Mes: junio 2021

SANTIAGO ANDER PRESENTA «BRITPOP. LA VIDA MODERNA ES UNA BASURA» DE MARCOS GENDRE

SANTIAGO ANDER PRESENTA «BRITPOP. LA VIDA MODERNA ES UNA BASURA» DE MARCOS GENDRE

Santiago Ander Editorial presenta «Britpop: la vida moderna es una basura» del autor español Marcos Gendre. El lanzamiento del libro se llevará a cabo este jueves 01 de julio, a través del IG Live de la editorial, con la presencia del autor junto a los periodistas Fernando Mujica, Rossana Montalbán y la conducción de Carlos Reyes.

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Continuando con las ediciones de autores y libros españoles, Santiago Ander, regresa con la edición chilena de Britpop. La vida moderna es una basura, del cronista español Marcos Gendre, quien debutó en Chile con el valorado título Joy Division. El fuego helado, editado en 2019 por el sello independiente.

Editado originalmente en 2015, Britpop. La vida moderna es una basura, es un completo recorrido por el auge y caída de la última gran invasión británica registrada en la década de los 90s, conocida como la fiebre Britpop. Con capítulos dedicados a Suede, Oasis, Blur, Pulp, entre otras bandas, y a momentos claves de la movida británica; el cronista español nos conduce por un viaje en el tiempo dedicado a diseccionar el alma del último fenómeno musical y comercial de la década, en un repaso por sus hitos musicales, sus discos y bandas más representativas y sus bochornos más recordados, pero sobre todo, un repaso por su impacto y por la influencia que supuso para posteriores generaciones de bandas y estilos.

Con ilustraciones del artista visual chileno Sergio Córdoba y prólogo de la periodista Rossana Montalbán, Britpop. La vida moderna es una basura, llega a estas tierras como un libro indispensable para revisitar la cultura noventera y rastrear sus repercusiones hasta el día de hoy, tal como reza el prólogo de esta nueva edición chilena: «En Britpop: la vida moderna es una basura, Marcos Gendre nos presenta una mirada aguda y profunda sobre uno de los últimos fenómenos musicales de la década de los ‘90. Un relato descarnado e incisivo que no solo pregunta, sino que también entrega luces sobre cómo se teje un suceso de tales características, y lo hace no solo desde la música, sino también a través de un quirúrgico corte al modus operandi de la prensa especializada y de las nuevas ideas políticas y sociales que tomaron fuerza en la Inglaterra de aquellos días».

Lanzamiento

La cita será el jueves 1 de julio a las 19 hrs. por el IG Live de la editorial instagram.com/santiagoandereditorial. Contará con la participación desde España del autor Marcos Gendre, de la periodista Rossana Montalbán del medio digital Crónica Sonora, quien además es la prologuista del libro; del periodista Fernando Mujica de Radio Futuro, y la conducción de Carlos Reyes, autor y guionista de cómics (Los años de AllendeNosotros los Selk’nam).

Reseñas:

“Un viaje en modo documental hacia las entrañas de este fenómeno typical ‘90. Su desarrollo, contradicciones y posterior mutación en el presente. Sin duda, el gran ensayo que nadie se atrevió a escribir hasta el momento sobre esa época, y la obra más reveladora y polémica de entre todas las llevadas a cabo por Gendre”. LaZancadilla

“Por estas páginas bien documentadas desfilan los inevitables Blur y Oasis, pero también Pulp, Suede, The Auteurs, Boo Radleys o Denim. También se habla del intento de manipulación del movimiento por parte de la clase política (encabezada por Tony Blair) y de bandas de vida fugaz, como Shack, Supergrass, Elastica o Echobelly”. RockOnMagazine

“Posiblemente la mejor crónica de aquel movimiento que descubrió a Blur, Suede u Oasis: Marcos Gendre radiografía con entusiasmo y sensatez lo que de verdad ocurrió durante aquellos días. Términos como “Cool Britania” o “New Wave of The New Wave” fueron impulsados por una prensa que necesitaba crear, a toda costa, una novedosa corriente musical eminentemente británica que le plantara cara al poderoso grunge, y de paso contribuyera a descubrir nuevas estrellas para ser adoradas por la juventud de la época”. WebFahrenheit77

Sobre el autor:

Marcos Gendre (A Coruña, España, 1978) es cofundador del magazine web LaZancadilla. Además, es colaborador de otras publicaciones como Atonal, El Salto y Zona de Obras. También escribe para las revistas Rockdelux, Vinte, Mondosonoro, Leer, Luzes, Panenka y Volata. Actualmente colabora en ruidodefondo.org. Entusiasta caníbal discográfico, Gendre arranca su labor en el ensayo musical mediante el aclamado 200 discos de bolsillo: 1977-91 una historia alternativa en formato pequeño. Con este punto de partida, y tras obras tan sobresalientes como Mánchester. El sonido de la ciudadHüsker Dü. Encrucijada en la cumbreThe Go-Betweens. Necesito dos cabezasBlues de la frontera. Anarquía y libertad de los Amador y Miles Davis. Big Bang oceánico; ahora le llega el turno a Britpop: la vida moderna es una basura, su segunda publicación con Santiago-Ander Editorial, tras Joy Division. El fuego helado, en 2019.

DADALÚ: ENTRE LUCES Y SOMBRAS

DADALÚ: ENTRE LUCES Y SOMBRAS

 

 

Inspirada en los efectos lumínicos de la película no finalizada del francés Henri-Georges Clouzot, «L’enfer» (1964), Dadalú estrenó el videoclip para “Las luces altas”, un trabajo audiovisual que acompaña a la canción del mismo nombre, otra muestra de su disco «El mapa de los días». 

Por Rossana Montalbán

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Luego de meses, vuelvo a conversar con Daniela Saldías, Dadalú, esa artista anti acomodaticia del underground local, que acaba de estrenar nuevo videoclip para “Las luces altas”, otro tema que se desprende de su disco editado en 2020 por el sello norteamericano Cudighi Records,“El mapa de los días”, un mapa cambiante y mutante, que muestra los ángulos interminables de una artista que se niega adormecerse en lo obvio y en lo tradicional. 

“Las luces altas” parece ser a primera escucha y a primera vista, una suerte de metáfora sobre aquello que encandila mal, sin embargo, ella se encarga de desechar, en primera instancia, la idea y nos cuenta: “Lo de las luces altas es literal, hice esa canción porque me molestan las luces altas, las luces que están arriba de mi cabeza las apago. Es más literal que una metáfora. Es un rollo que tengo”.

La canción surgida de su experimento compositivo llevado a cabo durante 2018, en el que la música compuso una canción diaria en máximo tres horas, dando como resultado el material que conforma “El mapa de los días”, suena como una oscura balada vaporwave o smooth soul, llevada a las formas y al sello de Dadalú: “como estaba en ese experimento de componer rápido, en ese tiempo sonaban bandas como Homeshake, una banda que no cacho mucho pero me puse a escuchar una de sus canciones para saber de qué se trataba, y eso fue marcando el tempo de la canción y con esa onda me puse a componer”. 

Deshacerse es su constante, deshacerse de ideas rebuscadas y, sobre todo, deshacerse de cualquier clasificación. Más allá de lo que intentemos interpretar o definir en la propuesta de la artista, lo que prevalece es el despojarse de determinadas estructuras creativas dando cabida, sobre todo, la experimentación y al flujo espontáneo de la música y el arte venga de donde venga, negándose a lo preconcebido como también a las estrategias: “Las definiciones de lo pop y lo no pop siempre me complican porque el video que hice anteriormente “Ya no sé”, es una canción súper pop, por decir algo, pero no tengo una estrategia para esto o lo otro, hago lo que me nace hacer. Nunca he hecho un solo estilo de música”.

La expresión como principal móvil, sacar lo que se lleva adentro, la creatividad y también los demonios, armarlos y desarmarlos como figuras de plastilina, sin orden y sin límite. De alguna forma, la música de Dadalú señala al juego como principal método para expresar lo más íntimo o lo tradicionalmente omitido, así sus letras y sus sonidos comunican mucho más que solo lo visceral, comunican conflictos, contextos, realidades personales y sociales porque lo íntimo es también político. Y precisamente, en “Las luces altas” como en el resto del disco la voz de Dadalú se escucha para referirse al clasismo, al sistema neoliberal, al machismo, a las pequeñas violencias domésticas y cotidianas, y al históricamente censurado ciclo menstrual de la mujer, y no será ni la primera, ni la última vez que la música se refiera a ella, “Siempre he creado desde mi, es la única certeza que tengo, y a mí, me llega la regla, es parte de mi vivencia y como siempre he creado desde mi, es música personal como una forma de terapia y como una forma de autoconocimiento. Hablo de eso, es parte de mi vida, y yo plasmo mi vida en mi arte”.

Inspirada en los efectos lumínicos de la película no finalizada del francés Henri-Georges Clouzot, «L’enfer» (1964), Dadalú ideó el videoclip para “Las luces altas”, un trabajo audiovisual que cuenta con la participación de la actriz y guionista Pamela Barboza, el actor Paco Pasquette, y la colaboración de Joaquín Fernández y Diego Cabezas. Con este nuevo trabajo la artista continúa explorando su propio imaginario y mostrando diferentes momentos de su último disco, algo que hace solo por placer creativo y no por demanda industrial “Siempre me gustó mucho esta canción pero ya no creo en las estrategias convencionales del single. Ojalá poder hacerle clips a todas las canciones del disco pero se dio que pude hacer este video que siempre quise hacer. Pienso que hablar en términos de industria radial es un poco obsoleto, eso ya no existe” sentencia.

Al igual que en la película en que se inspiran, las imágenes que Dadalú ideó para “Las luces altas” hablan mucho más que de un simple y obvio rechazo por las luces encandilantes que cuelgan sobre su cabeza, ya que emulando las técnicas de iluminación innovadoras del film, el clímax psicodélico, la ilusión de los rostros de los actores en transición entre emociones y personalidades, entre luces  y sombras, sugieren como en el filme, una fijación y una representación más que una literalidad, representación de algo que solo el ejercicio artístico puede transformar “Siempre quise imitar las luces de esas imágenes para este video, creo que es un poco una especie de locura porque es un poco loco que a alguien le preocupe la iluminación o que le haga mal”.

HORREGIAS: “ESTAMOS EN UNA INTERSECCIÓN ENTRE ACTIVISMO Y MÚSICA” 

HORREGIAS: “ESTAMOS EN UNA INTERSECCIÓN ENTRE ACTIVISMO Y MÚSICA” 

 

Doce años han pasado desde que Horridia, Feocia y Mari Crimen, dieron vida a Horregias como un proyecto musical disidente, cuya propuesta ha buscado visibilizar la existencia lésbica y la marginalidad a través del punk rock más allá del punk rock y, sobre todo, mucho más allá de un circuito musical tradicional .

Punk rock lesbofeminista, tres acordes y ruido sin tranzar, plasmado en dos discos hasta la fecha «Pasarela Fracaso» 2011 y «Lo Normal» 2017, dedicado a la joven lesbiana asesinada en 2016 Nicole Saavedra, quien también inspira la canción del mismo nombre, editada en 2020. Durante más de una década y desde el margen, la música de Horregias ha retratado la lesbofobia, la represión y la violencia de género. De alguna forma, esas han sido las banderas alzadas por la banda para ir en contra de los estereotipos de belleza, para denunciar la gordofobia, el clasismo y para ejercer la subversión desde los bordes y muy lejos de un circuito musical oficial y comercial que sigue reproduciendo sus vicios, un lugar donde los discursos y las estéticas siguen enfrascadas en la demanda visual de los cánones de belleza tradicionales, acomodados, blancos, patriarcales y heteronormativos.

Conversar con Horregias es conversar con tres voces disidentes, críticas y honestas que conocen el desencanto de no encajar en las estructuras y parámetros sociales incluso del mismo underground. Ubicadas al margen del margen, la música y el discurso de Horregias, no quiere ser colonizado ni mimetizarse con el lado amable y complaciente que hoy invade los activismos culturales, sociales y LGTB, en medio de fechas significativas para el movimiento como el Mes de la visibilidad lésbica o el Mes del orgullo, “celebración” a la que ellas responden fuerte y claro “no hay orgullo sin reparación”, una respuesta y una consigna que cobra aún más sentido en un nueva conmemoración del lesbocidio de Nicole Saavedra Bahamondes, este 25 de junio, donde además, se lleva a cabo la semana de agitación en su memoria y por justicia, donde Horregias son parte fundamental como colaboradoras y activistas musicales. Precisamente este 25 de junio la banda encabezará la sesión en vivo transmitida por Youtube desde Casa Rogelia, a partir de las 20:00 hrs, como parte de las actividades de conmemoración.

El año pasado (2020) cumplieron doce años de vida como banda ¿Cómo ha sido este viaje desde la resistencia lésbica a través de la música? 

Horridia: como un paseo en una montaña rusa de emoción.

Feocia: Estamos en una intersección entre el activismo y la música. No somos parte de la mal llamada industria musical, y tampoco estamos en ese activismo que conversa con los asesinos de los gobiernos para obtener derechos. Creo que vamos a habitar ese lugar hasta que le últime cierre la puerta. Pero sigue siendo importante que esa intensidad de la resistencia lésbica tenga un espacio en la historia de la música.

M.Crimen: Yo llevo menos tiempo con Horregias, soy la tercera batería y desde que me subí a tocar las canciones de la banda la conexión entre les tres fluyó al primer ritmo, después de eso, el humor y ya, listo! Después vino todo lo que significa hacer música en un país como este cuando la prioridad es sobrevivir, después nos encontramos con realidades como el lesbocidio de Nicole Saavedra Bahamondes, que nos movilizó para convertirnos en amplificadores, micrófonos para que la lucha por justicia para y por las víctimas de lesbo y trans odio suene más fuerte, se escuche más lejos.

RM: ¿Hay algún signo específico, según Uds., que denote esa evolución o involución, en relación a los días cuando comenzaron a tocar a hoy en el presente, doce años después? 

Horridia: La capacidad de entenderse o al menos tratar de hacerlo, atender nuestros conflictos y amarse de la forma más sana dentro de nuestras capacidades monstruosas.

Feocia: Entender que para aportar a una revolución hay que detenerse en nuestros propios vínculos y comunidades, hablar de violencia, hablar de nuestras miserias, conversar y sanar las heridas. Y reírse un montón para hacer canciones que al tocar nos hagan sentir que por 2 minutos y medio somos una sola cosa, una masita.

M.Crimen: Entender que las cosas terminan por eso disfrutar que existe ahora! porque es ahora que sigue siendo necesario alzar este grito, gritar para que no nos sigan matando y para visibilizar todas las muertes que día a día parecen no terminar.

RM ¿Creen que la sociedad chilena ha avanzado en algo en esta última década?

Horridia: No lo sé, siento que es una trampa pensar en eso, porque también se puede avanzar a un precipicio. Tengo una esperanza de que la humanidad está viendo ese precipicio en forma más concreta, pero también puede ser todo mentira y lo que pienso que es un avance es un retroceso. Mi única ambición es recuperar la libertad de ser quienes somos y armar las comunidades que se nos ocurran.

Feocia: Hay que poner en tensión muchas cosas para poder hacer cambios, salirse de la comodidad, perder el miedo como lo han hecho les secundaries. Veo cosas lindas en esa generación.

M.Crimen: Estábamos en esa y comenzó esta pandemia, es muy violenta la impresión de sentir que todes comienzan a despertar y acto seguido el encierro, el miedo, el toque de queda, somos un pueblo tan masacrado, nos han dado tanto lumazo que es difícil que los palos se devuelvan o cambien de bando, pero por lo menos está la conciencia de que no será ni el estado, ni el gobierno, ni las leyes Y menos los pacos quienes nos van a defender o a cuidar, y estamos aprendiendo para cuidarnos entre nosotres y cada une.

CANCIÓN DE AMOR Y JUSTICIA

Un 25 de junio de 2016 Nicole Saavedra Bahamondes de 24 años fue encontrada muerta, con las manos atadas y con señales de tortura en un sitio eriazo de Limache. Desde entonces, su muerte ha sido símbolo de la violencia lesbofóbica en Chile y de la ausencia total de justicia y mecanismos legales que condenen los crímenes de esta índole. Hoy, en el marco de la Semana de agitación #JusticiaParaNicole, su muerte y su recuerdo se hacen canción gracias a Horregias.

Cinco años han pasado desde que Nicole Saavedra fue encontrada muerta. Cinco años de largo y enlentecido proceso judicial en el cual ni siquiera se han establecido sospechosos, dejando en evidencia, una vez más, la indiferencia de las instituciones hacia la comunidad lésbica/lgtb y sus familiares. Sin embargo, pese al dificultoso camino en la búsqueda de responsables y de un proceso judicial respetuoso y justo, la figura y memoria de Nicole están más presentes que nunca gracias a diversas acciones de protesta y reivindicación por parte de organizaciones sociales y activistas, entre ellas, Horregias, quienes han sido voz permanente en la visibilización de ésta y otras realidades que afectan a la comunidad lésbica.

Así nació «Nicole Saavedra Bahamondes», una canción que es un tributo a su vida como también un grito de protesta y venganza contra su muerte, recordándonos la atrocidad cometida contra Nicole y tantxs otrxs. Una canción grabada por la productora musical, guitarrista y voz del proyecto Círculo Polar, Victoria Cordero en Estudio Lautaro de Santiago durante el mes de marzo, a días del inicio de la cuarentena. Una grabación que cuenta con el apoyo del sello independiente Vacaciones, lanzada a través de sus plataformas digitales el 19 de junio de 2020, en el marco de la Semana de Agitación por Nicole, una iniciativa que, al igual que este año, a través de distintas acciones a lo largo del territorio busca mantener en tiempo presente el crimen contra Nicole y la necesidad de justicia para ella y su familia.

RM: En 2020, en medio de la pandemia, estrenaron la canción “Nicole Saavedra Bahamondes”, un tributo a la vida de Nicole y una demanda de justicia por su lesbocidio… por favor cuéntenme de esa experiencia de componer y crear esta canción pensando en el asesinato de Nicole.

Horridia: Es una experiencia personal a partir de la denuncia del crimen de lesboodio contra Nicole Saavedra y de la violencia del Estado siendo cómplice de la invisibilización de este caso y de muchos otros, obstaculizando la investigación. Es una experiencia dolorosa porque al conocer más detalles del caso te das cuenta de lo poco que vale tu propio derecho a la vida. Entonces pasan cosas como ver la imagen de Nicole en una fotografía, y dotar a esa imagen de tu propia historia. Por ejemplo, yo juraba que Nicole usaba una polera de Nirvana en una de las fotos más vistas en las redes, pero eso no era así, porque ella era mucho menor que yo, y no usaba esa polera, ese elemento es mío y se impregnó en la canción de forma media inconsciente.

Feocia: Somos parte de la agrupación Justicia por Nicole, y nos hemos involucrado mucho en la denuncia contra el lesbo odio, el trans odio. La primera vez que fuimos a Quillota estuvimos tan soles pero vimos el fuego en la María Bahamondes, Las Brujas, Radio Humedales, y todes quienes estuvieron ese 2017. Nos propusimos, en primera instancia, contar donde vayamos que, en Chile el Estado y las instituciones judiciales son cómplices de los lesbocidios, apoyar a María Bahamondes en lo que se le ocurriera para presionar. Y hacer canciones es lo que podemos aportar también. Hoy María Bahamondes y activistas de Justicia por Nicole están siendo criminalizadas por exigir justicia. Entonces no paran de haber razones para seguir denunciando.

M.Crimen: El lesbocidio de Nicole Saavedra se podría haber evitado si no fuera por la violencia patriarcal que se normaliza también en el sistema judicial que opera en contra de quienes buscan justicia y los asesinos siguen impunes, haber conocido esta realidad nos llevó a terminar de comprender la música que hacemos, resulta que puede ser como un arma, si hay que ponerse literal lo haremos.

RM: ¿Conciben la música como un arma para la denuncia?

Horridia: Si, es portable, de alto alcance y viaja por el aire como un virus, toda mi onda de arma.

Feocia: La música acompaña los procesos sociales, que son de la gente y de nadie más. Los cambios vienen de poner en crisis la normatividad, de contagiarnos en ese sentimiento de quemarlo todo, es un mensaje que se recibe con la  corporalidad misma, desde otras corporalidades lésbicas y no hegemónicas en movimiento, como es nuestro caso.

M.Crimen: Si po, la voz contra el silencio, el olvido, la desaparición, la invisivilización de nuestras existencias, nos quieren borrar, hay que volver a rayar, lesbiana, camiona, marica, trans, transbiana etc.

RM: ¿De qué manera la música les ha servido para visibilizar y exponer su vida disidente? 

Horridia: para mí la música es una forma de expresión desde chica, tal como mi vida disidente estuvo escondida mucho tiempo, me encantaba cantar, pero me daba mucha plancha hacerlo delante de cualquier persona. En la medida que hice consciente el placer que me generaba inventar canciones y cantarlas con mis amigues, también abracé mi vida disidente, vienen de la mano esas dos fuerzas para mí, porque al final es una sola.

Feocia: Me pasa igual que Horridia Parra. Tengo mucho resentimiento de la heterosexualidad obligatoria. Y cuando decidimos ser una banda lesbiana visible también quisimos hablar de nuestra existencia y de como vivimos el lesbianismo abortando la heteronorma. Transformarme en lo que me hubiera gustado ver cuando chica.  

M.Crimen: Para mi las Horregias son referente, y cuando las conocí incluso antes de tocar con elles me ayudaron a salir del closet, con sus letras y su atrevimiento en el escenario, así que, por lo menos, mi vida disidente, de forma consciente, comenzó con Horregias.

RM: Creen que el movimiento feminista y fechas como el día nacional contra el femicidio o incluso del Mes del orgullo se hacen cargo también del lesbocidio y de la violencia contra las disidencias?

Horridia: Yo creo que si bien tienen un impacto en algunas capas de la sociedad, no lo tiene en la profundidad necesaria para incorporar todo lo que está al margen de la hegemonía. Para ser parte de eso tienes que encajar a estas estructuras institucionales, y eso es ir en contra de lo que implica ser disidente, entonces seguimos colaborando entre las mismas, un ejemplo concreto es la conmemoración del crimen de Nicole que se realiza en Quillota en junio, si bien ha aumentado la convocatoria, no tiene nada que ver con las convocatorias masivas centralizadas en Santiago.

M.Crimen: Para mi, seguimos siendo como identidades disidentes el margen de la lucha feminista, las demandas aún siguen siendo de las problemáticas de las mujeres cis -hétero, y en los espacios feministas hemos tenido que visibilizar nuestra lucha para ganar un lugar dentro del feminismo y eso es agotador, frustrante y deprimente, no debería ser así. 

RM: Una de sus tocatas presenciales durante la pandemia, entre las pequeñas treguas otorgadas por las autoridades para actividades colectivas fue su participación en Kutral Fest (diciembre 2020)

¿cómo surgió esa fecha y cómo fue la experiencia itinerante?

Feocia: Fuimos convocades por las Trabajadoras de la Música a través de la flaca (Carolina Ozaus) de Vaso de Leche para participar del Kutral Fest, donde tocamos sobre un camión en Franklin a las 12 del día. Tocar camiones sobre un camión siempre fue un sueño que ahora cumplimos muy sopeades y un poco al borde del surmenage por el sol que a las 12 pega infernal ahí entre las calles de Franklin. La itinerancia me parece necesaria siempre y que bueno que se levanten este tipo de festivales gestionados principalmente por mujeres, entiendo. De todas formas, como siempre comento, me interesa que estos festivales también consideren a las disidencias sexo-genéricas, y a quienes, como nosotres mismes, no hemos tenido ni 5 segundos para pensar en derechos laborales desde la música, porque somos atuogestives y desconfiamos del estado, sus instituciones y de pensar en legalizar alguna cosa .

RM: ¿Hay un nuevo disco en el horizonte? ¿Qué planes futuros hay en carpeta?

Horridia: han surgido varias ideas este último tiempo porque el confinamiento ha sido muy duro para nosotras de distintas maneras. Estamos probando nuevos formatos de show y también nuevas formas de contar cosas entonces quizás lo que hacemos termine siendo un disco, pero no es el fin último. 

M.Crimen: Tocar y estar juntas creando, armar nuevos espacios creativos que por todo lo acontecido nos resulta difícil a veces, lograr esto ya es una gran hazaña.

 

SONIDO ANÁLOGO: RUIDOTEKA RECORDS DE ARGENTINA EDITA EN CASSETTE SEIS BANDAS CHILENAS

SONIDO ANÁLOGO: RUIDOTEKA RECORDS DE ARGENTINA EDITA EN CASSETTE SEIS BANDAS CHILENAS

 

VALORIZANDO EL SONIDO ANÁLOGO Y EL FORMATO FÍSICO EN PLENA ERA SPOTIFY, SEIS BANDAS CHILENAS, DIXIE GOAT, PIES DE PLOMO Y ARTEAGA (SANTIAGO), THE POLVOS, KAYROS, CONDENADOS (CONCEPCIÓN), SE UNEN AL CATÁLOGO DEL SELLO ARGENTINO RUIDOTEKA RECORDS PARA EDITAR SUS DISCOS EN FORMATO CASSETTE. SEIS BANDAS QUE REPRESENTAN EL ACTIVO CIRCUITO DE STONER DOOM LOCAL SEÑALADO COMO UNO DE LOS MÁS VALORADOS DEL CONTINENTE.

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Por Rossana Montalbán

 

Ruidoteka Records es el sello argentino especializado en la edición de cassettes cuyo catálogo se ha centrado en dar a conocer el stoner doom sludge que actualmente se está haciendo alrededor del mundo. Junto con editar a bandas como Hebi Katana de Japón, Sonic Taboo de Estados Unidos, Splendidula de Bélgica, Melissa de Brasil, o la Era de Acuario de México, en el último año, Ruidoteka Records ha estrechado lazos con Chile para publicar a las bandas nacionales The Polvos, Kayros, Condenados, Pies de plomo, Arteaga y Dixie Goat, seis bandas que se deciden al querido y revitalizado cassette casi como una cuestión de principios en una época en que el lanzamiento digital predomina.

Fundado en 2019 por Marcelo Di Agosta junto a su esposa Valeria Donda, la Ruidoteka opera desde el barrio Flores en Buenos Aires, y tras dos años funcionando primero como distribuidores y luego como editores, hoy reúne un vasto catálogo de stoner doom sludge que refleja el vigoroso estado del género musical a nivel mundial, con bandas que siguen cultivando y reformulando las variantes de uno de los subgéneros más potentes del metal subterráneo.“Fue una buena opción especializarnos en un solo estilo musical y todas sus variantes en formato cassette para ofrecer algo diferente, ya que en Argentina existe solo un sello de tapes de doom, en el resto del mundo hay muchos más pero no son tantos como de heavy metal y otros estilos extremos”, nos cuenta Marcelo Di Agosta fundador de Ruidoteka Records.

Las seis bandas chilenas que hoy se están sumando a esta propuesta discográfica, tres de Santiago y tres de Concepción, son parte de lo que Di Agosta señala como “Una escena muy rica en bandas de este tipo de sonido y estilo donde cada banda es mejor que la otra. Chile, Argentina y México son los tres países que están a la vanguardia del stoner doom en el continente, y hoy todo el mundo está mirando a Latinoamérica”. En ese valorado circuito encontramos a Pies de Plomo, activos desde 2014 explorando la psicodelia con guitarras pesadas y voces lisérgicas, el trío conformado por Marco Plaza, Pedro Ogrodnik y Carlos Pérez, presenta la edición física de su tercer y más reciente disco «El gran misterio», estrenado de manera digital en diciembre de 2020, calificado como una perfecta pieza de cruda psicodelia retro.

También en la línea del retro fuzz más puro encontramos a los santiaguinos de Arteaga, circulando desde 2013 y editando una serie de material en cuidadas y coloridas ediciones vintage tanto en vinilo como en cassette. Siguiendo ese amor por lo análogo, este 2021 la banda sorprende junto a la etiqueta argentina para sacar a la luz el box set con sus dos primeros Eps, Vol 1 «Agradable» y Vol 2 «Dios sol».

Hacia la región del Bío Bío, en Concepción, nos encontramos a la otra triada de bandas que forman parte de esta comitiva local. Kayros, una de las bandas más antiguas del stoner rock acuñado en Chile. Formados en 2006,  desde entonces la banda ha cultivado un sólido sonido que rescata lo más denso y alucinógeno del también llamado desert rock, dando forma a una propia versión de pesadez y groove. 

La contraparte más pesada corre por cuenta de Condenados, la banda doom penquista, referentes en el sonido funerario más extremo, que este año reeditará junto al sello argentino, su segundo disco titulado «The three of death», en una edición que contará con bonus track y nuevo arte para su portada. Finalmente, en estas tierras del sur, la triada se completa con The Polvos, el combo supersónico que reúne a experimentados músicos del under penquista, quienes reeditarán su disco debut Darkness Emotion, segunda edición a cargo de Ruidoteka.

Además de ser esta vitrina para el doom, el sello ha logrado enfocarse exclusivamente en la edición de cassettes como único y principal formato, un formato que día a día recobra mayor presencia en los sellos independientes y mayor demanda por parte de los melómanos y coleccionistas que ya no solo buscan el vinilo sino también buscan reencontrarse con el que alguna vez fue el contenedor principal para toda una generación, un objeto casi personal que cargabas contigo a toda hora y en todo lugar, y que además permitió una circulación de música que el LP no, en tanto grabación y regrabación de tapes destinados a circular de mano en mano para compartir compilados de bandas y discos completos. “Es con lo que uno se crió, creo que están a la misma altura el cassette y el vinilo como artículo coleccionable, y creo que es lo que más prefieren las bandas, a la hora de editar, en el stoner y el doom. No tiene mucha comparación, es algo mágico, al abrir la cajita, al sacarlo, al ponerlo en la casetera, al mirar la lámina, al darlo vuelta, es un ítem de culto, nostálgico” afirma el gestor del sello. 

De alguna forma ese es el espíritu que hoy prima para los editores de cassettes como Ruidoteka Records, para los coleccionistas y, sobre todo, para las bandas que deciden sacar su material en este formato. Para la mayoría, el cassette es un formato que te reconecta con otra época, una época musical formativa, que tras su esporádica desaparición a raíz de la llegada del CD, se convirtió en un formato económico, posible de financiar, fabricar y trabajar de una manera más artesanal en cuanto a diseño y presentación, tal como nos relata Marcelo: En términos de fabricación es bastante más económico que el vinilo, y muchas veces, tiene el mismo precio que un CD. El tape además de ser un ítem de culto y nostálgico es un medio económico, coleccionable, y quienes editamos y coleccionamos tratamos de que queden como si lo fuéramos a comprar nosotros mismos. Y sobre todo es económico para las bandas y para la gente para que puedan tener el material o distribuirlo”

Tal como señala Di Agosta, el cassette hoy ha vuelto a ser uno de los formatos predilectos para las bandas del under, del stoner doom y sus variantes. Precisamente, el amor por el formato y por cierto sonido unió los caminos de Ruidoteka con las bandas chilenas The Polvos, Kayros, Condenados, Arteaga, Pies de plomo y de Dixie Goat, esta última, la primera banda chilena en ser editada por el sello. El trío compuesto Nicolás Orcástegui en guitarra y voz, Sebastián Martínez en batería, y Alexis Marín en bajo, acaba de estrenar durante el mes de mayo, la edición argentina de Black Sun Child, su disco debut editado en 2015, trabajo que en ese momento los posicionó como una de las revelaciones del stoner doom local, y que este 2021 llega por primera vez en formato cassette en una edición limitada de 30 copias en color negro y con el arte original. «Es la primera edición que sale del debut en cassette. La novedad es que viene con la caratula «original» con la que se estreno el disco en octubre de 2015. Físicamente, salió con otra caratula ese mismo año. Ahora decidimos, considerando el formato clásico, que llevase dicha caratula de frente y al interior el arte que se hizo posterior». Nos comenta Nico Orcastegui, voz y guitarra. «Habíamos pensado sacarlo en cassette hace años, DIY, teníamos de hecho los cassettes para hacerlo (eran morados), pero nunca nos organizamos y la idea quedo solo en eso. Por suerte ahora se dio y además tiene una distribución como corresponde» continúa.

El acercamiento entre Marcelo Di Agosta y las bandas chilenas comenzó a través de The polvos Todo empezó con The Polvos, la primera banda con la que hicimos contacto, cuando aún estábamos formando nuestra identidad. Ellos me abrieron un montón de puertas con otras bandas del under chileno, con Kayros, Dixie Goat”. relata. “Marcelo se comunicó con nosotros a través de Instagram y nos planteó la idea de hacer una edición de «Darkness Emotion» y que fuera con una carátula alternativa, diferente a la original y nos pareció una maravillosa opción” nos cuenta Roberto Mora de The Polvos. Di Agosta se dedicó a rastrear a cada una de las bandas y con Dixie Goat ocurrió algo similar según nos cuenta Nicolás: «Marcelo nos contactó para preguntarnos si queríamos editar un cassette con ellos. Su intención en un principio era sacar nuestro ultimo disco, pero considerando que recién había salido en ese formato vía Olde Magick Records, le propusimos que fuese nuestro primer disco».

Precisamente hoy en día, cuando los lanzamientos digitales en plataformas como Spotify se han convertido en la gran alternativa cuando no hay presupuesto para fabricar discos, obligando a dejar de lado el formato físico para las nuevas generaciones, la producción de cassettes experimenta, para suerte de muchas y muchos, una segunda y auspiciosa vida, más de veinticinco años después de haber sido declarados objetos de museo, la cinta ha regresado en gloria y majestad para sus verdaderos fieles. Las bandas eligen el cassette ya que no es un formato excluyente, es un formato con historia, no desechable y como si fuera poco, ya no es el formato que la industria comercial impone. El cassette ha vuelto a su origen. “Somos amantes de lo vintage, ya habíamos hecho una edición en ese formato bajo el sello Sangra la Oreja Récor, de Héctor Piri Latapiat y el sonido análogo es increíble e insuperable para bandas con el sonido como el nuestro”. El trio Dixie Goat apunta algo similar en cuanto a la mística del cassette  «Para nosotros, como muchos, el formato físico es lo ideal, independiente cual sea (vinilo, cd, cassette). Ahora bien, considerando que es con el formato con el que creció la gente de nuestra edad, además del revival que vive por estos días. Inolvidables los trade colegiales, rebobinar con lápiz bic, etc. Lindo formato».

En los próximos meses Ruidoteka Records se alista para editar los tapes de The Polvos, Pies de Plomo, Arteaga, Condenados y Kayros, ya disponibles para pre-order, y que por el momento solo podrán obtenerse a través de las  mismos músicos. “Nos encantaría tener distribuidor allá en Chile, aún no lo tenemos. Queremos encontrar a alguien con quien trabajar la distribución.  Agradecemos a las bandas chilenas por su confianza y por la oportunidad de trabajar con ellas, rompiendo ese mito infame de que los chilenos y argentinos no nos queremos. Puedo decir que es toda una mentira” cierra Di Agosta.

CONOCE EL CATÁLOGO COMPLETO DE RUIDOTEKA RECORDS

PRE ORDER

ESQUERITA: UNA REINA SIN TRONO EN EL PANTEÓN DEL ROCK AND ROLL

ESQUERITA: UNA REINA SIN TRONO EN EL PANTEÓN DEL ROCK AND ROLL

 

 

Si les digo que esta crónica habla sobre Eskew Reeder Jr., es probable que no se les venga a la cabeza ninguna figura ni ninguna canción reconocida. Pero si les hablo de Esquerita… probablemente tampoco. Esquerita -el pseudónimo más conocido entre los tantos que usó Eskew Reeder Jr.- es uno de esos ilustres desconocidos, de los grandes olvidados e ignorados de la historia del rock. Un talento que pudo haber llegado a ser tan grande como el de Little Richard -a quien le enseñó a tocar rock and roll en el piano-, pero que, por distintas circunstancias, terminó siendo no más que un nombre marginal y pintoresco en la fauna salvaje del rock and roll de la vieja escuela, una reina sin trono, un genio que terminó limpiando parabrisas en Brooklyn, muerto de SIDA y enterrado en una tumba sin nombre.

Eskew Reeder Jr. nació en Greenville, Carolina del Sur, en 1938 (aunque algunas versiones dicen que fue en 1935). Cuenta la leyenda que a los cinco años ya tocaba el piano en la casa de su vecina-profesora, una tal señora Willis, y que, mientras estaba ahí, escuchaba las clases de ópera de las dos hijas de su maestra, desarrollando así su gusto por los aullidos en falsete, tal como después lo haría Little Richard, quien a su vez ejercería una influencia enorme en la manera de cantar de otros portentos, como Paul McCartney. Al respecto, Esquerita declaró en una entrevista con Kicks Magazine en 1983, que cuando conoció a Richard, este “aún no usaba falsete, simplemente cantaba”, dando a entender que el intérprete de Tutti Frutti se habría “inspirado” en él al momento de incorporar a sus canciones los característicos aullidos, una de las marcas de fábrica del mítico Ricardito. Y es que resulta inevitable hablar de Esquerita sin referirse a Little Richard. El parecido entre ambos es evidente, y no solo en lo musical. En primer lugar, ambos eran músicos afrodescendientes y abiertamente homosexuales, surgidos en los años cincuenta en las áreas más conservadoras de Estados Unidos, y pioneros del incipiente rock and roll, ese sonido frenético que conmocionaba a la sociedad de entonces. Y, por si todo esto no fuera suficiente como para espantar a los puritanos y conservadores, Esquerita tenía predilección por el maquillaje sobrecargado, la joyería llamativa, el travestismo, con unos lentes enormes de fantasía y un peinado tupé tan alto que llegó a circular el rumor bastante difundido que se trataba en realidad de dos pelucas, una sobre otra.     

En su biografía autorizada, The Life and Times of Little Richard: The Quasar of Rock (1984), el mismísimo Richard recuerda su primer contacto con un adolescente Eskew Reeder Jr. en 1953, en una estación de autobuses de Georgia. Richard tenía entonces poco más de veinte años y su carrera no iba más allá de tocar en lugares mal pagados para un público al que la segregación racial condenaba a reunirse en sus propios ambientes.  “Él estaba con una predicadora llamada Sister Rosa Shaw, que vendía panes bendecidos, con la que tocaba el piano -recuerda Richard en el libro-. Tenía las manos más grandes que haya visto jamás. Eran el doble de grandes que las mías. Así que ambos subimos a mi casa y él se puso a tocar ‘One Mint Julep’, de The Clovers al piano. Yo le dije: Oye, ¿cómo consigues hacer eso? Y él me respondió: Yo te enseño. Y ahí fue cuando comencé a tocar. Aprendí mucho sobre fraseo. Para mí ha sido uno de los grandes pianistas de todos los tiempos y eso incluye a Jerry Lee Lewis, Stevie Wonder o cualquier otro que yo haya escuchado”. Y ojo, que Little Richard no era de los que iba por la vida regalando cumplidos a cualquiera, más bien todo lo contrario. Sin embargo, donde el músico de Georgia era inflexible, era en la influencia de Esquerita sobre su peinado: por ningún motivo estaba dispuesto a aceptar que su legendario tupé estuviera influenciado por el de Esquerita. Es más, cuando su biógrafo le envió la primera versión del libro, donde lo insinuaba, Richard hizo detener las imprentas y exigió de inmediato que se corrigiera esa afrenta a su cabellera. 

Lo que sí es una verdad indiscutible es que entre ambos hubo una relación cercana, de influencia mutua, tan así que es difícil saber hasta qué punto Esquerita influyó en Little Richard y viceversa. Algunos periodistas incluso quisieron indagar si entre ambos hubo algo más que amistad y colaboración musical. Richards no lo afirmó ni lo negó, pero aseguró: “él estaba loco por mí”.

Pero pasó el tiempo y, para 1957, solo uno de ellos había llegado a la cima mundial, mientras que el otro aún no lograba ni siquiera grabar un single como solista. Y cuando parecía que Esquerita nunca saldría de su lugar de músico de acompañamiento, apareció el ex-Blue Cap (el grupo de Gene Vincent) Paul Peek, quien lo llevó a los estudios de grabación como pianista de sesión y quedó impresionado con el talento del pianista, tanto, que juntos compusieron el single “The Rock-around”. Paul Peek le recomendó a Capitol Records que grabaron algunos singles de Esquerita, singles que se transformarían en algunos de los más salvajes de los 50’, como “Rockin´ the joint», de 1958 (lo más cercano a un hit que logró en su carrera), o «Hey Miss Lucy», de 1959. Vale decir que para estas canciones, Capitol le contrató a músicos de acompañamiento de primer nivel, como un joven Jimmy Hendrix, y los Jordanaires, coristas de Elvis Presley. Estos singles fueron recopilados en un álbum titulado simplemente Esquerita! (1959), su único LP oficial en vida. Pero la recepción no fue la que el músico esperaba, ni tampoco el sello, que decidió no seguir invirtiendo en él y despedirlo. 

 

El disco Esquerita! es pieza obligada para cualquier melómano que se precie. Disco subvalorado hasta la médula, incorpora la línea rocanrolera más tradicional en temas como “Hole in my heart” o “Crazy feelings”, con las típicas introducciones en piano que Little Richard transformaría en sello personal, pero también temas más cercanos al estilo de Fats Domino, otros más bluseros, como “She left me crying” -es imposible oírla sin recordar al clásico “Trouble” de Presley- e influencias del gospel que tanto escuchó en su infancia. Llama la atención -además de los repetidos aullidos en falsete- el sonido del piano, muy presente y crudo, casi como si estuviéramos escuchándolo en el living de nuestra casa, incluso ciertas notas falsas que, lejos de quitarle valor al disco, lo hacen más sincero, oscuro y espontáneo. 

Tras su despido de Capitol, Esquerita siguió lanzando singles esporádicamente y actuando como músico de sesión -trabajó, cómo no, como sesionista de Little Richard en la re-grabación de Good Golly Miss Molly-, pero su vida bohemia y sus conflictos con la autoridad comenzaron a escaparse de sus manos, cayendo detenido numerosas veces por peleas y desórdenes. En una de aquellas peleas llegó a perder un ojo (sus eternas y coloridas gafas futuristas siguieron ocultando al ojo faltante) e incluso pasó una temporada en la cárcel, aunque se ignora las causas. Cuenta la leyenda -sorprende cuántas cosas sobre este artista permanecen en el radio del “mito urbano”- que la causa de su reclusión fue por haber asesinado al hombre que le arrebató el ojo. ¿Verdad o leyenda? No lo sabemos, y quizás nunca lo sabremos.

A principios de los setenta desaparece del mapa y su biografía se vuelve un misterio, para luego reaparecer a mediados de esa década en Brooklyn, tocando el piano en salas de ambiente gay, con el nombre de “The Fabulash”, mientras sobrevive en hoteles baratos. En los años siguientes, de vez en cuando, Esquerita aparecía por la escena, alternando estas presentaciones con años completos de silencio. A veces era sorprendido por algún viejo rocanrolero en un tugurio marginal -siempre con algún pseudónimo distinto- aporreando el piano a su manera, siempre conservando su frenético estilo y su hiperbólica apariencia, aunque los vicios y la calle le estaban pasando la cuenta. Las noches en estos clubes, además de rock and roll, solían estar inundadas de sexo sin protección, prostitución, tráfico y consumo de drogas, lo que sumado a la aparición meteórica y desastrosa del SIDA, convirtieron la vida del músico una verdadera ruleta rusa. 

Tras varios años desaparecido, en 1983 regresa a Nueva York para ofrecer una serie de actuaciones en un local llamado Tramps. Es allí donde conoce a Miriam Linna, la primera baterista de The Cramps, y a su marido, Billy Miller, fundadores de la mítica banda de garage The A-Bones y creadores del fundamental sello Norton Records, que a partir de 1986 reeditaría el LP y todos los singles de Esquerita; es más, la admiración por el música es tal, que el logo de Norton Records es precisamente la cara de Esquerita: “En ese momento a muy poca gente le interesaba Esquerita -explica Miriam Linna en una entrevista-, mientras que para nosotros fue lo más importante que sucedió ese año. Fue algo muy loco. Obviamente él no había ensayado nada, pero en cuanto vio que tenía una pequeña base de fans en la sala, sus shows se volvieron incendiarios”. Para Linna, Esquerita ha sido uno de los “progenitores” del rock and roll, un personaje a la altura de Chuck Berry, Bo Diddley o Jerry Lee Lewis. “Su influencia ha sido inmensa. Esa es la razón de que tengamos una imagen suya en el logo de Norton. Fue un adelantado para su época. Para mí es uno de los artistas más infravalorados de todos los tiempos”.

Pero nada hizo cambiar la suerte maldita del músico. Su vida siguió moviéndose entre el reconocimiento y el desprecio, entre las luces del escenario y la oscuridad de las celdas, entre el ritmo del rock and roll y la muerte susurrándole al oído. Para mediados de los ‘80 hay varios que aseguran haberlo visto trabajando en un estacionamiento e incluso limpiando parabrisas a cambio de unas monedas en Brooklyn. En 1985 le diagnosticaron VIH en estado avanzado y, el 23 de octubre de 1986, falleció por complicaciones relacionadas con el SIDA. Paradójicamente, ese mismo año, se realizaba la primera ceremonia de admisión del Rock and Roll Hall of Fame y Little Richard fue uno de los diez artistas que se incluyeron en el Salón aquella noche.

Para cerrar, dejo aquí unas palabras que dio en una entrevista José Luís Martín, autor del libro Leyendas Urbanas del Rock, donde dedica un capítulo al malogrado músico: “Esquerita esconde un submundo de lumpen extraordinario, marcado por el segregacionismo en Estados Unidos y la homofobia hipócrita de todos sus estamentos. Él y Richard se autoalimentaron y es muy complicado saber quién fue primero, la gallina o el huevo, pero para mí, es mucho más fascinante la vida de Esquerita que la de Richard (…) Es curioso que, mientras escribía el capítulo de Esquerita, falleció Richard Wayne Penniman, Little Richard, y pude comprobar cómo en diferentes redes sociales, blogs y webs musicales, tanto nacionales como internacionales, pusieron fotos de Esquerita para ilustrar la muerte de Richard. Eso documenta perfectamente el despiste que existe entre los dos personajes, en el cual el primero siempre salió perdiendo”.

Si quieres conocer algo de Esquerita, recomiendo que comiences con “Rockin’ the joint”. Y a bailar.

The War is Never Over: el documental que retrata a Lydia Lunch

The War is Never Over: el documental que retrata a Lydia Lunch

The War is Never Over se titula el documental que retrata a la pionera del No Wave Lydia Lunch.

La pieza documental dirigida por Beth B, retrata los inicios de Lydia Lunch con su banda Teenage Jesus & The Jerks y el papel fundamental que tuvieron durante el surgimiento del no wave en la década de los 70s. A su vez, The War is Never Over se adentra en la poderosa y singular evolución artística de Lunch como interprete, compositora y colaboradora de músicos como Nick Cave, Alan Vega, Rowland S. Howard Sonic Youth.

El documental originalmente presentado en 2019 como parte del DOC NYC Fest, comienza a circular por algunas plataformas y carteleras especializadas a partir del 30 de junio, una de ellas, la plataforma Kino Marquee donde estará disponible para verse On Demand.

MIRA EL TRAILER DE «The war is never over» 

SINTONIZA UN NUEVO CAPÍTULO DE «LEJOS DE LA MULTITUD»

SINTONIZA UN NUEVO CAPÍTULO DE «LEJOS DE LA MULTITUD»

Ya se encuentra disponible en Spotify, Mixcloud e Ivoox, el más reciente capítulo del show radial dedicado al underground «Lejos de la multitud».

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El show de radio online Lejos De La Multitud nació en abril del 2020 y en su segunda temporada continúa ofreciendo una selección de los mejores artefactos contraculturales que aparecen en el radar de su creador, el periodista, traductor y editor Carlos Aliaga.  El capitulo número 22 ya se encuentra disponible en Spotify.

“Uno de los objetivos de este proyecto es ir más allá de lo que ofrecen otros shows que se concentran exclusivamente en un estilo musical, medio visual o literario. Acá podrán encontrar una curatoría ecléctica de discos, libros, cómics, series y películas ligados al underground y la contracultura. La idea es ir más allá de los lugares comunes, profundizar en el análisis y que tanto los auditores como yo podamos ir descubriendo detalles interesantes y novedosos sobre estos artistas”, explica Aliaga.

En este episodio podrán escuchar temas de Citizen Fish, J Church, The Creatures, Au Pairs, Television, New York Dolls, Al Green, Low, The Sonics, Naked Raygun, The Flaming Stars, Joe Strummer, The Rezillos y Man Or Astro-man?.

También podrán encontrar sugerencias y reseñas de artefactos culturales como la antología “Felices Pesadillas: Los Mejores Relatos De Terror Aparecidos En Valdemar” (2003), la novela gráfica “X-Men: Dios Ama, El Hombre Mata” (1982), los documentales “Hitsville: The Making of Motown” (2019) y “Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films” (2014) y la colección de reseñas cinematográficas “Harlan Ellison’s Watching: Essays and Criticism” (1989).

Todos los episodios de Lejos De La Multitud pueden ser escuchados en Mixcloud, Ivoox y Spotify.

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

Evocando los movimientos rotativos y el magnetismo del satélite natural, la cantautora nacional Natalia Corvetto, presenta «Luna oscura», tercer single de su nuevo disco.

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«Luna oscura» es el tercer sencillo del nuevo disco de la compositora nacional Natalia Corvetto, un bolero inspirado en la danza eterna que la Luna hace cada 29 días, para reencontrarse con el sol. Este reencuentro, designado por la naturaleza, sucede en cada luna nueva (luna oscura, novilunio). Bajo esta premisa la compositora nos presenta esta canción en clave bolero, deleitando a través de una melodía protagonizada por la perfecta sincronía entre el violín, la viola y el violonchelo. 

En Luna oescura, el juego de cuerdas y la interpretación vocal de Corvetto destacan desde el primer minuto, creando un cálido y envolvente sonido en la mejor tradición del bolero más sutil y delicado, junto a los músicos Daniel Miranda en guitarra acústica, Milton Rusell en contrabajo, Mauricio Pérez a cargo de tumbadoras y maracas, Raúl Ramos en batería, Danka Villanueva en violín, Maria José Araya en viola, y Paloma Otárola en violoncello.

Interpretando sus transformaciones y movimientos como un baile de seducción que se extiende por 28 días, Natalia Corvetto le canta a la luna, le declara su amor y le agradece su inspiración. Y al cantarle a la luna, le canta a la naturaleza, a sus ciclos, y a su poderosa conexión con la vida. En sus tres minutos de extensión, Luna Oscura evoca el magnetismo y el misterio del amor. Y ya puedes escucharla en Spotify.

BETTY WRIGHT: MATRIARCA SOUL

BETTY WRIGHT: MATRIARCA SOUL

Betty Wrigth fue una de las exponentes del soul más laboriosas de su generación. Recordada por su altísimo registro vocal, inspiradora de divas actuales como Beyonce o Mariah Carey. Betty Wright fue de esas intérpretes contundentes en trayectoria, influyente para las generaciones posteriores y cuyo estilo aportó elementos renovadores al soul de su época y a la nutrida escena de la cual formó parte en el Miami de los 70s y 80s.

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Por Rossana Montalbán

 

 

Considerada una pionera en abrir nuevos espacios para las mujeres en la industria musical, fue la primera artista femenina en conseguir un disco de oro con su propio sello discográfico, gracias al tema «No Pain, No Gain» que compuso, cantó y publicó bajo Miss B Records. Pero la nutrida carrera de Betty Wright, recogió su primer gran éxito cuando en 1971 lanzó «Clean Up Woman», una canción que combinaba elementos de funk, soul y R&B. La canción registra también varios hitos tales como alcanzar el número dos en las listas de R&B, donde permaneció durante ocho semanas. Vender más de un millón de copias y haber sido disco de oro el 30 de diciembre de 1971. A nivel de resonancia, sigue siendo hasta el día de hoy una de las canciones más sampleadas del cancionero R&B/Soul, formando parte de hits tan reconocibles como «Real Love» de Mary J. Blige, producida por P.Diddy.

Betty Wright editó su primer álbum a la edad de 14 años, mientras cursaba la secundaria. Titulado «My First Time Around», el disco contiene otra de sus canciones más importantes “Girls Can’t Do What the Guys Do», un directo mensaje feminista en una época de importantes avances para los derechos de la mujer. En pleno 1968, la equidad de género era tema primordial para cierto R&B. Ese sería el comienzo de una trayectoria musical tan impecable como consecuente. Desde entonces, Betty fue forjando un estilo único como cantante y su música fue adquiriendo la categoría de género en sí misma, plasmando su visión de mundo y su carácter como artista.

 

La joven Betty destacaba por su mirada como mujer en la música y también por su asombrosa y versátil voz. Desde un susurro profundo y arrastrado hasta el tono de un agudo silbato eran parte de su amplio registro vocal, lo que la instaló como una las cantantes más increíbles que hayan aparecido en la música negra durante los últimos 50 años. Así de versátil fue también su capacidad interpretativa entregada por su herramienta vocal que le permitió interpretar soul, r&b, reggae, jazz, y rock.

Ya consolidada como una de las figuras más relevantes de la música afroamericana de los años 70, Wright continuó nutriendo su trabajo con diferentes colaboraciones, tanto como cantante, compositora y arreglista. En 1977, Wright descubrió a Peter Brown y cantó “You Should Do It” y “Dance With Me” en el exitoso LP “A Fantasy Love Affair”. En 1978 interpretó un dúo con Alice Cooper en la canción “No Tricks” y un año después, abrió para Bob Marley en el Survival Tour.

En los ochenta continuó su imparable trabajo grabando canciones como“What Are You Gonna Do With It” de Stevie Wonder. En 1983 lanzó el álbum “Wright Back at You” con temas de Marlon Jackson de los Jackson 5. En 1985 formó su propio sello discográfico, Miss B Records, publicando el álbum “Sevens” en 1986. En 1988 fue la primera artista femenina negra en obtener un álbum de oro para su propio sello, con el disco “Mother Wit” de 1987.

Paralelamente a su permanente trabajo como cantante estelar y productora musical de su sello, Wright participó a lo largo de su carrera como vocalista de apoyo junto a un amplio abanico de destacados músicos como David Byrne, Peter Tosh, Gloria Estefan, Jimmy Cliff, Stephen Stills, entre muchos otros.
El nuevo milenio la encuentró más activa que nunca manteniendo su incesante conexión con las nuevas generaciones de músicas mujeres. Una de ellas, la talentosa e innovadora Erykah Badu, probablemente una de sus más fervientes admiradoras y discípulas, y a la cual acompañó en su disco del año 2000, Mama’s Gun.
American Soul & R&B singer Betty Wright performs onstage at the Uptown Theater, Chicago, Illinois, November 14, 1979. (Photo by Paul Natkin/Getty Images)

Tal como lo fue desde sus primeros días, su voz también se convirtió en un elemento primodial y recurrente en el mundo del hip-hop. Nuevamente en plena sintonía con el panorama musical, Betty hizo apariciones en los registros de Diddy, Nas, y Rick Ross. También cantó la melodía de los Rolling Stones «Playing With Fire» en la canción Tha Carter III de Lil Wayne. En 2016, colaboró con Kendrick Lamar y Big Sean en la canción «Holy Key». Finalmente, su último trabajo no haría más que confirmar tanto su legado, influencia y vigencia como artista mayor, colaborando con The Roots en lo que llevo por nombre «Betty Wright: The Movie» publicado en 2011.

Betty Wright ha dejado una huella imborrable en generaciones que aprendieron con ella y con su trabajo no solo a cantar o componer, sino a ser esa artista autodeterminada por su propio talento y control del mismo, sobre todo reformulando el lugar de la diva esclava de sus propios éxitos y fracasos y en vez de eso ser voz, imagen, música, creadora y colaboradora con otros, abrazando la vida musical como un espacio de acogida, intercambio y herencia que hicieron de ella, una auténtica matriarca del soul.

GUITARRAS EXPANSIVAS: THE SLOW VOYAGE PREPARA NUEVO ÁLBUM

GUITARRAS EXPANSIVAS: THE SLOW VOYAGE PREPARA NUEVO ÁLBUM

 

La banda oriunda de la sureña ciudad de Los Ángeles, en la región del Bío- Bío, se encuentra afinando los últimos detalles de su segundo disco «Soul´s whisper», programado para este 2021, y del cual ya se conocen los sencillos «Sunset» y  recientemente «Expansion», canción estrenada en abril pasado. «Soul´s whisper» se avecina como el trabajo encargado de abrir fronteras y senderos para la banda y su música.

Por Rossana Montalbán

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La banda formada en el año 2013, en la ciudad de Los Ángeles, región del Bío Bío, continua por estos días afinando los últimos detalles de lo que será su segundo disco «Soul´s whisper», un trabajo de largo aliento que viene a materializar parte de los planes congelados con el inicio de la pandemia.

El encierro y la imposibilidad de seguir los planes trazados por razones ajenas al impulso propio, suelen dar paso incontenibles ánimos de expansión y acción. Mucho de esto puede sentirse en el preámbulo a lo que será el nuevo disco de la banda. Precisamente «Expansion» es el título del segundo sencillo promocional, una canción creada durante 2015 que, finalmente salió a la luz en un contexto completamente distinto y sin precedentes.  Sin embargo a diferencia de su verdadero origen, la canción logra encajar con el momento actual de la banda, sobre todo, tras enfrentar la inevitable pausa forzada que ha significado el escenario sanitario del Covid 19. De esta manera «Expansion» logra contener tanto en su sonido reverberante y psicodélico como en su título, el presente del trío. Un presente que se proyecta auspicioso y expansivo, precisamente, ya que este nuevo trabajo tendrá el apoyo del sello independiente local Sur Pop Records, lo que permitirá que el disco tenga una mayor difusión y circulación más allá de las fronteras nacionales.

Actualmente conformados por Camila Muñoz en bajo, Rodrigo Salamanca en guitarra y coros, y Freddy Lepe en guitarra y voz principal, The Slow Voyage continúa explorando las sendas del shoegaze y la psicodelia más cruda, reforzada por profundas atmósferas resonantes que evocan lo más ineludible del psych rock y sus variaciones noventeras. Sonidos que transportan a los vegetados y frondosos paisajes del lluvioso sur chileno proyectado bajo un lente tridimensional para estimular los sentidos.

 

EL VIAJE LENTO

Formados en el año 2013, los primeros pasos de la banda estuvieron marcados por la grabación de su demo –“Live Session”– para luego embarcarse, a través de Converse Rubber Tracks, en la grabación de uno de sus tracks junto al legendario productor de Seattle, Jack Endino, conocido por sus trabajos con Nirvana y Soundgarden, entre otros. Tras ese primer hito, la banda inició el registro de su disco debut “Time Lapse”, en los Estudios Lautaro del guitarrista de The Ganjas y Casino, Pablo Guiadach.

“Para nuestro álbum debut nos inspiramos en el transcurso de la vida. La gran mayoría de las personas en este país y en el mundo estamos obligadas a trabajar con horarios que te consumen todo el tiempo, con sueldos bajísimos y viviendo siempre al límite, una de las razones de porqué la familia es tan importante en nuestra cultura. Sólo nos tenemos a nosotros y el apoyo mutuo es una de las características más valiosas que rescatamos, sin eso jamás hubiésemos podido hacer música y, desde esa perspectiva, le dimos ese nombre al álbum, pensando en un futuro ‘Time Lapse’ de nuestras experiencias, cuestionando este intervalo de tiempo impuesto”, sostuvieron en entrevista con el Diario Concepción.

SOUL´S  WHISPER

«Soul´s whisper» se avecina como una nueva avalancha de psicodelia ácida nutrida de guitarras expansivas, que además de estimular el viaje auditivo, busca seguir afianzando a la banda como uno de los exponentes destacados de del rock lisérgico sudamericano, con ondas sonoras, que esperan, lleguen a todos los rincones, y pueda llevarlos a nuevos escenarios cuando la música en vivo se reactive. Mientras tanto, Soul´s whisper», toma forma en un 12 pulgadas fabricado en Europa, escogido como el formato más apropiado y placentero para el oído y el sonido del viaje.

Escucha «Expansion» de The Slow Voyage en Spotify