Año: 2021

MARINEROS EN VIVO EN SALA METRÓNOMO

MARINEROS EN VIVO EN SALA METRÓNOMO

El dúo compuesto por Constanza Espina y Soledad Puentes, Marineros, retoma los escenarios locales, este  16 de octubre en Sala Metrónomo.

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Formadas en 2011, el dúo compuesto por Constanza Espina y Soledad Puentes regresa a los escenarios locales post pandemia, para presentarse en Sala Metrónomo este 16 de octubre. Con el pop etéreo y romántico que las caracteriza como una de las bandas de sintetizadores más exquisitas de la escena, Marineros, presenta su nuevo formato en vivo con banda de acompañamiento expandiendo su habitual estilo de dupla.

Marineros se instaló con fuerza en el circuito de la música independiente con la aparición de su disco O Marineros  editado en 2015, y producido por el reconocido Cristián Heyne, consolidando su ya prominente trayectoria en el electro pop indie de la década, donde destacan su fino trabajo musical y su lírica poética.

RUIDO BAJO TIERRA : CICLO DE BANDAS BOMBTRACK

RUIDO BAJO TIERRA : CICLO DE BANDAS BOMBTRACK

 

Con cinco fechas de música en vivo, muestra fonográfica y dj set, Bombtrack Distro, inaugura ciclo en Klama Bar Cultural donde estarán presentes Dixie Goat, Wild Parade y Vorágine. La primera fecha del ciclo estuvo encabezada por la banda Mamut, y continúa este sábado 16 de octubre con el fuzz rock de Soponcio.

Por Rossana Montalbán / Fotos Bombtrack archivo

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Cuidadas ediciones en vinilo, cd y cassette es lo que Bombtrack Distro propone con su catálogo de genuino rock underground made en Chile, con bandas como Yajaira, Pies de Plomo, Vago Sagrado, Soponcio, entre muchas otras, promoviendo y fomentando desde la autogestión la cultura en torno al formato análogo y a estilos musicales como el doom, el sludge, el stoner, y el rock psicodélico, en definitiva, en torno al heavy rock en sus vertientes más espesas.

Durante el último año, a pesar de la pandemia, el trabajo de Bombtrack no se ha detenido, anotándose, entre 2020 y 2021, las ediciones para clásicos discos del under como la reedición en cassette de La ira de dios de Yajaira, y su reciente disco Turbias visiones también en vinilo y tape.

Entre lo más recientemente, destaca, la reedición aniversario de los veinte años del disco debut de Hielo Negro, Demonio Parlante, recuperando en formato cassette uno de los discos más sólidos del rock patagónico.

Con un ciclo que contempla cinco fechas de bandas en vivo, muestra de catálogo y dj set, Bombtrack llega a Klama Bar Cultural, desde el 25 de septiembre hasta el 16 de diciembre, reuniendo una poderosa selección de bandas en cinco fechas, la primera de ellas, ya acontecida junto a Mamut, mientras que las próximas serán encabezadas por los riffs de Soponcio, Dixie Goat, Wild Parade y Vorágine. El ciclo continúa este sábado 16 de octubre con el fuzz rock de Soponcio, quienes siguen mostrando su EP Descenso bajo el sello Hiss Records y editado en formato vinilo y cassette por Bombtrack Distro.

Fechas

Sábado 25/09 Mamut

Sábado 16/10 Soponcio

Viernes 22/10 Dixie Goat

Viernes 29/10 Wild

               Jueves 16/12 Vorágine                                             ……………………………………………………………………………………….

Venta de entradas a través de @passline_oficial 

Ingreso al local con pase de movilidad y mascarilla.

Entradas Limitadas

EN POS DE UNA CRÍTICA MUSICAL FEMENINA

EN POS DE UNA CRÍTICA MUSICAL FEMENINA

 

 

No hay que ser adivinx para deducir que ser mujer —y crítica musical— siempre ha sido una ardua labor: demostrar que el sexo frágil o el bello sexo, como algunos afirmaban antaño, poseía las mismas condiciones biológicas e intelectuales que un hombre. El problema es que, hoy, aquella discusión bizantina no se ha disipado. Aún perseguimos la legitimación por parte de nuestros pares; con pares me refiero, claramente, a hombres. El padre, el marido, el maestro. La presencia masculina siempre delineó las trayectorias de ciertas críticas musicales de la primera mitad del siglo XX no sólo en el eje anglosajón, sino que también en nuestro continente. 

Puedo corroborar esto tras haber desarrollado una investigación de larga data sobre la crítica musical femenina en Brasil entre 1896 y 1960. Allí encontré unas 115 mujeres que escribieron de música, entre cronistas, colaboradores y columnistas. En 1943, Magdala da Gama Oliveira, acérrima opositora del samba, evidenció lo difícil que era insertarse en una especie de cofradía masculina, evocando un episodio de discriminación:  Había terminado el curso en el Instituto [de Música] y acababa de ingresar a un periódico para hacer la crítica de los conciertos. Entusiasmada con el nuevo puesto decidí saludar personalmente a un famoso pianista, cuyas interpretaciones lograron llevar al éxtasis mis tremendas exigencias precoces.

—¡Soy el crítico musical de “Diário Carioca”! — dije yo, en un arrobo, después de apretar la mano del semidiós. 

El artista fijó los ojos en mí, percibió en el fuego de mi exaltación todas las exageraciones de los veinte años, y exclamó con ironía, casi como un insulto:

—¿Usted, crítico de arte? No creo…

La risa del ídolo me incendió el alma, quemando en un segundo todas mis vanidades. Me retiré del teatro. Al final, sabía que el ídolo estaba en lo cierto.

En el otro hemisferio, en 1983, la crítica de música clásica Barbara Jepson se cuestionó en “Women Music Critics in the United States” respecto de cómo sus colegas lidiaban con sus superiores y si sentían una responsabilidad especial de promover los esfuerzos de compositoras y directoras de orquesta. No obstante, un problema grave que he detectado es la insuficiente bibliografía con estudios sobre mujeres críticas, lo que ratifica un androcentrismo preponderante. 

Después de los años 2000 se percibe un incremento de artículos sobre críticas musicales femeninas, aunque todos coinciden en ser semblanzas panegíricas. Las narraciones siempre abusan de recursos como la anécdota; cuasi-hagiografías que santifican a estas mujeres, apreciadas como mártires que sacrificaron sus relaciones familiares en pos de la validación profesional. 

Desde la musicología ha habido exiguos esfuerzos por visibilizar la labor de mujeres en la crítica musical. Magdalena Dziadek, por ejemplo, aborda la crítica musical producida por mujeres en Polonia desde inicios del siglo XX y hasta la Segunda Guerra Mundial. Ella es, de hecho, la única especialista en publicar un texto exclusivamente sobre mujeres críticas musicales: Odrodźmy się w muzyce! Muzyka na łamach polskiej prasy kobiecej i „kobieca” krytyka muzyczna, 1818-1939 [¡Renazcamos en la música! Música en la prensa femenina polaca y crítica musical “femenina”, 1818-1939] (2005), en el que entrecomilla la palabra kobieca (femenina). Dado que es una obra en polaco —idioma relegado en los debates académicos—, se torna compleja la lectura, a menos que existan esfuerzos de traducir por parte de quienes exploramos la crítica musical femenina.  

Pese al predominio de literatura sobre crítica de rock, que reverencia a emblemas masculinos, conforta saber que existen compilaciones de textos —crónicas, entrevistas, reportajes, columnas, críticas, reseñas, ensayos y hasta entradas enciclopédicas— escritos por mujeres periodistas de música popular, como Rock Encyclopedia (1969) de la crítica australiana Lillian Roxon; Rock She Wrote: Women Write about Rock, Pop and Rap (1995), colección editada por Evelyn McDonnell y Ann Powers; Out of the Vinyl Deeps (2011), antología de Ellen Willis, primera crítica musical de The New Yorker; The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic (2015) de Jessica Hopper; y She Rocks! Giornaliste musicali raccontano (2020) de Alessandra Izzo. 

En el prólogo de The First Collection of Criticism…, Hopper (escritora y activista feminista) advierte:

El título de este libro es sobre plantar una bandera; es para aquéllas cuyos sueños (y manuscritos) se languidecieron debido a la falta de prioridad, apoyo y aprobación formales […] Este libro está dedicado a aquéllas que estuvieron antes, aquéllas que deberían haber sido las primeras, y todas quienes vendrán después.

En julio pasado, la exeditora de Pitchfork reeditó su libro, aseverando que “la crítica se ha convertido en un espacio bastante tenso”. Pese a las discordancias inherentes a la disciplina —donde los binarismos de género todavía se preservan—, Hopper ha insistido en posicionar la noción de crítica musical femenina. Una crítica musical amparada en la écriture feminine, acepción acuñada por Hélène Cixous en La risa de la Medusa, en 1975. Una crítica musical contraria al falogocentrismo (Derrida 1972), a esa pretensión de que el patrón escritural ha pertenecido siempre a lo masculino. 

 

Parece ser que Jessica Hopper, con The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic (¡vaya título provocador!), performativamente rehúye de “la trampa del silencio” de la que hablaba Hélène Cixous y patrocina una “feminización de la escritura”, como sugería la teórica cultural francesa-chilena Nelly Richard (1993). 

Jessica Hopper se ha tornado en un sujeto disidente que invita a otros sujetos disidentes —nosotras— a configurar una escritura que desestabilice la discursividad hegemónica y que desterritorialice concepciones normalizadoras y oficiales. Pero ¿ cómo podemos, en Chile, implementar de verdad una escritura femenina? ¿Es factible? ¿Seremos leídas/escuchadas?

 

Nayive Ananías

Periodista

Dra. © en Artes mención Música UC

 

UN OCÉANO PARA ESCUCHAR: EL RETORNO DE TORI AMOS

UN OCÉANO PARA ESCUCHAR: EL RETORNO DE TORI AMOS

Tras cuatro años de silencio, la eximia compositora Tori Amos, regresa con su disco número dieciséis titulado «Ocean to Ocean»,  sucesor de Native Invader.

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La música de Tori Amos se ha caracterizado por poseer una sensibilidad especial hacia su entorno y hacia el mundo interior, abordando conflictos internos, psicológicos y traumáticos, logrando plasmar la complejidad emocional humana, la complejidad de un universo femenino y la dificultad para encontrar un lugar en la sociedad. Siguiendo los caminos de la creación y de la introspección más feroz, la compositora llega con un nuevo disco inspirado en el confinamiento, la soledad, el asilamiento y el caos sociopolítico, de su propio país, tras los sucesos ocurridos en el Capitolio de Washington en enero de 2021, todo esto mientras pasaba tiempo en Cornwall durante la cuarentena. «Se trata de un álbum sobre tus pérdidas y sobre cómo haces frente a ellas», afirmó Tori Amos. «Afortunadamente, cuando has vivido suficiente, puedes reconocer que no te sientes como la madre que quieres ser, la esposa que quieres ser, la artista que quieres ser», añade Amos.

Acerca de la temática de su nuevo proyecto, la cantautora añade: «Me di cuenta de que para poder cambiar esto, tienes que escribir desde el lugar en el que te encuentras. Yo estaba en mi propio infierno privado, así que me dije a mí misma: es aquí desde donde escribes, ya lo has hecho antes».

Este es el último proyecto de la artista desde que  lanzó «Native Invader» en 2017, si bien el año pasado lanzó un sencillo con cuatro canciones de temática navideña titulado «Christmastide». Sus últimos proyectos no se limitan a la música. Tori Amos lanzó el  mayo del año pasado «Resistance», un libro autobiográfico en el que narra su carrera musical y los obstáculos a los que se enfrentó. El próximo 29 de octubre será la fecha para conocer este nuevo trabajo que devuelve a Amos a la vida musical.

EL GRAN TEMOR Y ARTEAGA EN VIVO EN MIBAR

EL GRAN TEMOR Y ARTEAGA EN VIVO EN MIBAR

La música en vivo sigue reactivándose. Este fin de semana es el turno del heavy doom y la psicodelia stoner a cargo de las bandas Arteaga y El Gran temor, el trío que se prepara pacientemente para abrir el esperado y postergado show de Pentagram en Chile, reprogramado para el 22 de septiembre de 2022.  Mientras tanto, se podrá ver a la banda en acción, este sábado en el habitual MIBAR de Barrio Italia, epicentro de metal y heavy rock.

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Compra tus entradas en el mail de ambas bandas:

arteaga.satanico@gmail.com 

elgrantemor@gmail.com

 

 

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

El 15 de octubre a través de las pantallas de Apple TV+ se estrenará el film dirigido por Todd Haynes, «The Velvet Underground: A Documentary»,  pieza audiovisual que ofrece entrevistas en profundidad con los miembros sobrevivientes de la banda como John Cale o Maureen Tucker, junto a figuras clave de la época, acompañadas de inéditas imágenes de actuaciones en vivo de la época.

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Parece mentira que hasta ahora no se hubiese producido ningún documental o proyecto cinematográfico en torno a The Velvet Underground, uno de los grupos de rock más influyentes de la década de los 60 y 70. Formado por Lou Reed y John Cale originalmente, The Velvet Underground marcó un antes y un después en la escena artística de Nueva York de aquella época.

En contacto siempre con artistas como David Bowie, Patti Smith o Andy Warhol, The Velvet Underground crearon una escena en la ciudad estadounidense, a través de su música, sus mensajes y su estética. Con cinco discos editados hasta que Lou Reed y John Cale tomaron sus caminos por separado, la obra The Velvet Underground recorrió el mundo del arte y la música influyendo a numerosas generaciones de músicas, músicos y creadores.

Dirigido por el cineasta Todd Haynes director de Velvet Goldmine y Far from heaven, entre otras, el documental de The Velvet Underground se estrenará el próximo 15 de octubre, con contundente e inédito material de archivo, contribuyendo al legado musical de la banda y a la apreciación sobre su obra e influencia.

 

SOUNDTRACK

La banda sonora del documental, incluye material seleccionado por el propio Haynes bajo el título «The Velvet Underground: A Documentary Film By Todd Haynes -Music From The Motion Picture Soundtrack». El soundtrack también incluye piezas como  ‘The Ostrich’ de The Primitives, una de las primeras bandas formadas por Lou Reed y John Cale, la rareza ‘Foggy Notion’, ‘Chelsea Girls’ de Nico y versiones en vivo de ‘After Hours’ y Sister Ray’, además de la composición inédita del autor minimalista La Monte Young ’17 XII 63 NYC The Fire Is A Mirror (excerpt)’, interpretada por el colectivo musical al que perteneció John Cale, The Theatre Of Eternal Music.
Disco 1
01. ‘Venus in Furs’ (The Velvet Underground)
02. ‘The Wind’ (The Diablos)
03. ’17 XII 63 NYC The Fire Is a Mirror’ (excerpt) (The Theatre of Eternal Music)
04. ‘Heroin’ (mono) (The Velvet Underground)
05. ‘Road Runner’ (Live) (Bo Diddley)
06. ‘The Ostrich’ (The Primitives)
07. ‘I’m Waiting for the Man’ (The Velvet Underground)
08. ‘Chelsea Girls’ (Nico)
09. ‘Sunday Morning’ (The Velvet Underground)Disco 2
01. ‘Sister Ray’ (live) (The Velvet Underground)
02. ‘Pale Blue Eyes’ (The Velvet Underground)
03. ‘Foggy Notion’ (The Velvet Underground)
04. ‘After Hours’ (live) (The Velvet Underground)
05. ‘Sweet Jane’ (The Velvet Underground)
06. ‘Ocean’ (The Velvet Underground)
07. ‘All Tomorrow’s Parties’ (The Velvet Underground)
HAMMURAVI EN VIVO EN KLAMA

HAMMURAVI EN VIVO EN KLAMA

 

 

Hammuravi, el proyecto solista de la música porteña Naty Lane, llega a la capital para presentar su nuevo disco Fuego Negro, editado por HISS Records. El encuentro será este sábado 9 de octubre, a las 19 hrs, en el Bar cultural KLAMA ubicado en Barrio Bellavista, con la participación especial de la banda porteña Aramea.

Reserva tu mesa en klama.cl 

ENTREVISTA  A HAMMURAVI 

Naty Lane y Hammuravi, su proyecto solista, acaba de estrenar su segundo disco Fuego Negro, recientemente lanzado en Valparaiso en formato presencial tras una espera de meses. El disco ya adelantado por los singles «Limbos» y «La ciudad», propone un sonido etéreo e íntimo que se pasea por momentos de oscuridad y tranquilidad, explorando la dualidad de la propia compositora,  una especie de reflejo sonoro que ha ido recorriendo distintos lugares y roles desde su participación en Fatiga de Material con Álvaro Peña, en su rol de bajista estrella en Adelaida y, actualmente en Hammuravi, su proyecto solista desde hace algunos años. SIGUE LEYENDO.

SANTIAGO ANDER PRESENTA NOVELA SOBRE EL ROCK RADICAL VASCO

SANTIAGO ANDER PRESENTA NOVELA SOBRE EL ROCK RADICAL VASCO

La música y la narrativa se cruzan en una nueva edición a cargo de Santiago Ander, bajo el título «Tratado de hortografía», una novela del escritor, filólogo y periodista Patxi Irurzun, volumen que retrata la vida después del rock radical vasco.

Por Rossana Montalbán

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Publicada originalmente en el País Vasco en 2020, «Tratado de hortografía» retrata los días dorados del rock radical vasco  a través de las vivencias y de la decadencia del ex frontman de Los Tampones, banda recordada por su controvertida aparición en un popular programa de televisión, tocando su canción más famosa por aquellos días titulada “Estamos contra las reglas”.

El antihéroe que protagoniza esta cautivadora historia sobrevive trabajando en una pequeña biblioteca, escribiendo columnas en un periódico local y tratando de abrirse paso en el mundo de la literatura, después de treinta años publicando sin pena ni gloria. Sobrevive también a la complicada adolescencia de sus dos hijos mellizos —Silvio y Janis— y a la reciente pérdida de su pareja y madre de ambos.

La única manera de superar el duelo y la apatía será integrándose a un grupo de guerrilla ortográfica que se dedica a corregir los rótulos y carteles mal acentuados de su ciudad, Jamerdana, mientras Los Tampones planean su regreso a las pistas. Una novela trepidante, llena de música y humor negro, pero también de reflexiones sobre el inexorable paso del tiempo, los sueños y la muerte; una tragicomedia triunfadora en España y México que ahora sube al escenario en Chile.

Su autor,  Patxi Irurzun (Pamplona, 1969) es escritor, periodista, bibliotecario y filólogo español; autor, entre otras obras, del libro de relatos La tristeza de las tiendas de pelucas; las novelas Los dueños del viento y Pan duro; el diario Dios nunca reza; el libro de viajes Atrapados en el paraíso; o el libro de crónicas De igual a igual. 8 historias del comedor solidario París 365. Ha escrito literatura infantil y juvenil, colabora habitualmente en prensa, ha participado en antologías, en revistas, fanzines, y ha ganado diferentes certámenes literarios. Además, Irurzun fue en una ocasión la respuesta a la letra I en el rosco de Pasapalabra.

 

Lanzamiento

Miércoles 6 de octubre, 19 hrs.

Chile y 00 hrs. España,

vía Instagram Live de Santiago-Ander.

Preventa

Sitio web santiagoander.cl y muy pronto en Librería del GAM, Qué Leo Forestal, Qué Leo Tobalaba, Kalimera Libros, Nueva Altamira, Los Perros Románticos, Librería Secreta, Mapurbe Store, Polilla Récords.

HAMMURAVI: DUALIDAD SONORA

HAMMURAVI: DUALIDAD SONORA

Hammuravi acaba de estrenar su segundo larga duración titulado «Fuego Negro». Un fuego que ha hecho vivir la metamorfosis sonora a su mentora Naty Lane y a su proyecto solista con un disco que sigue recogiendo positivos comentarios, y que en los próximos meses estará mostrando en Santiago. Conversamos con la música sobre su actual devenir.

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Por Rossana Montalbán M

 

Naty Lane y Hammuravi, su proyecto solista, acaba de estrenar su segundo disco Fuego Negro, recientemente lanzado en Valparaiso en formato presencial tras una espera de meses. El disco ya adelantado por los singles «Limbos» y «La ciudad», propone un sonido etéreo e íntimo que se pasea por momentos de oscuridad y tranquilidad, explorando la dualidad de la propia compositora,  una especie de reflejo sonoro que ha ido recorriendo distintos lugares y roles desde su participación en Fatiga de Material con Álvaro Peña, en su rol de bajista estrella en Adelaida y, actualmente en Hammuravi, su proyecto solista desde hace algunos años.

La dualidad parece ser el eje de la música y de la propuesta de Hammuravi, no solo porque Naty Lane nació bajo el signo solar Géminis, sino por su propio nombre, una variación de la palabra Hammurabi, nombre del primer código de leyes de la antigua Mesopotamia, que a su vez contiene el código del ojo por ojo, diente por diente. «Es un código muy rudo, pero a la vez, fonéticamente es una palabra muy dulce, por lo que me gustó esa dualidad, me identificó y decidí usarla, pero cambiándole la b por la v», nos comenta la música. Esa dualidad encontrada por Naty Lane, parece estar presente en todo, y así ha querido colocarla en su música, oscura como la noche y a ratos luminosa y pacífica cual paisaje recóndito. 

Hammuravi comenzó siendo tu proyecto paralelo, paralelo a tu trabajo en Adelaida, y que estuvo en pausa por un tiempo, pero hoy parece que toma cada vez más fuerza y se está convirtiendo en tu proyecto principal ¿es así? ¿Cómo ha sido el desarrollo de este proyecto solista?

No denominaría a Hammuravi como mi proyecto principal, ya que he puesto muchísima entrega en el trabajo que he estado realizando con Adelaida desde 2016, pero sí es un proyecto que en estos momentos va al frente en mi vida y prioridades porque me ha permitido progresar como músico. Ha ido tomando fuerza en el último tiempo, explorando nuevas sonoridades, experimentando y tomando riesgos, lo que lo hace muy atractivo en ese sentido. También me ha permitido estar a cargo del barco, lo que no es una tarea fácil, pero que trae cosas muy buenas también, como la libertad absoluta de hacer lo que quiero sin poner mucho reparo en si a la gente le va a gustar o no. Lo defino como un proyecto personal, porque explora espacios íntimos, los que comparto con la gente en forma de canción. 

Hammuravi se formó en el año 2015 con algunas composiciones que hasta ese momento la bajista mantenía guardadas, y que un buen día se animó a mostrar a su compañero de banda, también productor y gestor del sello Hiss Records, Jurel Sónico. Así, comenzaron a trabajar en la gestación de lo que más tarde fue su primer EP llamado Espesura”.  Un resultado determinante para Naty Lane en los caminos artísticos que comenzaría a desarrollar, ya que gracias a ese trabajo de composición y producción, confirmó, consigo misma, su capacidad para hacer música. «me di cuenta que yo también podía hacer canciones y meter mano, aprendí mucho y me ayudó a ampliar mi visión musical a pesar de haber participado como bajista en varias bandas anteriormente.» relata.

¿Cómo fueron naciendo las canciones que componen Fuego Negro?

Este disco tiene canciones que fueron hechas hace varios años y otras que se compusieron el año pasado, en el encierro mismo de la pandemia y con los instrumentos que tenía a mano, ya que a comienzo de año sufrí un accidente, lo que me obligó a refugiarme en la casa de mis padres y estar sin moverme al menos por un par de meses. Solo tenía mi guitarra de palo” y con eso trabajé las maquetas. Al comienzo no sabía bien para dónde iba esto, solo tenía claro que no quería que fueran canciones rockeras o electrónicas, quería hacer algo diferente, y las canciones solitas me fueron mostrando para dónde iba la cosa, así que, teniendo claro este punto, comencé a trabajar en la sonoridad.

¿Cuánto ha cambiado Hammuravi entre su primer trabajo y este nuevo álbum?

Los cambios son bastante perceptibles, ya que el nuevo disco ha sido trabajado lejos del noise, del rock y de las bases electrónicas, manteniendo las sonoridades de las guitarras acústicas, con un mayor trabajo de las cuerdas y de las voces, lo que hace que este nuevo disco sea más reposado, pero no menos intenso.

Hemos visto que has ido trabajando una nueva imagen… parece que Naty Lane se ha convertido en Hammuravi ¿Cuáles fueron tus influencias musicales, artísticas y estéticas para este nuevo disco?

Mucho tiempo rayé con una película que se llama Only lovers left alive”, la cual tiene una banda sonora increíble realizada en su mayor parte por Josef Van Wissem, lo que hizo que me enamorara de las cuerdas mucho más. También creo que hay cosas de R.E.M, de Velvet Underground y de otras que fueron parte de mis raíces. En el aspecto artístico y estético lo quise enfocar tomando aspectos visuales de los 90s, como es el caso de los videoclips Limbos y La Ciudad, centrándome en transmitir una sensación ensoñadora. Y con respecto a mi propia imagen, creo que es un cambio que marca una nueva etapa, juego a potenciar el mostrarme como una nueva persona, este disco es un renacer en todos los aspectos.

Hammuravi estrenó como adelantos del disco, los singles y videoclips  «Limbos» y «La ciudad». Ambos videoclips  fueron grabados en la V región, en Villa Alemana y Quilpué. «Quise hacerlos en estas ciudades ya que el interior”, como le llamamos a esas ciudades, son los lugares donde crecí y me crié, por lo que tienen mucha relación con el disco. El rodaje fue un tanto difícil, ya que el juego de la cuarentena y los permisos limitan tus libertades para transitar, así que tuvimos que adaptarnos y planificar todo a corto plazo y siempre sujeto a posibles cambios de última hora. Afortunadamente, en ambos videos trabajé con Luis González y Danilo Vergara, un equipo pequeño, pero maravilloso, que me ayudó mucho y que estuvo también presente en todo este proceso del disco»

Hablemos de esta metamorfosis sonora ¿De qué nos habla y cómo suena tu Fuego Negro?

Es un disco íntimo, construido en base a guitarras acústicas, percusión, voces y elementos rústicos como sonajeros de uñas de cabra, cascabeles, claves, tormenta, metalófono, etc., que se conectan con estéticas ritualistas, que se relacionan con un nuevo renacer, con canciones que están inspiradas en la aceptación y reconocimiento de situaciones personales, como las relaciones familiares, el amor y las relaciones de pareja, la amistad y sentimientos relacionados con la muerte y la visión de ésta como renovación de la naturaleza.

¿Cómo describirías la experiencia de trabajar de manera solitaria y llevado la dirección de tu proyecto, y no como parte de una banda.?

Si bien es un disco que compuse casi sola en el grueso de las canciones, hay varios músicos invitados que participaron grabando y haciendo arreglos y que ahora son parte de la formación de Hammuravi en vivo. Hacer un disco sola, en mi caso, me permitió realizar las cosas tal y cual me las imaginaba, sin preocuparme mucho si sería bien recibido o si sería escuchado por muchos. Decidí atreverme y experimentar, usar instrumentos rústicos y poco convencionales, hacer lo que yo quería y eso me tiene muy contenta.

SANTIAGO ANDER CELEBRA 5 AÑOS DE MÚSICA EN LIBROS

SANTIAGO ANDER CELEBRA 5 AÑOS DE MÚSICA EN LIBROS

EL SELLO EDITORIAL SANTIAGO ANDER, CELEBRA CINCO AÑOS DE EXISTENCIA COMO UNA DE LAS PRINCIPALES EDITORIALES CHILENAS DEDICADAS A PUBLICAR LIBROS EN TORNO A LA MÚSICA.

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Por Rossana Montalbán

Durante cinco años Santiago Ander se ha posicionado como una de las editoriales más valoradas en cuanto a la publicación de libros sobre música, logrando dar a forma a un contundente catálogo que a través de distintos géneros literarios, se ha dedicado a explorar diferentes momentos de la música local, como también a abordar la historia de bandas de significativa relevancia mundial como Joy Division o Sonic Youth, retratadas por destacados y prolíficos autores ibéricos como Marcos Gendre o Ignacio Julià, en los libros Joy Division. El fuego helado. Y Estragos de una juventud sónica, la historia de la banda neoyorquina.

Pero además de estos aportes, no cabe duda que, una de las grandes contribuciones realizadas hasta ahora por el sello editorial, ha sido la ampliación de un registro hasta hace poco no considerado o quizás obviado por autores e investigadores de la música, nos referimos al registro escritural y en formato libro sobre la historia reciente de la música independiente y underground. Ahí, en ese tramo, nos encontramos con las acertadas publicaciones de Sube la Radio, volumen I y II, reuniendo a emblemáticos músicos y músicas del circuito independiente, convocados y convocadas a escribir sobre el disco que marcó sus vidas y melomanías. 

Más adelante vendrían las acertadas aproximaciones al trabajo musical de una de las bandas más antiguas de la escena punk gestada en estas latitudes, Políticos Muertos, con un libro que exploraría su lírica de la mano de su propio vocalista y letrista Francisco Mallea, titulado «Rock Paria y lo que en él se dice», entregando una publicación que bien puede ser descrita como un crudo y desencantado cancionero. Luego continuaría engrosando este catálogo de lecturas «El peor de Chile», la celebrada autobiografía de Pogo, un fascinante relato en primera persona a cargo de la descarnada y honesta pluma del vocalista de Los Peores de Chile, otra banda insigne del punk chileno de los noventas.

De ahí en adelante, los próximos pasos de Santiago Ander solo han sido un suma y sigue constante, editando los libros Primavera Salvaje, relatos íntimos de la bajista de Adelaida, Nay Lane, en 2019. Ese mismo año, solo un día antes de la revuelta de octubre, Santiago Ander presentaba en un repleto y extinto Cine Arte Alameda, «Latinoamérica es grande. La ruta internacional de Los Prisioneros», de Cristóbal González, libro que reconstruye la olvidada trayectoria forjada en el resto del continente por la banda sanmiguelina. Título que además fue reconocido con un Premio Pulsar.

Durante 2020, la editorial se anotó la publicación de «Disco Punk .Veinte postales de una discografía local» de los autores Emilio Ramón y Ricardo Vargas, trabajo que documenta la historia tras la realización de aquellos discos esenciales del punk acuñado en Chile. Pero este repaso no se detiene, y 2021, el año de su quinto aniversario, Santiago Ander nuevamente apostó por autores no locales y sonidos más allá de las fronteras, primero con la edición chilena de la primera gran biografía de Sonic Youth, en español, «Estragos de una juventud sónica», de Ignacio Julià. En esta misma senda, y continuando su colaboración con el cronista español Marcos Gendre, solo hace unos meses vio la luz la edición chilena del libro Britpop. La vida moderna es una basura, radiografía del último gran fenómeno musical venido desde Inglaterra.

Desde nuestro encuentro con los libros y el trabajo esmerado de editorial Santiago Ander, hemos tenido la oportunidad de seguir desde adentro, en diversas ocasiones, y gracias a una colaboración continua, la labor realizada por sus editores Emilio Ramón y Pablo Benavides, una labor que ha levantado el oficio editorial en torno a la música, renovando y completando el panorama de la edición independiente en Chile, que además nos ha conducido a cada lector y a cada lectora, a revivir toda una vida de peripecias en torno a la música. Razón suficiente para desearles ¡una larga vida!

 

SANTIAGO ANDER CELEBRA SUS CINCO AÑOS DE EXISTENCIA

CON UN DESCUENTO ESPECIAL EN SU TIEND VIRTUAL