo, como lo podemos ver en los elementos Glam que recogió el rock japonés de finales de los 80’s hasta principio de los 2000’s.  Del otro lado del océano, Japón estaba cultivando su propia estética visual que desafiaba los cánones de masculinidad, con importantes similitudes al Glam, pero también con su propia identidad performativa.

 

El Visual Kei fue la rama del rock japonés que adoptó parte de la iconografía visual del Glam, como los atuendos extravagantes, el maquillaje exagerado y los peinados con volumen. El Visual Kei incluyó también dentro de sus características sonoras elementos electrónicos, punks y góticos, apuntando a una completa libertad de expresión artística.

Para este movimiento la expresión visual del estilo significó también la no conformidad con los patrones rígidos de una sociedad prohibitiva. Asociado con una generación rebelde, el Visual Kei ganó arrastre no solo con los jóvenes japoneses, si no que también la idea de la rebelión por medio de la extravagancia y de jugar con los elementos andróginos en el vestuario llegó hasta países como Chile, donde durante mediados del 2000’s se pudo observar como jóvenes adoptaban estos elementos como parte de su identidad. 

Bandas como Malice Mizer representaron esta corriente. De sonido con claras influencias góticas, de arreglos complejos que mezclaban los efectos de la guitarra con los sintetizadores, lo más distintivo era la particularidad de su vestimenta. Los colores fuertes se mezclaban con el negro en vestimentas góticas de rostros pálidos y prendas femeninas. Los integrantes de la banda usualmente se travestían tanto para las carátulas de los discos como para los conciertos, la extravagancia colorida del Glam se mezclaba con trajes de corte aristocrático que hacían parecer a los artistas como salidos de una novela de vampiros, utilizando incluso elementos circenses.  

 

Esto no solo presentó una nueva forma de masculinidad no heterosexual, si no que también se transformó en una nueva idea de lo que era atractivo para las mujeres, quienes muchas veces eran público objetivo de las bandas. De la misma forma en que el Glam llegó de la mano de movimientos de liberación femeninos, el Visual Kei se transformó en un vehículo para que las mujeres pudiesen explorar su propia sexualidad sin que ellas fueran el objeto de deseo.

Un ejemplo de esta nueva construcción de la sexualidad por medio del homoerotismo es Gackt, quien fue vocalista de Malice Mizer y comenzó su carrera solista a finales de los 90s. Siempre jugando con lo andrógino, el estilo de Gackt en aquella época se caracterizaba por la ropa ajustada que dejaba ver una figura delgada, maquillaje tan dramático como su actuación sobre el escenario, en donde sus canciones llenas de vibrato lo dejaban de rodillas. Plataformas, patrones de animal print y tres o más cambios de vestuario durante sus presentaciones son solo algunos elementos que hacen referencia a la influencia del Glam en su estilo. 

Sin embargo, uno de los aspectos más recordados de los inicios de su carrera es el alto contenido homoerótico de sus conciertos. En una sociedad conservadora como lo es la japonesa, Gackt no tiene reparos en mover su pelvis de forma sugerente, los pantalones apretados con textura de piel de serpiente ayudando con la imagen. 

En sus conciertos, durante una de sus canciones más populares -y cuya letra tiene alto contenido sexual’ Vanilla de 1999, Gackt seduce a su guitarrista con movimientos sugestivos, caricias e incluso besos, lo cual marca el punto álgido de la canción con un público mayoritariamente femenino que grita hasta el cansancio. Al igual que David Bowie, acá se da un paso más allá de lo ambiguo, cruzando hacia un erotismo que ya no es estrictamente heterosexual. 

Gackt demuestra un importante rango vocal, alcanzando altos característicos del Glam Rock para luego adoptar un tono grave y profundo con arreglos con redobles y pausas que le dan un tono grandilocuente a sus canciones. Su música no es una broma, la feminización y el homoerotismo no son usados como un recurso cómico, sino que, como otra forma de expresión de una identidad diferente, y también como una herramienta para una generación que no se conformaban con los cánones establecidos. 

 

 

La carrera de Gackt, al igual que la de muchos artistas japoneses, ha evolucionado desde el Visual Kei de aquella época, aun así mantiene elementos que conservan la idea central del movimiento: La libertad en la expresión corporal y visual para resignificar las distintas formas de ser hombre (o no serlo), abarcando un espectro que va más allá del binarismo de género, dándole además mayor libertad tanto a mujeres como a disidencias sexuales de descubrir y construir sus identidades con referentes de la cultura pop.  

Tanto como resulta importante revisar el Glam Rock con una nueva mirada que reconceptualiza valores marcados por la heteronorma, es también un ejercicio interesante el echarles un vistazo a otros estilos más alejados del canon de occidente pero que comparten los mismos principios rebeldes y disidentes. Por supuesto, el mejor lugar para comenzar son los conciertos, instancia ideal para poder entender la importancia de las corrientes marcadas por un estilo visual transgresor. Gackt y Malice Mizer son buenos lugares para comenzar. 

LA MÚSICA NUESTRA ARMA: DESCARGA Y LEE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS»

LA MÚSICA NUESTRA ARMA: DESCARGA Y LEE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS»

En noviembre de 2019 Crónica Sonora editó el primer número de su revista “Estas máquinas matan fascistas”, una extensión de su plataforma web, surgida a partir del estallido social chileno, iniciado el 18 de octubre de ese mismo año.

Tomando el lema escrito en la caja de una guitarra por el cantautor estadounidense, padre de la canción protesta, Woody Guthrie “These machines kills fascists”, se quiso dar título a un conjunto de textos inicialmente publicados en formato de dossier, dedicados al poder crítico de la música en el contexto de la movilización social iniciada en Chile el 18 de octubre de 2019. Así nace “Estás Máquinas matan fascistas” la revista del sitio web www.cronicasonora.cl, un espacio de reflexión y crítica desde la escritura musical, que reúne a distintas voces ligadas al oficio de la música y su divulgación, entre los que se encuentran musicólogos, escritorxs, antropólogxs, editores literarios, músicxs y periodistas, dando forma a un proyecto coral de sonidos y ritmos divergentes, en el que se cruzan la música y la realidad social.

Con tres extensos números publicados hasta la fecha, desarrollados en plena revuelta, el más reciente de ellos enmarcado en la histórica conmemoración del 8M2020. En cada una de sus ediciones a lo largo de más de 50 páginas se pueden leer textos sobre políticas de la música, himnos de protesta. Feminismos y enfoque de género. Entrevistas a activistas musicales, a emblemáticas bandas, a bandas emergentes, y a musicólogas. Columnas de opinión, reseñas cinematográficas, y relatos que cruzan la ficción y las melodías, entre otros contenidos.

 

Con la música como arma principal en medio de los agitados tiempos que vivimos, post estallido social, en plena pandemia mundial y actual cuarentena, “Estas Máquinas Matan Fascistas”, es una revista hecha a pulso, en contracorriente, lejos de las explosiones y demandas comerciales de la actual industria local y global. Una publicación que llega para quedarse y expandir el ruido que nos hizo pensar, que nos hizo sacudir, patear y gritar. El mismo ruido que nos ayudó a resistir y a sacar la voz. El mismo ruido que hoy desenfundamos como el arma más letal contra lo que nos adormece y nos oprime. «Estas Máquinas Matan Fascistas. La Música nuestra arma» desde Santiago, Chile en cuarentena con oídos abiertos recibiendo las ondas sonoras de todo lo que nos mantenga despiertos.

 

Disponible en formato digital para descarga gratuita.

Ya puedes suscribirte y leer sus recientes números.

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DESCARGA Y LEE

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REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N°3 – 8M 2020

REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTS N°2 -DICIEMBRE 2019

REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MAQUINAS MATAN FASCISTAS N°1-NOV 2019

CANCIÓN DE AMOR Y VENGANZA: HORREGIAS Y SU NUEVO SINGLE

CANCIÓN DE AMOR Y VENGANZA: HORREGIAS Y SU NUEVO SINGLE

Un 25 de junio de 2016 Nicole Saavedra Bahamondes de 24 años fue encontrada muerta, con las manos atadas y con señales de tortura en un sitio eriazo de Limache. Desde entonces, su muerte ha sido símbolo de la violencia lesbofóbica en Chile y de la ausencia total de justicia y mecanismos legales que condenen los crímenes de esta índole. Hoy, en el marco de la Semana de agitación #JusticiaParaNicole, su muerte y su recuerdo se hacen canción gracias al nuevo single de Horregias titulado «Nicole Saavedra Bahamondes».

Cuatro años han pasado desde que Nicole Saavedra fue encontrada muerta. Cuatro años de largo y enlentecido proceso judicial en el cual ni siquiera se han establecido sospechosos, dejando en evidencia, una vez más, la indiferencia de las instituciones hacia la comunidad lésbica/lgtb y sus familiares. Sin embargo, pese al dificultoso camino en la búsqueda de responsables y de un proceso judicial respetuoso y justo, la figura y memoria de Nicole están más presentes que nunca gracias a diversas acciones de protesta y reinvindicación por parte de organizaciones sociales y activistas, entre ellas el trío de punk rock oriundo de Renca, HORREGIAS, compuesto por Horridia Parra Urrutia, Feocia Casto, y Mari-Crimen Kraken, como se hacen llamar, quienes han sido voz permanente en la visibilización de ésta y otras realidades que afectan a la comunidad lésbica.

Así nace «Nicole Saavedra Bahamondes», una canción que es un tributo a su vida como también un grito de protesta y venganza contra su muerte, recordándonos la atrocidad cometida contra Nicole y tantxs otrxs. Una canción grabada por la productora musical, guitarrista y voz del proyecto Círculo Polar, Victoria Cordero en Estudio Lautaro de Santiago durante el mes de marzo, a días del inicio de la cuarentena. Una grabación que cuenta con el apoyo del sello independiente Vacaciones, lanzada a través de sus plataformas digitales este 19 de junio en el marco de la Semana de Agitación por Nicole, una iniciativa que a través de distintas acciones a lo largo del territorio busca mantener en tiempo presente el crimen contra Nicole y la necesidad de justicia para ella y su familia.

Junto con el estreno del single, la banda estará presentándose en vivo y en directo a través de su cuenta de IG Live el mismo 19 de junio, a las 21 hrs, oportunidad en la cual conversarán con su productora musical sobre el trabajo realizado en esta composición y sobre el mensaje reivindicativo en ella. El tributo a Nicole se completa con el estreno del vídeo para la canción realizado por Johanna Ovalle, programado para el 25 de junio. Actualmente, la banda se encuentra trabajando en su tercer álbum, y ha iniciado una campaña de recolección de fondos para mantener su sitio web, con la venta de descarga de su álbum «Lo normal» de 2016. Puedes colaborar con la banda AQUÍ

INSTANTÁNEAS DE RUIDO Y PUNK: UN RECUERDO DE HUEVO OLEA

INSTANTÁNEAS DE RUIDO Y PUNK: UN RECUERDO DE HUEVO OLEA

En memoria del guitarrista, miembro fundador de DTH y Enfermos Terminales, César Huevo Olea, fallecido la madrugada del 17 de junio 2020, a causa de Covid 19, indagamos en los recuerdos de su vital paso por el underground local a través del testimonio de Cristóbal Durán, bajista y fundador de Alternocidio entre los años 1995 – 1997, banda integrante de la seminal escena hardcore de finales de los 90s.

 

 

Hace un par de días falleció el Huevo, César Olea. Se lo llevó el COVID-19, ese virus infame que todavía parece un fantasma. Compartí más de una vez con él, junto a lo que fue su banda más longeva, Enfermos Terminales. Si mi memoria no me engaña, la primera vez que los vi fue en 1996. Debe haber sido probablemente su primera (o a lo sumo, segunda) tocata. Fue en alguna parte de La Florida o en Gran Avenida, si mal no recuerdo. Pero de eso ya van cerca de 25 años. Sólo puedo recordar la potencia que transmitían en esos primeros días, una banda que sin duda fue fiel a esos primeros gestos, luego de pasadas más de dos décadas. El Huevo era un puntal en eso, qué duda cabe. Si bien Patán y Mery, los vocales de Enfermos, le daban el primer plano a ese sello inconfundible con su dupla de voces, tal como en tantas bandas de crust o del anarcopunk que escuchaba por ese entonces (Extreme Noise Terror o Nausea, las primeras que se me vienen a la cabeza…), todo el basamento de Enfermos se sostenía en las seis cuerdas. Y eso era tremendo. Tuve la suerte de compartir escenario con ellos muchas veces en esos primeros años, en distintos lugares y en ocasiones diversas, junto a tantos otros como Silencio Absoluto, Disturbio Menor, Donfango, Nada de Público, o Redención 9-11. Pero para mí Enfermos fue, desde la primera vez que los vi, algo así como el epítome del hardcore-punk por estas latitudes. Era difícil no escuchar en ellos a Circle Jerks, Black Flag de los primeros días, o incluso algún dejo al GI de Germs. Y me atrevería a decir que en buena parte esa era la mano del Huevo.

 

Archivo banda

Yo ya sabía que ese sonido venía de alguna parte. A principios de los 90 había caído en mis manos, como a tantos y tantas, esa joya infame de D.T.H., Vómito Social. Con su horrible carátula fotocopiada, y 6 temas en unos 10 minutos, era el primer ataque grindthrash que escuché en Chile, y ahí era la voz del Huevo la que arreciaba, con total violencia. Fue como si se tratara de la primera impresión que me produjo el From Ensalvement to Obliteration, ese pedazo de extremidad que curiosamente Napalm Death había arrojado ese mismo 1988. Digo todo esto para recordar, y recordarme a mí mismo, que el Huevo fue uno de esos pocos eslabones entre esas camadas del Hardcore y del punk de la generación de los 90, y los cultores de los sonidos extremos en esta parte del mundo en esos oscuros años 80. El Huevo fue eso, sin duda, y eso me producía verlo en el escenario con una polera de Agnostic Front o de Corrosion of Conformity. Era como traer el Rock Shop del último tramo de los 80 en medio de una tocata de 1998, era mantener esa fuerza y ese amor por los tarros.

Esa es la instantánea que quisiera conservar del Huevo, en el escenario, como un gran conector entre los 80 y los 90, y mucho más acá, cuando supo seguir dándole a Enfermos Terminales una modulación y un sello distinto, manteniendo esa furia que vi en él y en el modo en que sentía la música. Esa instantánea es la que muchxs de nosotrxs podremos revisitar una y otra vez, para volver a sentir esa pasión que veíamos en él y que queríamos reconocer como nuestra. 

 

Formación 2018  – Foto por Karolina Guajardo. Poesía Beats y rock and roll.
CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: SIN AFTER SIN DE JUDAS PRIEST

CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: SIN AFTER SIN DE JUDAS PRIEST

Dentro de la comunidad LGTBQ+ hay un dicho que fue acuñado rápida e ingeniosamente por Juan Gabriel para responder al retirado cuestionamiento sobre su sexualidad: Lo qué se ve no se pregunta. Corría el año 1998 cuando el vocalista de Judas Priest, Rob Halford, habló por primera vez de manera pública sobre su homosexualidad; “Creo que la mayoría de la gente sabe que he sido un hombre gay toda mi vida”. 

Lo que se ve no se pregunta, aunque en este caso es valioso mencionarlo. ¿Qué veíamos en Judas Priest antes de dicha confesión? ¿Qué escuchábamos? ¿Qué cambió?

No es que de pronto los temas de la banda se volvieran gays, o que luego de aquella confesión (¿Confesión para quienes? ¿Para los medios?) empezaran a serlo. Hay quienes creen que solo cuando algo se enuncia en voz alta es que se vuelve verdadero, como una suerte de confirmación que torna reales los hechos. Pero lo queer en la escena heavy metal y en la banda existía desde mucho antes del 98’. 

«Sin After Sin» es el tercer disco de Judas Priest, lanzado el año 1977. Un álbum sólido con redobles rápidos y que incluso incluye un cover de Joan Baez. Este disco consolidaría su triunfo en la industria, sirviendo como un puente para convertirse en uno de los pilares fundantes del heavy metal. 

Dentro del disco hay un tema que Rob Halford dice es una canción heavy metal sobre los derechos homosexuales: «Raw Deal» es descriptivamente homoerótica, evocando la conocida localidad gay de Fire Island para ubicarnos entre cuerpos de hombres fornidos, en una escena con olor a alcohol y transpiración; All the heavy bodies ducking, stealing eager for some action (todos esos cuerpos pesados agachándose, robando ansiosos por algo de acción). 

Sin embargo, la letra no solo describe un instante dentro del a escena gay, protagonizado por Rob. “The true free expression I demand is human rights – right” (La verdadera libre expresión que demando son derechos humanos – cierto). Con esta línea la canción no se reduce a un rol descriptivo, es también una declaración de principios más allá de una confesión.  Con esta frase liga los derechos humanos a la libertad de expresión, una expresión de carácter performativo, por medio del cuerpo, ubicándose en un espacio determinado como lo es un bar gay

La expresión de una sexualidad disidente por medio de accesorios o vestuario alcanzó un punto álgido de mano de la subcultura del cuero, estética adoptada por Judas Priest en sus correas con tachas y pantalones de cuero ajustados, estableciendo un vínculo visual con una parte aún más marginada de la contracultura del heavy metal. Fue Judas Priest la banda que popularizó la forma de vestir que definiría el look metal, tomada directamente de los sectores gay frecuentados por su vocalista. 

 

Gracias a su narración descriptiva acompañada de la referencia a lugares icónicos para la comunidad gay como lo es Fire Island en New York, «Raw Deal» es la canción más explícita del disco. Sin embargo, el elemento queer de la banda no está contenido en un solo tema.  

Baladas como «Last Rose of Summer» o «Here Come the Tears» cuentan con la particularidad de no utilizar pronombres que delaten al objeto de los afectos del narrados como una ‘ella’, dejando la posibilidad abierta a interpretación. La utilización de la segunda persona singular no solo evita especificar a quien dirige sus palabras, sino que además genera un vínculo de intimidad con el auditor. Toda canción de amor puede ser una canción de amor gay

«Starbreaker» nos habla de un hombre llegado del espacio, un amante excepcional de esos con los cuales una agradece su suerte si llega a ser la elegida—excepto que «Starbreaker» se roba todos los corazones de la ciudad, sin importar si el dueño es hombre o mujer. “Let’s hope maybe this time/ He picks me and you” «(Esperemos que esta vez/ él me elija a mí y a ti).” Rob no tiene reparos en admitir que él también quiere un momento con este amante espacial. 

 

 

 

Discos como «Defenders of Fatih», lanzado en 1984, evidencian aún más el elemento queer no solo en la estética de la banda, sino que también en el contenido de sus letras. Pero el elemento disidente siempre estuvo allí, desde el primer momento en que un músico gay tomó el micrófono y cantó. 

El mundo del metal ha sido vinculado a la imagen ruda del hombre mujeriego de características híper masculinas asociadas a la heterosexualidad. Con un panorama así, debemos procurar ver bien antes de preguntar, porque allí mismo es donde habita lo queer, vestido de cuero y bailando en clubes nocturnos junto a otros cuerpos de hombros anchos, siempre expectantes. 

 

 

 

EL SECRETO DE LA MÚSICA URBANA : OLIVIA MORTIS PRESENTA SU NUEVO TRABAJO

EL SECRETO DE LA MÚSICA URBANA : OLIVIA MORTIS PRESENTA SU NUEVO TRABAJO

Olivia Mortis es una artista versátil, que se define como: feminista, costurera, poetisa y cantante. Luego de publicar su primer libro de poesía “El invierno de los anticristos” en 2019, este año se sumerge en la música, en especial en los ritmos urbanos mezclados con los elementos del trip hop, el globalbass, el trap y el flamenco, dando forma a un disco de lírica potente, enfoque feminista y político, titulado «Fatal Orgullo».

«Fatal Orgullo», es un viaje onírico, íntimo y personal en donde destacan canciones como “Incriminación artificial”, un trance musical en el cual la compositora transmite su pasión por el flamenco y la poesía. “Other Way” sorprende con una exquisita base trip hop recordándonos los mejores tiempos de la escena de Bristol. Luego de 28 minutos de música, llegamos a su primer single “Lo personal es político”, cuyo vídeoclip grabado en bar “Tattoo Rockers» de Barrio Italia, transmite su postura como mujer y artista en lo sociedad actual.

Para dar vida al disco, Olivia decidió buscar la colaboración de algunos Djs y beatmakers de la región metropolitana, entre ellos, Otra creencia, Apolo Negro, Zerh Beat y FraInstrumentos, quienes decidieron formar parte del proyecto y producir el nuevo disco, dando forma a una variada selección de samplers con le uso de instrumentos virtuales y beats, que hacen del disco una sólida muestra de música urbana, conservando y potenciando la idea e inspiración original de la cantautora.

 

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RECOMENDADO: LEJOS DE LA MULTITUD

RECOMENDADO: LEJOS DE LA MULTITUD

«Lejos de la multitud», es un espacio radial en formato podcast dedicado a la difusión de artefactos culturales en tiempos de pandemia, donde podrán encontrar novedades y joyas perdidas de música punk, post punk, jazz y soul, junto con recomendaciones de libros, cómics, series y películas.

La idea del show surgió del reportaje “Lejos De La Multitud: Figuras Clave En La Difusión De Rock Underground En Chile (1980-2000)” (http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/173128) y busca continuar la tradición de quienes se dedicaron a través de programas de radio, revistas y fanzines a revelar expresiones artísticas desconocidas por el público local e ignoradas por los medios tradicionales. En medio de la crisis sanitaria global y frente a la avalancha de información hoy resulta más necesaria que nunca una curatoría que organice y exhiba las nuevas tendencias procedentes del underground y la escena independiente.

Producido y conducido por el periodista Carlos Aliaga, “Lejos De La Multitud” se estrena cada viernes a las 13:00 hrs. en el sitio pinchadiscos.cl y luego puedes revivirlo en https://www.mixcloud.com/carlos-aliaga4/.

LA UNIÓN HACE LA FUERZA: ENCUENTRO INTERNACIONAL «MÚSICAS EN RED»

LA UNIÓN HACE LA FUERZA: ENCUENTRO INTERNACIONAL «MÚSICAS EN RED»

El movimiento internacional «Músicas en Red, trabajadoras de la música y el sonido» tendrá su primer encuentro on line este sábado 13 de junio, a las 16 hrs Chile. La jornada virtual estará dedicada a debatir la actual situación del sector en medio de la emergencia mundial y será transmitida a través de las plataformas digitales de las organizaciones convocantes @musicasenred y @gestorasencuentro. Las colectivas encargadas de exponer serán :

  • Músicas en red internacional y Chile.
  • X Más músicas en vivo Argentina (Ley de cuota)
  • Más músicas Uruguay
  • Energía Nuclear México
  • Coordinadora Femfest Chile.
  • Red de mujeres en el sonido, Argentina.
  • Frente Música nacional, Chile.

“Músicas en red, movimiento internacional trabajadoras de la música y el sonido” surge como una necesidad a partir de diagnósticos y asambleas realizadas en encuentros convocados por Gestoras en red entre 2017 y 2019 en Chile y Uruguay, respectivamente, llamados: “Gestoras en red, encuentro internacional de trabajadoras de las artes” y en “Músicas en red, encuentros nacionales de trabajadoras de la Música” realizados en Chile el 2018. En esos encuentros se generó un plan internacional y movimiento de trabajadoras de la música y el sonido, compartiendo proyectos de incidencia que cada país ha levantado hasta ese momento, así como otras iniciativas de trabajo, colaboración y creación en red.

En estos encuentros se creó una alianza entre las colectivas Gestoras en red, Más Músicas Argentina, Más Músicas Uy y Músicas en red Chile, creando un primer cordón sudamericano para abrir las fronteras de una realidad compartida entre países hermanos. Más tarde Energía Nuclear: Mujeres en la música, se unió a la iniciativa desde México.

Uno de los principales objetivos de Músicas en red es fomentar la visibilidad y promoción de todas las músicas y artistas vinculadas a lo sonoro, enfocándose en quienes no tienen espacio en las programaciones actuales de la industria capitalista y patriarcal de la música. Así como también promover un elemento que las distingue: conformar un gremio de la música compuesto por mujeres y disidencias de diversas expresiones feministas no partidistas con acuerdos de base como la solidaridad, colaboración, autogestión, buena convivencia y buenas prácticas, lejos de las lógicas del mercado.

«Estar en red es estar unidas, informadas y potenciadas. La oportunidad de unas es la oportunidad de todas (…) Estamos en red para ayudar a que así sea. No soluciona toda la histórica desigualdad que padecemos en el ámbito de la música, pero construirá escenarios más igualitarios y representativos de los géneros y las sexualidades. Desde esos escenarios se construye sentido, identidad y ciudadanía. Es un buen comienzo», reflexiona Celsa Mel Gowland, representando a la colectiva X Más Músicas Mujeres En Vivo (Argentina).

“Somos músicas críticas frente al sistema mercantil, neoliberal, patriarcal y contaminante, que promueve la competitividad y usurpación de nuestros trabajos frente al capital. Y es por ello que hemos decidido estrechar aún más nuestros lazos con la idea de fortalecernos, apoyarnos y continuar generando puentes y circuitos alternativos que validen la multiplicidad de expresiones musicales, sonoras y discursivas, así como acciones de incidencia que promuevan la equidad de género en las distintas esferas de nuestro sector musical y cultural” profundiza Rosa Angelini, co fundadora de Músicas en red.

Desde «Más Músicas Uruguay» explican su motivación de compartir experiencias y estrategias en red: “Adherimos a Músicas en Red Internacional porque queremos unirnos a la fuerza de los colectivas de mujeres y disidencias músicas que están luchando por la misma causa en nuestra región y el mundo. Compartimos las problemáticas y tenemos la certeza que de ellas salimos juntxs, porque apoyándonos nos fortalecemos y sostenemos mejor la lucha.Creemos importante colaborar y compartir entre los colectivas de países hermanos las experiencias, aprendizajes y saberes obtenidos, para potenciarnos hacia la equidad de género en la música”.

Mientras que «Energía Nuclear de México» se define como “un colectivo de mujeres dedicadas a la música con más de 200 integrantes comprometidas con dar visibilidad y sentido de pertenencia para navegar en la industria de la música e incidir sustancialmente en la construcción de un tejido social que visualice el arte como camino y respuesta. Nuestro movimiento es inclusivo, pacifico y sin inclinaciones políticas o religiosas”.

Revisa la programación del encuentro digital “Música en red”, movimiento internacional de trabajadoras de la música y el sonido frente a la pandemia“ AQUÍ

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Horarios Sábado 13 de junio

16:00 a 18:00 hrs Chile

15:00 a 17:00 hrs México

17:00 a 19:00 hrs Argentina, Uruguay

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Pertenecen a Músicas en Red Internacional:
X MÁS MÚSICAS MUJERES EN VIVO (Ley de Cupo), Argentina
GESTORAS EN RED, RED INTERNACIONAL TRABAJADORAS DE LAS ARTES
COORDINADORA FEMFEST, Chile.
MÁS MÚSICAS UY, Uruguay
FMN CHILE, FRENTE MÚSICA NACIONAL, Chile
ENERGÍA NUCLEAR, México
ELECTROMAGNÉTICA, Chile
UDARA, MUJERES Y ROCK, Chile
RMS RED DE MUJERES EN EL SONIDO, Argentina.
FEMROCK, Ecuador
CHICAS ROCK, Chile
RED NEKOE, Chile.
MÚSICA VIAJERA, Chile.
BOCA FLOJA, Argentina
MAR ALZAMORA, Panama.
COLECTIVA DE MÚSICAS DE SAN JUAN, Argentina
PLATAFORMA EN TIEMPO REAL, Colombia
TODOPODEROSX, Colombia
NÓTT Movimiento Electrónico Femenino de Latinoamérica

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INCHE: MÚSICA PARA LA LUCHA ANCESTRAL

INCHE: MÚSICA PARA LA LUCHA ANCESTRAL

Inche presenta el Ep “Inche en Lof el Tume», su segundo trabajo discográfico recientemente estrenado a través de sus plataformas digitales con «Berta y Nicolosa» y «Pichikeche», dos canciones que continúan repasando y reforzando la identidad cultural de pueblo originario y el sonido de raíz folclórica y ancestral.

Formados en Temuco el año 2017, Inche del Mapudungún «Yo soy», es la banda de música fusión ancestral que recupera los elementos estéticos y sonoros del pueblo Mapuche, colocando en valor su legado cultural, y retratando la histórica lucha territorial en la Araucanía.

Su primer trabajo «Sonidos de la Tierra», publicado en 2019, fue un trabajo que apostó por piezas musicales basadas en la cosmovisión de los pueblos originarios, asociadas al valor de la madre tierra. Este 2020, la banda compuesta por Paola Linconao (voz, guitarra electroacústica e instrumentos mapuches), Oscar Jarpa bajo eléctrico y coros, Eduardo Cerda, guitarra eléctrica, Javier Huiliñir batería, Constanza Medina y Marcelo Gonzalez, Sonidista, acaba de estrenar en sus plataformas digitales el trabajo titulado “Inche en Lof el Tume», EP del cual se desprenden dos composiciones que retratan la historia reciente de la Araucanía y del pueblo Mapuche. La primera de ellas, «Berta y Nicolasa», en honor a Berta y Nicolasa Quintreman, mujeres claves en el movimiento de resistencia del Alto Bío Bío, en la larga batalla contra la hidroeléctrica Endesa, conflicto que devolvió a la primera plana la ursurpación de las tierras de los puebloa originarios del sur de Chile, en pleno regreso a la democracia.

Una composición que por sobre todo busca transmitir el legado de conexión con los espíritus de la naturaleza y la defensa de la memoria de los ancestros.

La segunda composición desprendida de “Inche en Lof el Tume», es la canción “Pichikeche”, inspirada en las niñas y niños mapuches, sobre la cual la banda comenta: “vemos la proyección de lo que esperanzamos para nuestro pueblo: el orgullo de ser mapuche, que nunca más en la historia debe ser aplacado”.

Te invitamos a conocer el trabajo de INCHE

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