Mes: enero 2021

DANZANDO EN MEDIO DEL CAOS: “BALLERINA” LO NUEVO DE SLOWKISS

DANZANDO EN MEDIO DEL CAOS: “BALLERINA” LO NUEVO DE SLOWKISS

 

 

Por Rossana Montalbán

Slowkiss acaba de estrenar el videoclip para el single “Ballerina” último corte de su primer larga duración “Patio 29” editado en 2019. El trabajo audiovisual protagonizado por la bailarina de danza contemporánea Lucía Montes hermana de Elisa, líder de la banda, fue registrado en el centro histórico de Bilbao y corona el ciclo del disco que acaba de ser editado en formato físico cd y cassette. 

Bailando en las calles desiertas del casco histórico de Bilbao, ciudad natal de Elisa Montes, vocalista y líder de la banda, “Ballerina” es una pieza audiovisual que a pesar de haber sido registrada antes que la pandemia explotara, evoca la soledad de los tiempos actuales y el aislamiento vivido a nivel global por el Covid 19, registrando a la bailarina de Lucía Montes en una danza consigo misma y la ciudad, como una especie de ritual y, al mismo tiempo, de reconciliación con las condiciones actuales, intentando buscar la belleza en medio del caos y de los tiempos difíciles. Montes danza y llena la cámara con sus movimientos, habita las calles con su corporeidad en una suerte de incitación a combatir la desolación, la distancia y todo aquello que hoy mantiene convulsionado al mundo entero.

Con una letra intimista y emocional, sonido estridente y etéreo a medio tiempo en la línea de bandas como Basement, Title Fight o incluso Deftones, “Ballerina” es una potente y melancólica pieza de rock alternativo con reminiscencias “emo” que ahonda en el apego, en la idea del amor como un sentimiento que puede llegar a ser indestructible y en la fortaleza de los lazos indisolubles como el existente entre dos hermanas. “Ballerina es una canción que le dediqué a mi hermana. Yo me siento muy conectada con ella, siempre voy a sentir que está conmigo y yo con ella, aunque tengamos miles de kilómetros de distancia” – explicó Elisa a CNN Chile”.

Grabado antes del inicio de la pandemia, su estreno fue aplazado en más de una ocasión debido a la imposibilidad de continuar con su trabajo de post producción y de realizar un lanzamiento presencial. A lo largo de 2020 con el paso de los meses las circunstancias no cambiaron significativamente, la pandemia no dio tregua y las cuarentenas se extendieron, la música en vivo desapareció y las transmisiones on line se convirtieron en el formato principal. De esta forma “Ballerina” single y videoclip logró ver la luz solo entrando el 2021, en un lanzamiento virtual y una proyección simultánea en pleno barrio Bellavista gracias a la colaboración del colectivo @bella.vista2020, encargados de intervenir con consignas ciudadanas la esquina de calle Bellavista con Loreto. De esta forma el videoclip dirigido por la destacada fotógrafa Rocío Aguirre y editado por Cristian Pino, como un acto simbólico, se tomó algunas de las cuadras más agitadas de una ciudad que hoy duerme en toque de queda.

“Ballerina” ya se encuentra disponible en el canal YouTube de la banda, y en: SpotifyDeezerTidalApple Music.

LENGUAS ARMADAS : UN COMPILADO POR LOS PRESOS POLÍTICOS

LENGUAS ARMADAS : UN COMPILADO POR LOS PRESOS POLÍTICOS

El primero de enero se estrenó a través de las plataformas digitales «Lenguas Armadas», primer compilado que busca recaudar apoyo monetario a los presos de la revuelta. Mientras que para fines de enero se prepara la edición física del disco.

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20 bandas componen “Lenguas Armadas”, el primero de varios compilados de música totalmente extrema y antifascista, que buscan llevar apoyo monetario a los presos políticos de la revuelta. Un compilado que reúne a diversas bandas del underground, desde el metal, punk, hardcore hasta el grindcore.

El proyecto nació gracias a la iniciativa de Gordom banda que ha colaborado con diversas agrupaciones y colectivos antifascistas en la realización de tocatas a beneficio tanto en Santiago como en Arauco y Angol en ayuda a los presos políticos mapuches.  Este bagaje les permitió organizar una convocatoria entre distintas bandas cuyo discurso crítico, compromiso social y artístico empatizara con la familia de personas apresas injustamente durante las masivas manifestaciones de 2019.  De esta forma, sus gestores y colabores se plantearon un proyecto que lograse entregar apoyo financiero concreto a los presos de la revuelta.

La bandas que forma parte de la iniciativa son Nuclear, Monjas con Atraso, Dr. Zaius, Enfermos Terminales, Social Crisis,Sigma (Valparaíso), Pikuntactitud (Valdivia), Anarkitran (Viña del Mar), Diskordia (Curicó) y Cianuro (Concepción) a las que se le suma la emblemática banda hardcore punk de Chicago, Los Crudos.

El compilado se puede descargar desde la plataforma PortalDisc con un aporte voluntario y todo lo recaudado bajo esta plataforma se irá en directa ayuda a los presos de la revuelta, desde la organización en sus palabras nos comentan que: “Por nuestra parte significa mucho, ya que en el proceso de selección de las 20 bandas, conversamos con proyectos musicales con quienes nunca antes habíamos tenido contacto y sentir el respeto, y apoyo de manera inmediata nos motivó a dejar esta huella en la lucha por la liberación de los presos políticos tanto mapuches como de la revuelta”.

«Creation Stories» un filme sobre el shoegaze y el britpop

«Creation Stories» un filme sobre el shoegaze y el britpop

La historia de uno de los sellos discográficos que renovaron la música independiente británica de los 80s y 90s llega en marzo a las pantallas bajo el título de “Creation Stories”, biopic que retrata el auge y caída del microimperio levantado en 1983 por el músico y manager escocés Alan McGee. 

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Basada en el libro The Creation Records Story: Riots, Raves and Running a label, publicado en 2001 por el fundador del sello, la película recorre los inicios, la consolidación y la bajada de telón de uno de los pilares del rock alternativo acuñado durante los ochentas y noventas en Gran Bretaña.

Por más de 25 años Creation Records fue el promotor de una camada de bandas que renovaron y reinventaron el agotado rock de guitarras hecho en Inglaterra, convirtiéndose en el emblema de un sonido y de una postura artística ante la industria musical. Fundada en 1983 en plena era Thatcheriana, en medio de la masificación del new wave y la estela del postpunk, Creation Records tempranamente mostró su inclinación e interés por las nuevas sonoridades y experimentaciones aportadas por bandas como Jesus and Mary Chain, los primeros Primal Scream, My Bloody Valentine, The Pastels, The House of Love, Ride, Teenage Fun club, Swerdriver, Slowdive, dando cabida al desarrollo del shoegaze, el dream pop y el indie, corrientes musicales de largo alcance y resonancia para toda la década de los 90s hasta el presente. Para mitad de los noventas Creation Records nuevamente jugaría un papel decisivo en lo que sería la próxima gran oleada y goleada de la música británica, fichando a una incipiente pero prometedora banda de Manchester llamada Oasis, quienes se convertirían en uno de los fenómenos musicales y comerciales indiscutibles de esa década como parte de la era Britpop, iniciando así una nueva etapa para el sello y una negociación con la transnacional Sony Music que finalmente decantaría en su cierre.

En formato de biopic con guión de Irvin Welsh, producida por Danny Boyle, dirigida por Nick Moran, y con Alan McGee como personaje principal, el film narra un capítulo imprescindible de la música británica de las últimas décadas, un capítulo en el que se cruzaron probablemente los momentos más decisivos de la música alternativa y el mainstream reflejados en fenómenos como el britpop o la fiesta interminable del madchester, la hacienda y el house como bien lo exploró de manera menos personalizada y más descarnada el documental de 2010 «Upside down. The Creation Records Story». Creation Stories, película biográfica será estrenada en Estados Unidos y Bretaña el próxima 20 de marzo, para luego ser distribuida en el resto del mundo.

SINOPSIS

«El comienzo, cerca de la bancarrota, pastillas, emociones, riñas, tonterías, éxito, excesos y caídas. Desde dejar la escuela a los dieciséis hasta montar el club Living Room en Londres, donde se presentaban nuevas bandas independientes, desde dirigir The Jesus and Mary Chain hasta cofundar Creation a los 23. Nos trajo a My Bloody Valentine, House of Love, Ride y, por supuesto, a Primal Scream. Adoptando el acid house, Alan se mudó a Mánchester y pasó el rato en La Hacienda, llevando a Creation a lo grande con Screamadelica de Primal Scream. Su colapso inducido por las drogas, cuando llegó, fue dramático, pero cuando recobró la sobriedad, supervisó el ascenso de Oasis para convertirse en una de las bandas más grandes del mundo».

MIRA EL PRIMER ADELANTO DE CREATION STORIES

«MORFOPUNK» EL REGRESO DE LA AFILADA PLUMA DE POGO.

«MORFOPUNK» EL REGRESO DE LA AFILADA PLUMA DE POGO.

La afilada pluma del músico, vocalista y letrista de Los Peores de Chile, Pogo, regresa en una nueva edición a cargo de Santiago Ander bajo el título «Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable», un conjunto de relatos urbanos y cotidianos que retratan el correr de los días en un Santiago permanentemente pandémico y distópico, dibujando y diseccionando una virulenta y contaminada realidad que acecha. Un volumen que será presentado este viernes 22 de enero, por los especialistas en cómic Berna Ojeda, Carlos Reyes, la directora del Centro Arte Alameda Roser Fort y el escritor Daniel Hidalgo, desde las 20 hrs, a través del FB LIVE de la editorial

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Siete intensos y delirantes relatos componen «Morfopunk» la nueva entrega del músico, dibujante y escritor Mario Carneyro, conocido por todos como Pogo, el inconfundible fundador de Los Peores de Chile, nombre impostergable de la música punk local. Bajo su descarnada y detallista lupa, el músico y escritor nos conduce por caóticos, aventureros y lúgubres escenarios en donde su pluma destila y entremezcla los universos paralelos, la imaginación y la vivencia de quien ha ejercido el oficio de reportero, ha vivido la desenfrenada vida del rock and roll y ha cultivado la fascinación por el cómic y la contracultura. Bebiendo de la ciencia ficción y de la literatura distópica de clásicos como 1984 de Orwell, Pogo se aventura en una próxima parada para la humanidad y para la virulenta Santiago de Chile enfrascada en una pandemia sempiterna de rostros permanentemente enmascarados. «Es un recorrido ingrato por un futuro que se ve cada día más cercano. Lo localicé en nuestra ciudad, Santiago, porque me fascina destruir esta atosigante ciudad y reconstruirla después al nivel que se merece. Son una serie de cuentos interconectados, de personas cotidianas, en sus quehaceres diarios en un Santiago quizás no tan irreconocible.» – «Desde pequeño me empapé de literatura fantástica, sobre todo ciencia ficción y anticipación. Este último género siempre me llamó la atención, el de arrastrar el mundo real a situaciones inverosímiles, manteniendo el contexto de espacio-tiempo con la realidad que conocemos. Qué mejor que tomar Santiago de Chile y arrastrarlo a un estado de catástrofe interminable e irremediable. Con un puñado de perdedores que intentan, infructuosamente, salvar sus irrelevantes vidas en una ciudad que expira minuto a minuto. ¿Algún parecido con la realidad nuestra?». Agregó en conversación con sus editores.

Literatura distópica made en Chile. Exquisitos relatos de un inframundo existente en la mente de su autor y aún desconocido para muchos. Relatos interconectados entre sí, cargados de imágenes y referencias de la subcultura como de la cultura pop junto a una prosa que se nutre de la visualidad de las historietas es lo que Pogo propone en «Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable»- «Quienes se atrevan a husmear en las páginas del libro encontrarán personajes como uno, quizás manejando algún tipo de tecnología todavía inaccesible a nosotros en tiempo actual, pero personajes reconocibles en sus vidas; ambiciones, particularidades, nosotros mismos empujados a un agonizante siglo XXII sin que nadie se los preguntara.» (lee entrevista completa)

RESEÑA CONTRATAPA

Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable

Pogo (músico, dibujante, escritor) crea una desalentadora mirada a un futuro cada vez más probable desde nuestro 18 de octubre de 2019 y del virus que hoy asola a todo el mundo.

«Sus relatos son afilados como dagas. Se interconectan como rizomas, componiendo un fractal de SantiagoPaís, desplegando su cargamento como bombas de racimo sobre la pantomima existencial de sus personajes. En esta distopía gris y sucia, el mar es una sopa muerta; la lluvia ácida puede disolver tu traje protector y el aire contaminado puede matarte en minutos si no usas tu máscara Complex, o podrías morir a causa de los virus mortales o de alguna de las tantas nuevas enfermedades incurables, o acabar vaporizado en un enfrentamiento entre los Cholombianos, los Punkamauris y la Milicia. Si tienes suerte, una noche cualquiera hasta podrías bailar en una stroc bajo el influjo musical del máximo morfopunk: Kultrum de Nox.

Sumérgete en este universo delirante. No tienes alternativa, porque el mundo, tal como lo conociste, se diluye hoy ante tus ojos. Entra en estas páginas porque nadie sabe cómo será el futuro (si es que hay). Respira su atmósfera porque ya casi eres un klúster o uno de los morfopunks de Pogo. Lee atentamente este manual de instrucciones. Aprende a sobrevivir en el no-futuro que te alcanza. Y recuerda: Este libro está hecho para tu seguridad. Que lo que viene te sea leve… Si sobrevives.» Carlos Reyes G. (Guionista de cómics)

Preventa: Morfopacks

DISPARA USTED: MARÍA LORETO PLAZA

DISPARA USTED: MARÍA LORETO PLAZA

María Loreto Plaza estudio Comunicación Audiovisual para televisión pero por cosas del destino y gustos llegó a desempeñarse como fotógrafa de conciertos principalmente ligados a la cumbia. Lleva cuatro años en el rubro y trabaja para productoras o bandas con las cuales también se va de gira con los músicos. También hace fotografías de matrimonios y fotos de comida de restaurantes. Actualmente trabaja con la banda “Sondelvalle”, conjunto chileno de rap guachaca y cumbia. 

 

 

¿En qué se basa tu trabajo de fotógrafa?

Hago trabajos principalmente de 3 cosas: Prensa, es aquí donde empecé, es una pega que no es remunerada y es lo que uno hace por amor al arte. Productora, para shows o festivales y con bandas. Las 3 son completamente distinta. 

En prensa es para cobertura de medios digitales, revistas de música, portales de música, en general. Aquí son contados con el dedo de una mano los que le pagan a los fotógrafos por estas coberturas, lo bueno de esto es que casi todos partimos por el tema de tener la oportunidad de tener la acreditación que al final es la que nos permite estar en el evento. Por lo general “barricada” que es el espacio que esta adelante en el escenario nos permiten hacer 3 temas, entonces como escuela es muy bueno y además uno se va haciendo el portafolio de músicos relativamente conocidos. Como escuela trabajar de prensa es súper bueno.  En lucas no lo es porque no tienes ingreso, solo gastas en pasajes, si estás recién empezando gastas en equipos pero para aprender, conocer a los compañeros y conocer el rubro es muy bueno. Yo creo que casi todos los fotógrafos de música partieron así. En ese sentido es súper positivo, la mayoría de los fotógrafos de música son de prensa.  Los que trabajan con músicos son grupos totalmente aparte. Y los de prensa son millones porque es la escuela. 

¿Con cuáles bandas trabajas? 

He trabajado más con el estilo de la cumbia o tropical, ahora trabajo con “Sondelvalle” con “Chumbeque” he trabajado harto que también es cumbia “Thiago Lyra”, “Jordan” y también con bandas pero por shows específico, por ejemplo a uno le escriben pero busca también entonces he cachado que si hay algún show y entonces pregunto si necesitan fotógrafo, he trabajado más en ese rubro del tropical. Pero también me a pasado que si admiro mucho a una banda o músico le he pedido cubrir su show, cubrir el backstage, ahí tampoco hay lucas igual hay que ir cerrando etapas, ahora ya me ofrezco netamente trabajemos juntos. 

Stratovarius

 

¿Has realizado fotos de estallido social? 

Súper pocas, personalmente por ejemplo Gary Go ha estado metido de lleno, me encanta su trabajo.  Yo no me he ido a meter mucho porque me da miedo, siento que estoy vulnerando esa seguridad arriesgándome  y con la posibilidad de que mi equipo salga dañado. Al mismo Gary le pegaron, casi le quitaron sus cosas. Uno queda en pana si eso pasa. Igual he hecho fotos en lugares más tranquilos, no en Plaza Italia los viernes en la tarde. En ese sentido me he mantenido más al margen por un tema de seguridad. 

¿Cuánto llevas trabajando en la música?

Como prensa varios años. Con músicos directamente como un año y medio. Y en música en general, 3 años. Es entretenido cubrir en festivales, he fotografiado en festivales de cumbia de 6 bandas y es muy agotador pero es muy entretenido, pero con bandas es distinto, uno tiene un lazo. Por ejemplo, “La Sagrada”, banda a la que le estuve cubriendo un par de shows, fue un desafío súper heavy fotografiarlos ellos tienen una puesta en escena muy teatral, le hice una vez foto en un festival y no los conocía, entonces perdí muchos momentos, después dije pucha, si hubiera conocido el show hubiera sido completamente distinto. Al tiempo después empecé a trabajar con ellos y fue muy gratificante porque me sabía el show y al siguiente show ya me lo sabía más de memoria entonces sé donde me tengo que poner, se lo que viene, tengo mayor acceso, no es lo mismo que si conozco al baterista y me puedo poner atrás y se crea un lazo distinto, eso permite que el trabajo salga mucho mejor. 

 

¿Cómo es el ambiente en la cumbia? 

Es súper entretenido, los músicos un siete siempre. 

¿Para ti son importantes los créditos?

Sí totalmente. Siento que son importantes, es un trabajo artístico. Uno más que sacar la foto que ya es un trabajo, uno sabe lo que está haciendo. el trabajo de edición es otra cosa más, hay veces en que suben fotos y le ponen filtro o suben foto en mala calidad, ahí prefiero que no me pongan en los créditos porque mi trabajo se vio alterado. Lo veo como si yo estuviera subiendo la canción de alguien, diciendo que me gusta mucho y sin decir de quién es. Al final es mutuo, el trabajo de los músicos con uno está super ligado y ellos debieran entenderlo más que nadie. 

A uno siempre le sacan fotos de algún lado, de Instagram. Hay veces que la piden, obvio, ahí las mando para evitar el pantallazo. Ahí uno sale perjudicada porque la foto pierde calidad, una vez me pidieron una foto para el diario, de un show que fotografié en Matucana 100 y me dijeron vamos a poner tus créditos y cuando salió no aparecía nada. En las fotos de todos los otros artistas estaban los nombres de los fotógrafos menos el mío, entonces me dio lata, uno con toda la buena voluntad. Y no era por un tema del diario, creo porque estaban todos los otros nombres y en ese sentido uno se siente pasada a llevar. También hay bandas que no ponen nada y que uno no está tan ligado y filo, pero si siento que voy a seguir trabajando con la banda en equipo me gusta que me pongan en los créditos. 

¿Qué te parece el sello de agua en las fotos?

Personalmente no me gusta porque siento que es súper invasivo pero entiendo porque lo hacen, se que están choreados de que les están sacando las fotos y que la gente no le ponga el crédito, entonces es la opción que les queda, si alguien quiere esa foto después yo creo que se la va a pedir al fotógrafo. También está el derecho de autor y algunos se sienten demasiado vulnerados y la opción que les queda es poner el sello de agua. 

¿Cómo llegaste a la foto?

Estudie audiovisual, tuve foto entremedio porque era parte de la carrera, pero me metí por prensa. Me gustaban mucho los conciertos y vi que cierta página que seguía necesitaba fotógrafo y le dije que nunca he hecho fotos de conciertos pero igual me gustaría participar. Empecé a ir de a poco, mi primer concierto fue en Chimkowe en Peñalolén, estaba Anita Tijoux, Guachupé, no me acuerdo quien más pero eran 4 bandas, ese fue mi primer show. 

Estudie audiovisual pero para televisión y estuve trabajando un poco ahí pero finalmente me fui por otro camino. Igual tengo otro trabajo (trabajo en diseño de redes sociales para algunas marcas) aparte me complementa la foto. Ahora no me puedo sustentar completamente de la foto porque no da pero me encantaría que diera es lo que a mi me gusta lo disfruto mucho. 

¿Te han discriminada alguna vez ?

Siento que no. A modo personal siempre me he sentido a la par con mis compañeros y muchas veces hay 10 fotógrafos en barricada y somos 2 mujeres, sobre todo en Blondie, que es súper metalero, súper rockero y una está sola y son todos hombres, pero yo creo que va netamente en que uno sea aperrada, en el tema de género no va, todo depende del círculo que uno se rodea. 

Por ejemplo, una igual ve las fotos del compañero y dice «oh mira su edición está súper buena» y ni siquiera es un tema de equipo, es un tema de desempeño, uno es súper crítico con los demás y hay veces que a alguno se le va la mano, y se convierte en algo pesado. También hay comentarios por ejemplo, «mira este loco tiene una cámara súper simple y nos vuela la raja a todos con lo que hace». 

 

The Addicts

 

 

¿La edición es importante en la foto?

La edición es todo, el revelado de la foto, tengo amigas que no cachan nada de foto y me dicen pero si lo importante es la foto y la edición es una parte fundamental en la foto, sobre todo en la foto de concierto. Si una está haciendo foto de estudio, una puede manejar los parámetros, controlar la luz, puedo controlar los colores, el arte todo, y en foto de concierto uno está a disposición de la situación, entonces después hay que controlar los colores, hay que sí o sí manejar la saturación, la exposición porque uno no tiene que tener el control de la situación. La edición es lo principal y eso es lo que más importante. 

De los fotógrafos que están en tu rubro, ¿cuál admiras? 

A los que conocía antes de meterme en esto es a Jaime Valenzuela, a él lo encuentro súper genial, aparte es de los que están tirando para arriba ene, en ese sentido es muy bacán. Para mí, el Ignacio Orrego de Fotorock, es referente total. Don M también, es de Agenda Musical y tiene un estilo de foto súper editorial. Y Gary Go me encanta. Las fotos de Gary son distintas a las otras que mencioné. Siento que hace algo muy lindo y limpio, me gusta mucho. 

¿Qué tipo de música escuchas? 

Escucho mucha música chilena y dentro de mi playlist me gusta ir escuchando las bandas que estoy fotografiando para ir conectando con lo que estoy haciendo. 

¿Solo haces música en vivo o también en locación?

He hecho sesiones de fotos pero no me gusta tanto, no me gusta por un tema de que no es el show, no están pasando las cosas en vivo, no está saliendo nada natural, no está el tema del público, que también crea una energía distinta. Entonces prefiero hacer los shows en vivo, porque al final uno puedo conocer el show y todo pero siempre está la sorpresa y siento que ese factor a uno le suma un poco de adrenalina a la situación. 

Recomiéndanos una banda y un disco 

Hay bandas que a veces recomiendo más verlas en vivo y escucharlas. Como show en vivo me gusta La Sagrada, me gusta mucho su puesta en escena, algunos son actores y su puesta en escena es la raja, hacen un ska pero medio carnaval del norte.

Discos que escuche harto es Me llamo Sebastián, él me cala el corazón dentro los músicos. 

 

¿ Qué opinas que los fotógrafos como de la “academia” no miren bien la foto de conciertos ?

Yo creo que no lo han hecho simplemente. Al hacerlo les cambia la perspectiva. Ellos deben ver que como uno no controla las cosas, al final, debe ser más fácil porque a diferencia de ellos, no estas metiendo mano en el arte, no estás metiendo mano en la iluminación, aquí la iluminación depende de otro, entonces dices voy hacer la pega y chao. Pero las dificultades son mucho mayores porque uno está con otro ritmo de trabajo, estás con la presión que a veces no te dan barricada y estás sacando fotos en cancha y cuando la banda es rockera estás metida en mosh y hay muchos factores que uno no maneja. Y no poder controlar el tema de la luz y los colores es todo un desafío para uno y es una pega difícil. 

¿Cuáles son tus equipos?

Tengo una Canon 6D, un lente 50mm 1.4, un tamron 15-30mm 2.8 y un 70-200mm, trato de tener lentes luminosos, igual pasé por equipos que eran súper oscuros. He cambiado dos o tres veces los equipos por lo mismo, uno se va quedando corto de resolución de luz. 

 

Tomo como Rey

 

¿Te han pasado inconvenientes en algún show?

Una vez me prestaron un lente para un show en Movistar y el lente murió, era un teleobjetivo y yo estaba atrás, no tenía otro tele, el lente era prestado me quería morir y había un niño de El Mercurio parece, y él me prestó el lente. Siempre trato de prestar lo que pueda porque conmigo también han sido buena onda. O si voy a un show y veo a un compañero que tiene una cámara, no sé, una canon y que está muy lejos y no tiene un teleobjetivo, se lo paso. En ese sentido somos súper unidos y generosos con los equipos, porque sabemos que cuesta. 

Una vez fui a un show de D.R.I y no sabían quienes eran. Fui como prensa, no teníamos barricada en el Teatro Caupolicán, entonces había que estar en cancha y fue terrible, no alcancé a estar ni un minuto, vi unos compañeros fotógrafos que estaban adelante en la reja y me puse en un palco primero porque dije «no voy a poder aguantar esto y mejor voy a ir a la reja hasta lo que dure». No alcancé a durar una canción porque fue demasiado intenso y de ahí me fui a galería. 

Por lo que cuentas, trabajan muy pocas mujeres en este medio …

Súper pocas, pero no solo en la foto sino también en los técnicos en general, en roudie es lo mismo. Cuántas mujeres roudie hay? nada, las mujeres están más en el lado de tour manager y sería. Una ahí viaja con puros hombres, en general son pocas las mujeres en el área de la música. Las músicas en sí como las cantantes quizás son más pero toda el área técnica son súper pocas. De la foto, en general, a la que me topo es a la Cami pero me la topo súper poco porque ya no hace tanta foto porque está trabajando de tour manager. La Nat que trabaja con Moral Distraída y sería. En cuanto a fotógrafas, en  Santaferia, Ana fuentes. Enn prensa hay más pero no me las topo casi nunca, estoy hablando del ámbito cumbia. 

 

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CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: SIN AFTER SIN DE JUDAS PRIEST

CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: SIN AFTER SIN DE JUDAS PRIEST

Dentro de la comunidad LGTBQ+ hay un dicho que fue acuñado rápida e ingeniosamente por Juan Gabriel para responder al retirado cuestionamiento sobre su sexualidad: Lo qué se ve no se pregunta. Corría el año 1998 cuando el vocalista de Judas Priest, Rob Halford, habló por primera vez de manera pública sobre su homosexualidad; “Creo que la mayoría de la gente sabe que he sido un hombre gay toda mi vida”. 

Lo que se ve no se pregunta, aunque en este caso es valioso mencionarlo. ¿Qué veíamos en Judas Priest antes de dicha confesión? ¿Qué escuchábamos? ¿Qué cambió?

No es que de pronto los temas de la banda se volvieran gays, o que luego de aquella confesión (¿Confesión para quienes? ¿Para los medios?) empezaran a serlo. Hay quienes creen que solo cuando algo se enuncia en voz alta es que se vuelve verdadero, como una suerte de confirmación que torna reales los hechos. Pero lo queer en la escena heavy metal y en la banda existía desde mucho antes del 98’. 

«Sin After Sin» es el tercer disco de Judas Priest, lanzado el año 1977. Un álbum sólido con redobles rápidos y que incluso incluye un cover de Joan Baez. Este disco consolidaría su triunfo en la industria, sirviendo como un puente para convertirse en uno de los pilares fundantes del heavy metal. 

Dentro del disco hay un tema que Rob Halford dice es una canción heavy metal sobre los derechos homosexuales: «Raw Deal» es descriptivamente homoerótica, evocando la conocida localidad gay de Fire Island para ubicarnos entre cuerpos de hombres fornidos, en una escena con olor a alcohol y transpiración; All the heavy bodies ducking, stealing eager for some action (todos esos cuerpos pesados agachándose, robando ansiosos por algo de acción). 

Sin embargo, la letra no solo describe un instante dentro del a escena gay, protagonizado por Rob. “The true free expression I demand is human rights – right” (La verdadera libre expresión que demando son derechos humanos – cierto). Con esta línea la canción no se reduce a un rol descriptivo, es también una declaración de principios más allá de una confesión.  Con esta frase liga los derechos humanos a la libertad de expresión, una expresión de carácter performativo, por medio del cuerpo, ubicándose en un espacio determinado como lo es un bar gay

La expresión de una sexualidad disidente por medio de accesorios o vestuario alcanzó un punto álgido de mano de la subcultura del cuero, estética adoptada por Judas Priest en sus correas con tachas y pantalones de cuero ajustados, estableciendo un vínculo visual con una parte aún más marginada de la contracultura del heavy metal. Fue Judas Priest la banda que popularizó la forma de vestir que definiría el look metal, tomada directamente de los sectores gay frecuentados por su vocalista. 

 

Gracias a su narración descriptiva acompañada de la referencia a lugares icónicos para la comunidad gay como lo es Fire Island en New York, «Raw Deal» es la canción más explícita del disco. Sin embargo, el elemento queer de la banda no está contenido en un solo tema.  

Baladas como «Last Rose of Summer» o «Here Come the Tears» cuentan con la particularidad de no utilizar pronombres que delaten al objeto de los afectos del narrados como una ‘ella’, dejando la posibilidad abierta a interpretación. La utilización de la segunda persona singular no solo evita especificar a quien dirige sus palabras, sino que además genera un vínculo de intimidad con el auditor. Toda canción de amor puede ser una canción de amor gay

«Starbreaker» nos habla de un hombre llegado del espacio, un amante excepcional de esos con los cuales una agradece su suerte si llega a ser la elegida—excepto que «Starbreaker» se roba todos los corazones de la ciudad, sin importar si el dueño es hombre o mujer. “Let’s hope maybe this time/ He picks me and you” «(Esperemos que esta vez/ él me elija a mí y a ti).” Rob no tiene reparos en admitir que él también quiere un momento con este amante espacial. 

 

 

 

Discos como «Defenders of Fatih», lanzado en 1984, evidencian aún más el elemento queer no solo en la estética de la banda, sino que también en el contenido de sus letras. Pero el elemento disidente siempre estuvo allí, desde el primer momento en que un músico gay tomó el micrófono y cantó. 

El mundo del metal ha sido vinculado a la imagen ruda del hombre mujeriego de características híper masculinas asociadas a la heterosexualidad. Con un panorama así, debemos procurar ver bien antes de preguntar, porque allí mismo es donde habita lo queer, vestido de cuero y bailando en clubes nocturnos junto a otros cuerpos de hombros anchos, siempre expectantes. 

 

 

 

MODELO ORIGINAL : CARL PERKINS Y «BLUES SUEDE SHOES»

MODELO ORIGINAL : CARL PERKINS Y «BLUES SUEDE SHOES»

¿Qué tienen en común Elvis Presley, John Lennon, Lemmy Kilmister, Helloween, Stray Cats, Black Sabbath y Bruce Springsteen? que todos tocaron y grabaron la canción “Blues Suede Shoes”. Y la lista de versiones es mucho más grande, desde Buddy Holly hasta The Toy Dolls, desde Jerry Lee Lewis hasta Foghat, pasando por colosos como Roy Orbison, Johnny Cash y Paul McCartney. Es que “Blues Suede Shoes” es una de las canciones que todo el mundo conoce, un clásico rotundo y absoluto, un monumento incombustible y actual, a pesar de haber sido publicada hace ya 65 años.

Si hiciéramos una encuesta entre el público, la mayoría seguramente respondería que el autor de la canción -o al menos el intérprete original- es Elvis Presley. Pero no. La canción fue grabada por primera vez el 26 de diciembre de 1956, en el estudio de la Sun Records, en Memphis, por Carl Perkins, su autor, quien había escrito la música y la letra una noche de insomnio, usando una bolsa de papas como papel, ya que no tenía nada más a mano. Por aquel entonces, este hijo de campesino humilde de Tiptonville, Tennessee, llevaba meses recorriendo las carreteras polvorientas del sur cantando en bares y cantinas de mala muerte. Perkins había aprendido a tocar guitarra en los descansos en el trabajo: desde niño, y empujado por la pobreza, había tenido que trabajar en los campos de algodón junto a peones negros, quienes le enseñaron a manejar el instrumento. Su padre, al no poder comprarle una guitarra de verdad, le construyó una con una caja de cigarrillos y un mango de escoba. 

De vez en cuando lo invitaban como número telonero de artistas mayores, como Johnny Cash. Y fue en una conversación entre ambos en que Cash estaba contando historias sobre su estancia en Alemania, donde estuvo destinado con el ejército como operador de radio para interceptar comunicaciones soviéticas. Allí había conocido a un piloto que había usado la expresión ‘zapatos de gamuza azules’ (blue suede shoes en inglés) para referirse al calzado de su uniforme. Cash le sugirió a Perkins que escribiera una canción sobre este tipo de zapatos; Perkins le respondió que no conocía el tema y que no se le venía una buena idea a la cabeza. Sin embargo, Unos meses más tarde, mientras tocaba en una sala de baile, Perkins se fijó en una pareja que estaba en la pista y en cómo el chico le decía con insistencia a su compañera que tuviera cuidado con no pisar sus gamuzas. Fue cuando algo hizo click en el músico, que esa noche escribiría uno de los clásicos más rotundos del rock and roll, y lo hizo, como decíamos, en una bolsa de papas.

La letra expone de manera graciosa e hiperbólica la preocupación de un chico porque no le pisen sus zapatos de gamuza azul: “Puedes tumbarme/ pisar mi cara/ difamar mi nombre por todo el lugar/ haz lo que quieras, pero cariño, quítate de mis zapatos/ no pises mis zapatos de gamuza azules/ puedes hacer lo que sea, pero quítate de mis zapatos de gamuza azul/ Puedes quemar mi casa/ robar mi carro/ beberte mi licor de un viejo frutero/ haz lo que quieras, pero, cariño, quítate de mis zapatos de gamuza azules”.

La canción comenzó se lanzó los primeros días de 1956 con “Honey Don’t” (canción versionada por The Beatles, entre otros) como lado B. Curiosamente, al principio los DJs preferían programar “Honey Don´t”, hasta que un tozudo DJ de Cleveland la puso hasta que unas semanas más tarde despegó al éxito. En pocas semanas se convirtió en el tema más tocado en radios y en marzo ya había vendido más de un millón de copias, además de alcanzar el número 1 en las tres principales listas de venta de Estados Unidos: Rhythm and Blues, Country y Pop. 

La carrera de Carl apuntaba directo al estrellato y se perfilaba como un rival de temer para Elvis Presley por el cetro del rey del rock and roll. Incluso fue parte del mítico “Million dollar quartet”, la primera grabación de un improvisado supergrupo en la Sun Records, donde además de Perkins, estaban Elvis Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis. Por entonces, la carrera de Presley comenzaba a despegar y pronto dejaría Sun para incorporarse a un sello major, por lo que Sun estaba dispuesto a invertir tiempo y dinero en transformar a Perkins en su nuevo rey. Pero, como suele suceder en el mundo del rock and roll, todo se truncó de manera trágica.

UNITED STATES – CIRCA 1957: 1957, California, Los Angeles, Carl Perkins, L-R: Clayton Perkins (brother); Carl Perkins, W.B Holland (on drums); J,B, Perkins(brother) on the movie set of Jamboree. (Photo by Michael Ochs Archives/Getty Images)

Perkins había sido invitado a los shows televisivos de Perry Como y de Ed Sullivan, shows de alcance nacional. Estar en aquellos programas eran la consagración definitiva, el boleto de ida al estrellato a nivel nacional. Ambos shows eran transmitidos desde Nueva York, por lo que Perkins, su hermano y su mánager partieron conduciendo hacia allá en un nuevo Cadillac recién adquirido con las ganancias que estaba reportando “Blue suede shoes” y con un par de buenas botellas de bourbon en el cuerpo. Pero el Cadillac nuevo, el éxito, la fama incipiente y el alcohol (no olvidemos que Perkins y sus acompañantes venían de trabajar durante años en los campos de algodón, apenas sobreviviendo) los llevaron a tener un terrible accidente camino al show de Como. En él murió su mánager, mientras que su hermano Jay quedó grave (moriría un par de años después debido a las consecuencias del accidente) y Carl Perkins tuvo que ser hospitalizado con una grave fractura craneal, que lo mantendría grave durante semanas.

Ironías del destino, mientras Perkins estaba hospitalizado y comenzaba a recuperar sus funciones motoras, Elvis Presley grabó una versión más rockandrolera de “Blue suede shoes” – la de Perkins era más rockabilly- y terminó de consolidarse como un fenómeno musical en todo el país. El rey del rock and roll se ponía la corona con comodidad y convertía a la canción en un himno en todo el planeta. Perkins, mientras tanto, seguía su recuperación en silencio. Cuando, meses más tarde, quiso recuperar su carrera y se presentó finalmente en televisión, la figura de Presley ya no ofrecía ningún flanco por el cual competirle; era el rey, y Perkins ya había sido relegado a la segunda fila.

La depresión por la muerte de su hermano y de su amigo y mánager, sumada a la frustración de no poder retornar al éxito con ninguna de sus nuevas composiciones, hicieron que Perkins se hundiera en el alcoholismo, vicio que lo llevaría a estar al borde de la muerte en varias ocasiones. Para los primeros años de los años 60, Perkins era un nombre que ya casi nadie recordaba, a pesar de que su canción estrella seguía sonando en todo el mundo. 

La vida, sin embargo, le ofreció a Carl Perkins una segunda oportunidad, ya no de volver a la cima, pero sí a obtener el respeto y reconocimiento que merecía, situándolo como uno de los fundadores del rockabilly, además de ubicarlo en el panteón de los pioneros del rock and roll, junto a Elvis, Jerry Lee Lewis y Chuck Berry. ¿Y cómo ocurrió esto? Gracias a unos aliados inesperados: The Beatles. Al otro lado del Atlántico los jóvenes de Liverpool habían descubierto los viejos discos de Perkins y se volvieron fans absolutos, tanto así que, en sus primeros años, George Harrison llegó a usar el pseudónimo de Carl Harrison en homenaje a Perkins. Los Beatles, además, grabaron e incluyeron en sus discos y sencillos tres temas de Perkins: “Honey don´t”, “Everybody’s tryng to be my baby” y “Matchbox”. Incluso después de la separación de los Beatles, los miembros ahora solistas, siguieron tocando temas de Perkins en sus presentaciones en vivo. Incluso, cuando en 1985 (y a propósito de los treinta años de Blue suede shoes), dio el famoso concierto televisado Blue suede shoes: A rockabilly sesión, George Harrison y Ringo Starr se hicieron presentes en el escenario para tocar con él, al igual que otros músicos de primera clase, como los Stray Cats y Eric Clapton, entre muchos otros (Notables son las versiones de “Everybody’s trying to be my baby” y “Honey don’t” con Harrison y Starr como voces principales, respectivamente).

October 1985
Carl Perkins Tribute Concert at Limehouse Studios
Carl Perkins, Dave Edmunds, George Harrison and Eric Clapton

En sus últimos años de vida, Perkins era reconocido de manera unánime como un pionero del rockabilly, figura e inspiración para la oleada de resurrección del género liderada por los Stray Cats. Incluso en la película Mistery Train de Jim Jarmusch, ambientada en Memphis, la pareja de turistas asiáticos que van a conocer las ruinas del viejos estudio de la Sun Records, discuten repetitivamente acerca de quién es el rey del rock and roll: Elvis Presley o Carl Perkins. Sin embargo, todos sabemos que ese cetro le corresponde a Presley. ¿Qué habría pasado si Perkins no hubiera tenido ese fatal accidente rumbo a su consagración? ¿Habría Elvis logrado el éxito que tuvo con “Blue suede shoes”? Preguntarse este tipo de cosas es un ejercicio retórico, revolcarse en el What if… eterno del rock and roll. Lo cierto es que “Blues suede shoes” sigue siendo una pieza infaltable en cualquier pista de baile que se precie. Una pieza inmortal que va más allá de quién la interprete. Ahora solo pongamos play y subamos el volumen:

Well, it’s one for the money two for the show
Three to get ready now go, cat, go

But don’t you step on my blue suede shoes
Well you can do anything but
Lay off of my blue suede shoes

 

 

 

VIDEOTECA: MIRA EL DOCUMENTAL «FEMFEST»

VIDEOTECA: MIRA EL DOCUMENTAL «FEMFEST»

Como parte de nuestra videoteca te invitamos a revisar un documento que registra el origen y la trayectoria de uno de los espacios de música feminista más antiguos, pioneros y sólidos del underground chileno, FEMFEST, el festival que nació en los primeros años del nuevo milenio (2004) para visibilizar y cuestionar una escena musical predominantemente masculina y viciada de lógicas patriarcales como la discriminación, la cosificación, la misoginia e incluso el abuso sexual y físico, logrando abrir un lugar de encuentro autogestivo para proyectos musicales liderados por mujeres y disidencias cuyas miradas y propuestas artísticas apuntaron a la necesidad de instalar un discurso feminista y el enfoque de género en el circuito musical.

Durante dieciséis años como festival y coordinadora, Femfest ha reunido a parte importante del circuito musical subterráneo  desarrollado por mujeres y disidencias por bandas como Lilits, Rompehogares, Las Jonathan, Portaligas, Vaso de Leche, Espejos Muertos, Por mi culpa, Ellas No, Horregias entre muchas otras. 
 
 
Este documental dirigido y producido por Carolina Ozaus, música, profesora y realizadora audiovisual, fundadora del encuentro, recorre en poco más de treinta minutos el hito Femfest como un proyecto que continúa trabajando desde el feminismo la participación de la mujeres en el rock en cada edicón del festival y durante todo el año con la realización de iniciativas de formación y diálogo en torno a la necesidad de un rock y de una música feminista y crítica.
 
Puedes ver FEMFEST a través de la plataforma brasileña de documentales Bombozilla.com donde también encontrarás cientos de trabajos documentales sobre la contingencia social y cultural mundial .
 
Dirección: Carolina Ozaus
Año : 2014
Duración: 37 minutos
 

https://bombozila.com/femfest/

 

INCHE ESTRENA «VOCES ANCESTRALES» UN CANTO CONTRA EL RACISMO Y LA DISCRIMINACIÓN

INCHE ESTRENA «VOCES ANCESTRALES» UN CANTO CONTRA EL RACISMO Y LA DISCRIMINACIÓN

Recientemente estrenada «Voces Ancestrales» fue realizada en colaboración con el compositor y productor musical Alekos Vuskovic Gutiérrez, trabajo colaborativo surgido a partir de los violentos hechos de racismo y discriminación sucedidos en el territorio de la Araucanía en agosto de 2020.

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La banda oriunda de Temuco viene presentando desde 2018 su propuesta de rock pluricultural fusionando los sonidos originarios del pueblo mapuche con elementos del rock occidental. En marzo de 2020 INCHE editó su primer EP de dos canciones titulado INCHE EN LOF EL TUME seguido por este nuevo sencillo titulado «Voces Ancestrales».

 

 

«Voces Ancestrales» es una respuesta a los hechos de discriminación hacia el pueblo mapuche ocurridos en la región de la Araucanía en agosto del año pasado. El tema refleja el ser mujer mapuche en tiempos pasados, presente y futuros, rescatando la sabiduría y fuerza ancestral ante las distintas formas de violencias ejercidas por el estado chileno.

Compuesto por la líder-vocalista de la banda Paola Linconao Caniulaf, junto al compositor y productor musical nacional Alekos Vuskovic Gutiérrez, este nuevo trabajo musical  «Evoca el canto, la música y nuestra esencia, estos elementos serán espejo de la realidad contada, con la convicción que seremos ríos, bosques, fuego de fogones y danza de los treiles» señala su autora.

 

En este trabajo colaborativo participaron lxs integrantes de la banda Paola Linconao Caniulaf (voz), Nicolás Molina Rojas (bajo eléctrico) y Javier Huiliñir Curío (batería), apoyados por Alekos Vuskovic Gutiérrez (piano y coros) y en guitarra eléctrica Sebastián Moncada Peñailillo, integrante de la banda de rock instrumental y experimental temuquense INVERNADERO , quienes fueron parte de la versión 2020 del festival SIM São Paulo.

La grabación de VOCES ANCESTRALES fue realizada por Marcelo González Salgado (sonidista de la banda), mezcla y masterización estuvo a cargo de Alekos Vuskovic Gutiérrez, y la carátula del sencillo es una ilustración de Paula Tikay (@paulatikay), quien entrega una imagen cargada de ancestralidad, en la que la mujer es guardiana del territorio, en su lucha activa y permanente por la defensa de los recursos naturales y en nuestra memoria está cada una de sus luchas. 

 

Puedes lo nuevo de Inche AQUÍ

Mira el video de «Voces Ancestrales»

SEMILLAS DE VIOLETA : UN REPASO AL DISCO «TODA VIOLETA PARRA»

SEMILLAS DE VIOLETA : UN REPASO AL DISCO «TODA VIOLETA PARRA»

 

En el abordaje de la discografía de Violeta Parra a menudo suele mencionarse con insistencia su obra cumbre “Las últimas composiciones” publicado en 1966, trabajo colosal en el que se plasma su momento más brillante tanto a nivel musical como lírico con composiciones de mayor complejidad. Pero su extensa producción fonográfica compuesta por grabaciones oficiales, registros en vivo, reediciones, recopilatorios casi siempre incluyendo material nuevo, además de su material inédito editado de manera póstuma, dan cuenta de una compositora imparable, en permanente transformación y mutación cuya necesidad de escribir y reescribir su propia obra y la de aquellos cantores y cantoras que rescató desde el Chile profundo, ha hecho interminable la tarea de volver sobre uno y otro, en el intento por descifrar la inventiva y sensibilidad de una de las cantoras y compositoras más grandes que haya visto nacer el siglo XX.

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En esa obsesiva pero también placentera cruzada resulta imposible no volver al disco de 1961 titulado «Toda Violeta Parra», publicado bajo el alero del sello EMI-Odeón como casi toda la primera parte de su catálogo. “Toda Violeta Parra” fue su primer trabajo como compositora total donde la única excepción corresponde a la grabación de “Casamiento de negros”, tomada del cancionero latinoamericano en una versión apropiada por la cantora de San Carlos.

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«Hace falta un guerrillero» fue la canción escogida para abrir el disco del cual se dice plantó la semilla de la Nueva Canción Chilena, instalando el discurso social en la canción folclórica, cantando sobre injusticias y evocando la revolución en la añoranza de un nuevo Manuel Rodríguez. Más adelante, vendrá la pieza que definirá a Violeta Parra como temprana iniciadora de la canción comprometida y crítica: “Yo canto a la diferencia” diciendo en su momento “La obligación de cada artista es la de poner su poder creador al servicio de los hombres. Ya está añejo el cantar a los arroyitos y florcitas. Hoy la vida es más dura y el sufrimiento del pueblo no puede quedar desatendido por el artista” – (Violeta Parra, Notas a «Yo canto la diferencia»). Para completar su posición como cantora militante, la Viola volcánica musicalizará a su manera el texto de Pablo Neruda «El Pueblo», un ferviente tributo a las luchas y los triunfos de la clase trabajadora. Pero no solo será la sapiencia discursiva de nuestra cantautora lo que hará de este disco un momento rebosante en su viaje musical. Aquí continuará musicalizando poemas de su hermano Nicanor, esta vez escogiendo sólo dos textos “El Chuico y la Damajuana» y «El hijo arrepentido», este último poema inédito hasta ese momento. Otra faceta desarrollada con especial astucia será la composición de temas en décimas numerales como ocurre en “Veintiuno son los dolores”, y no solo para continuar la tradición del género sino para reinventarlo más allá de los 10 versos octosílabos.

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Resumido por su propio título “Toda Violeta Parra”, letra y música, voz y guitarra, verso y melodía dispuestos a su antojo en un permanente juego tanto con las formas poéticas como con los elementos del folclor popular que años atrás heredó en su ardua labor de recopiladora y divulgadora. Cada uno de ellos bajo su total dominio de creación, ahí la tonada, el parabien, la refalosa, la cueca y la décima encontraron sus nuevas formas. Primero investigadora, luego cantora, inventora y finalmente artista completa con sentido y con razón.

Reseña publicada por la autora, originalmente en el sitio web Observatorio RedFem, sección IMUVA, Comisión de Género, Mujeres Críticas de Música.