Mes: noviembre 2020

«Si nosotros llamamos tu atención, espera a ver a los Stooges»

«Si nosotros llamamos tu atención, espera a ver a los Stooges»

Acerca de Danny Fields se podría hacer un documental completo y, de hecho, ya se hizo. Mientras este publicista, periodista y empresario musical trabajó en el sello discográfico Elektra como buscatalentos, quedó impactado con la fuerza del show en vivo de la banda, hasta entonces desconocida, MC5. Se acercó a ellos para ofrecerles un contrato con el sello. “Si nosotros llamamos tu atención, espera a ver a los Stooges”, le respondieron. Así, Danny Fields asistió esa misma noche a ver un show en vivo de los Stooges, quedando absolutamente impresionado. Era increíble lo ruidosa y violenta que sonaba la banda liderada por Iggy Pop, un extravagante frontman que se arrojaba sobre el público, se esparcía crema de maní sobre el cuerpo y sangraba por las heridas que se autoinfligía con trozos de vidrio en el pecho desnudo. Fue así como, de una pasada por la ciudad de Detroit, Danny Fields fichó para Elektra Records a MC5 y a los Stooges. Meses más tarde, en agosto de 1969, y hace exactos cincuenta años, salió a la luz el disco debut de Iggy Pop y sus secuaces, el homónimo The Stooges.

 

 

 

Antes de firmar para Elektra y viajar a Nueva York para grabar el álbum, la banda se hacía llamar The Psychodelic Stooges y solían hacer shows con cinco temas, que llevaban una primera parte como canción convencional, más una segunda parte improvisada que solía durar varios minutos. Por eso, al momento de grabar el álbum, y bajo expresa exigencia de los ejecutivos de Elektra, tuvieron que componer en el hotel Chelsea —el día antes de entrar al estudio— cuatro canciones más y limitar las composiciones antiguas a una duración más convencional, a excepción de la hipnótica y siniestra “We Will Fall”, que registra una duración superior a los diez minutos. Así fue como quedaron inmortalizadas las hoy clásicas “1969”, “No fun” o la impagable “I Wanna be Your Dog”. Estructuras que se repiten una y otra vez, progresiones simples, como si se tratara de blues acelerados e hiper ruidosos, pero todo manchado con la fuerza de un sonido alucinante, heredero del garage sesentero y la psicodelia menos comercial.

 

El disco, a pesar de sus bajas ventas y de no ser realmente valorado al momento de su publicación, hoy en día es considerado un clásico, un disco de culto. El sonido de la banda quedó definido de una vez y para siempre, con esas bases rítmicas simples soportando el peso de una guitarra atronadora, pesada, distorsionada, todo esto sumado a la voz inconfundible de Iggy Pop como guinda del pastel. Escucharlo es sumergirse en una explosión de ruido, actitud y psicodelia.

 

 

La influencia de los Stooges, y de este disco en particular, en la música posterior es innegable. Es difícil pensar que el punk podría haber existido si este disco jamás hubiera salido a la luz. El atrevimiento y desfachatez de Iggy Pop sobre el escenario, el ruido, la suciedad, el peligro, son marcas que toda una generación tomó como punto de partida. Por algo los mismos Sex Pistols (“No fun”) y Joey Ramone (“1969”) versionaron sus canciones. Para qué hablar de “I Wanna be Your Dog”, canción fundamental que ha sido versionada por bandas tan reconocidas como los Red Hot Chili Peppers, Sonic Youth o Joan Jett, hasta por innumerables bandas punk y underground como El último ke Zierre, Parálisis Permanente y Las Vulpess (estas últimas cambiando el título por “Me Gusta ser una Zorra”). Pero no solo el punk rock ha sido influenciado por este álbum, sino también bandas de distintos estilos. Sin ir más lejos, Queens of the Stone Age son herederos directos del sonido de Stooges. Basta fijarse en el sonido de la guitarra en “I Wanna be Your Dog” para comprender de qué estoy hablando.

 

 

Si bien una de las mayores virtudes del disco es que presentaron un sonido que no tenía precedentes directos, la influencia de ciertas bandas no se puede desconocer. Me refiero a MC5, The Doors y la Velvet Underground.

De MC5, los Stooges rescataron el peso y la distorsión de la guitarra (destaca el uso insistente del efecto popularmente conocido como Wah-Wah); de los Doors tomaron la agresividad en el escenario de Jim Morrison —aunque llevada al extremo por Iggy Pop— además de beber de la misma fuente blusera como columna vertebral. Y no solo eso, pues recordemos que Elektra es el mismo sello que publicó el monumental disco debut de The Doors (1967) e incluso la portada de ambos discos debut tiene similitudes evidentes. Y, en tercer lugar, tenemos a la Velvet Underground. La banda del futuro amigo del alma de Iggy, Lou Reed, sembró una sonoridad intencionalmente cruda y desprolija que los Stooges supieron plasmar en este álbum. No por casualidad John Cale, miembro y segundo hombre al mando de la Velvet, fue el productor del álbum de Iggy y los suyos.

 

 

Lo que vino después fueron dos álbumes geniales: Fun House y Raw Power, discos que tal vez superaron en calidad al debut, pero la explosión en la cara del mundo fue este álbum, el primero de una trilogía brillante, fundamental para el nacimiento del punk e influencia absoluta para el hard rock y músicos de todas las tendencias. También vinieron las drogas, los excesos, la heroína, hasta que la banda —que en cierto momento pasó a llamarse Iggy and The Stooges— vio su fin en 1974. En el nuevo siglo los Stooges tuvieron su reunión, dando giras, tocando en festivales y lanzando álbumes, hasta su nueva y definitiva separación. Pero los discos siguen aquí, listos para explotar en la cara de quien los ponga a girar.

 

Joey Ramone and Danny Fields at a Lou Reed after show party at Jerry’s Restaurant in New York City on October 17, 1984. (Photo by Ebet Roberts/Redferns)
SWEET GIRLS OF SKA: ENCABEZANDO EL RITMO

SWEET GIRLS OF SKA: ENCABEZANDO EL RITMO

Con motivo de la conmemoración del Día Internacional contra la Violencia de Género, este sábado 28 y domingo 29 de noviembre, se llevará a cabo el festival Fiesta Ska Latinoamericana, edición virtual, organizado por Ska Perú y Sweet girls of Ska plataforma de difusión y visibilización de mujeres músicas en la escena skalítica, poniendo en valor el aporte histórico de cientas de exponentes que han contribuido al desarrollo del género a través de su historia. Ambas jornadas contarán con las presentaciones de emblemáticas bandas internacionales como  Sugary Staple, Ska’d It Up, Ska Waddy de Inglaterra, Las Valkirias de México y Betania López de Chile, entre otras.

 

Fundada por las periodistas Milagros Paredes y Lucero Terrones, Sweet Girls of Ska es la plataforma de difusión peruana dedicada a apoyar la presencia de músicas en el circuito. Una iniciativa motivada por la inquietud de generar un espacio así en su propio país y por replicar las experiencias de otros países del continente donde la participación de mujeres en la escena musical ska es mayor.

Actualmente, la escena ska latinoamericana atraviesa un vigoroso estado de salud. Vigor que, además, se ve reflejado en la existencia de una escena poblada, en buena parte, por mujeres músicas tanto pioneras como nuevas generaciones. México y Colombia son dos de los principales circuitos del continente que cuentan con una significativa presencia de mujeres al frente, haciendo música y promoviendo el géneroo.“Sweet Girls of Ska lo componemos dos chicas, mi compañera Lucero Terrones  y yo. Ambas venimos de la experiencia de manejar bandas, artistas y organizar eventos. En nuestro país no hay una escena de ska femenina a diferencia de países como Colombia o México”. Nos señala Paredes

Sweet Girls of Ska realizó en junio de 2020, en plena pandemia, el Primer Festival Internacional de Ska Femenino bajo su nombre. Dos jornadas virtuales que reunieron a un centenar de músicas y bandas de distintos rincones del globo. Este fin de semana ocurrirá algo similar con Fiesta Ska Latinoamericana que nuevamente, durante dos días, reunirá un extenso cartel de bandas provenientes de todo el mundo (U.S.A, Suecia, México, Perú, Argentina, Inglaterra), lideradas o integradas por mujeres, tanto proyectos musicales emergentes como de larga trayectoria. Paredes y Terrones son dos conocedoras empíricas del ska más allá de sus fronteras, cuyo trabajo con bandas y produciendo festivales las ha llevado a tomar el pulso del circuito a lo largo del continente y también en nuestro país. 

Como representantes de bandas y gestoras culturales de la escena ska en Perú ¿mqué impresión les ha dejado el circuito chileno? He tenido oportunidad de estar en Chile justamente organizando una gira de una banda peruana que manejé hasta hace poco. Tuve oportunidad de compartir con bandas y público, y pasar algunas anécdotas. La gira nos llevó por Santiago, Rancagua, Concepción, Valparaíso. Contrastar el público desde sitios grandes como el escenario del Teatro Cariola hasta prácticamente llegar a una ciudad después de más de 5 horas de viaje para tocar prácticamente en la calle. Y en todos estos lugares había mucha onda, esencia punk, era como estar en Europa. También que el público por su historia tiene el tema político más presente. Una de las presentaciones por ejemplo no se llegó a realizar. Llegamos y los carabineros nos interrogaban y hasta detenidos se llevaron a parte de la banda. No había permiso para tocar en ese lugar donde el plato fuerte venía desde España y se tuvo que volver con las mismas. Eso por ejemplo no ocurre en Perú, aquí te bajas unos billetes y lo arreglas pero allá todo es más drástico.

Es importante la escena chilena pero en la pandemia han participado más en festivales de México, Colombia o Perú y también hicieron el suyo propio «Baila como Mono» de allí conocí a Katy Erices por ejemplo.

¿Cuáles son las exponentes del circuito chileno que hoy están siendo conocidas en el resto del continente? De la escena femenina Betania López es la que podría decirse encabeza el circuito en Chile. Incluso empezamos el proyecto de la mano con ella. Podría decirse que es nuestra madrina. Y su tema “Santa Capucha” justamente trata la temática de esta fecha en conmemoración al día internacional contra la violencia de género.

¿Qué bandas y solistas chilenas estarán presentes en el festival? De Chile además de Katy y Betania van a estar Skaos Club y Durruti Power Ska. Otra banda que nos encantó del festival de Julio fueron las chicas de Que Ruede. Loquísimas. Me encantaron sus videos. Me recuerdan mucho a las chicas que veía en los conciertos allá. En Concepción también conocí a Skareta Lúgubre que al cancelarse el espacio donde se iba a tocar allá nos ofreció su espacio de ensayo, y quise que esté presente en el primer festival porque siempre hay que ser agradecido.

Sentando un precedente Fiesta Ska Latinoamericana por el Día Internacional Contra la Violencia de Género, logra articular desde Perú una escena a nivel global, buscando dar reconocimiento a las mujeres que son parte esencial de la escena y de su desarrollo a lo largo de décadas, poniendo en valor su trabajo artístico y la perspectiva de género. Y por sobre todo, entregando un mensaje de repudio a la violencia de género en todas sus formas. Para profundizar en el tema y en el papel que ha tenido la mujer en el movimiento musical, el encuentro contará con la participación de la destacada periodista y escritora estadounidense, historiadora de la música ska, Heather Agustyn quien encabezará la charla dedicada a repasar la historia del género y de la presencia de mujeres en él, en la charla «La Mujer en la Música de Jamaica».

¿Cómo surgió la idea de invitar a Heather? Para nosotras era fundamental contar con una voz experta en el tema que pudiera entregar una visión y conocimiento amplio sobre la presencia femenina en la música ska por eso pensamos en Heather autora del libro “La mujer en la música jamaiquina”. Ella también estuvo presente en la primera versión del Sweet Girls of ska que realizamos en junio de este año y fue una gran experiencia contar con su trabajo.

 

EL FESTIVAL SERÁ TRANSMITIDO POR YOUTUBE DESDE LAS 14:00 HRS CHILE

Sweet Girls of Ska: 

Perú Ska Festival:

Sábado 28 de Noviembre – Escenario 1

Skaparapid (España) Sally and the Monkeys (Suecia)

The Fuss (USA) Ska-waddy (Inglaterra) Ska’d It Up (Inglaterra) Skaranoia (Puerto Rico) Betania López (Chile) Freedom Ska Band (México) La Valentina Ska (Argentina) Katy Erices (Chile) Colosal Perú 77 (México) VHAKO (Perú) Eli Ray (Venezuela) Super Rad: Chicago’s Ska Tribute (USA) Ants in my Eyes Johnson(USA) Kveintitrés (Colombia) Rey Flanders (México) MR. PUCHO (Perú) Skaos Club (Chile) Durruti Power Ska (Chile) La Sonora Power Band (México) Cuantos Pares Son Tres Modskas. (Colombia) Supersónicos Ska (México) El Colectivo Sabinas (Colombia) Fusión/jazz/ free – delfingaray (Perú) @S.O.S Skandalo en el Cielo (México)

Domingo 29 de Noviembre 2020 Escenario 2

Mephiskapheles (USA)) Inspecter 7 (USA) The Red Stripes (Hong Kong) The Caribbean Soul Steppers (Francia- Alemania) Steady Social Club (Polonia) Sugary Staple (Inglaterra) ZCENTIDO (Filipinas) Glorious Friends ID (Indonesia) Montréal Ska-Jazz Ensemble ( Canadá) Girls go ska (México) Valkirias (México) Tangatunga (Argentina) @El Zombie (Argentina) Sagrada Vagancia (Perú) Spinazo Ska (Chile) The Overlines (México) The Oldskulltones (México) Calavera NY Club (USA) What’s Love? (Japón) Skatacama (Chile) Le Rouge Band (Colombia) Doña Fodonga (México)

 

VIOLENCIA DE GÉNERO: UNA VIEJA MELODÍA.

VIOLENCIA DE GÉNERO: UNA VIEJA MELODÍA.

Por Rossana Montalbán

Mirar y habitar el mundo, la vida intelectual, el arte y sobre todo, en este caso, la música desde la militancia feminista y desde el enfoque de género es asumir, reivindicar y defender nuestro rol como sujetos de derecho, como ciudadanas de primera y no de segunda clase.  

En los ámbitos creativos, históricamente la música ha sido un lugar especialmente machista, misógino y sexista. Un espacio en el que temáticamente la mujer ha sido anulada intelectual y creativamente siendo relegada al lugar de musa u objeto sexual símbolo de la tentación exclusivamente carnal en concordancia con el mito judeocristiano, alimentando todo el imaginario del rock and roll y de la música popular hasta nuestros días. Paralelamente a la prevalencia de este discurso patriarcal inserto en la creación musical y en la industria, desde los inicios del siglo XX, se desarrollaron influyentes mujeres pioneras que abrieron caminos en las artes musicales. Cantantes, compositoras, directoras de orquesta, instrumentistas y arreglistas que transformaron la historia de la música popular. Nombres como Bessie Smith, Nina Simone, Sweet Emma Barrett, Margie Hyams en el jazz y el blues. Sister Rosetta Tharpe en la ejecución de la guitarra eléctrica y de la evolución del blues al rock and roll, tardíamente reconocida como la madre del género, su nombre no figura en ninguno de los principales relatos dedicados a revisar la línea de tiempo del rock. La primera heroína de la guitarra, una mujer negra en tiempos de profunda segregación racial y violencia de género. 

La historia de la música popular ha sido también una historia del machismo, de la violencia de género y de la violencia patriarcal. De mujeres y disidencias cuya imagen y sonido fueron silenciados, negados, borrados de la historia. De disidencias oprimidas obligadas a callar y disfrazar su condición. De mujeres lesbianas obligadas a ser símbolo de feminidad. De mujeres golpeadas como Tina Turner ante la complicidad de toda una industria. De mujeres culpadas por separar a una banda como lo fue Yoko Ono. De mujeres con talentos ninguneados solo por ser mujeres. De pioneras olvidadas en la utilización de máquinas y sintetizadores. De ejecutivos discográficos abusadores y violadores. De cantantes cuyas carreras fueron saboteadas por decir NO. De canciones y discursos que fueron censurados por hablar de menstruación, vagina, aborto y deseo sexual.

“Las mujeres son anarquistas y revolucionarias naturales, porque siempre han sido ciudadanas de segunda clase y han tenido que abrirse su propio camino», escribió Kim Gordon en su autobiografía. Pues bien, a esa frase también habría que agregarle que las mujeres somos oprimidas naturales solo por ser mujeres como bien expresa LAS TESIS en su canto performático: “El patriarcado es un juez, que nos juzga por nacer y nuestro castigo es la violencia que ya ves”. Fue precisamente ese canto performático el que marcó un antes y un después en el actual Chile movilizado, logrando llevar la protesta social hacia el eje del feminismo integrando poderosos elementos artísticos que lograron combatir astutamente la criminalización de la protesta. Con esa gesta se confirmó al feminismo como motor esencial del gran cambio social, político y económico que urge. 

Por largo tiempo el circuito musical local mantuvo excluidas las miradas críticas y militantes, predominando el silencio y la complicidad ante la violencia de género y el machismo, así se comprobó tras cientos de testimonios y denuncias realizadas por compositoras, instrumentistas, productoras, cantantes que habían sido objeto de violencia de género en sus espacios laborales creativos, giras, grabaciones, etc, etc, etc. Actualmente en el territorio movilizado que es Chile luego del 18 de octubre de 2019, el feminismo y la lucha de género en el quehacer musical han adquirido nueva relevancia. Experiencias como FemFest hace veinte años son hasta ahora una de las principales instancias que han levantado el discurso feminista desde la música como una instancia para bandas de mujeres y disidencias desde la esfera absolutamente underground, cuidando y reforzando ese mismo carácter. A iniciativas así de pioneras se han sumado en estos últimos años diferentes proyectos con diferentes miradas, entre ellas RUIDOSA, LA MATRIA, UDARA, MÚSICAS EN RED, IMUVA y TRAMUS que reflejan la existencia de distintos feminismos, buscando conformar redes de apoyo, difusión y creación para la música hecha por mujeres y para mujeres. Así la incidencia del movimiento feminista en las mujeres trabajadoras de la música, desde compositoras, instrumentistas, cantantes, productoras, periodistas, videastas, managers y gestoras, es palpable e irrevocable, con un trabajo autoconvocado y autoarticulado promoviendo los derechos de mujeres y disidencias interviniendo una industria y un circuito que por décadas no quiso hacerse cargo.

Sobre las distintas formas de violencia de género y sobre la incidencia que el movimiento feminista está teniendo en el circuito musical conversamos con cuatro músicas cuyas miradas y experiencias de largo bagaje revelan el estado actual de una industria musical y de un circuito que continua amparando viejas prácticas pero que al mismo tiempo, inevitablemente y en contra de su propia naturaleza mercantil y patriarcal, se ve atravesado por la demanda social reivindicativa de la revolución feminista que vive en la voz y en el trabajo de nuestras entrevistadas: la guitarrista, vocalista de Vaso de Leche, Ultraseven y Rizoma Alzada, gestora y fundadora de FemFest, Carolina Ozaus. La guitarrista, vocalista de Armadillo Cactus, gestora y directora de Atacama Records, Verónica Barriga. La compositora, cantautora, profesora y gestora cultural Natalia Corvetto. Y la guitarrista y vocalista de Sin Lencería e ilustradora, Ade Calavera.

 

¿Cuáles han sido las situaciones de violencia de género más recurrentes que les ha tocado vivir en el oficio de músicas? 

CAROLINA OZAUS : «Sí, lamentablemente he vivido muchas situaciones desde antes de dedicarme a la música. Ya como estudiante mis compañeros se acercaban para decirme que tocaba bien y que tocaba como hombre y que se asombraban de mi ejecución en la guitarra cosas que me dejaban para adentro. En los primeros años tocando con Vaso de Leche como dúo conformado por dos chicas, mientras tocábamos en una fiesta de la FECH  nos gritaron «qué se creen estas locas que nos van a quitar el poder, si la mejor música es hecha por hombres!». Cosas así.»

«Y otras situaciones más serias y violentas. Por ejemplo, como no tomarte en serio cuando probabas sonido al y pedir retorno no te lo daban. Tomaban en cuenta a mi compañero de banda pero si tú lo pedías no te lo daban o derechamente se subían a cambiar la ecualización de tus equipos sin preguntarte. Ahora último también me ha pasado que al hablar sobre temas que tienen que ver con el estudio de la música o sobre el estudio de algún instrumento muchos músicos te comienzan a corregir o enseñar, sin saber que una también tiene estudios. Te cuestionan todo.  Una vez cuando iba a tocar guitarra, la tenía en otra afinación, la tenía traspuesta y vino un tipo que tomo la guitarra y pensó que estaba desafinada y que yo no sabía afinarla.  Vino un tipo sin pedirme permiso y la afinó.  Y así muchas otras cosas. Situaciones mucho más violentas como que te griten groserías desde el público mientras estás tocando sobre el escenario.»

Hay un circuito musical con el que dejé


de vincularme porque hay mucho músico que se hace llamar de la vieja escuela, término que cuestiono como una trampa del ego, para mi no existe la vieja escuela. En ese circuito hay mucho abusador y violador que siguen tocando en algunas bandas y siguen ocupando espacios con discursos libertarios  o de equidad pero en el fondo tiene un historial de abuso rodeados de una círculo que los protege.

 

VERÓNICA BARRIGA :Lo más recurrente que me ha ocurrido al interior de la industria musical ha sido lo difícil que es, a veces, cerrar tratos profesionales de bookings o de participación en festivales con alguien del sexo opuesto, un hombre, sin que se sexualice o que se genere una cierta incomodidad. Muchas veces me ha pasado que se cierra una fecha y porque eres mujer sienten una suerte de poder  que, si estás cerrando una fecha, es como si estuvieras cerrando una cita. Hay una falta de profesionalismo por parte de los hombres respecto al trato con las mujeres porque no tienen la educación ni la formación de trabajar profesionalmente sin sexualizar y conducir las relaciones hacia ese lado.

Por otro lado, y es un clásico para todas las músicas en general, es que existe un cuestionamiento respecto a la técnica y a los saberes específicos sobre todo si eres instrumentista, y muchas veces hay que tocar y validarse para tener un apañe y una apoyo de tu red. Eso es sumamente desgastante porque cada vez que vas a tocar a un lugar  hay un cuestionamiento previo antes de que toques y muchas veces en el trato con los técnicxs dentro de un festival, al estar tocando con colegas hombres se refieren a cosas técnicas dirigiéndose solo a ellos ignorando que las mujeres podemos tener total manejo y conocimiento de esos saberes. 

 

NATALIA CORVETTO: Recuerdo con mucha pena faltas de valoración a mi trabajo como estudiante de pedagogía en música cuando cursaba el tercer año de la carrera, en el ramo de Dirección Coral, donde me fue super bien, gratamente sorprendida de mí porque era un ramo muy exigente que todos repetían. Recuerdo que en una clase me ofrecí de voluntaria para dirigir una pieza y recuerdo que salió super bien y al terminar mis compañeras y compañeros me felicitaron y el profesor el único comentario que hizo fue “mira no era tan tonta como pensaba”, y yo quedé en blanco. Siempre fui de buenas notas, dedicada y con ese comentario quedé para dentro al enterarme que este profesor me había mirado como una tonta durante tres años. Entonces fue muy triste y creo que ese comentario lo hizo a raíz de que yo, en ese tiempo, pololeaba con un compañero de carrera muy habiloso y alumno destacado y se insinuaba constantemente que probablemente él me hacía los trabajos de análisis de piezas musicales. Una vez una compañera me preguntó derechamente “oye y ese trabajo lo hiciste tú o lo hizo tu pololo?”. Era muy lamentable sentir esa desvalorización y esa violencia. En ese tiempo solo habíamos siete mujeres en la carrera, el resto eran solo hombres, era un peso constante tener que demostrar que éramos tan capaces como nuestros compañeros hombres.

ADE CALAVERA: Es difícil elegir una situación puntual de violencia de género porque sobre todo como mujer en la música y en una banda de chicas nos toca ver y vivir cada cosa. Pero lo más fuerte que nos ha pasado fue cuando me acosaron en uno de mis primeros shows. Estaba emocionada de estar tocando y al bajarme del escenario me tocaron la pierna y el trasero, no podía creer lo que estaba pasando. Acababa de tocar y me estaban manoseando. No había respeto por nada. Otro tipo de violencia que nos ha tocado es que a nuestra baterista le han dicho que toca como hombre por tocar bien. O cuando estamos preparándonos para tocar muchas veces han llegado tipos preguntándonos si necesitamos que nos afinen los instrumentos o se han subido al escenario a mover los equipos y a poner los micrófonos en las posiciones que ellos creen que necesitamos. Y eso no les pasa a los hombres de otras bandas. Es específico de la música mujer. Esas situaciones hacen que una no se pueda desarrollar con plena libertad.

¿Cuál es la apreciación de Uds. sobre el desarrollo y la incidencia que hoy en día está teniendo el movimiento y la cuarta ola feminista en el circuito musical local y a nivel mundial?

CAROLINA OZAUS: En realidad no me gusta ponerle nombre y tiempo al movimiento, entiendo que por un tema histórico se hable de primera o segunda ola pero creo que la lucha feminista ha sido constante. Y han habido mujeres que han puesto la cuerpa para abrir caminos a otras como lo vamos haciendo cada una. Creo que efectivamente hay un avance de articulación y de cuestionamiento que no tiene que ver solo con la equidad de género sino también con la autoridad y el sistema neoliberal patriarcal. Creo que el feminismo debe ir de la mano con el anticapitalismo. Hay una suerte de lucidez que encuentro interesante porque el feminismo no solo cuestiona el machismo sino un sistema patriarcal instalado hace siglos llamando a cambios desde diferentes tipos de feminismos que creo que es muy bueno que existan.

En cuanto al ámbito musical, indudablemente sí, la incidencia del feminismo en la música ha sido fundamental en Chile, nos ha servido para identificar qué es  lo que nos oprime, para identificarlo y darle nombre a esa opresión que es el machismo. El feminismo nos ha ayudado a darle cara y a luchar organizadas como  músicas por un espacio fuera de las lógicas del patriarcado y trabajar desde nuestra autonomía tanto en lo técnico como en lo creativo. Lamentablemente aún queda un largo camino porque no ha sido fácil, ya que tanto en el mercado de la música como en los circuitos “alternativos” aún hay prácticas machistas y abusadoras, pero estamos trabajando, al menos en mi caso y el de muchas otras compañeras músicas, de crear y gestionar nuestros propios circuitos.

VERÓNICA BARRIGA: Creo que la incidencia del movimiento ha sido super potente. Creo que se están desarrollando protocolos para poder trabajar en espacios de seguros y que se está generando conciencia sobre lo que es el abuso. Se están intentando mejorar las prácticas dentro de la escena, se están abriendo más espacios y se están pidiendo más cupos para mujeres y disidencias. Y por sobre todo, se está tomando conciencia sobre la falta de equidad y sobre violencia que existe en un sistema patriarcal imperante capitalista neoliberal, lo que ayuda no solo a que tengamos más espacios como mujeres y a que podamos ser valoradas como los hombres, sino que también se trata de modificar la lógica con respecto al trabajo y a la convivencia mejorando las prácticas y las formas de trabajar ya que entre los hombres y los seres humanos, existe una agresividad y competitividad muy fuerte heredada del sistema patriarcal y de este sistema de oferta y demanda, donde las relaciones se generan desde el interés, el beneficio propio y la conveniencia en vez de desarrollar instancias cooperativas y equitativas que pongan en valor lo que significa realmente la cultura y el arte. 

El movimiento feminista ha puesto sobre el tapete ciertas variables que son fundamentales para resguardar la sustentabilidad de la especie pidiendo que se reformule la lógica de cómo se construye y cómo se trabaja y cómo se funda una civilización de una manera equitativa. A partir de estos valores se han articulado distintas iniciativas que están trabajando para generar cambios políticos, IMVUA, TRAMUS, UDARA, para poder generar transformaciones reales al interior de la industria. Las redes son fundamentales para recoger estos valores y mejorar el sistema en el cual vivimos. La implicancia del movimiento feminista ha sido fundamental  y el mundo va cobrar un carisma feminista sobre todo desde el respeto y la igualdad de oportunidades desde la diversidad y desde el cuidado de la naturaleza. Las mujeres somos el útero y lo importante no es solo padecer y hablar de nuestros malestares sino también cambiar las cosas y regenerarlas. 

NATALIA  CORVETTO: Hoy las mujeres más jóvenes que están entrando a la universidad, a raíz del movimiento ya no están permitiendo este tipo de violencias y abusos. Ya saben reconocerlas y detenerlas. Si esto me hubiese pasado en 2020, yo me hubiese defendido, mis compañeras mujeres y hombres lo hubieran hecho, y entre todos hubiéramos interpelado a ese profesor. El hecho de poder reflexionar y compartir nuestras experiencias como lo estamos haciendo en esta nota ayuda mucho y es algo que antes no se hacía. Estamos dejando de normalizar la violencia de género. Ahora estamos conversando cosas que antes eran impensadas y eso es resultado del movimiento.

Esto también está ayudando a despertar a los hombres músicos que ejercen misoginia o violencia de alguna forma. El movimiento también ha influido en que, al menos, en algunos circuitos musicales estamos dejando atrás los estereotipos de belleza y físicos, que antes te obligaban a estar bella todo el tiempo o a estar delgadas y arregladas como un objeto de adorno por sobre tu talento musical.  Ahora importa menos si estás gorda, o depilada. Ahora hay más libertad de ser y está prevaleciendo la música que haces y tu trabajo. Y como movimiento el feminismo debe ser inclusivo y la lucha tiene que ser son nuestra companerxs trans y disidencias quienes están generando sus propias expresiones musicales.  

ADE CALAVERA: La verdad es que la incidencia ha sido muy potente en todo. Siento que nos ha cambiado todo y especialmente en la música ha sido importante porque cuántas generaciones de músicas han tenido que tragarse la desigualdad, la violencia y los sinsabores. Ahora estamos juntas y organizadas. Conversando sobre cambiar las cosas. Me encanta ver que cada día hay más agrupaciones de músicas. Y eso ha ido generando un cambio súper importante de cómo nos vemos y nos sentimos como músicas. Y este cambio está generando un cambio total no solo para nosotras sino para el resto de la sociedad.  También a los hombres y a los músicos acosadores que ya no están siendo aceptados. Eso ya no se ve bien. 

Todo esto nos da esperanza de que las injusticias se están visibilizando y que las cosas podrían cambiar para las próximas generaciones, con un lugar donde las mujeres podremos llegar a ser músicas profesionales sin tener que ser acosadas o sacrificar y perder nuestras carreras porque no aceptamos ser abusadas como ha ocurrido en muchos casos.

 

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

 

 

Fotos por Guido Peric

 

Este miércoles 25 de noviembre conmemoramos el día internacional contra la violencia violencia de género. En el marco de esta fecha diversas actividades y concentraciones se llevarán a cabo durante la jornada, una de ellas, la intervención convocada por la colectiva feminista Las Tesis junto a Dadalú transmitida desde Galería Cima.

 

Daniela Saldías, Dadalú, es quizás una de las artistas y creadoras musicales más singulares de la música alternativa y underground hecha en Chile. Desde su primer trabajo editado en 2011 “Periodo”, su propuesta, siempre instintiva e inquieta, ha sido la experimentación y la disolución de los moldes estéticos y sonoros del pop y el hip hop, creando nuevas formas para lo que podríamos llamar canción anti-pop de líricas ácidas, cargadas de desparpajo y crítica aguda que se desenmarca de todo aquello que le impida libertad de movimiento. 

El pasado seis de noviembre fue lanzado a través de las plataformas digitales “El mapa de los días” su quinto disco desde “Gato Naranja” editado en 2014. Trabajo que reúne diez canciones provenientes de un prolífico periodo de composición con pie forzado en el que se propuso componer de manera sistemática y disciplinada, un extenso cancionero que hoy forma parte de este disco al que llama compilatorio. Sobre este nuevo álbum, sobre las distintas formas de violencia patriarcal y sobre su presentación abriendo la performance de Las Tesis, conversamos con Dadalú.

Acabas de editar “El mapa de los días” ¿ cómo fue el proceso compositivo y de producción de este disco?

El proceso creativo para “El Mapa de los días” comenzó a finales del 2018 donde me propuse el ejercicio de hacer una canción por día, poniéndome ciertas reglas, como por ejemplo, no podía tomarme más de tres horas en hacer la canción. Tenía que terminar la idea que empezaba aunque no me gustara personalmente y publicarla en Soundcloud de lunes a viernes hasta que llegara a treinta canciones. Y así hice treinta canciones y en octubre, imitando a los dibujantes que hacen InkTober, yo quise hacer un SongTober, donde compuse 28 canciones con el mismo método. Y después me propuse hacer canciones al despertar, al amanecer, a las cinco y media de la mañana y quería hacerlo durante un mes seguido pero duré una semana porque me daba sueño muy temprano. De todas formas logré hacer mucho material, muchas canciones, y ahí un amigo me invitó a trabajar con él, Martín Pérez Roa. Elegimos diez canciones para hacer un disco con una selección rap y re grabamos esas diez. Algunas crecieron, otras quedaron igual. Cuando una trabaja con alguien más como que se enriquece el trabajo. Así que ese fue el proceso. 

¿Cuáles son las principales ideas que cruzan este trabajo en términos artísticos, líricos y sonoros?

En lo creativo, este disco se trató sobre usar la primera gran idea que se te venga, sin darle tanta vuelta. Y sobre el paso de los días. Musicalmente siempre estoy experimentando, nunca tengo una idea tan clara, para mí se trata de experimentar y aprender, y si hago lo mismo siempre no voy a aprender. Me gusta curiosear. No sé, hice pistas con guitarra y otras solo con bajo, cosas así. 

Líricamente igual que en otros discos, hablo de las cosas que me afectan en el día a día. Desde querer escapar al campo a cuestionarse el rol de una haciendo un arte. Porque desde el primer momento que empecé a hacer música y puse una canción en internet, los únicos comentarios que recibía era “guatona fea, guatona fea”, y eso siempre ha sido un tema para mí, ese fue un momento en el que te das cuenta que ¿acaso hay que ser linda para hacer cualquier cosa que implique mostrarse?. Y en base a ese cuestionamiento identificar a cualquier persona que haya pasado por lo mismo. Trato de hablar desde mi experiencia y eso está presente en todo el disco.

Este miércoles conmemoramos el Día Internacional en contra de la violencia machista. Serás parte de la intervención masiva convocada por Las Tesis en Galería Cima. ¿Cómo surgió esta invitación y en qué consistirá tu presentación? 

Esta invitación surgió porque yo conozco a Las Tesis desde antes de su mega hit “El violador eres tú”, compartimos una tocata en Valparaíso. Y después también participé en la primera convocatoria que hicieron para intervención masiva. Y cuando pensaron en hacer este show conmemorativo pensaron en mí y me invitaron.

Mi show en Galería Cima va a ser un show bien sencillo,  no es un show presentando el disco ni nada porque esta presentación salió bien encima. Y la verdad, incluso en pandemia, siempre he estado tocando entonces para mí siempre es volver tocar. Quizás voy a tocar un par de temas del disco nuevo. Pero es una presentación sencilla, pista, voz y un adorno bailarín que estará acompañado de una arpillera hecha por mi que muestra una menstruación gigante. Así que será un show corto para abrir el streaming de Las Tesis.

 

¿En tu experiencia, cuáles han sido las situaciones de violencia de género más recurrentes que te ha tocado vivir haciendo música?

Violencia es que te exijan cumplir cierto estándar de imagen y de belleza física, eso lo encuentro super injusto porque responder a un estereotipo de imagen física es un trabajo. Beyoncé no se levanta como la vemos en el video. ¿Por qué todas tenemos que querer eso y tener que preocuparnos de las uñas  de ser  ser divas?. Está bien la que quiere hacer eso. El problema es que a todas se nos imponga eso. Por eso comentaba lo que me pasó al principio sobre la primera vez que puse una canción en internet, donde nadie comentó si mi canción era buena o mala, sino mi físico. Eso es violencia, que te impongan tener una imagen y una belleza. Como en una de mis canciones, “por qué hay que ser sexy? ”. Y el problema no es ser sexy, no es la sensualidad. El problema es que sea solo para un lado. Por ejemplo, en la música popular, en el reggaetón o el trap los hombres aparecen con buzo, tapados enteros y las mujeres con poto y tetas grandes y en traje de baño y ¿por qué?. Si vamos a ser sexuales seamos todos sexuales. Por qué Bud Bunny no sale en zunga y con el paquete para poder decir “oye tiene el paquete chico”,“tiene el paquete caído”. La cosificación es solo para un lado, y eso es machismo. Para mí, no es empoderamiento, es prolongar el machismo. 

¿Cuál es tu apreciación sobre el desarrollo y la incidencia del movimiento y la cuarta ola feminista en el ámbito de la música y la cultura a nivel local y mundial? 

Yo lo encuentro positivo, encuentro un avance estar hablando estos temas y que tengamos estas manifestaciones tan fuertes como lo de Las Tesis. Hablar de nosotras y nosotres, y no dejar que la narrativa siempre sea la del hombre hetero-cis, que es una narrativa que permea todo, las leyes, la educación, el entretenimiento. No es una narrativa ajena al rol del género. Entonces, es bueno hablar de eso y cuestionarlo. A mí, me gustaría que llegáramos a ser una sociedad post género donde no hayan roles de género determinados y que no importara tu género biológico o no biológico para hacer algo. Yo, cuando hago música, no hago música con las tetas o la vagina. Yo hago música con mis manos y con mi cerebro, igual que cualquier persona que tiene manos y cerebro. A mí, me carga eso de “la mujer en la música”, igual creo que es importante que esté pasando, igual es importante recalcarlo, pero espero que pronto pasemos a una nueva etapa donde el género ya no sea tema. Yo siento algo bien peyorativo en esto de festivales para mujeres, o cosas así. “Oh son mujeres, tocan, felicitemoslas”, “Oh son mujeres y producen. Felicitemoslas” como si fuera un logro. Somos personas con manos y cerebro como cualquier persona y lo único que ha impedido que eso se haga son los roles de género, y los que impiden ese cambio son las personas en posición de poder que están super cómodas donde están.  Para mí, una mujer que usa el estereotipo de la belleza y el físico para hombre hetero – cis y saca provecho de eso, no es una mujer empoderada. Nadie es bueno por ser. No se es buena solo por ser mujer. En eso tenemos que ser capaces de ser bien críticas.  Ojalá como sociedad lleguemos a superar los estereotipos de belleza como algo tan vacío y aburrido. La belleza no es una sola. 

THE POLVOS ESTRENA VIDEOCLIP «ELEPHANT»

THE POLVOS ESTRENA VIDEOCLIP «ELEPHANT»

El combo supersónico oriundo de Concepción, The Polvos, estrena nuevo videoclip para la canción “Elephant” perteneciente a su primer disco Darkness Emotion editado en 2019. 

Basado en la película del mismo nombre, dirigida por Gus Van Sant, estrenada el año 2003, y cuyo argumento aborda la matanza estudiantil ocurrida el 20 de Abril de 1999 en el Instituto Columbine en Colorado EEUU. The Polvos recoge la idea madre “elefante en el cuarto” metáfora usada para aludir a la existencia de una problemática compleja y de gran envergadura negada por el entorno y por quienes la padecen, la canción apunta su crítica hacia una sociedad que facilita sin criterio, ni cuidado el acceso a las armas. 

 

«Elephant», el videoclip fue realizado por Gonzalo Manzo y Vox Internum Producciones y será estrenado a través de Youtube este 24 de noviembre a las 21 hrs.

 

PARA CONOCER MÁS SOBRE THE POLVOS TE INVITAMOS

A LEER UNA COMPLETA ENTREVISTA EN EL N°4 DE NUESTRA REVISTA

NOVEDADES HISS RECORDS: Hammuravi y Diavol Strâin estrenan sencillos.

NOVEDADES HISS RECORDS: Hammuravi y Diavol Strâin estrenan sencillos.

Proyectos musicales liderados por mujeres encabezan los estrenos de la semana del incipiente sello HISS RECORDS, plataforma discográfica fundada por Jurel Sónico de la banda Adelaida. Dos de los proyectos musicales más atractivos de la quinta región, liderados por mujeres músicas, Hammuravi y Diavol Strâin, estrenan nuevos sencillos en las plataformas digitales como parte del catálogo del nuevo sello.

Diavol Strâin «Sonrisas Fabricadas»

El dúo dark wave lesbofeminista Diavol Strâin compuesto por Ignacia Bórquez y Laura Molina, tributa a una de sus influencias con la versión para «Sonrisas fabricadas» canción original de los pioneros del dark wave argentino Euroshima, banda a la que el dúo reconoce como una importante referencia musical y sobre todo lírica. El cover registrado durante la pandemia en plena cuarentena total y autoproducido, llega a las plataformas digitales este mes de noviembre engrosando el cancionero del sello que ahora cuenta con Diavol Strain entre sus filas. A pesar de la pandemia y el encierro, la banda cierra un movido y productivo 2020 . Y por estos días, se encuentra preparando nuevo material y su participación en el streaming de Luna Negra, International Goth Fest, programada para el 19 de diciembre.

 

Hammuravi – «El tesoro»

Hammuravi es el proyecto solista de la bajista, guitarrista y escritora Naty Lane, integrante de Adelaida y ex Fatiga de Material. Nacida en 2016,  Hammuravi es una propuesta musical que enmarcada en el indie noventero con aires retro donde la voz con reverb y la resonancia de la guitarra definen el sonido de la banda. Retomando su actividad luego de una pausa, este 2020 en medio de la pandemia, Hammuravi reactivó su trabajo como parte del catálogo de Hiss Records, relanzando su primer disco Espesura y estrenando los adelantos de lo que será su segundo trabajo. Así llega «El tesoro» tema registrado durante 2019 donde podremos apreciar la voz de Naty en una faceta
minimalista y acústica. La producción de este segundo nuevo álbum estará cargo de Jurel Sónico, será grabado durante el mes de diciembre y contará con invitados especiales.

MÚSICXS IMAGINANDO UNA NUEVA CONSTITUCIÓN

MÚSICXS IMAGINANDO UNA NUEVA CONSTITUCIÓN

Diversas voces de la música independiente local e históricos nombres de la música popular forman parte del quinto número de la Revista Estas Máquinas Matan Fascistas, editada por Crónica Sonora. Un coro divergente, en el que no solo se entonan el nuevo repertorio de los artistas sino que también se aborda el histórico proceso constituyente iniciado el 25 de octubre de 2020. A través de completas entrevistas, retrospectivas, reseñas musicales y textos narrativos, con la ayuda de la música recorremos los temas fundamentales para imaginar una nueva constitución.

Publicada dos días antes del Plebiscito en el que los ciudadanos de Chile decidieron aprobar la redacción de una nueva constitución, este quinto número de Estas máquinas matan fascistas. La música nuestra arma. Imaginando una nueva constitución, reúne un compendio de textos que, desde la música, reflexionan en torno a los temas que nos resultan urgentes para la conformación de un nuevo Estado.

 

The Who, Calamity Jane, Leni Alexander, She Devils, Vienna Teng son algunos de los protagonistas de este quinto número trimestral junto con completas entrevistas al músico y activista Camilo Antileo, a la cantautora urbana Araceli Cantora al cuarteto Derrumbando Defensas desde Temuco, y una retrospectiva a los 17 años de historia de Tsunamis y su nuevo disco titulado «Siete mares».

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTA N°5 NOV-DIC

COLUMNA: UNA CARRERA POR LA PARIDAD.

COLUMNA: UNA CARRERA POR LA PARIDAD.

REFLEXIONES EN TORNO AL PREMIO NACIONAL DE ARTES MUSICALES.

La carrera por el Premio Nacional de las Artes Musicales ha terminado. Este lunes 7 de septiembre fue dado a conocer el nombre de la soprano, productora y académica Miryam Singer como la cuarta mujer reconocida con el galardón en un total de 15 entregas, en medio del álgido debate en torno al sesgo socioeconómico y patriarcal del denominado mayor reconocimiento a las artes musicales del país.

Entregado en específico para el área de la música desde 1992,  bajo la Ley 19.169 mediante el Ministerio de Educación y desde 2003 por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, el emblemático, codiciado y criticado máximo reconocimiento para las artes musicales del país sigue siendo terreno de controversia y disconformidad al momento de revisar los criterios y lineamientos utilizados para poner en valor la trayectoria y obra musical de quienes son considerados en su postulación y consiguiente adjudicación. Las reiteradas críticas apuntan a la ausencia de diversidad de géneros musicales y a la falta de reconocimiento al aporte y desarrollo de la música popular, perpetuando una evidente inclinación hacia la llamada música escrita o música docta, principal área de aplicación del premio como también su fijación en exclusiva hacia la academia. Más escandalosa aún, ha sido su persistente negación de los méritos de mujeres en las artes musicales nacionales, cuyas candidaturas año a año han sido minoritarias y en muchos casos inexistentes. En la misma línea, el reconocimiento a quienes han logrado competir como únicas músicas mujeres entre músicos hombres, ha sido exponencialmente inferior, llegando solo a cuatro las mujeres músicas condecoradas por el premio a lo largo de 18 años de entrega. Hablamos de Margot Loyola en 1994, Elvira Savi Federicci en 1998, Carmen Luisa Letelier en 2010, y recientemente Miryam Singer.

Precisamente, este 2020, el debate en torno a la paridad de género y a la necesidad de abarcar el diverso espectro de las artes musicales cobró, una vez más, vital relevancia en medio de un contexto social y cultural que demanda transformaciones profundas, inclusión, diversidad y justicia. Y la urgencia de integrar perspectivas de género en todos los ámbitos de la cultura, y que las mismas, sean aplicadas en instancias de tal envergadura e impacto como un premio nacional, son la principal reformulación que se le está pidiendo a las instituciones y autoridades que dan vida a esta premiación.  

Haciendo caso omiso a los cuestionamientos ya planteados con antelación y sin querer leer el signo de los tiempos, las primeras candidaturas levantadas públicamente, respaldadas por reputadas instituciones académicas, demostraron la caducidad por la que atraviesa la instancia, presentando seis destacados, eximios y ya premiados músicos. Cuatro de ellos pertenecientes a la música docta y solo dos de ellos provenientes de la música popular, todo esto en una detallada fanfarria publicada en diario El Mercurio, reforzando de manera implícita aquella vieja idea en que las elevadas artes musicales provienen de la élite, la academia y en ellas no se cuenta con mujeres músicas de tamaña altura.

Con tales demostraciones de tradicionalismo y patriarcado institucional, la acción articulada de organizaciones y gremios de mujeres en la música y las artes como La Matria, la Agrupación Musical Las Primas, la Asociación Latinoamericana de Canto Coral Chile, y Covima Chile, resultó decisiva para promover, instalar y exigir paridad, levantando la candidatura de seis experimentadas músicas que durante décadas han desarrollado a nivel regional, nacional e internacional trayectorias que combinan de manera laboriosa y brillante la creación, la formación, la producción y divulgación musical. Pioneras y cultoras de sonidos, estilos y cánones en sus respectivos terrenos musicales. Ópera, folclor, música docta y música popular. Cantantes líricas, cantoras folclóricas, compositoras, directoras de orquesta y cantantes populares. Así emergieron ante la suspicacia, asombro y despiste de muchos, los nombres de Cecilia Pantoja, Nora López, Lucía Gana Espinosa, Mireya Alegría e Isabel Fuentes. Vaya, Chile tenía mujeres músicas con sendos curriculums.

A través de una contundente carta pública dada a conocer el 30 de julio, diez días antes del cierre de postulaciones, la Coordinadora por la Visibilización de Mujeres en las Artes COVIMA, puso sobre la mesa las distintas falencias que presenta la ley N°19.169 que rige al premio, exponiendo de forma detallada procedimientos desprolijos y poco rigurosos como también su disonancia con la Ley N° 20.285 – de transparencia, en la falta de conocimiento público sobre los criterios, puntajes y documentación de postulados, como también en la conformación y atributos del jurado “Entre otros aspectos relevantes es necesario destacar que el jurado es soberano en la selección de postulantes y no existe obligación de presentar un informe documentado de los méritos de los candidatos. (…)” (ley 19.169, art. 13)”. La misiva también expuso de forma clara el sesgo socioeconómico presente en la historia del premio “Por otra parte, considerando la deuda histórica que tiene Chile con artistas mujeres y disidencias toma un nuevo nivel de gravedad al entender que hay un gran sesgo de clase sociocultural dentro de este premio, cerrando desde aspectos como la conformación de jurados hasta los mismos ganadores a personajes mayoritariamente pertenecientes a la élite académica chilena, conformada por exponentes de la Universidad de Chile, Universidad Católica y la Academia Chilena de Bellas Artes. De esta forma COVIMA denunció las barreras estructurales que han permitido una prolongada política de invisibilización de mujeres en el premio nacional de artes musicales e instaló el gran desafío de modificar la ley que rige al cuestionado galardón como el primer paso de fondo para terminar con los sesgos que en él predominan. 

Por su parte, la acción del colectivo La Matria abordó las dos omisiones históricas del premio, mujeres y música popular, levantando una justa y aclamada campaña para Cecilia, la incomparable. Mediante una carta abierta al Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el colectivo postuló a la emblemática cantante de la nueva ola, llamando a sus seguidores a apoyar con su firma la moción. Pero ¿por qué una artista de la trayectoria, influencia y popularidad de Cecilia, no ha figurado antes como candidata al premio? ¿acaso por ser mujer y cantante popular? ¿Acaso por no formar parte de los círculos de formación musical tradicional? Quizás todas las anteriores. Probablemente la candidatura de Cecilia ha sido la más desafiante en la historia del premio. Un desafío que buscó remover los lineamientos más tradicionales de éste, no solo en lo artístico y lo musical debido a su estatus de intérprete de la canción popular, sino también como símbolo de transgresión y figura no convencional cuya imagen es la imagen de mujeres y disidencias sexuales, tal como lo señala La Matria en su carta: “Hoy en día con el auge de las demandas feministas, la figura de Cecilia se vuelve más potente, al haber cuestionado tempranamente y desde el arte musical, los estereotipos de género. Al haberse permitido la libertad de construir sobre sí, una imagen andrógina en la que su feminidad se vestía de pantalones y pelo corto, en una época en la que un ‘deber ser’ muy conservador sesgaba las vidas de las mujeres». Y aunque la campaña reunió más de 11 mil firmas, la ecuación mujer y transgresión probablemente causó espanto en la academia.

La experiencia nos sigue diciendo que las lógicas patriarcales y los sesgos de género están lejos de desaparecer o incluso disminuir sistemáticamente, y mientras tanto al primer descuido siguen reproduciéndose de forma estructural desde las instituciones hacia abajo, reflejándose en este caso en la industria y en la academia, dos lugares que siguen concentrando especial interés por mantener viejos vicios como la misoginia, la discriminación y el machismo como por ejemplo en la cuota de mujeres en los festivales de música o en paneles de expertos exclusivamente masculinos. Temas que fueron abordados desde IMUVA y su Comisión de Género en la reciente edición de VAM, 1er Encuentro en línea de la Industria Musical Chilena.

La carrera por el Premio Nacional de Artes Musicales 2020, ha terminado, dejando su prestigio en manos de una destacada académica y soprano, perpetuando su inclinación por cierta tradición, pero también respondiendo a la primera llamada de urgencia que decía “no se puede seguir invisibilizando el trabajo de mujeres en las artes musicales y en la misma academia”. La carrera por el premio Nacional de Artes Musicales 2020 ha terminado, estampando por cuarta vez el nombre de una música en su placa como primer pequeño gesto de diálogo en un largo camino por equiparar la cancha, diálogo que debiera continuar todo el año y que en su próxima entrega debiera profundizarse. La carrera por el Premio Nacional de Artes, sí, ha terminado pero la carrera por la paridad continúa. 

COLUMNA PARA LA COMISIÓN DE GÉNERO IMUVA PUBLICADA EL MES DE OCTUBRE EN EL SITIO WEB DEL OBSERVATORIO REDFEM 

ESTRENO: VIDEOCLIP «EL FUTURO» DE TSUNAMIS

ESTRENO: VIDEOCLIP «EL FUTURO» DE TSUNAMIS

TSUNAMIS ESTRENA SU PRIMER VIDEO GRABADO EN ESTUDIO DURANTE LA FASE 3 DEL CONFINAMIENTO

(Comunicado)

El clip “El Futuro” ya está disponible en YouTube y corresponde al segundo single del séptimo disco de la banda que se lanzará oficialmente durante el mes de diciembre.

Bajo la dirección de Pepe Alarcón y en los estudios Jama Bros, la agrupación durante las primeras semanas de la Fase 3 en la comuna de Providencia, decidió grabar una nueva pieza audiovisual con un equipo reducido y todas las medidas sanitarias, incluyendo la aplicación de un test pcr. El resultado, la combinación de una secuencia en una fría naturaleza protagonizada por Manuel Castillo, en contraste con un set en llamas filmado en vivo, donde los overoles de cada integrante y sus colores forman parte de una energética puesta en escena.

Tratamos de hacerlo lo más panketa posible, reflejar un mundo totalmente onírico y muy distinto a lo que continúa, no tiene porqué! Grabamos en un set con una cámara que flota y rodea a los personajes durante el video, dando un look granuliento evitando la post y filmando en vivo poniendo una cámara de placa frente al lente”. Comenta Pepe director también del video “Camisa de estrellas” lanzado a comienzos de año. “Fue el primer video que hago desde abril y lo sentí como una liberación emocional por las ganas que tenía de grabar. En lo personal hacer este segundo clip con ellos fue como entender el mundo de la banda, entrar en su imaginario y activar una buena sinergia con el resto de sus integrantes. Concluye.

 

 

La producción para este material cayó en manos de Francisco Fernández, guitarrista y co-fundador de la banda que aunó a un talentoso equipo realizador y creativo integrado Coco Manzur en la dirección de foto, Nico Multi en la dirección de arte, Andrea de la Horra en el vestuario y Fernanda Acuña en maquillaje ; quienes durante toda una jornada grabaron de corrido este clip. “Es nuestra primera experiencia en estudio y me gustó que se haya podido captar una foto actual de la banda y la esencia de nosotros disfrutando lo que hacemos, además coincide que este single tiene tintes más optimistas pensando en los triunfos morales y políticos post Plebiscito. Augura un buen futuro”. Agrega el guitarrista.

Para la banda así como también para lxs trabajadorxs de la música y las artes en Chile, continuar con los proyectos artísticos en el contexto actual y con un ausente Ministerio de las Culturas, ha sido un desafío importante en cuanto a optimizar el tiempo y el dinero. Pero pese a este panorama, y un acotado presupuesto el resultado del video superó todas las expectativas y la capacidad de anteponerse frente a la adversidad.

“Producir un video en tiempos de pandemia es mucho más difícil, las cosas estaban cerradas fue todo más lento, pero no imposible porque la creatividad siempre es una herramienta más poderosa”. Dice Nico Multi, director de arte quien diseñó la puesta en escena del set monocromático donde Andrés “Goli” Gaete, Francisco Fernández, Patricio Larraín, Sebastián “Tan” Vargas y Sebastián Arce se embarcan en una performance musical y con actitud.

“Es un video de juegos y conexiones cromáticas donde a través del vestuario, los fondos y la iluminación vamos componiendo y contrastando esos colores que representa a cada integrante. Fue muy lindo poder reencontrarme con este grupo de amigos talentosos y de mi generación donde hemos luchado desde la trinchera del arte”. Concluye Multi en relación a la sensación de haber sido parte del equipo realizador de este clip.

El próximo paso de la banda es el lanzamiento de su nuevo disco, “7 Mares”, junto con su tercer single “Corazón de Tora” durante el mes de diciembre 2020 bajo el sello de BYM Records.

 

REVISA LA RETROPECTIVA A LOS 17 AÑOS DE LA BANDA Y TODO SOBRE SU NUEVO DISCO

EN EL ÚLTIMO N° DE NUESTRA REVISTA

 

 

 

UDARA MUJERES Y ROCK: LLEGA EN SU QUINTA EDICIÓN

UDARA MUJERES Y ROCK: LLEGA EN SU QUINTA EDICIÓN

Del 19 al 22 de noviembre se realizará a quinta versión de Udara Encuentro de Mujeres y Rock llega en formato online. Esta edición del encuentro llega con una extensa programación compuesta por más de 30 proyectos con presencia femenina de Chile, Argentina, Perú, Bolivia, Colombia y España. Al cartel de presentaciones en vivo vía streaming, se suma una agenda de actividades, talleres y charlas en torno a la participación de mujeres en la música rock.  

Udara, nace el año 2016 con el objetivo principal de generar espacios de difusión para la música y todas las artes que componen el rock creado por mujeres, además de promover instancias de colaboración y redes entre participantes. Los encuentros de Udara, son instancias abiertas a todo público, en donde se llevan a cabo actividades como talleres de formación, conversatorios y charla, exposiciones y conciertos. Surge en respuesta a la poca visibilización del trabajo de mujeres rockeras y la falta de espacios para la difusión de sus proyectos. Frente a este panorama, se plantea como un espacio multidisciplinario que promueve la presencia femenina en el rock desde diferentes ámbitos, abriéndose desde la música, al sonido, producción, gestión, periodismo, artes visuales y gráficas, entre otras.

 

Durante cuatro jornadas el Encuentro Udara Mujeres y Rock, reunirá un extenso y diverso cartel de bandas con presencia femenina de Chile y el continente,  las cuales  se estarán presentando en vivo vía streaming.

BANDAS EN VIVO STREAMING

La vanguardia, el rock progresivo, el jazz, la experimentación y la psicodelia se hacen presentes con las bandas Sube, Novedades Matutinas, Immergé y Kahli. Mientras que el sonido de raíz funk estará a cargo de las bandas de la V región The Mouts y Refugio Ambulante.

Las sonoridades más clásicas llegan de la mano del hard rock de EVE, el blues de La Rox y Carolina Lavanderos de La Psychoband y el stoner y psicodelia de Dorotea. Desde Punta Arenas y como únicos representantes del post punk, se presentará la banda Delirium Mask. También contaremos con la presencia de distintas cantautoras que fusionan el rock con estilos como el folk y pop, entre ellas la pianista y compositora Priscila Ninoska, Franka Miranda, Lite Ruiz, Alley y Mamá Osa, así como también proyectos que tiene una raíz en el folk son Fakinmono y Llave de Luna. La participación internacional está representada por Noe Terceros y las bandas Molle y Temporal desde Argentina, la cantautora Pilu Velver desde Madrid, España y tres agrupaciones formadas completamente por mujeres que son LILITH desde Colombia, FAE de Perú y Agadá de Bolivia.

La música en vivo se completa con los talleres y conversatorios «La Guitarra desde una Mirada Femenina», conversatorio entre las guitarristas Cler Canifru, Red Frandany y Carolina Lavanderos, y los talleres «Rock&Show Make Up», taller de Maquillaje, «El Grito Femenino» una Masterclass de Vofemex de historia y técnica vocal de voces distorsionadas, «A Rockear», taller de iniciación musical en el rock, para niñes de 10 a 15 años. El valor de la entrada para las actividades de formación es de $3000  a través de sistema passline.

El taller de trabajadoras de prensa musical, «Recomendaciones y tips para difundir tu proyecto musical», es gratuito con aporte voluntario.

 

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