Año: 2021

DERRUMBANDO DEFENSAS 12 AÑOS DE HARDCORE FEMINISTA

DERRUMBANDO DEFENSAS 12 AÑOS DE HARDCORE FEMINISTA

Derrumbando Defensas,la banda oriunda de Temuco, acaba de cumplir doce años de trayectoria, doce años de resistencia, hardcore y feminismo que, por estos días, festejan con distintas actividades virtuales en sus redes sociales, mientras se preparan para retomar la actividad en estudio y en vivo. Repasamos su historia y música en la siguiente entrevista.

Por Rossana Montalbán

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Formadas en 2009, en Temuco, región del Bío Bío, con Maritza en voz, Mónica en guitarra, Coty en betaría y Carolina en bajo, Derrumbando Defensas es, a día de hoy, una de las bandas integradas por mujeres más antiguas del circuito hardcore punk de la última década. Un camino en el que han cultivado su propia lectura del hardcore punk crossover tomando elementos del metalcore, el death, el thrash  junto con el desarrollo de líricas de corte existencial y descontento social en el que el antiespecismo y el feminismo son causas principales.

Tres discos componen hasta ahora su discografía, “En días de egoísmo y gritos de dolor” de 2010, seguido por “El mundo cerró sus ojos” de 2014, y finalmente “Confrontación” de 2017. Tres discos con los que la banda ha salido de gira por Brasil y Argentina para compartir escenario con emblemáticas agrupaciones sudamericanas como Ecocidio.

Su último show pre pandemia fue la apertura para los legendarios D.R.I en su última visita a Chile en marzo de 2020, año que cerraron formando parte, como la única banda liderada por mujeres, del disco tributo a Machuca “Qué viva Machuca para todos”, reversionando la canción “No quiero morir antes de haber vivido”. Sin duda, otro hito para una banda que, desde el underground, abrió una pequeña gran puerta para la permanente brecha de género existente en la música.

Fue a mitad del 2009 cuando Maritza y Coty se reunieron con la idea de iniciar un proyecto musical hecho exclusivamente por mujeres. Desde un principio, sus preferencias musicales las llevaron a habitar el circuito hardcore punk de la ciudad, lugar en el que evidenciaron la poca presencia de congéneres entre quienes asistían a las tocatas como también la nula participación de mujeres a nivel musical integrando alguna banda. Ese hecho fue determinante para lo que luego sería el nacimiento de Derrumbando Defensas, doce años atrás. «Maritza vocalista y Coty baterista respectivamente, fueron quienes siempre tuvieron la intención de formar una banda de mujeres. Después de varios intentos se completó la formación definitiva hasta el día de hoy, Carolina bajista, prima de Coty y yo como guitarrista fui la última en incorporarme. Para nosotras existía una necesidad de ver a mujeres tocando, porque si bien veíamos mujeres en las tocatas o participando en fanzines era muy escaso ver a mujeres músicas en este circuito musical. Y en el estilo de música que a nosotras nos gustaba no habían mujeres tocando por eso quisimos ser partícipes y tomar acción y ponernos a tocar. Queríamos consolidarnos en este género musical donde no había mucha participación femenina». Relata Mónica, guitarrista de la banda.

Los primeros años de la banda transcurrieron en el circuito underground temuquense, en casas okupas y centros culturales autogestionados. Espacios y momentos de los cuales la banda guarda gratos recuerdos sobre cómo las acogió el público. «Nuestras primeras actuaciones fueron en la Okupa Casa Roja ubicada en el centro de Temuco, lo mencionamos siempre porque fue un lugar muy icónico que mucha gente recuerda con cariño y que ya no existe. Ahí tuvimos muy buena recepción». Recuerda Mónica.

Desde sus orígenes, géneros musicales como el HxC o el punk han sido corrientes musicales que se han situado desde lo disruptivo y lo anti sistémico ejerciendo una mirada crítica y sobre todo de repudio hacia la sociedad postmoderna y capitalista desde posiciones profundamente radicales y divergentes en oposición a un sistema socioeconómico y sociopolítico opresor, violento y hegemónico. Sin embargo esta esencia contracultural no ha estado exenta de reproducir lógicas poco horizontales, discriminatorias o patriarcales que suelen atraviesar todos lo ámbitos de la sociedad, incluso, el underground. A día de hoy, aún resulta difícil hablar de un circuito under de no predominancia masculina. Pero al mismo tiempo, el aumento de proyectos musicales liderados por mujeres, ha ido pavimentando el camino hacia una posible equidad y diversidad en los espacios, así lo relata Mónica: «Llevamos doce años tocando y en general nuestra experiencia ha sido buena y positiva, hemos tenido buena recepción y acogida por parte del público en general y de los hombres sobre todo. Pero en nuestros primeros años sí se daban situaciones complejas cuando tocábamos en algunos shows en circuitos más metaleros en los que muchas veces nos empezaban a gritar supuestos piropos mientras tocábamos, dejando en segundo plano nuestra labor musical. En esos días se resaltaba mucho el hecho de que éramos una banda de mujeres como algo muy pintoresco, y como si fuéramos un objeto. Y solo se referían a lo estético. Con el paso del tiempo eso dejó de ocurrir, y hoy después de años tocando se refieren a nosotras como músicas y hablan de nuestra música no de nosotras cómo nos vemos o de cómo nos vestimos».

Otra problemática que no puede dejarse de lado al momento de conocer el trabajo de bandas como Derrumbando Defensas, es la centralización y la dificultad para dar a conocer la actividad existente en otras regiones del país, enfrentándose a mayores obstáculos de difusión, e incluso, de acceso a tecnología apropiada para lograr un trabajo musical de calidad y profesional. «Es interesante lo que dices porque no pude evitar recordar la experiencia con nuestro primer disco el cual se grabó, mezcló y masterizó en Santiago, y fundamentalmente se hizo así porque cuando hablábamos con otras bandas nos recomendaban solo gente y contactos de Santiago. Durante una época estuvimos de manera constante alternando entre Santiago y Temuco porque un par de nuestras integrantes de la banda, la bajista y baterista, se fueron a vivir a allí desde hace dos años y nos ha servido para mantenernos activas y vigentes y ha hecho que nos conozcan más personas y ayuda a la retroalimentación que pueda haber entre una ciudad y otra. Quizás desde el punto de vista geográfico se siente esa barrera pero a estas alturas las redes y los contactos se van dando en todos lados y el paso del tiempo y la tecnología ha hecho que las cosas se den de manera menos centralizada». recuerda y afirma Mónica.

En este mismo sentido, la experiencia de la centralización con sus distintas desventajas, paradójicamente logra generar otro fenómeno relevante, reforzando el sentido de lo local, contribuyendo de alguna forma al florecimiento y a la persistencia del underground. «Desde que partimos, en esos años en Temuco habían muchas actividades musicales con distintos estilos de música y muchas bandas activistas sacando discos y tocando. Siempre ha existido una identidad local y gente que asistía a esos shows a escuchar a esas bandas de sus ciudad. Creo que aún lo hay pero con la pandemia todo cambió y algunos locales cerraron, no sabemos como será todo después de eso y si esto generará un estancamiento en el circuito musical de la ciudad». Dice Mónica.

El sonido de Derrumbando Defensas el hardcore metal – metalcore crossover, al escucharlas encontramos los principales códigos del género, la estridencia, los quiebres, la velocidad, lo gutural y el desgarro de la voz. «Desde nuestro inicios lo primordial fue el sonido hardcore, y luego fue evolucionando con las influencias de cada una, fuimos fusionando distintos elementos, dando forma a este crossover con guiños notorios a cada uno de los géneros que mezclamos como el thrash, el death o el punk». Señala Coty, baterista de la banda.

Entre 2010 a 2017, el cuarteto ha editado tres discos, en los cuales se puede percibir como la banda ha ido puliendo su trabajo en estudio y cómo su sonido, siempre enraizado en la estridencia del hardcore y el metal,  junto con sus liricas se han ido reformulando con el paso del tiempo y la experiencia adquirida. «Bueno, en este primer disco no teníamos tanto conocimientos del trabajo profesional de grabar un disco a pesar de aunque todas ya habíamos tenido bandas. Grabamos en Santiago con el apoyo de bandas amigas conseguimos estudio e instrumentos para poder hacerlo. Me prestaron instrumentos en esa época y no tenía dinero para comprarme los propios. Fue una gran experiencia y muy entretenido. Estuvimos todo un día grabando voces, guitarras, baterías y bajos. Y lo masterizó uno de los integrantes de La Miseria de tu rostro.  Viajamos desde Temuco juntamos plata entre todas , vendimos cosas para poder lograrlo. Y a pesar de todo quedamos conformes y nos fue bien con el disco a pesar de que ahora podemos encontrarle falencias, nos dimos cuenta que esas cosas se mejoran con el tiempo». Agrega Coty.

“En días de egoísmo y gritos de dolor”, es el primer disco de la banda, editado en 2010, un disco donde las letras resultan más introspectivas y emocionales. Marcando lel pulso visceral de la música de Derrumbando Defensas. «Qué bonito lo que dices. La verdad es que a mí me hace cuestionar y en realidad volver once años atrás. Y la verdad es que efectivamente las letras son más emocionales e introspectivas por el periodo que estábamos viviendo cada una, personalmente yo estaba viviendo un momento muy malo donde todavía no era tan feminista, es decir no tenía suficiente amor propio como para entender que lo que nos merecemos las mujeres es el respeto. Ese disco me ayudó mucho a gritar para poder liberarme con la banda y para afrontar varios temas emocionales. Me ayudó a valorarme a mi misma, a seguir adelante y no dejar que me pasen a llevar. Otro aspecto relevante en nuestras letras desde nuestros inicios siempre ha sido la liberación animal. Todas somos vegetarianas, asistimos a marchas y a actividades de defensa animal. Es importante poder cantar por los que no tienen voz. Las letras tienen que ver con nuestras convicciones en todo sentido, en lo social y en lo personal. En el respeto entre los seres. Y queremos dar esos mensajes en nuestra música y cuando tocamos en vivo donde conversamos y hablamos en el escenario para reforzar lo que dicen nuestras canciones». Dice Coty.

Para su segundo disco, titulado “El mundo cerró sus ojos”, la banda continuó afinando su lectura del hardcore crossover como también fue adquiriendo nuevas influencias para nutrir ese sonido que ha logrado cuajar, de manera consistentex los códigos de cada subgénero. Un sonido que se ha forjando a punta de dedicación, optimizando los recursos disponibles tanto a nivel técnico como artístico, bajo la autogestión y el espíritu autodidacta de la banda. «En este segundo disco todavía no teníamos un productor que nos pudiera aportar más al trabajo. lo grabamos en diferentes lugares y eso nos demoró un poco para poder concretar el disco, estuvimos nosotras a cargo de la mezcla y lo masterizamos afuera. Un aspecto importante en nuestro sonido es la mezcla de influencias y corrientes que cada una escucha. En nosotras hay distintos estilos. Escuchamos metal extremo, metal clásico, punk, metalcore, deathcore, y así vamos uniendo todo eso y va surgiendo el sonido de Derrumbando Defensas. Siempre nos ha querido clasificar en un solo tipo de hardcore pero eso, la verdad, es que no es posible porque nosotras mezclamos todos esos sonidos y elementos», cuenta Coty.

Para Confrontación”, su último disco editado en 2017,  las cuatro músicas decidieron abordar con mayor crudeza los grandes temas que las convocan, y en él se puede escuchar una versión acabada de lo que la banda ya venía proponiendo en sus trabajos anteriores, una poderosa avanlancha de velocidad, estridencia y quiebres rítmicos sustentando el mensaje  directo y frontal de sus liricas. «En este disco ya queríamos entregar un trabajo más profesional y un sonido lo más logrado posible con mejores instrumentos y equipos. Lo grabamos con Brutal Records donde tuvimos un trabajo detallado de pulir los temas de tocar todo a tiempo. Quedamos muy conformes con este trabajo que es mucho más logrado que los dos anteriores»  cerró Coty.

Por estos días, el cuarteto compuesto por Mónica, Coty, Carolina y Maritza, ya se encuentra finalizando el proceso de composición de su cuarto disco, para en las próximas semanas, y tras una larga espera, iniciar su trabajo en estudio que espera ver la luz antes de fin de año, y asi continuar escribiendo y gritando esta historia de resistencia, hardcore y feminismo.

ENTRE EL POP Y EL FOLCLOR: PENSANDO LA OBRA DE JORGE GONZÁLEZ

ENTRE EL POP Y EL FOLCLOR: PENSANDO LA OBRA DE JORGE GONZÁLEZ

 

Este martes 3 de agosto en Alma Negra Librería parte el primer ciclo del taller “Jorge González: Síntesis de la canción popular chilena, entre el pop y el folclor”, una instancia de estudio crítico sobre la obra y las influencias del compositor sanmiguelino.

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Nietzche, Hegel y Adorno fueron pensadores que alguna vez se aventuraron a trabajar una reflexión teórica crítica en torno a la música ¿Pero qué hicieron ellos? En el caso de Adorno, uno de los filósofos del siglo XX que más escribió y teorizó sobre música, a lo largo de toda su producción intelectual, se ocupó de ligar la forma musical a elaborados conceptos filosóficos que contribuyeron a crear una filosofía de la música, aportando un marco conceptual que ha permitido desde entonces pensar la música por ejemplo desde el problema.

En sus primeros escritos Adorno problematizó en torno al jazz. Más tarde, en su escrito Filosofía de la nueva música, Adorno expuso el cambio de función experimentado en la música en la segunda mitad del siglo XX, señalando las modificaciones internas que los movimientos musicales sufren al quedar subordinados a la producción comercializada de masas, e indicando cómo ciertos desplazamientos antropológicos en la sociedad estandarizada penetran hasta la estructura de la audición musical. En ese trabajo Adorno, trata de mostrar cómo la violencia de la totalidad social se ejerce incluso en ámbitos aparentemente separados como el musical. Pero ¿qué ocurre en Chile? en el ámbito de la teoría crítica para la música más allá del trabajo musicológico y periodístico donde se cruzan las nociones biográficas y las perspectivas históricas y sociales. 

Tras la revuelta de octubre de 2019, el nombre de Jorge González como uno de los compositores y músicos más relevantes de nuestra historia reciente, adquirió nuevas y más profundas dimensiones que vinieron a reafirmar el aporte en diferentes niveles de su música como también vino a evidenciar la falta de sustento teórico crítico para aproximarse a su obra y en general hacía la música popular en Chile. 

Bajo esta premisa, a partir del mes de agosto, en Alma Negra Librería, se impartirá el taller “Jorge González: síntesis de la canción popular chilena, entre el pop y el folclor”, instancia coordinada por el Doctor en Filosofía, mención en Estética y Teoría del arte por la Universidad de Chile, Felipe Larrea, buscando abrir una ventana para el ejercicio teórico en torno a la música, y más precisamente, en torno al trabajo del compositor sanmiguelino, a partir de una sugerente hipótesis que nos propone a González como “una suerte de bisagra de la canción chilena, en el sentido de producir una síntesis entre la tradición que cimentó la Nueva canción chilena con el llamado pop, de consumo y de evasión, que en Chile tuvo un solo nombre antes de él: La nueva ola”, señala Larrea.

De alguna forma la obra de Jorge González y su valor como compositor ha llegado, por derecho propio, a ubicarse a la altura de un Víctor Jara e incluso una Violeta Parra, dejando entrever la latente herencia recogida por el líder de Los Prisioneros, como también su capacidad para reformular esa historia con las influencias de su propio tiempo tales como el punk, el new wave o el synth pop, y a su vez recoger el carácter puntual del fenómeno local que fue la nueva ola. “Luces de esto lo veremos en declaraciones del mismo González pero también en cómo La Voz de los 80’ constituye un disco que refleja dicha síntesis, así como también el disco Corazones, que pareciera ser cierta consumación entre una música pop con cierta aprobación crítica y un pop basura, estimado como menor y sin valoración estética (la llamada “música de mierda”)”. Afirma el coordinador del taller.

La ausencia de una tradición escritural o crítica para la música y sus cuestiones en nuestro país, contrasta con lo ocurrido en otras disciplinas como el cine o las artes visuales “No tenemos en nuestro país una tradición escritural o crítica que verse en torno a los motivos o fundamentos inherentes al despliegue mismo de la canción y su relación con las expresiones populares. A diferencia de las artes visuales que ha poseído a nivel nacional una cierta tradición de al menos treinta o cuarenta años; o en el caso del cine, donde se han establecido puentes entre la crítica y la teoría cinematográfica”. afirma el académico a cargo del taller.

Asimismo, las aproximaciones más recurrentes a la obra de González siguen siendo insuficientes en su carácter estrictamente musical “Dicha búsqueda no será desde los lugares comunes donde se le ha abordado, es decir, desde una mirada estrictamente periodística o biográfica, y que se ha focalizado mayormente en sus conflictos personales. Aunque está el reverso – y que también es un profundo lugar común – de cómo González “representa” la voz de una generación oprimida, ubicándolo solo como una “figura” o “personaje”, pero no como un verdadero artista o alguien que posee una obra que merecería una mayor detención, precisamente a través del ejercicio crítico, reflexivo y teórico” enfatiza Larrea.

Tal como señala Felipe Larrea, probablemente ya sea tiempo de aventurarse a nuevas y mayores aproximaciones hacia la obra y hacia la mente musical de Jorge González para sobre todo dejar de lado, su impronta como “icono” y comenzar a pensar más sobre el intelecto musical y sobre la pieza musical en sí misma, más allá de sus circunstancias, pero por sobre para reformular nuevas ideas y abrir nuevos campos de pensamiento respecto de su música.

 

El taller “Jorge González: Síntesis de la canción popular chilena, entre el pop y el folclor”  de Alma Negra Librería, comienza el martes 03 de agosto, a las 18:30 hrs, y tendrá una extensión de ocho sesiones vía Zoom, sesiones para la cuales también se propone una vasta bibliografía con libros de Pierre Bordeau, Simon Raynolds, Emiliano Aguayo y Marisol García, entre otros. Tres de las sesiones del taller contarán con invitados(as) que tengan otras aproximaciones a la obra de González como el crítico y académico, coeditor de un libro en torno al músico, Héctor Oyarzún. Ricardo Martínez, académico y autor del libro Canción A.M. Y la periodista Rossana Montalbán, editora de Crónica Sonora. Las inscripciones se encuentran abiertas en almanegralibreria@gmail.com

El valor total del taller es de $ 40.000 por persona + cupón de 15% de descuento «soci* talleres» en los libros utilizados en el taller que se encuentren disponibles.

REVISA TODOS LOS DETALLES EN www.almanegralibreria.com

DELUSIONAL EN VIVO: BBS PARANOICOS ESTRENA SHOW INÉDITO.

DELUSIONAL EN VIVO: BBS PARANOICOS ESTRENA SHOW INÉDITO.

Continuando con los festejos de sus treinta años de trayectoria, la emblemática banda de hardcore melódico BBS Paranoicos, estrena el show de lanzamiento de su noveno y premiado disco Delusional, realizado en septiembre de 2018 en Centro de Eventos Blondie.

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Probablemente, pocas bandas de rock subterráneo, en Chile, tengan una trayectoria tan articulada y creciente como la que ha logrado forjar a lo largo de tres décadas BBS Paranoicos. Tres décadas donde todo ha cambiado; el circuito underground, las formas de hacer y divulgar música, las comunicaciones, la tecnología, el mundo. Ese cambio el cuarteto lo ha sabido canalizar en una trabajosa y fructífera vida musical que los ha llevado a romper sus más inmediatos límites como banda surgida en la escena punk rock de principio de los 90s. Desde entonces, ese viaje no se ha detenido y los ha convertido en una de las bandas más longevas, prolíficas y consolidadas de su generación.

2018 fue el año en que BBS Paranoicos regresó en gloria y majestad tras un silencio discográfico de cuatro años luego de lanzar y promocionar Cruces (2014). Por esos días la banda había decidido tomarse las cosas con calma antes de volver al estudio, pero mientras tanto, las fechas en vivo seguían su curso programático, así fue como en 2016 la banda ofició como show de apertura para la primera y única visita de Descendents a Chile. Un encuentro seminal para lo que llegaría a ser su siguiente disco.

Corría el invierno de 2018 cuando el cuarteto anunciaba la presentación en vivo de su noveno disco de estudio, Delusional, uno de los más logrados y aplaudidos hasta la fecha, grabado en los estudios The Blasting Room, en Colorado, Estados Unidos, y producido por el legendario músico de Descendents, y experimentado productor de bandas como Rise Against y Lagwagon, Bill Stevenson, a quien, precisamente, habían conocido y asombrado la noche de su debut en Santiago.

Estrenado en julio de ese año y, más tarde, ganador del Premio Pulsar 2019 en la categoría Mejor Artista Rock, el disco tuvo su noche estelar el sábado primero de septiembre de 2018, en un abarrotado centro de eventos Blondie, ante un fervoroso y entusiasta público fiel que había agotado las entradas para el esperado show donde se presentaría la nueva apuesta sonora que la banda había logrado bajo la dirección y sabiduría de Stevenson. Una apuesta que nuevamente dejaba ver cómo la banda era capaz de alcanzar nuevos y acabados matices para un perfeccionado sonido BBS Paranoicos donde las guitarras, los juegos de rítmicos, las velocidades variantes y las líneas melódicas combinan en justa precisión y energía, energía que durante dos horas se pudo presenciar aquella noche de septiembre en el mítico recinto santiaguino, noche donde BBS Paranoicos desplegó su flamante nueva creación en una explosiva liturgia de sudor y coros a todo pulmón.

Registrado de manera íntegra capturando la fuerza del momento, y sumándose a su imparable calendario de celebraciones, hasta ahora, virtuales, “Revive Delusional” será transmitido este 24 de julio, disponible por 24 hrs, y las entradas para conectar con la presentación están disponibles a través de Ticketplus con un valor de $5.000 en Preventa, $7.000 General y $10.000 con el registro de audio para descarga. 

 

 

THE NEW YORK DOLLS: MEDIO SIGLO DE ROUGE, TACONES Y CRUDEZA

THE NEW YORK DOLLS: MEDIO SIGLO DE ROUGE, TACONES Y CRUDEZA

 

Si hay una palabra que resume de manera más o menos amplia a la banda New York Dolls, esa palabra es influyentes. Su aparición a comienzos de los años ’70 fue un verdadero mazazo a quienes vieron en ellos la inspiración para tomar los instrumentos y formar sus propias bandas.

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Herederos descarriados del rock and roll de los años ‘50, mezclados con una actitud desafiante, peligrosa – y no solo para la sesión de fotos -, con un sonido desprolijo clásico de garage y una facha de travestis pendencieros, New York Dolls fue una verdadera bofetada a los grupos empaquetados, una llama que devolvió al rock and roll a la calle y le entregó la posta a bandas como Ramones para que dieran forma a lo que posteriormente se conocería como punk. Pero su historia está llena de excesos y tragedias que tienen hoy solo a uno de los sus miembros, el cantante David Johansen, con vida. El hecho de que estemos cumpliendo cincuenta años desde su fundación, quizás sea una buena excusa para detenerse en su historia, tan breve y autodestructiva como alucinante.

El glitter-rock, rebautizado en la actualidad como glam-rock, nació de las posturas desprejuiciadas y provocadoras de un puñado de músicos que coqueteaban con la ambigüedad -fuera real o simple pose- a través de disfraces, el uso kitsch de lentejuelas y maquillaje femenino. Pero su sonido era más bien clásico, excepto en momentos de genialidad de Bowie o en piezas inspiradas de Marc Bolan de T-Rex. Los New York Dolls tomaron esa apariencia provocadora para adaptarla a su particular música, mucho más cercana a los riffs sucios de Keith Richards que a las melodías de glitter-stars como Elton John. Pero no solo eso, los Dolls se ponían tocones y llevaban navajas, se emborrachaban, eran yonquis y callejeros. Eran peligrosos. Su rock and roll esencial, inmediato, sin sobreproducción ni overdubs, más sus letras que hablaban de drogas y de la calle, los transformaron en cosa de semanas en la banda que había que ir a ver. Sus influencias musicales eran marcadamente cercanas al blues y al rock and roll primitivo -incluso grabaron un cover de Bo Diddley para su legendario álbum debut-, al sonido sucio de los primeros Rolling Stones, más la ejecución fiera de los Stooges y MC5, pero todo pasado por el filtro de las peligrosas calles de la Nueva York de los ‘70.

Los Dolls se formaron en 1971 y comenzaron tocando en algunos antros neoyorquinos. La primera formación que saltó al escenario estaba compuesta por el cantante David Johansen, los guitarristas Johnny Thunders y Sylvain Sylvain, el bajista Arthur Kane y el baterista Billy Murcia. Sus actuaciones eran tan salvajes que se corrió la voz por toda la escena neoyorquina y pronto estaban tocando en el Max’s Kansas City, local famoso por las exhibiciones de la Velvet Underground. Ya en 1972, The Faces, la banda de Rod Stewart y Ron Wood, los invitaron a ser sus teloneros en una serie de conciertos en Londres, incluyendo presentaciones multitudinarias en Wembley. Todos los miembros de los Dolls eran aficionados -aunque aficionados es decir poco- a las fiestas y el consumo de alcohol y drogas, lo que pronto comenzaría a marcar a fuego su trágica trayectoria. En una fiesta tras una de esas presentaciones en Londres, el baterista Billy falleció en la tina. Lo que ocurrió fue que Murcia se desmayó por una sobredosis accidental de Quaaludes o Mandrax mezclados con alcohol. En un esfuerzo por reanimarlo, fue puesto en la tina con agua caliente mientras le metían café frío, el cual se derramó por su garganta dando lugar a una asfixia que le provocó la muerte. La banda canceló los shows que le quedaban en Inglaterra y volvió a Nueva York, sin pensar en que su reputación de tipos peligrosos y salvajes se había acrecentado con la muerte absurda de su baterista, quien fue reemplazado por el legendario Jerry Nolan, dando así con la formación más clásica de New York Dolls: Johansen, Thunders, Sylvain, Kane, Nolan.  

Esta fue la formación que entró a grabar, con la producción del reputado Todd Rundgren, su primer disco de estudio bajo el sello Mercury y publicado en 1973. Este álbum fue una catarsis. Estaban allí todos los elementos que convirtieron a los Dolls en una de las bandas más influyentes del rock and roll y su evolución futura. Canciones rápidas y directas, un sonido difuso y ruidoso, letras muy lejanas del simbolismo o la poesía, sino que muy terrenales, que hablaban de la neurosis de la vida en una ciudad como Nueva York, de drogas, de problemas adolescentes y cortocircuitos sociales. Quizás el título de canciones como “Personality Crisis”, “Trash” o “Pills” nos den una pista de dónde iba la cosa. Otro aspecto impresionante es la portada, con los Dolls luciendo sus tacones y labios pintarrajeados, con cocteles y cigarrillos, y el logo de la banda escrito con lápiz labial. Una invitación real al lado salvaje. 

Guitarist Johnny Thunders (1952-1991) from American rock band the New York Dolls performs live on stage at the Wembley Festival of Music, at the Empire Pool, Wembley, London, 29th October 1972. (Photo by Michael Putland/Getty Images)

 

 

El álbum -titulado simplemente New York Dolls– abre con “Personality Crisis”, lo más cercano a un hit que llegaron a tener. El tema es sin duda uno de los comienzos más impresionantes en la historia del rock and roll. Un golpe de platillo, un riff, una escala en el piano al estilo Jerry Lee Lewis, y comenzamos a ser invadidos de puro rock and roll: tres acordes, energía y espíritu juvenil, notoriamente influido por los Rolling Stones, pero llevado al extremo salvaje en el que siempre se movieron. continúa el álbum con “Looking For A Kiss” y “Vietnamese Boy”, ambas piezas adrenalínicas que anticipan de manera clara al punk que estaba a punto de explotar. Otras canciones imperdibles son “Frankenstein” y “Trash”, piezas que esconden el poco virtuosismo de los músicos tras una dosis de fiereza y energía pocas veces escuchada hasta entonces.

Los Dolls en corto tiempo ganaron una corte de seguidores ilustres. Los futuros miembros de Ramones reconocieron en varias entrevistas que ver en vivo a los Dolls fue lo que los empujó a crear la banda, lo mismo que a la mayoría de los músicos que protagonizarían poco tiempo después el fenómeno del CBGB. El mismo David Bowie iba a verlos cada vez que su estadía en Estados Unidos coincidía con sus presentaciones y llegó a dedicar una canción al fallecido Billy Murcia, con quien Bowie hizo amistad en 1972, mientras seguía las presentaciones de la banda y se iba de fiesta con ellos. Incluso, al otro lado del Atlántico, un joven Morrissey se transformaba en el presidente de su club de fans en Inglaterra, absolutamente encandilado con la impostura e insolencia de la banda (en su biografía dedica páginas y páginas a la influencia de los New York Dolls en su carrera musical).

David Johansen and David Bowie during a Halloween Party at Max’s Kansas City, NYC. October 30, 1974. © Bob Gruen / www.bobgruen.com
Please contact Bob Gruen’s studio to purchase a print or license this photo. email: info@bobgruen.com
Image #: R-441

Como suele ocurrir con bandas como los Dolls, las críticas fueron increíbles, pero las ventas moderadas. Hubo más giras, presentaciones en televisión, más fiestas y drogas, fama y respeto, pero nunca hubo éxito comercial. Hubo también un segundo álbum que tampoco logró el éxito de ventas y ni siquiera el mismo efecto en el público que su debut, lo que los dejó sin sello y empujó a la banda a buscar ciertos cambios. Así fue como el célebre Malcolm McLaren pasó a tomar las riendas del grupo. El futuro “creador” de los Sex Pistols quería darle al grupo una onda más provocativa y se le ocurrió vestirles de rojo y hacerlos actuar con una bandera soviética de fondo, pensando que sería una buena forma de publicidad, aunque fuera provocando con un tema tan delicado para los estadounidenses en tiempos en que la Guerra Fría seguía latente. La cosa no funcionó ni de cerca. La percepción en el público era que los Dolls estaban acabados, buscando cualquier recurso para volver a salir a flote. Los excesos tampoco ayudaban y la banda pronto se disolvería. McLaren, sin embargo, volvería a Londres con muchas ideas que aplicar allá, desde una tienda de ropa donde vender atuendos tipo New York Dolls, hasta formar una nueva banda basada en la música de los neoyorquinos más la apariencia de otro joven que por entonces comenzaba a asomar en la escena underground de Nueva York: Richard Hell. Pero esa es otra historia.

Tras su disolución, Johnny Thunders y Jerry Nolan formaron los Heartbreakers -donde también tocó Richard Hell-, agigantando su leyenda con esta nueva banda pionera del punk, con temas como “Born to lose”, “Baby talk”, “I wanna be loved” y “Chinesse Rocks”. Sin embargo, los músicos nunca pudieron lidiar con los excesos y, en 1991, Thunders moriría de una sobredosis. Un año más tarde fue el turno de Nolan. 

El año 2004 se produjo una inesperada reunión de la banda. Fue Morrissey, su eterno fan, quien los alentó insistentemente -por teléfono y en persona- para que regresaran a los escenarios. El excantante de los Smiths fue quien les consiguió todo para el regreso, que contó también con la grabación de un disco en vivo (The return of the New York Dolls: Live from Royal Festival Hall, de 2004) y una película documental.

Sylvain, Kane y Johansen volvían a reunirse y esta vez bajo la chapa de leyendas vivientes. Ya no tenían nada que demostrar, sino que simplemente disfrutar y darles a sus fans más jóvenes el privilegio de escucharlos en directo. Pero la suerte no estuvo de su parte y meses después del glorioso regreso la banda sumó a otra nueva baja: Arthur Kane, que murió de leucemia.

Sylvain y Johansen siguieron adelante, consiguieron a otros músicos y grabaron un par de discos más. Si bien hay en estos trabajos algunos buenos momentos que nos recuerdan a los viejos Dolls (“Runnin’ around”, “Dance like a monkey”, “Punishing world”, “’Cause I sez so”), sus actuaciones en vivo habían bajado mucho su fuerza y calidad. Por otro lado, mucha agua había corrido bajo el puente, los Dolls ya no eran los travestis maleantes y rocanroleros de antaño, sino que tenía una edad respetable y sus canciones ya no sonaban a espíritu adolescente, sino más bien a nostalgia. Fue así como se produjo la nueva y definitiva separación de (lo que iba quedando de) los New York Dolls. Para colmo, a comienzos de 2021, en que conmemoramos los cincuenta años de su fundación, el guitarrista Sylvain Sylvain falleció de cáncer.

Muchas son las bandas y músicos que han rendido tributo a los Dolls, ya sea citándolos en entrevistas como una de sus máximas influencias, o directamente a través de covers, como Joan Jett, Scott Weiland, y Sonic Youth, que grabaron excelentes versiones de “Personality crisis”, o The Panic Buttons y Morrisey, que grabaron sus versiones de “Trash”. La influencia de esta banda es fundamental para que el rock and roll haya recuperado la fuerza y para que el punk pudiera surgir y llegar a ser exitoso. ¿Qué escuchar para comenzar? Sin duda, el New York Dolls, aquel disco homónimo del año ’73, ese de la foto de los cinco músicos sobre sus tacones, con sus caras poco amigables y el coctel en la mano. Por lejos, uno de los discos más influyentes en la historia del maldito rock and roll.  

LOS ANGELES – SEPTEMBER 8: Singer David Johansen, guitarist Johnny Thunders, drummer Jerry Nolan, bassist Arthur Kane, and guitarist Sylvain Sylvain of the rock and roll group ‘The New York Dolls’ pose for a portrait with host Don Steele on ‘The Real Don Steele Show’ on KHJ channel 9 on September 8, 1973 in Los Angeles, California. (Photo by Richard Creamer/Michael Ochs Archives/Getty Images)
LEE RANALDO & LOS DUST: EL FUEGO ELÉCTRICO

LEE RANALDO & LOS DUST: EL FUEGO ELÉCTRICO

La fría noche del 14 de julio de 2013, las dos cuartas partes de Sonic Youth, Lee Ranaldo y Steve Shelley, se presentaron bajo el nombre de Lee Ranaldo & Los Dust, en un electrificante y fogoso encuentro en el Centro de Eventos Ex OZ.

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La dos cuartas partes de aquella venerada institución sónica venida de Nueva York, se presentó la noche del domingo 14 de Julio, en una concurrida y precisa Ex Oz. El guitarrista sacudió su impronta finamente distorsionada que, durante décadas ha acuñado con el cuarteto y que ha seguido su corriente natural en diversas incursiones solistas, proyectos paralelos y en su faceta como productor.

Lee Ranaldo y Los Dust, la banda formada con su otrora gran compañero de ruta Steve Shelley, es la creación en tiempos de separación para Sonic Youth, tras el naufragio matrimonial entre Gordon y Moore.  Con la hecatombe vino el receso, y el receso le abrió espacio al proyecto que venía cocinándose hace rato en las últimas estaciones del recorrido de la juventud sónica.

LA GUITARRA MÁS SÓNICA DEL OESTE

Son las veinte y treinta de la noche cuando la ex Oz baja sus luces para iniciar el ritual sonoro y con ello abrir el desfile de guitarras,  dar el saludo a los presentes y tomar posiciones. En ese relajado y sobrio estilo que caracteriza a peliblanco Lee, nos introduce al primer tema de la noche “Tomorrow Never Comes”, track del último trabajo editado en 2012, “Between the times and the tides”.

La banda  no se mueve de su escritorio pero a la vez, derrocha una sutil y fresca energía, al escuchar y reconocer esa inconfundible base rítmica de certeros y rotundos golpes a cargo de Shelley, Alan Licht en guitarra y Tim Luntzel en bajo. Esto nos era tan familiar como refrescante.  Los newyorkers seguían abriendo el fuego eléctrico con “Angles” y el single promocional de “Between the times and the tides”, “Of the Wall”; mientras nuestro anfitrión no deja de comunicarse con nosotros, explicando que no logra hablar algo de español pero aún así no nos deja de relatar la historia de la mujer que inspira “Xtina as i knew her”, una pieza de cuerdas envolventes y finos arreglos.

La banda sigue aumentando el pulso del ruido blanco con “Hammer Blows”, donde nos entrega un nuevo momento de altura y sutileza sonora, Lee Ranaldo y The Dust en su máxima expresión, ritual de arco sónico y perfecta distorsión, guitarras al aire y uno de los grandes y extendidos momentos de la noche. “Keyhole”, “Lost” y la historia de protestas ciudadanas y jóvenes manifestándose en la calles de Nueva York en “Shouts” eran las próximas en el set list de la noche; para continuar con “Last night on Earth”, el adelanto exclusivo del nuevo disco que se editará en este segundo semestre.  

Ya transcurrida buena parte del show e inmersos en el mundo sonoro de rechines de cuerdas, pedales y arcos sónicos, cuando más de alguno pedía desde el público el sacrificio de una guitarra, Mr. Ranaldo nos regala su versión para el tema de David Crosby y The Birds, “Everybody ´s been burned”, probablemente la matriz de ese amor por la melodía y los detalles armónicos en medio del caos y de la distorsión sónica.  Pero el saludo a sus más enraizadas influencias no se detuvo ahí, y esta vez  se aventuraba a Talking Heads recordando sus primeros días en Nueva York a fines de los setentas con “Thank you for sending me an angel”, y cerraba el círculo con “Revolution Blues” del otro gran padre, Neil Young. “Lecce”, otra del próximo disco nos llevaba al cierre de la noche. 

Una pausa y nuevamente al escenario por un par más, “Home Courts” y “Waiting on a dream”, nos devolvían a la infecciosa rítmica distorsionada, y a todo lo que amamos de Ranaldo y Shelley, la guitarra ruidosa y la batería enérgica.  

Rechines de cuerda, quiebres y mezclas rítmicas, subidas y bajadas de intensidad, largos puentes y extensos solos en constante búsqueda sonora. Frescura a prueba del tiempo, en pocas palabras el sonido de toda una generación musical que hizo del pedal y la distorsión su bandera, porque no cabe duda que Mr Ranaldo, la guitarra más sónica del oeste, es uno de los grandes arquitectos de todo eso; así lo vuelve a dejar en claro gustosamente y para placer nuestro, en éste, su reciente show en Santiago de Chile.

UNA BALADA LIBERTARIA: JOAN BÁEZ Y ENNIO MORRICONE.

UNA BALADA LIBERTARIA: JOAN BÁEZ Y ENNIO MORRICONE.

 

EN 1971 EL COMPOSITOR DE MÚSICA INCIDENTAL MÁS IMPORTANTE DE SU TIEMPO, ENNIO MORRICONE, ACUDIÓ A LA CANTAUTORA EMBLEMA DE LA CANCIÓN PROTESTA NORTEAMERICANA, JOAN BÁEZ, PARA COESCRIBIR LA CÉLEBRE BALADA DE SACCO Y VANZETTI PARA LA PELCULA DEL MISMO NOMBRE.

Por Rossana Montalbán.

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La historia de Sacco y Vanzetti es la historia de persecución política y social del movimiento anarquista durante la agitada década del 20 en el Estados Unidos post Primera Guerra Mundial. Una historia en la que dos trabajadores, inmigrantes italianos de pensamiento libertario, fueron acusados de robo y asesinato en medio de confusos incidentes, y condenados a la pena capital máxima, a pesar de las evidencias de su inocencia. Un trágico episodio que sigue ilustrando el temor y la furia hacia los movimientos sociales anti hegemónicos y la consagración de la injusticia.

A través de su historia, la bella Italia no solo fue la tierra fértil del fascismo de Benito Mussolini, sino también el epicentro europeo de sólidos movimientos libertarios persistentes hasta el día de hoy. Los años posteriores a la primera guerra mundial dieron paso a un masivo éxodo de europeos hacia la prominente nueva potencia mundial, Estados Unidos. Ese éxodo también significó la llegada de nuevas ideas y esperanzas para la lucha social del movimiento obrero, una de ellas, el Anarquismo.

El cine italiano de la década de los 70s, fue en muchos aspectos un cine político y militante que reflejó las convulsionadas realidades de su tiempo y de su pasado como parte de una dorada era cinematográfica. Fue en 1971 cuando el director Giuliano Montaldo decidió rodar la película “Sacco e Vanzetti”, el docudrama que recrea la vida de Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti desde su llegada a esa tierra prometida que fue la América bendecida por Dios, hasta su feroz encarcelamiento, juicio y ejecución en Massachusetts, un 23 de agosto de 1927. Un filme que fue tras la reivindicación histórica de dos mártires del movimiento anarquista de principios de Siglo XX, musicalizado por el ya aplaudido, Ennio Morricone.

EL RELATO MUSICAL

Ennio Morricone fue, quizás, uno de los más grandes narradores musicales que el cine y el mundo hayan conocido. Trompetista, compositor y arreglista, Morricone fue por mucho tiempo compositor fantasma contratado para crear melodías entregadas a otros, hasta que en la década del 60, Sergio Leone, su amigo de infancia y prometedor cineasta de un incipiente subgénero cinematográfico llamado Spaghetti Western, le entregó la tarea de musicalizar el filme “Por un puñado de dólares”. Los cruces estéticos de la época, la electrificación proveniente del rock and roll, la inserción de sonidos recreados y efectos experimentales. La música italiana y los elementos clásicos de la música incidental, se combinaron en cada uno de los temas que acompañaron las escenas más memorables de “El bueno, el malo y el feo” o “Agáchate Maldito”. Bandas sonoras que trascendieron tanto o más que los filmes, y que adquirieron el estatus de clásicos, entre otras cosas, debido a grandiosas composiciones instrumentales poseedoras de sutiles y cuidadas cualidades pop.

Para 1971, Morricone ya era considerado uno de los grandes compositores de soundtracks de la industria, momento en que el director Giuliano Montaldo, conocido por su cine de crítica social y compromiso político, le propuso componer la banda sonora de “Sacco e Vanzetti”. Una vez más, Morricone escribió cada una de las notas y realizó cada uno de los arreglos que relataron a través del sonido y la música, la trágica historia de persecución política y coartación que Estados Unidos ejerció sobre el pescador y el zapatero, en un largo juicio de seis años que terminaría con los trabajadores ejecutados en la silla eléctrica.

El relato musical construido para “Sacco e Vanzetti”, buscó dignificar a los personajes en su calvario, otorgando al filme el sustento emocional y su carácter de denuncia. Una composición en formato de réquiem y hecha para coros, que recogió las influencias de la música de la época convocando a una de las voces emblema de la canción protesta surgida en Estados Unidos durante los 60s, Joan Báez, quien tomó la labor de interpretar y de escribir la letra para las composiciones “La ballata di Sacco e Vanzetti – part 1”, «La ballata di Sacco e Vanzetti – part 2», «La ballata di Sacco e Vanzetti – part 3», y la más resonante de una banda sonora compuesta por doce tracks, “Here´s to you”, conocida como “La balada de Sacco y Vanzetti”.


Épica como un himno de protesta. Conmovedora y liberadora como un réquiem, “Here’s to you”, fue grabada y popularizada en formato canción, y la letra escrita por Joan Báez se basó en una las tantas declaraciones de Vanzetti durante su encarcelamiento: Si no hubiera sido por estas cosas, podría haber vivido mi vida hablando en las esquinas de las calles con el desprecio de los hombres. Podría haber muerto, sin marcar, desconocido, un fracaso. Ahora no somos un fracaso. Esta es nuestra carrera y nuestro triunfo. Nunca en nuestra vida plena podríamos esperar hacer tal trabajo por la tolerancia, por la justicia, por la comprensión del hombre del hombre como lo hacemos ahora por accidente. Nuestras palabras, nuestras vidas, nuestros dolores, ¡nada! ¡Quitarnos la vida, la vida de un buen zapatero y un pobre vendedor de pescado, todo! Ese último momento nos pertenece, esa agonía es nuestro triunfo.”

Con solo cuatro versos y una sola estrofa repetida a lo largo de toda la melodía en un recorrido de menor a mayor intensidad, in crescendo en magnitud y conmoción como suelen hacerlo las composiciones colosales de Morricone, “Here’s to you” suena como una trágica y heroica balada, donde la letra y la interpretación de Báez, entregan, en su justa y necesaria medida, el dramatismo y desasosiego del desenlace: «Here’s to you, Nicolas and Bart, / Rest forever here in my heart, / The last and final moments is yours/ That agony is your triumph – Aquí está para ti, Nicola y Bart, / Descansa para siempre aquí en mi corazón, / El último y último momento es tuyo / Esa agonía es tu triunfo».

Un manifiesto del compromiso civil de los 70s. Un manifiesto del cine de esa era, interpretado por Joan Báez, quizás la única letrista y cantante posible para este conjunto de piezas compuestas por Ennio Morricone a inicios de esa década. Banda sonora con la que alcanzó el estadio de la música popular gracias a éste, un canto a la libertad y a la dignidad humana, con el cual abrió una nueva línea de tiempo en la historia de los soundtracks, a la cual más tarde se sumaron sus obras incidentales para «Erase una vez en América», «La misión», «Los Intocables» y «Cinema Paradiso». Hasta siempre Morricone.

DUSTY SPRINGFIELD: SOUL DISIDENTE

DUSTY SPRINGFIELD: SOUL DISIDENTE

De nombre real Mary O’Brien, Dusty Springfield fue una cantante de pop y soul que destacó no solo por su voz — es considerada por muchos como la mejor cantante de soul de piel blanca de la historia—, sino también por su forma de vivir su vida, intensa, aunque breve. Demasiado breve para una mujer tan talentosa como ella. 

Por Emilio Ramón

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Tras un paso por un par de agrupaciones, Dusty inició su carrera en solitario en 1963 con el single «I Only Want To Be With You», canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown o los producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, Dusty se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje. (Como dato curioso podemos citar el cover que hizo Luis Miguel de esta canción —llamado “Ahora te puedes marchar”—, donde mantuvo la música y el fraseo, pero cambió la letra totalmente).

 

Al igual que los Rolling Stones, Dusty era una admiradora genuina de los grupos de soul y de la Motown norteamericanos. Siempre quiso haber sido una cantante americana afrodescendiente, aunque, por supuesto, nunca pudo quitarse sus raíces blancas e inglesas de encima. Sin embargo, en su música sí podemos notar la influencia absoluta de estos grupos, transformándose en aquellos años en la embajadora y promotora del soul en Inglaterra, muchos, muchísimos años de que existieran artistas como Amy Winehouse.

El éxito le siguió acompañando durante los años siguientes con canciones como “I don´t Look for Love” —canción principal de la película Casino Royale de James Bond—, «I Just Don’t Know How to do with Myself» —versionada décadas más tarde por los White Stripes—, “Spooky» — versionada por Lydia Lunch— y “Son of a Preacher Man” —parte de la legendaria banda sonora de Pulp Fiction. Dusty, por entonces, comenzó a dar muestras de su fuerte personalidad y de sus convicciones. Por ejemplo, el sonado incidente internacional ocurrido en Sudáfrica, cuando se negó a actuar ante la audiencia racista sino permitían que cualquiera pudiera acudir a su concierto, fuesen negros o blancos. Con su manager, Vic Billings, demandó al gobierno sudafricano ante las presiones recibidas para actuar solamente ante la audiencia blanca. Dusty abandonó el país sin haber ofrecido el concierto.

Pero no solo en introducir el soul y la música negra a Inglaterra Dusty fue una pionera. También fue una de las primeras estrellas de la música en admitir públicamente que era homosexual. Durante muchos años su sexualidad había sido motivo de comentarios y especulaciones, en una época en que declarar en público que era lesbiana era prácticamente un suicidio artístico. Por eso lo escondió por tanto tiempo: por temor a que su carrera se fuera a pique. Sin embargo, el año 1970 declaró en una entrevista que era bisexual —aunque, en realidad, solo gustaba de mujeres—. Tras estas declaraciones se fue a vivir a Los Ángeles, donde permaneció durante 15 años. Grabó poco en los años siguientes y prefirió pasar su tiempo con su novia, la tenista Billie Jean King y haciendo campaña por los derechos de los animales. Su carrera, efectivamente, tuvo un declive vertiginoso y, durante años, permaneció casi en el anonimato. ¿Hasta dónde influyó el haber hecha pública su homosexualidad? No lo sabemos. Pero sí sabemos que estamos hablando de una época en que las lesbianas eran vistas casi con desprecio.

 

Dusty, sin embargo, no dio un paso atrás. Al contrario, hizo alusiones en defensa de la homosexualidad incluso frente a la monarquía. Durante un concierto en el Royal Albert Hall de Londres en 1979, notó que las primeras filas estaban ocupadas por gays y comentó que estaba “contenta de ver que la realeza no se había quedado confinada en el armario”. La princesa Margarita se sintió ofendida y Dusty recibió una carta para ser firmada pidiendo disculpas por haber insultado a la monarquía.  Fue así como, por su valentía y manera de vivir su sexualidad, comenzó a transformarse en símbolo y bandera del mundo gay. Por eso no es de sorprender que, a fines de los años ’80, los Pet Shop Boys —otros abanderados de la comunidad homosexual— la rescataran y trabajaran con ella en varias colaboraciones que volvieron a ponerla en la cima de la popularidad durante un tiempo.

Dusty Springfield siempre se arriesgó. Fue ícono de estilo, desafió al gobierno de Sudáfrica, se arriesgó musicalmente, buscando nuevos caminos y siendo pionera del soul en el Reino Unido. Y se arriesgó hablando de su sexualidad en una época conservadora y censuradora. Lamentablemente, y a pesar de un tratamiento intensivo de quimioterapia, en 1999 murió producto de un cáncer de mamas. Tenía solo 59 años. 

 

EN VIVO DESDE WAREHOUSE: KIEPJA Y THE FALLACY EN STREAMING

EN VIVO DESDE WAREHOUSE: KIEPJA Y THE FALLACY EN STREAMING

 

Con streaming en tiempo real las bandas Kiepja y The Fallacy se estarán presentando en vivo este sábado 10 de julio desde los estudios de Warehouse.

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Rock gótico y metal étnico serán lo sonidos que este sábado traspasarán las pantallas y parlantes desde los estudios de la sala Warehouse en una nueva sesión de streaming en tiempo real que reúne a dos interesantes proyectos del underground local Kiepja y The Fallacy.

Conformada por Marco Cusato y Angeline Bernini, The Fallacy es una de las bandas de rock gótico más activas del underground nacional con una trayectoria que se extiende desde el año 2006, y que ha cultivado lo más clásico e ineludible del género con matices más pesados y electrónicos que a ratos coquetean con el sonido insdustrial.

El trio compuesto por las músicas Graciela Rosanegra, Claudia Celis y Paulina Cádiz, toma su nombre de la última mujer selk´man llamada Lola Kiepja, cuya propuesta fusiona la pesadez y oscuridad del metal y del rock gótico con los sonidos de los pueblos originarios. Por estos días, la banda continúa trabajando en lo que será su disco debut con la producción del guitarrista y vocalista de The Fallacy, Marco Cusato. Uno de los adelantos que ya puedes escuchar es el single estrenado en el marco de We tripantu, año nuevo Mapuche, titulado «La luz del universo» y que formará parte de su presentación este sábado.

La cita es este sabado 10 de julio, a partir de las 17hrs, a través del canal de Warehouse.

Las entradas se encuentran disponibles a través de Eventrid con aporte voluntario desde los $2.000.

6 PM (ARG, BRA)

5 PM (CHI, BOL, VEN)

4 PM (COL, PER, MEX )

11 PM (ESP)

DE VUELTA A LA SIMPLEZA : LA FIESTA DEL DIABLO ESTRENA «A FLOTE»

DE VUELTA A LA SIMPLEZA : LA FIESTA DEL DIABLO ESTRENA «A FLOTE»

El sexteto que explora la fusión entre el folk, el punk y las raíces sonoras celtas, La Fiesta del Diablo, presenta su más reciente single llamado “A Flote”, una propuesta que regresa a la simpleza  del punk clásico.

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Después de participar durante el 2020 en el destacado tributo a Machuca con su propia versión de la canción “Sin Respuesta”, este año planifican una seguidilla de lanzamientos que anticipan su próximo EP; y es la canción “A Flote” la que da el puntapié inicial para este proceso, todo esto bajo el alero de su nuevo sello FolkRules.

La canción escrita y compuesta hace casi 2 años, presenta una mirada metafórica sobre la auto-superación, además de hacer un resiliente llamado para no decaer en los tiempos que se están viviendo, es esto lo que lleva a la banda a elegirla como single y, de esta manera, llevarle un mensaje de apoyo a todos quienes la escuchen.

“Cuando creamos esta canción varios integrantes de la banda estábamos pasando por nuestra propia pandemia: teníamos problemas personales que debíamos solucionar y que incluso fueron repercutiendo en el futuro de la banda. Es por esto que nos hace mucho sentido lanzarla ahora y que sientan que queremos continuar y verlos a todos en un futuro muy próximo” comenta Jimmy Attack, su vocalista.

Para el proceso de grabación los músicos se encerraron a registrar todo en los estudios de Fonógrafo Records, quienes ya poseen experiencia en su sonido. De esta manera resaltan instrumentos como el violín y el acordeón. En el arte del single encontramos al ilustrador y tatuador Alex Silva, quien colaboró con su propuesta de carátula.

En los planes futuros que anuncia La Fiesta del Diablo se viene un nuevo tributo: esta vez a Víctor Jara; así como también el videoclip de la canción “A Flote” además de un show streaming que están preparando para los próximos meses. Porque aún cuando la pandemia los ha retenido un tiempo, la inquietud y las ganas de seguir creando los ha llevado a que estos meses sean muy productivos.

TAMARA PARIS PRESENTA «CARNE DE CAÑÓN»

TAMARA PARIS PRESENTA «CARNE DE CAÑÓN»

«Carne de Cañón» es el primer adelanto del disco debut de la cantautora chilena Tamara Paris. El material fue grabado en Mutaller Estudios, bajo la dirección artística de Cris Jacar y la post-producción de Sergio Ulloa.

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Fue a finales de 2018 cuando Tamara Paris comenzó a dar sus primeros pasos en la música explorando sonidos rock, pop y folk. Desde entonces, ha participado en diversos eventos culturales y actualmente se encuentra trabajando en su álbum debut,  del cual adelanta como su primer single a la canción titulada «Carne de Cañón» .

«Me gusta mucho el folk y creo que mis primeras canciones nacieron desde esa vereda, de la chacarera que tanto me gusta. Pero con el pasar del tiempo mis creaciones fueron mutando y creo que actualmente están más
cargadas al pop, rock y folk.» señaló.

Carne de Cañón es una canción autobiográfica pero escrita en tercera persona y en masculino. «Principalmente porque en ese tiempo estaba buscando otras formas de poder escribir, que no fuera siempre en primera persona», señala.  En este primer adelanto, la compositora aborda el tópico del crecimiento persona y de los tropiezos en el camino hacia la madurez. «Habla de sobreponernos a las adversidades, seguir adelante y lucir con orgullo nuestras propias cicatrices. Es una invitación a reírse de uno mismo, a no tomarse las cosas tan en serio».

Tamara Paris considera al arte como una manifestación que nace del alma con un propósito mucho más grande que ser cool por tocar un instrumento o por cantar. Esa manifestación artística está cargada de emocionalidad, de humanidad buscando traspasar las barreras de lo individual para hacer que otras personas también conecten,
pretende abarcar un colectivo. «El arte es para sensibilizarnos, para hacernos más humanxs, ¡para remover conciencias! Entonces, desde esa perspectiva, me defino y me construyo como artista.» afirma Tamara.

El proceso de composición de carne de cañón se llevó a cabo a fines del 2019, y que pudo finalizar en 2002 tras estudiar producción musical, convirtiéndose en su proyecto final para el curso. El proceso de grabación fue lento y se realizó paso a paso ya que la cantautora tuvo que realizar distintas actividades de autogestión para poder financiar el trabajo. «Surgieron un montón de imprevistos, pero todo salió bien. El tema fue mezclado y masterizado a mediados de mayo y pudo ser lanzado los primeros días de junio».

El videoclip para «carne de cañón» será lanzado en las próximas semanas con un show de streaming donde la cantautora estará mostrando parte de su primer disco. me gustó mucho porque complementa visualmente ese toque infantil propio de la canción. «Todavía no están definidos los detalles, pero el concierto tendrá una duración de 45 minutos, aproximadamente, que tendrá por objetivo mostrar un adelanto de lo que será mi álbum debut. Ese compendio de canciones son una muestra del camino que he recorrido, con una propuesta sonora mucho más potente, distinta al formato acústico que acostumbro».