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CICLO DE CHARLAS VIRTUALES LOS PRISIONEROS EN LATINOAMÉRICA.

CICLO DE CHARLAS VIRTUALES LOS PRISIONEROS EN LATINOAMÉRICA.

Este miércoles 02 de septiembre se inicia el ciclo de charlas en torno al libro ganador del Premio Pulsar 2020 «Latinoamérica es Grande. La ruta internacional de los prisioneros» del escritor y músico Cristóbal González Lorca publicado por Santiago Ander Editorial. Durante tres fechas virtuales (2-9-23) se abordará y reconstruirá el periplo de la banda por el continente a través del relato de músicos, productores, periodistas, escritores y fans.

«Latinoamérica es Grande, la ruta internacional de Los Prisioneros» se llama el libro de Cristóbal Gonzalez Lorca, donde relata pormenores desconocidos de este impacto regional. De sus viajes, giras y conciertos por el continente. Una investigación que recoge notas de la prensa internacional, archivos gráficos y mucho testimonio de fans, periodistas y músicos que dan cuenta de esta historia un tanto desconocida de los músicos de San Miguel. 

El ciclo de charlas organizadas por Santiago-Ander, Ergocómics y Libros y Bibliotecas, está programado para los miércoles 2, 9 y 23 de septiembre, y en su primera fecha se centrará en la primera parte del recorrido de la banda por la costa atlántica, Uruguay, Argentina,Venezuela.

El encuentro virtual será guiado por el autor González Lorca y el comunicador y guionista Carlos Reyes, y será transmitido a través del fan page de Facebook de Libros y Bibliotecas y de Santiago-Ander Editorial.

Primera fecha: miércoles 02 septiembre, 19:00 hrs.

EVENTO EN FB

Invitados internacionales: Dakmar Hernández (editora Venezuela), Goy Ogalde (Karamelo Santo Argentina),Vanessa Vargas Rojas (periodista Chile), Tabare Couto (escritor Uruguay). Conducen: Cristóbal González Lorca (autor del libro) y Carlos Reyes (Expreso Nova guionista de cómics). A través del FB Live de: Libros y Bibliotecas y Santiago-Ander Editorial

Más Información del libro:

JOAN BÁEZ RECIBIRÁ EL PREMIO WOODY GUTHRIE

JOAN BÁEZ RECIBIRÁ EL PREMIO WOODY GUTHRIE

El 16 de agosto de 2020 Joan Baez recibirá el Premio Woody Guthrie en una ediciones virtual desde el Philadelphia Folk Festival, uno de los eventos de música folk más antiguos de Estados Unidos, en el que la cantautora ha actuado en distintos momentos de su larga carrera.


Cada año el Woody Guthrie Center otorga el reconocimiento a aquellos cantautores que han contribuido a dar voz a los sin voz y amplificar el mensaje de justicia social, poniendo en valor el rol de la música folk y de la creación musical en la historia de los pueblos, reconociendo la labor de artistas que utilizan su talento para la denuncia de los abusos y los conflictos sociales.
Joan Báez es la segunda mujer en recibir el Woody Guthrie Prize en toda su hisotoria luego de la cantante de soul, góspel y blues Mavis Staples. Entre otros músicos reconocidos con el premio son el rapero y productor musical Chuck D, el guitarrista y realizador John Mellencamp, el escritor y productor Norman Lear, el cantante y actor Kris Kristofferson, y el músico y cantante Pete Seeger, pionero junto con Woody Guthrie¹ de la música folk en Estados Unidos, fallecido en 2014 a los 95 años, fundador de la People’s Song Inc., sello de música militante, perseguida en los años del maccarthysmo y coautor, con Lee Hays, de la popularísima canción protesta «If I Had a Hammer».


Joan Baez, de 79 años, ha dedicado toda su creación musical a visibilizar los olvidados y los oprimidos, y recibirá el premio como «homenaje a su carrera revolucionaria y a su impacto sobre las causas humanitarias».
«Siempre he seguido el camino trazado por Woody Guthrie – ha dicho Joan Baez agradeciendo el premio- mi misión ha consistido en utilizar mi música como una voz de los que no pueden ser oídos, o se han visto reducidos al silencio por el miedo y la impotencia».
Hija de un médico mexicano y una profesora de literatura, Joan Baez nació en 1941 en Nueva York. A los trece años su tío la llevó a un recital de Pete Seeger y ese concierto marcó su vida. Sin más apoyo que una guitarra, los diecinueve años se convirtió en una de las voces de la canción protesta que en estados Unidos acompañó las marchas por los derechos civiles de la población afroamericana junto a Bob Dylan, Pete Seeger y el resto de músicos activistas.
El tema We shall overcome, extraído de Joan Baez in Concert, su tercer álbum, se convirtió rápidamente en la canción protesta paradigmática de la década de 1960. En 1968 grabó David’s Album, dedicado a su marido, David Harris, preso por insumisión al oponerse a ser reclutado para participar en la guerra de Vietnam.


En 1969 participó en el legendario Festival de Woodstock, el primero de los festivales de la «cultura hippie», que reunió más de medio millón de personas en tres días – del 15 al 18 de agosto- de «música, amor y paz», en los que actuaron 32 solistas y grupos de rock, folk, soul y blues.
Joan Baez ha mantenido una importante sintonía con el cancionero de protesta iberoamericano, reversionando temas de García Lorca, Violeta Parra y Paco Ibañez.
Hace un año, en julio de 2019, sesenta años después de sus primeras actuaciones, Joan Baez se despidió de los escenarios manifestando su rechazo a Trump como presidente de los E.E U.U : «Jamás imaginé esto que nos está pasando. A la gente no le importa si Trump tiene razón o no, si dice la verdad o no. Son felices con la mentira. Trump es un poco como Hitler pero menos inteligente».

DESCARGA EL LIBRO DE GESTORAS Y MÚSICAS EN RED.

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Gestoras en Red lanzó libro “Creando, accionando, incidiendo”

  • En el marco del Seminario Actual MGC-2020. Gestión Cultural y Género, del Magíster en Gestión Cultural de  la Universidad de Chile, “Gestoras en Red” lanzó el libro “Creando, Accionando, Incidiendo”.
  • El libro fue presentado el jueves 13 de agosto a las 19.00 hrs de manera online (vía Zoom) y la conversación estuvo a cargo de Rosa Angelini Figueroa, Marisol Frugone Alvarez, Angela Neira-Muñoz, quienes relataron desde diferentes perspectivas, la creación artística y gestión cultural feminista y la relevancia del contenido de esta publicación. 
  • El libro está disponible para descarga gratuita online desde gestorasenred.com y todas sus plataformas de RRSS.

“Creando, accionando, incidiendo” Trabajadoras de las Artes. Gestoras en red, se llama el libro que se lanzó este jueves 13 de agosto en el seminario del Magíster en Gestión Cultural de la Universidad de Chile. Esta instancia, que se realizó de manera virtual, fue presentada por Rosa Angelini Figueroa, realizadora audiovisual, música y co Directora de Gestoras en Red;  Marisol Frugone Alvarez, artista visual  y co Directora de Gestoras en Red; y Angela Neira-Muñoz, escritora, docente, y directora Ediciones Mujeres de Puño y Letra de Concepción, equipo que estuvo a cargo del trabajo de edición y selección del material que compone el libro.

Esta publicación actúa como una memoria del trabajo que ha desarrollado “Gestoras en red, red Internacional de trabajadoras de las culturas y las artes”, desde el 2017, tanto en Chile como en Latinoamérica; “La gestión cultural y el trabajo artístico de las mujeres y disidencias es un ejercicio colectivo y diverso con el que se construyen los espacios sensibles y adecuados para la expresión política” afirman las co directoras de la organización.   

A través de distintas voces, el libro da cuenta de los diagnósticos nacionales e internacionales que surgieron en encuentros y acciones que reflejan la realidad que viven las mujeres y disidencias que se dedican a la creación y producción del arte y la cultura, así como las propuestas de cambios con miradas feministas que se proponen desde la diversidad de territorios.

Respecto a la publicación, Angela Neira, Directora de Ediciones Mujeres Puño y Letra, y vocera de ¡AUCH!, Colectivo de autoras feministas chilenas; “Esta publicación es un archivo que aporta a la memoria y actuancia de las mujeres en distintos territorios.  Es un texto. Es un tejido de acciones, ideas y saberes enunciados en primera persona colectiva. Es nuestra propia gramática del pensar, sentir y crear. Es un eco que sostiene las diversas voces de nuestras prácticas artísticas”, comenta.

Por otra parte, la periodista especializada en música y cultura, Marisol García ha comentado “Desde hace unos años, el debate feminista en Chile, y en particular el de trabajadoras del arte y la cultura, está tan vivo que crece en simultáneas conversaciones, charlas, ponencias, youtubes, columnas y libros que suben y se entrelazan ya sin contención. Qué alegría que así sea. Y qué alegría, también, que publicaciones como ésta de Gestoras en Red, permitan detenerse en la lectura sintetizada, ordenada y precisa de parte de una marea cuyo registro es necesario en proyectos editoriales capaces de contener con rigor tan bullente avance”. 

Carolina Olmedo. Investigadora y Curadora en Arte Contemporáneo agrega: “¡Qué hermosamente raro leerse en un pasado en que surgían todas las tramas que hoy nos constituyen como colectividades políticas vivas y opinantes!. Celebro la publicación, espero abra debate e interpele al Estado en un momento en que el MINCAP se ha vuelto accesorio frente a un gobierno que privilegia unívocamente las políticas de los ministerios de Interior y Hacienda, cuyas resoluciones muchas veces atentan de manera directa al derecho a la cultura y a la ocupación en este ámbito como parte esencial de la experiencia democrática. En medio de un proceso de creación constitucional, ojalá este testimonio sirva para asegurar en la cultura un espacio de igualdad, libertad y disfrute pleno de nuestros derechos humanos como cuerpas habitantes de la cultura y de la ciudad”.

Para la periodista especialista en música, Javiera Tapia, «la compilación de esta aventura es muy importante para seguir creando, accionando e incidiendo. Así, en gerundio, porque una vez que nos conectamos unas con otras, se activa una fuerza que no se detiene. Pero nada sería de nuestras acciones en tiempo presente si no nos detenemos a pensar en el pasado. En todas las gestoras que antes que nosotras también han intentado cambiar sus realidades, de la mano de las otras. Esta memoria construye en esa dirección. Es parte de nuestra historia, que se une a la de las que vinieron antes y que acompañará a las que vengan en el futuro», comentó respecto al libro. 

El libro ya está disponible en formato digital y  lo puedes ver en Donde además se puede descargar en pdf.

JAWAR: «EL PATRIARCADO ES UNA ESTAFA PIRAMIDAL»,

JAWAR: «EL PATRIARCADO ES UNA ESTAFA PIRAMIDAL»,

Por Rossana Montalbán

Jawar estrena «Estafa piramidal», el tercer y último adelanto de su próximo disco producido por el nominado a los Premios Pulsar 2020, Martín Pérez Roa en Estudio Niebla. La canción masterizada por Arturo Zegers en Estudios Triana cuenta con portada a cargo de la ilustradora Natalia González ( Nats.cl), y se suma a los singles «Rebelde» y «Microplástico», preparando la llegada del sucesor de su debut «Los inadaptados», trabajo con el cual cruzó fronteras y giró por distintas ciudades de Brasil, Argentina, México y Estados Unidos.

Bajo la premisa “El patriarcado es una estafa piramidal”, el músico oriundo de Concepción y radicado en Talca, Javier Guerra mejor conocido como Jawar, acaba de estrenar «Estafa piramidal», el nuevo adelanto de su segundo disco que saldrá a la luz a finales de este año. Desplazándose del sonido electroacústico indie que caracteriza sus anteriores singles, esta composición nos engancha con una melodía pop y un coro pegajoso en el que el músico declara «El mundo es femenino, se lo diré a mis hijos». Desde su lugar como hombre en la sociedad Jawar escribe una canción de autocrítica que nace y que se registra durante el estallido social, así nos lo relata: «esta canción fue grabada durante el estallido social a partir de todo lo que estaba sucediendo en ese momento y que sigue sucediendo hoy. Surgió con la necesidad de aportar algo además de estar en la calle manifestándose, algo con lo que pudiera ayudar desde mi vereda haciendo música».

¿ Por qué el nombre «Estafa piramidal»?

«Siento que el patriarcado es una estafa piramidal. Es lo que te enseñan a creer desde que eres niño y que cuesta un mundo sacárselo de adentro. Hay mucha gente que se niega a dejar todo eso que le enseñaron. Pero todos deberíamos intentar hacerlo. Hay que normalizar el feminismo para poder convivir mejor todos como seres humanos».

¿Cómo fu el proceso interno y personal para llegar a hablar de feminismo y sobre todo hacerte cargo de la autocrítica en tu música?

«El proceso fue simplemente escuchar. Nosotros los hombres solo por el hecho de ser hombres tenemos muchos más privilegios que las mujeres. Y el hombre que no es capaz de ver es ciego porque se ve día a ida en la pega, en la casa, en la calle. Entonces creo que es algo de lo que todo debemos ser parte, todos debemos ayudar a la normalización del feminismo.»

Te atreves con un coro directo cantando «el mundo es femenino, se lo diré a mis hijos» ¿cómo surge esa línea?

«El mundo es femenino. Es cosa de ver la tierra, la pacha mama y la manera en que funcionan sus ciclos, la naturaleza. Todo es femenino, el hombre nunca debió tener el poder que tiene sobre la tierra. Ojalá podamos devolver el poder a lo femenino y ser libres del yugo del patriarcado, y así lograr equidad de género para todos los seres humanos.»

Al escuchar Estafa piramidal es inevitable notar que es una canción más pop que el resto de tus singles, ¿quisiste desde un principio que sonora así debido a su mensaje?

«Sí, es la canción más pop que he hecho hasta el momento. Pero no fue intencional, hice primero la música y luego la letra, fue muy natural y me gusta que sea así, que fluya. Y debido a su mensaje y a lo que habla se convirtió en un single adelanto porque creo que es un tema muy importante que ya debería estar avanzado, a veces siento que vivimos en el año 50.»

¿Crees que un hombre puede considerarse a sí mismo feminista?

«Yo creo que ningún hombre puede llamarse realmente feminista, por lo menos ninguno de esta generación. Puede ser que en cincuenta o cien años más pero eso va a depender de cómo criemos a nuestros hijos y de cómo ellos críen a los suyos. Y quizás ahí recién logremos algo.»

Desde tu lugar de músico y hombre ¿cómo ves el comportamiento del circuito musical y de la industria local en cuanto al machismo, la misoginia, la discriminación? ¿Crees que ha ido cambiando o en el fondo sigue igual?

«Ha sido heavy todo lo que ha pasado en la escena nacional. Mucha gente conocida involucrada en situaciones oscuras y abusivas. Hay que funarlos a todos. Que caiga hasta último que tenga que caer. Ya no hay vuelta atrás en este tema. El cambio hay que hacerlo simplemente.»

¿Qué se viene para los próximos meses?

«Mi plan es lanzar mi segundo disco entre octubre y noviembre, y ponernos al día con todas las fechas y actividades luego de la pandemia, promocionarlo al máximo. Desde ya estoy muy motivado componiendo un tercer trabajo. La idea es no parar y seguir adelante con todo.»

ESCUCHA lo nuevo de Jawar
«Estafa Piramidal»

ESCUCHA «EL FUTURO», LO NUEVO DE TSUNAMIS

ESCUCHA «EL FUTURO», LO NUEVO DE TSUNAMIS

La banda integrada por Goli Gaete (composición, voz, guitarra) Francisco Fernández (guitarra), Sebastián Arce (batería), Patricio Larraín (bajo), Cristóbal Rawlins en (piano y synthe), Tan Vargas (lap steels y guitarras) y Sebastián García Huidobro (saxo tenor y alto), acaba de estrenar el segundo single adelanto de su próximo álbum titulado «7 mares»

Comunicado de la banda

“EL FUTURO” EL SINGLE MÁS POP DE TSUNAMIS

Con una estructura más tradicional y vinculada a los sonidos del pop rock, “El Futuro”, fue la primera canción compuesta por Goli Gaete para este nuevo álbum larga duración que ya tiene nombre: “7 Mares”. Un trabajo que mezcla colores y géneros musicales que van desde lo más experimental, psicodélico y el heavy rock que caracteriza a la banda hasta el folk/latinoamericano y el pop. Como este segundo y rítmico single que se mueve en un juego de voces; y que nos habla de un paraíso que quizás no existe, al preguntarnos por ese amor (o al devenir, al futuro mismo) que nos enfrenta al coro central “creí que me amabas”.

“La letra es “emo” y alegórica y me gusta cantar esa frase que me expone y me “avergüenza” a la vez, con esa pregunta que habla de lo que finalmente es el amor para uno, que pone en el estrado todo lo que al final queremos o creemos querer. Esta temática, la de desenterrar emociones sepultadas, es una de las ideas conductoras de todo el cuerpo de obra de Tsunamis. Eso es muy auténtico en este track, que sintetiza el concepto del disco, porque trae un formato de canción “muy” tradicional y también una intro de más de 30 segundos de un trabajo con cintas y efectos, el lado experimental al que el disco entero también tiende”. Goli Gaete compositor, voz y guitarra.

“El Futuro” también va de la mano con la portada protagonizada por un Pez Globo ilustrado, similar en su aspecto al virus covid. El arte fue realizado entre Tan Vargas, Pancho Fernández y Goli Gaete quienes vienen desarrollando el imaginario de este séptimo álbum. “Estamos viendo diferentes técnicas y referencias, y nos quedamos con una tipografía que es clásica, pero tiene caractéres más crípticos y antiguos. Ha sido entretenido darle un arte a cada single y nutrirnos artísticamente entre los tres, sobretodo con Tan que es tremendo artista”.
Pancho Fernández, guitarrista y diseñador gráfico.

El track producido por Ignacio «Nes» Rodríguez y Goli Gaete en los Estudios de BYM Records, fue inspirado por los masters setenteros de T. Rex y por las canciones conducidas por guitarras de Elliott Smith; y contempla guitarras ruidosas, efectos delay y un solo de cuerdas entre Fernández y Vargas casi a la mitad de la canción, muy cercano al mood de “Es suicide” del disco Corre el río (2006).

“Creo que por primera vez compongo un solo desde un tarareo inmediato en mi cabeza a la guitarra. Esta fue de las primeras canciones que me mostró Goli para el nuevo disco, tenía muchas ganas y ansiedad de grabarla, aportar con gestos y arreglos claros. Por otro lado la microfonía de Nes fue determinante porque le dio un peso más cálido, y el cruce entre las guitarras con el slide de Tan, que es una gran novedad en este disco”. Pancho Fernández.

ESCUCHA «EL FUTURO» VÍA SPOTIFY

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Ya se encuentra disponible el cuarto número de la revista de Crónica Sonora «Estas Máquinas matan fascistas. La música nuestra arma ». Especial pandemia «La música como antídoto».

«Estas Máquinas matan fascistas. La música nuestra arma», en su cuarto número escrito desde el encierro y en plena cuarentena bajo el nombre «La música como antídoto» y en cuyas páginas no solo podrán leerse textos donde se cruzan la música y la realidad social para hablar sobre el poder sanador del blues, sobre el jazz en tiempos de Covid, sobre la creación desde el encierro, sobre la música de emblemáticas bandas del under como Políticos Muertos o para repasar discos como «Superficies de Placer» de la banda argentina Virus. Sino también entrevistas a colectivas como Músicas en Red, a bandas independientes como The Polvos, y a músicas como la baterista Jacksa Suazo, entre otres.

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 4 CS- JULIO -AGOSTO -2020

 

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Running Up That Hill: La historia de Kate Bush

Running Up That Hill: La historia de Kate Bush

La maestría artística de Kate Bush quedó al descubierto en 1978 con la publicación de su disco debut «The Kick inside», una ópera prima en la cual ya era palpable el multitalento creativo de quien se convirtió en una de las mujeres más relevantes del art pop de los últimos 42 años.

Titulado a partir de una de sus canciones más populares de la década de los 80s, «Running up that hill: la historia de Kate Bush», es el documental realizado por la BBC de Londres, en el que se explora la carrera de la influyente artista desde la publicación del single «Wuthering Heights» en 1978, hasta su álbum «50 Words for Snow,» editado en 2011.

Estrenado en 2014, el documental fue parte del breve retorno a las actuaciones en vivo que Bush emprendió en otoño de 2014, tras 35 años de ausencia, con 22 conciertos consecutivos en el Hammersmith Apollo de Londres, bajo el título «Before the Dawn», interpretando lo más sobresaliente y selecto de su producción desde los discos «The kick inside» y «Lionheart» (1978) hasta Aerial y el célebre «Ninth wave», cara B de su obra maestra: «Hounds of love» (1985).

A través de una serie de entrevistas a reconocidos músicos, colaboradores y admiradores confesos de su obra, entre los que se encuentran John Lydon, Elton John, St. Vincent , Tricky , Suede’s Brett Anderson , Viv Albertine de The Slits, Peter Gabriel, entre otros, el documental es uno de los pocos registros oficiales existentes sobre su destellante trayectoria e ingenio, recopilando importante cantidad de conversaciones y actuaciones que la artista ofrecía con frecuencia para promocionar sus discos. Material de archivo que se ha vuelto de considerable valor con el paso de los años, luego de que la cantante entrara en largos silencios y retiro de los escenarios.

Como parte de nuestra videoteca, te invitamos a revisar este material de estudio para aproximarse a la figura y obra de Catherine Bush, nacida un 30 de julio de 1958, Bexleyheath,Reino Unido.

https://youtu.be/c4sLwt8mhZs

POP MELANCÓLICO: NESSA PRESENTA SU EP «TO LOSE IT ALL»

POP MELANCÓLICO: NESSA PRESENTA SU EP «TO LOSE IT ALL»

Publicado el pasado 21 de junio, To Lose it All es el reciente EP de Nessa, cantautora local cuyo inicio musical se remonta al año 2011, periodo en que su voz comenzó a resonar en distintos escenarios para el pop de autora. Más tarde, su nombre continuó ganando terreno gracias a su participación en distintos compilados y discos tributos que reunieron a jóvenes voces del pop rock. Uno de ellos, el disco tributo a Jorge González, «Generación de Mierda», homenaje indie al músico chileno y su banda Los Prisioneros, álbum producido por el sitio web RockAlternativo.cl, y publicado en 2013. En este compilado Nessa aportó su versión para la canción «Carita de Gato».

Tras siete años en silencio, Nessa regresa con «To Lose It All», grabado y producido por Ricardo Pacheco en Hombre Pájaro Home Studio. Un trabajo intimista, donde la compositora nos lleva por un viaje de múltiples influencias y sonidos, conjugando elementos tradicionales y elementos experimentales. Las cinco canciones que conforman To lose it all, están unidas en sonido y lírica por la idea de la fragilidad: “Busco transmitir desde el sentimientos de estar viviendo una tormenta pero miando hacia el futuro porque sabes que la tristeza va a asar», comenta Nessa, quien con este nuevo material propone resiliencia sonora y emocional.

TE INVITAMOS A CONOCER LO NUEVO DE NESSA AQUÍ

PETER GREEN: EL FINAL DEL JUEGO

PETER GREEN: EL FINAL DEL JUEGO

Por Pedro Ogrodnik

Le tocó vivir el papel de «leyenda maldita» del blues rock inglés de los 60. Desde sus orígenes reemplazando a Eric Clapton en los Bluesbreakers, los años dorados de los iniciales Fleetwood Mac mucho antes de Stevie Nicks, y el limbo que debió atravesar tras dejar a la banda por problemas de salud mental y abuso de drogas. 

 

 

Nos ha dejado Peter Green. A los 73 años y por causas naturales trascendió este plano existencial un músico quizás no muy conocido acá, más allá de la erudita feligresía blusera. Esto es quizás un poco injusto, ya que el tipo es legendario, y considerado como un par por lumbreras tales como Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page o Mick Taylor, y como una influencia fundamental por otros como Carlos Santana (cuya versión de ‘Black Magic Woman’ es uno de sus mayores clásicos y mucho más conocida que la original), Gary Moore, Billy Gibbons, David Coverdale, Joe Perry o Pappo, por nombrar algunos. Como guitarrista, su lenguaje fue más bien económico (sin mucha floritura, directo al punto) pero con un grado de feeling y onda que siempre lograba transmitir su mensaje musical, y con un tono rotundo y preciso. Además, como compositor fue prolífico y logró cumbres desgarradoras y también muy dinámicas e interesantes durante su breve pero muy influyente etapa al frente de Fleetwood Mac, banda de la que fue fundador, entre 1967 y 1970.

Peter Allen Greenbaum comenzó a hacerse de un nombre en la escena del blues británico reemplazando al propio Eric Clapton en los Bluesbreakers de John Mayall durante 1966, cuando Slowhand se lanzó a la aventura de Cream, el primer power trio y primer supergrupo de la historia del rock. Clapton era Dios en el naciente blues británico, y para Green en un comienzo fue difícil reemplazarlo, siendo a menudo maltratado por uno que otro espectador en los conciertos de los Bluesbreakers, pero a punta de música logró dar vuelta el panorama llegando a ser considerado como «The Green God». El disco «A Hard Road» es el registro que compendia esa etapa, siendo el instrumental ‘The Supernatural’, con la firma de Green y un notable aprovechamiento del sustain de su Gibson Les Paul (guitarra que ayudó a popularizar en esa época), tal vez el track más sobresaliente del álbum. Ese año Mayall obsequió a Green como regalo de cumpleaños unas cuantas horas de tiempo de estudio, en las que Green (que ya pensaba en formar su propia banda) fue secundado por su compañero en los Bluesbreakers, John McVie en el bajo, y un joven y larguirucho baterista que había «parchado» en los Bluesbreakers y buscaba hacerse un nombre en la escena: Mick Fleetwood. Una de las jams que grabaron fue nombrada como ‘Fleetwood Mac’ por Green en homenaje a la base rítmica del bajista y el batero, y es el big bang donde comienza la historia de esta banda.

Sin poder contar con McVie en un inicio por compromisos con los Bluesbreakers, fue convocado Bob Brunning para el puesto de bajista y fue incorporado Jeremy Spencer como segunda guitarra y cantante, ya que Green nunca se sintió del todo cómodo estando tan al frente de los reflectores. A los pocos meses McVie pudo integrarse a la banda y fue grabado el disco debut homónimo que apareció a comienzos del 68, llegando al número 4 en la lista de álbumes más vendidos en Gran Bretaña. Su combinación de blues y rock and roll primigenio comenzaba a sonar algo purista y anticuada en un momento en que la psicodelia ganaba mucho terreno, pero fue efectiva y dio su primer gran golpe con la publicación de los singles ‘Need Your Love So Bad’ y ‘Black Magic Woman’ durante 1968. El segundo álbum de Fleetwood Mac llegaría poco después: «Mr. Wonderful» fue un intento por lograr un sonido aún más crudo y reminiscente del blues de Chicago, que se quedó entrampado en cierta mediocridad en parte por el abuso algo cansador del riff característico de Elmore James en más de cinco canciones del álbum. Fue el primer trabajo del grupo donde colaboró en el piano Christine Perfect, quién se  incorporaría como integrante oficial a Fleetwood Mac en 1971, tras casarse con el bajista John McVie.

En la encrucijada por el resultado más agridulce de «Mr. Wonderful», Green apostó por enriquecer y diversificar el sonido de la banda, y es así como integra al grupo a un muchacho de 17 años, Danny Kirwan, como tercer guitarrista y cantante. Se inicia la etapa dorada de Fleetwood Mac como un quinteto con tres guitarristas, con los singles ‘Albatross’, un plácido y hermoso instrumental que llegó al número 1 de las listas UK, y ‘Man Of The World’, un tema desgarrador que en retrospectiva puede interpretarse perfectamente como un llamado por ayuda de un Green crecientemente desencantado de la fama y la vida itinerante de una banda de rock.

Guitarist Peter Green (right) and bassist John McVie, of British rock group Fleetwood Mac, rehearsing at the Royal Albert Hall, London, 22nd April 1969. (Photo by Michael Putland/Getty Images)

El éxito los había posicionado como la banda británica más rentable durante 1969, superando a los Beatles y Rolling Stones en ventas de discos, los estaba llevando en continuos tours por Norteamérica (donde conocen el LSD de la mano de los Grateful Dead) y Europa: para 1969 el álbum «Then Play On»,  quizás el mejor de la etapa inicial del grupo, muestra a los Fleetwood Mac más variados y ambiciosos hasta el momento, incorporando matices de psicodelia, jam rock, folk, vodevil y rock progresivo a su sonido establecido de blues rock, y se anota otro hit masivo con el single ‘Oh Well’, y con él, más conciertos, giras, compromisos y desgaste interno para un Green que cada vez se refugiaba más en el consumo de drogas.

Acá es cuando las cosas comienzan a ponerse turbias, cuando en un incidente en una comuna hippie en Munich, Peter Green se sobrepasó en el consumo de LSD, experimentando una suerte de viaje sin retorno muy similar al que apartó a Syd Barrett de Pink Floyd. Su comportamiento se tornó progresivamente más errático y alienado, pero a la vez más místico y desapegado de lo material: se dejó crecer la barba y comenzó a vestirse de blanco y a usar crucifijos en escena, y les propuso a sus compañeros donar sus ganancias a las personas necesitadas, sin ser escuchado. Poco después y ya en 1970, sale el último single de Fleetwood Mac con Peter Green: ‘The Green Manalishi’ es un tema tenebroso, pesadillesco y escalofriante que por un lado prefigura muchos aspectos estilísticos relevantes del heavy metal (si no pregúntenle a Judas Priest, que para 1979 hicieron su propia versión del tema y lo transformaron en uno de los inamovibles de su repertorio en directo hasta hoy) y por el otro instaló interrogantes sobre la salud mental de su autor, que finalmente deja a la banda durante 1970. 

Tras Fleetwood Mac, Peter Green grabó su primer disco solista «The End Of The Game», se reunió brevemente con la banda para cumplir con compromisos contractuales en EEUU durante 1971 y participó como invitado en varias grabaciones de otros músicos hasta 1973, cuando ingresó en una de las etapas más oscuras de su vida tras ser diagnosticado con esquizofrenia: pasó el resto de los 70 entre hospitales psiquiátricos siendo más de una vez sometido a electroshock, mientras al mismo tiempo los Fleetwood Mac, tras un lustro de inestabilidad con varios cambios de formación y discos irregulares, experimentaban un espectacular resurgimiento con un gran éxito comercial en EEUU. Ya más recuperado, inició otro período de actividad a principios de los 80, grabando tres discos solistas antes de retirarse a una vida como ermitaño. En 1991 inició otro proceso de recuperación (que la afamada marca de amplificadores Matamp celebró lanzando la icónica línea Green, que transformaría en equipo de culto el trío de stoner rock Sleep) y para 1995 su carrera musical volvió a la actividad, liderando al Splinter Group, grupo con el que grabaría varios discos y daría más de mil conciertos, hasta que decidió dejarlos en 2004 para establecerse en Suecia. Desde ahí sus apariciones públicas se hicieron cada vez más esporádicas, haciendo la última de estas el año 2010.

 

Durante la última década el perfil de Peter Green fue reivindicado por parte de la prensa musical, y en febrero de este año, Mick Fleetwood brindó un concierto en homenaje al originador de su banda en el London Palladium, con la participación de varios ilustres, como Billy Gibbons, Steven Tyler, Kirk Hammett (poseedor actual de la mítica Les Paul «Greeny»), Zak Starkey, Jonny Lang y David Gilmour, celebrando el legado musical de los primeros años de Fleetwood Mac. 

El legado de Peter Green al rock y el blues es sumamente significativo, mucho más allá del papel de «leyenda maldita» que le tocó vivir. Sin dudas cuando te expones a su música de una u otra forma no puedes quedar indiferente, porque se siente la pasión y entrega en cada nota. Recomiendo si pueden pillar el documental de la BBC «Man of The World» (2009), donde con sabrosos relatos de varios protagonistas incluyendo al mismo Green, el guitarrista repasa su vida. Una copa en su nombre y a dejarse seducir por el hipnótico hechizo de su música.

 

NUEVA EDICIÓN DE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS. LA MÚSICA NUESTRA ARMA»

NUEVA EDICIÓN DE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS. LA MÚSICA NUESTRA ARMA»

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«Estas Máquinas matan fascistas.La música nuestra arma», en su cuarto número escrito desde el encierro y en plena cuarentena bajo el nombre «La música como antídoto» y en cuyas páginas no solo podrán leerse textos donde se cruzan la música y la realidad social para hablar sobre el poder sanador del blues, sobre el jazz en tiempos de Covid, sobre la creación desde el encierro, sobre la música de emblemáticas bandas del under como Políticos Muertos o para repasar discos como «Superficies de Placer» de la banda argentina Virus. Sino también entrevistas a colectivas como Músicas en Red, a bandas independientes como The Polvos, y a músicas como la baterista Jacksa Suazo, entre otres.

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 4 CS- JULIO -AGOSTO -2020

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