Rossana Montalbán

Rossana Montalbán Marambio, Periodista y Licenciada en Comunicación Social. Mención Industria Cultural y Medios Digitales. Se ha desarrollado en el área de la industria del libro para distinas casas editoriales y en el periodismo musical en medios escritos y radio. Ha trabajado con editoriales nacionales e internacionales, entre ellas, Fondo de Cultura Económica, Cuarto Propio, Liberalia Ediciones, Garlopa Ediciones y otros. Creadora, productora y locutora del programa radial Noches de Rock, espacio de entrevistas a bandas de la escena rock independiente local, transmitido entre los años 2005 y 2009 en formato podcast y en la red de radios comunitarias de Chile. Columnista de la emblemática revista de metal Grinder Magazine. Formó parte del equipo de cobertura de shows en vivo para la agencia FotoRock,cl y autora de la sección Memoria Rock para la misma plataforma. Autora de la Columna Disco Eterno en Disorderl.cl, y colaboradora en Revista La Noche. En 2013 funda Crónica Sonora, medio digital que dirige actualmente .
RAYÉN QUITRAL : UN CANTO DE FUEGO Y TIERRA

RAYÉN QUITRAL : UN CANTO DE FUEGO Y TIERRA

La historia de la primera soprano de origen Mapuche en Chile, Rayén Quitral, fue la historia de una prodigiosa y talentosa niña cuyo talento alcanzó el flujo de un caudaloso e incontenible río capaz de recorrer territorios completos, y también fue la historia de una nación mestiza y multicultural que padeció los obstáculos y prejuicios propios de un profundo e histórico conflicto étnico-cultural capaz de relegar y omitir todo un legado artístico.


 

«Hay en Rayén Quitral una gran cantante lírica en potencia, pues difícil es imaginar voz más fresca, de timbre más grato, de más fácil emisión y extensión igual todo lo que concurre a señalar en la joven artista de veinte años un cúmulo de cualidades naturales, de las que puede esperarse el máximo para el futuro«.

La Prensa, Buenos Aires, 14 de septiembre de 1937.

La historia de María Georgina Quitral parece no haber sido muy distinta a la de toda artista prodigiosa que emprendió el viaje hacia la consagración de su propio arte esquivando barreras sociales, raciales y musicales, cuyo paso por el extranjero junto a su excelencia musical no le garantizaron una página en la historia de las grandes artistas de este país. Un viaje que careció de laureles por parte de un entorno quizás poco generoso que no se quiso convencer de su talento, transmitiendo con ello, viejos y conocidos prejuicios. Esa es la historia de María Georgina Quitral Espinoza conocida como Rayén Quitral, la primera soprano de origen mapuche de la historia musical chilena, una historia poco visitada y escrita en retazos a pesar de su significativa trayectoria internacional y de una serie de hitos que silenciosamente instalaron un precedente.

https://youtu.be/WcHjwW_lnBI
 

Niña de voz prodigiosa, nacida en 1916 en Iloca, VII región, la pequeña Georgina comenzó a deslumbrar con su incipiente canto en aquellos entornos más inmediatos como las reuniones familiares, el colegio y la Iglesia. Fue en esos contextos amistosos en los que la joven Georgina fue apodada como la “Alondra Mágica” llamando la atención de un acomodado dentista quien se convirtió en el primer impulsor del perfeccionamiento musical de la joven. Así fue como Georgina y su madre emprendieron su viaje de Curicó a Santiago para iniciar su formación, primero con clases particulares, y luego, a partir de 1935, en el Conservatorio Nacional de Música donde dio forma y disciplina a su extraordinaria voz. Finalmente, tras dos años de intenso aprendizaje, María Georgina debutó formalmente como Rayén Quitral en el Teatro Central de Santiago en un concurrido acto junto al resto de sus compañeras y compañeros de generación. Con ese gesto, la joven soprano puso la herencia mapuche entregada por su padre como elemento distintivo de su canto y personalidad, primero con su nombre Rayén, “flor” en mapudungún, y luego con el uso de vestimentas y platería tradicionales del pueblo originario, todo esto en un periodo histórico en el que comenzó a producirse la gran emigración mapuche del campo a la ciudad en una sociedad sin la idea de plurinacionalidad y con la ausencia total de valoración hacia la cosmovisión del pueblo Mapuche. El gesto fue cuestionado en el ambiente musical chileno y por la prensa especializada calificándolo como mera estrategia publicitaria, según cuentan sus cercanos. Mientras que en un par de reseñas biográficas se señala al musicólogo Carlos Isamitt como el mentor de esa decisión.

Sin embargo, desde aquel debut la trayectoria musical de Rayén Quitral recogió grandes frutos y relevantes hitos como su presentación en la inauguración del Estadio Nacional en 1938, y actuaciones en los principales escenarios para ópera del país, principalmente el teatro Municipal en cuyo libro de conmemoración para sus 150 años de historia se le destaca como una de las grandes voces que se presentaron en el emblemático recinto. Ya reconocida como una soprano sobresaliente, Quitral fue invitada a presentarse en el Teatro Colón de Buenos Aires como la Reina de la noche en la célebre ópera La Flauta Mágica de Wolfgang Amadeus Mozart. Fue en esa ciudad donde la cantante desarrolló, quizás, el capítulo más importante de toda su trayectoria con frecuentes recitales como integrante de radio Belgrano, con la grabación de dos discos 78 RPM, y la buena recepción de la prensa que escribía textos como este: “Hay en Rayén Quitral una gran cantante lírica en potencia, pues difícil es imaginar voz más fresca, de timbre más grato, de más fácil emisión y extensión igual todo lo que concurre a señalar en la joven artista de veinte años un cúmulo de cualidades naturales, de las que puede esperarse el máximo para el futuro”. Buenos Aires fue también el lugar donde inició su colaboración con el director de orquesta alemán Erich Kleiber, instalado en Argentina tras escapar de la Segunda Guerra Mundial y de los nazis.

Lejos de Chile, el periplo internacional de la Alondra Mágica continuó por largos años con presentaciones en el resto de Latinoamérica, Norteamérica y Europa. Entre los escenarios que la vieron cantar se encuentran el Carnegie Hall de Nueva York, ciudad en la que fue acogida por Claudio Arrau como su maestro por un breve periodo. Entre 1950 y 1951 una gira por Europa la llevó a presentarse en el Covent Garden de Londres y en la Alla Pergola de Florencia, entre otros reputados escenarios. En 1954 en un breve regreso al país, recibió la distinción del ‘Caupolicán’, como la mejor cantante lírica de Chile, premio otorgado en aquel entonces por la Asociación de Cronistas de Cine, Teatro y Radio. De vuelta en Europa, la cantante se instaló en Hamburgo luego de ser becada por el Gobierno Alemán, y donde fue reconocida como la mejor intérprete de Wagner y Lieder.

Su regreso definitivo a Chile no fue sino hasta 1960, periodo del cual se relatan una serie de peripecias, inestabilidad económica y desencuentros con el círculo artístico y la prensa hasta su retiro de los escenarios 1967. Un desencuentro que parece continuar hasta el día de hoy cuando se le describe como “la primera artista que utilizó la etiqueta de cantante araucana”. O incluso cuando en 2016 se cumplieron 100 años de su nacimiento, un centenario sin bombos ni platillos.

https://www.youtube.com/watch?v=G23Hm8JH6yM
SÍNDROME CAMBOYA: TODOS POR EL POGO

SÍNDROME CAMBOYA: TODOS POR EL POGO

 

Este 18 de junio se llevará a cabo la gran jornada de música en vivo Solidarirock a beneficio del fundador de Los Peores de Chile, quien hoy atraviesa un delicado estado de salud. La fecha además de reunir a siete destacadas bandas del circuito punk, ska y rockabilly local, es una instancia colaborativa que busca retribuir una vida de música y apoyo mutuo practicada por El peor de Chile y su banda. 


Foto cabecera por Andrés Sáez

 

 

Todo comenzó un par de meses atrás cuando se conoció públicamente el delicado estado de salud de un oculto Mario Carneyro, mejor conocido por todos como Pogo, fundador de la impostergable banda de punk local, Los Peores de Chile.  La situación dada a conocer a través de las redes sociales de la banda, en un comunicado enviado a todos los medios de difusión, causó gran preocupación en todo el circuito musical, alertando sobre el deteriorado estado de salud del músico, escritor, fotógrafo e ilustrador, hoy afectado por el diagnóstico de una lesión pulmonar que lo mantiene alejado de toda actividad. La noticia colocó en punto suspensivo los planes de la banda integrada por Klein y Jando Guzmán en bajo y guitarra y Cristian Araya en batería, que tras el regreso a las pistas post encierro, acumuló una serie de novedades como la edición de su libro álbum con treinta años de historia, la reedición en vinilo y cd de su fundamental disco debut, la reciente edición de la autobiografía de su guitarrista, la permanente producción literaria de Pogo, y un próximo regreso a los escenarios.

Desde entonces, las muestras de afecto, respeto y solidaridad de músicos, músicas, colaboradores y colaboradoras se han manifestado incesantemente a través de mensajes de apoyo, agradecimiento y reconocimiento a un antihéroe del punk hecho en Chile. Justamente, ese sentimiento colectivo que ha generado la compleja enfermedad que atraviesa el músico, es lo que, de alguna forma, ha dado pie a la jornada de bandas en vivo de este sábado 18 de junio, en el recinto Arena Recoleta, bastión del punk, hardcore y metal desde hace más de una década. Una jornada que, si bien busca recaudar un determinado monto de dinero que pueda contribuir a financiar los gastos médicos para una recuperación, busca principalmente, retribuir, con lo valioso e invaluable, la música y la fraternidad, de una vida al son del punk rock blusero que ha retratado en cada una de sus letras las penurias de los porfiados y marginados de siempre, con versos de ácida y desencantada poesía salida del puño de un literato innato que en otros días supo darle atmósfera y trama a un inolvidable Melodías Subterráneas, en su rol como guionista del espacio radial conducido por Rolando Ramos a finales de los ochenta. Porque así partió ese joven pero experimentado Pogo recién llegado de la vieja Europa y empapado de la movida española, tan punk y callejero como conocedor del fotoperiodismo y el cómic, actividades que quedarían en pausa para convertirse en el inadvertido guitarrista, casi un Steve Jones, de una nueva promesa del punk llamada Fiskales Ad Hok.  Un idilio que solo duró algunos años, mientras la promesa se convertía en una de las bandas punta del circuito punk, pero Pogo nuevamente emigró y siguió su forajido camino hasta llegar a los noventa y fundar su propia banda, Los Peores de Chile. Lo que vino más tarde, instalada la década de los noventa, es más o menos conocido y recordado. La fama, los videoclips, los hit radiales, el sello discográfico major, el “síndrome Camboya” y “La chichiolina”, y con todo ello, la gran estafa, un contrato discográfico que se encargó de quitarle a la banda, a sus compositores, todos las ganancias percibidas por su obra.

Pero la banda y el mismo Pogo, tras las distancias necesarias (12 años), sobrevivieron a todo eso y más, y lo hicieron llevando consigo esa temprana hazaña de haber sido la banda que llevó el punk a las hambrientas masas de un Chile en La Transición, para luego seguir su propio trayecto, bajo su propia ley, la ley de una banda de punk, esa misma banda que surgió de la necesidad imperiosa de su mentor y alma mater por volcar el ingenio, la creatividad y la prosa de los olvidados, los abusados y los inadaptados, un mentor y compañero que nunca ha querido ser más que El Pogo, y que hoy sus camaradas de banda Jando, Cristian, y Klein, vocero y gestor en acción, se encargan de tributar en vida con una fecha que reúne a siete insignes bandas del circuito punk, rockabilly y ska como Los KK, Santiago Rebelde, Machuca, Los Revoltosos, Surfin Caramba, Durango y Genitales, todo esto en una maratónica jornada cuya meta es alcanzar las 500 entradas vendidas, y con ese objetivo, por estos días, a menos de una semana, cada músico con el empuje de Guzmán Klein, se vuelcan a las redes sociales para difundir con insistencia el evento en video-invitaciones y reiterados posts para que la vuelta de mano sea tal, de parte del público como de sus colegas, teniendo presente ese mismo espíritu de antaño que los llevó al inadaptado e inconformista punk, ese punk que hoy sigue estando en la pluma, voz, guitarra, y marca registrada de El peor de Chile y cada uno de sus compañeros.

 

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EUROSHIMA: «SOMOS HIJOS DE UN MOMENTO ARTÍSTICO ESPECIAL»

EUROSHIMA: «SOMOS HIJOS DE UN MOMENTO ARTÍSTICO ESPECIAL»

La banda pionera del dark wave argentino ha retomado su historia para seguir contándola. Esta vez configurados como trío junto a su nueva vocalista China Jade, Euroshima vuelve a brillar en la oscuridad del under porteño y latinoamericano.



De carrera fugaz y un solo gran disco titulado «Gala» (1987), que se encargó de convertirlos en piedra angular y en mito para toda una generación subterránea sedienta de sonido sombrío, la banda formada a mediados de los ochenta en Buenos Aires por Fabián Iribarne, Ricardo Parrabere, José Wyszogrod y la recordada y fallecida Silvia Rodríguez (Wanda),hoy configurada como trío, regresa a las andanzas con nueva voz y con nueva música en el horizonte, algo que describen como objetivo primordial. De esto conversamos con su bajista Ricardo, miembro fundador de la agrupación pionera del dark wave y post punk argentino, Euroshima.

“Rock depresivo de la era post Joy Division con sintetizadores y cajas” así describía, por esos días, la Revista Pelo N° 307 a unos enigmáticos debutantes recientemente fichados por Polygram, tras publicar su primer y único disco «Gala» de 1987, disco que operó, con el pasar de los años, como piedra angular para toda una movida a lo largo del conosur. Pero los inicios de Euroshima fueron los inicios de toda banda que desea hacer algo acorde a sus inquietudes e inspiraciones, en un Buenos Aires estimulante y soberbio, que ofrecía una poblada y asombrosamente rica escena musical de la cual casi todo el continente sabe. «En esos días Buenos Aires era simplemente maravilloso, con una oferta artística de todo calibre y una cantidad de bandas que tocaban viernes y sábado, muchas propuestas nuevas que, como nosotros soñaban con ser parte de ése universo sonoro. Soda Stereo, Sumo, Los Violadores, Los Fabulosos Cadillac, por nombrar a los consagrados, tocaban en pequeños reductos que, de a poco iban ganando prestigio» cuenta Ricardo Parrabere.

Surgidos de las cenizas de la banda Jay Jay, y tras la integración de su guitarrista Fabián Iribarne, nació Euroshima, nombre extraído del enrarecido y belicoso ambiente sociopolítico de los ochenta en el mundo, sumergido aún en una interminable guerra fría, y dividido por el muro de Berlín. «El muro todavía dividía Berlín y la posibilidad de un conflicto bélico que enfrentara a Oriente y Occidente convertía a Europa en un hipotético campo de batalla. El slogan de las marchas que protagonizaba el partido verde alemán por aquel entonces tenía una consigna: “NO EUROSHIMA”, juego de palabras que hacía alusión a la posibilidad de convertir a Europa en una nueva Hiroshima. Ya teníamos el nombre: Euroshima» recuerda Ricardo.

Señalado como el primer disco lanzado en Latinoamérica de corte gótico, coldwave o dark. «Gala», fue compuesto y registrado en medio de un torbellino creativo y un entorno inesperado para la debutante banda que abrazaba las bondades de una vida musical al alero de un gigante discográfico como Polygram, interesado, por ese entonces, en capitalizar las revelaciones del underground porteño, siguiendo el olfato que los había llevado a destapar a valiosos nuevos tesoros encontrados en ese floreciente circuito que, más tarde serían mina de oro y referente musical de generaciones y generaciones. «El proceso creativo de Gala fue vertiginoso. Éramos una banda apenas formada y de pronto un estudio de grabación de “verdad” para nosotros. Los temas se iban sumando y el sonido final llegó en el viejo y hoy desaparecido estudio Polygram. Nuestro sonidista, Claudio Crown, se puso al mando de la consola y la idea era plasmar el vivo en la cinta con la mayor fidelidad posible. Estamos hablando de un proceso totalmente analógico, cajas de ritmo que no sincronizaban, poca experiencia pero mucha convicción». Relata Parrabere

A la grabación del disco le siguió una alentadora promoción en medios especializados que fueron aplaudiendo a la novel banda con frases rimbombantes y generosas que auguraban un alentador futuro musical para la propuesta de Euroshima. Una propuesta que, ciertamente, resaltaba por su lograda lectura de todo el espectro dark y new wave de la década, que incluía a The Cure, Siouxsie & The Banshees, Depeche Mode, A Flock of Seagulls, Sisters of Mercy, The Missión, Cocteau Twins, Joy Division, y en sus propias palabras «todo lo que captaba nuestra atención sobre todo si sonaba a desolación». Pero además, la banda contaba con esa suerte de ecuación perfecta para le época con una mujer en la voz, guitarra, bajo, caja de ritmo y teclados casi sinfónicos. La voz de Wanda, Silvia Rodríguez, poseía ese tono contra alto difícil de encontrar entre la muchedumbre, curiosamente, el mismo tipo de registro vocal que la reina del género Siouxsie Sioux. Parecía que la banda lo tenía todo y que también lo lograría todo; «Imagínate con esa recepción, pensamos que lo habíamos logrado!!!». Señala Ricardo.

El inevitable juego entre expectativas y realidad hizo lo suyo al momento de seguir adelante con el contrato por tres discos que el cuarteto había firmado con Polygram. El periodo pos Gala no fue igualmente alentador para los músicos y su frontwoman, recibiendo notoriamente menos atención y menos apoyo del sello sin obtener mayores explicaciones. La burbuja explotaba, la temperatura bajaba, el efecto demoledor de ser parte de una discográfica hacía sus propios estragos entre los integrantes y su futuro en la música, abriendo espacio para dudas, cuestionamientos y crisis vocacionales. «Éramos una banda con apenas un puñado de actuaciones en vivo y ya estábamos en su foco de atención. Todo realmente prometedor, pero las dilaciones para la nueva grabación y la poca difusión del material, comenzó a sacudir las convicciones y los intereses, no en sentido económico, pero si en lo que concierne al rumbo a tomar dentro del grupo. José Wyszogrod nuestro tecladista, tenía otro futuro pensado para él fuera de la música y se fue a vivir a Japón donde hoy es un exitoso empresario. Su hermano Ivan, lo reemplazo y de a poco nos fuimos desilusionando y alejándonos del objetivo primario, que era estrictamente artístico. Wanda, prefirió seguir otros rumbos y Fabían y yo, nos quedamos solos, pero con nuestra música». Nos relata reflexivamente el bajista.

Tras su disolución, Euroshima dejó una valiosa referencia de dark wave, post punk y sonido gótico que resultó clave para una movida que comenzaba a poblarse en en ese entonces en su ciudad con bandas como Art Noveau, La sobrecarga Fricción, y al mismo tiempo, para toda una movida subterránea ubicada en distintos puntos del continente. Recordados desde entonces como la banda pionera del sonido en toda Latinoamericana y en su condición de banda oculta con canciones que quedaron en la memoria auditiva de sus descubridores como Sonrisas fabricadas, Silencio entre nosotros y Esfumados sueños, tras décadas de silencio, abruptamente a principios del siglo XXI la banda perdió a Wanda, Silvia Rodríguez, vocalista original que dio carácter e identidad al sonido de Euroshima con una poderosa y deslumbrante voz. Pero los años harían que una nueva reformulación tuviera lugar, con dos de sus fundadores junto a China Jade su nueva vocalista, quien hoy llena y supera el vacío de esa recordada voz con una impronta y luz propia, refrescando oportuna y acertadamente la performance de la banda y su rememorado repertorio. «Si te dijéramos que nos toma de sorpresa, que muchas bandas del género nos consideren influencia, seguramente no nos creerías. Si bien en nuestro corazón sentíamos que habíamos hecho una obra digna y sin ningún tipo de concesión, sospechábamos que quizás era simplemente una mirada teñida por nuestro aprecio a lo que habíamos hecho. Todos los aciertos y errores de Gala son absolutamente nuestra responsabilidad y quizás el tiempo se ocupó de darle una importancia mayor a nuestra pretensión liminar. La lealtad de algunos seguidores, que de a poco iban encontrando en Gala alguna palabra que sentían como propias o algún sonido que los llevaba a algún estado particular hicieron el resto, de a uno. Uno por aquí, otro por allá, se fueron sumando». Afirma

En Chile, justamente la prueba más próxima de esa referencia es la declarada fascinación del dúo Diavol Strain para con la música de los argentinos, demostrada hace un tiempo con su versión para el tema Sonrisas fabricadas. «De pronto, una banda chilena, nos solicitaba educadamente permiso para poder incluir Sonrisas Fabricadas en su futura grabación. Evidentemente, alguien había reparado en una canción nuestra grabada hace 30 años y la sintió propia. Por supuesto que escuchamos la versión “fabulosa” de Diavol Strain, visceral y furiosa y claro, nos llena de orgullo que nos tengan en su estima y como si fuera poco, la paseen por el mundo. No tenemos más que palabras de agradecimiento para Diavol Strain, a quienes vamos a tener el gusto de conocer en los próximos días». Nos cuenta

Con los pies en el presente el regreso de los señalados pioneros del dark wave se proyecta con nuevo material que ya comienza a ver la luz en sus redes sociales, y una agenda de fechas en vivo que no se detiene en Buenos Aires,y que también los llevará por capitales latinoamericanas. «El presente de Euroshima se construye cada día. Gala es nuestra carta de presentación y orgullosos de ella, pero por supuesto hay nuevos ruidos en nuestras cabezas y el tiempo que no se detiene, note permite el descanso. En lo inmediato, continuar tocando en Buenos Aires, en todos los espacios donde seamos recibidos. En septiembre próximo estaremos en Lima, con la intención de seguir hasta México y se manejan algunas otras opciones que esperamos se puedan concretar. Tenemos nuevo material esperando ver la luz. “Escapando” y “Flores de Muérdago” son dos de los temas que van a ser parte del set que vamos a tocar el sábado próximo en Santiago y algunos que no formaron parte de Gala. ¿Disco nuevo? si bien no tiene fecha concreta, es nuestro objetivo primordial», enfatiza el músico argentino.

Euroshima está de vuelta sin nada que reivindicar, simplemente para seguir contando esa historia sombría y vertiginosa que los convirtió en una bien guardada joya de su tiempo, más no subvalorada. Tal como responden a esa odiosa pregunta «No nos sentimos en lo absoluto subvalorados. Somos hijos de un momento artístico especial, donde los músicos poco virtuosos pero sensibles, sentían que podían tocar, que podía crear. Muchos mejores han tenido peor fortuna y otros tuvieron, con menos, mayor éxito, si es que podemos medirlo con un parámetro general. Por supuesto que nos hubiera gustado saber que hubiera sido de Euroshima en otras condiciones, pero así fue y hoy solo tenemos alegría por este presente», cierra el fundador de Euroshima, Ricardo Parrabere.

 

 

DIAMANDA GALÁS: UNA DISCOGRAFÍA RECUPERADA

DIAMANDA GALÁS: UNA DISCOGRAFÍA RECUPERADA

Dueña de una asombrosa e inclasificable obra musical, la compositora estadounidense de origen griego Diamanda Galás, continúa reeditando las primeras piezas de su catálogo, recuperando una discografía que por años estuvo fuera de circulación.

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Todo comenzó en 2019 al finalizar el contrato que la mantuvo unida durante décadas a Mute Records, una despedida que a su vez desencadenó en la búsqueda y recuperación de sus primeros discos editados por el sello de Henry Kaiser y Larry Ochs, Metalanguage. Fue entonces cuando la compositora estadounidense de origen griego, Diamanda Galás, inició su cruzada por reditar, distribuir y monetizar su extenso catálogo discográfico compuesto por más de quince discos de estudio, y al menos, dos discos en vivo, todo eso bajo su propia plataforma fonográfica Intravenal Sound Operations, trayendo de vuelta una discografía que por años estuvo desaparecida.

Tras recuperar el control total sobre su obra, la compositora inició el proceso de reeditar esos primeros trabajos hasta entonces descatalogados, varios de ellos convertidos en rebuscadas joyas del avant garde y la música experimental de nuestro tiempo. La primera de las reediciones sería su aplaudido debut como solista, publicado originalmente en 1982 por Y Records, “The Litanies Of Satan”, trabajo que la puso en el mapa de la música de vanguardia, con un disco señalado como pieza esencial y controversial donde se revelan sus desarrolladas contorsiones vocales y eximia interpretación de concertista en piano, atributos que destacaron con evidencia en el track “Women with Steak Knives”, y en la brillante e impredecible adaptación-musicalización del poema de Charles Baudelaire “Les Fleurs du Mal”, titulada como el disco.

Con estas referencias la esperada reedición llegó remasterizada a cargo de la destacada ingeniera en sonido de nacionalidad egipcia y especializada en remasterización Heba Kadry, reconocida por su labor con Bjork, Slowdive, y The Mars Volta entre otros, y cuyo trabajo fue realizado directamente sobre la grabación original, proporcionándole un segundo aliento sin perder las características obtenidas en ese histórico registro que para suerte nuestra ahora es posible encontrar en formato CD, LP, y digital.

​Pero el trabajo de reedición recién comenzaba, y la siguiente pieza por recuperar y devolver a circulación sería su segundo y homónimo álbum Diamanda Galás, editado en 1984 por Metalanguage, disco también conocido como Panoptikon gracias a la monumental y más que escalofriante composición que ocupa todo el lado A, inspirada en el asesino serial Jack Henry Abbott, y su libro autobiográfico de 1981 titulado «En el vientre de la bestia», donde narró su experiencia en la cárcel, la cual sirvió como material para la música y la interpretación de Galás, reforzando las perturbadoras e incómodas visiones que la compositora expone sobre la oscuridad humana representada a través de los elementos del el paganismo, el ocultismo, la muerte, la religión, o la locura. En su lado B, el viaje continúa por las tenebrosas y asfixiantes catacumbas de la violencia y el totalitarismo con el tema ‘Song from the blood of those murdered’, dedicada a los presos políticos torturados y ejecutados durante la junta militar griega de 196 y 1974.  Por largo tiempo, el disco se mantuvo descatalogado, y su tiraje de aquel entonces, con los años agotado, comenzó a convertirse en objeto de colección y reventa, prácticamente imposible de encontrar, dejando escondido momentos de valioso y significativo atavismo artístico para la obra completa de la compositora. El disco hoy reaparece siguiendo la fórmula ya aplicada junto a Kadry, y la restitución de la portada original descartada en su momento, que recupera la fotografía de TJ Eng en blanco y negro, haciendo realidad un viejo deseo de la artista, encargada de supervisar todo el trabajo de arte para la reedición.

Para este 2022 la recuperación del catálogo Galás continúa con la ya anunciada aparición, el próximo 10 de junio, de su tercer disco, el primero con Mute Records, “The Divine Punishment” de 1986, disco que abrió la inquietante y cruda trilogía de la sangre y la muerte “Masque Of The Red Death”, en alusión directa a la epidemia del SIDA que por esos días en medio del desconocimiento, el prejuicio y la discriminación, arrasaba millones de vidas, incluyendo la de su propio hermano, suceso doloroso vivido en carne propia que impulsó a la compositora a abordar la descarnada realidad de las personas infectadas por el virus, una vez más conceptualizando y representando los demonios y la tragedia griega de la que por ese entonces era vista como una enfermedad maldita.

SISTEMA CRIMINAL : DERRUMBANDO DEFENSAS PRESENTA NUEVO DISCO

SISTEMA CRIMINAL : DERRUMBANDO DEFENSAS PRESENTA NUEVO DISCO

 

 

El cuarteto temuquense acaba de liberar en las plataformas digitales su cuarto disco titulado «Sistema criminal», un nuevo manifiesto de furia y descontento subliminado bajo los códigos sonoros del hardcore metal. El disco será presentado el 9 de abril en Santiago y el 15 del mismo mes en Temuco.

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Corría el año 2019 cuando la revuelta social del 18 de octubre sacudió la vida de todo el territorio, impregnando de demandas sociales y anhelos de justicia el sentir popular y la realidad cotidiana.  Fue por esos días cuando comenzaron a brotar las primeras composiciones que formarían parte de Sistema Criminal, el cuarto disco de Derrumbando Defensas, quienes además se preparaban para celebrar sus diez años de trayectoria. Pero los acontecimientos cambiaron el rumbo de las cosas, suspendiendo fechas y grabaciones. Más tarde, la inesperada crisis sanitaria y la pandemia provocarían un nuevo vuelco en los planes de la banda. Así transcurrieron tres años para que su ansiado nuevo álbum finalmente estuviera listo.

Ya en 2022, el nuevo año se abrió con una reactivación total para el cuarteto, anunciando la salida de su ansiado trabajo y con él fechas en vivo en Temuco y Santiago. Así el pasado primero de abril, Sistema Criminal,  fue estrenado en todas las plataformas digitales y próximamente en formato vinilo.

Adelantado por el single «Latinoamérica», estrenado a finales de 2021 con la colaboración de Carlos Elio de la banda chilena Dezaztre Natural, la voz de July Salazar de la banda feminista peruana Tomar Control, Yesid González de la banda colombiana En contra de todo, Juan Francisco García de la banda Custodia de Ecuador, y el amigo de la banda Clayton Clemente de Brasil, el track advirtió el perfeccionamiento de los principales elementos que han caracterizado su hardcore metal feminista basado en la vieja escuela del género.  Compuesto por siete tracks de alto calibre donde es posible apreciar mayor elaboración en solos de guitarras y líneas de bajo e inserción de sintetizadores acertadamente puestos en función de la pesadez y la estridencia, paralelamente la impronta contestataria, el discurso antiespecista continúan estando presentes como en la estremecedora «87 disparos» o «Industria asesina», la violencia machista en «Alza tu voz», o la debacle ambiental en «Devastación», como los grandes temas y mensajes de su lirica, de la cual se desprende la atmósfera apocalíptica que atraviesa todo el disco como su mismo nombre que no da espacio a especulaciones y que ha quedado perfectamente graficado por la ilustradora colombiana Luisa Agudelo, autora de la portada y todo el arte del disco.

Con Sistema Criminal la banda inicia un auspicioso ciclo de nueva música regresando a la actividad en vivo, esperando pronto salir de gira por el continente donde su sonido es cada vez más valorado. Mientras tanto, el flamante y poderoso nuevo disco será presentado este 9 de abril en Santiago, junto a las bandas Gordom, en la comuna de Maipú. Y el próximo 15 de abril, en una jornada sold out, en su original Temuco junto a la banda Antorcha.

CRUZANDO LOS OCÉANOS: Diavol Strâin deja su huella en KEXP

CRUZANDO LOS OCÉANOS: Diavol Strâin deja su huella en KEXP

 

El dúo Diavol Strâin continúa conquistando el underground anglosajón con una gira por Estados Unidos que las llevó a tocar en importantes ciudades musicales como Seattle y New York. La banda coronó su tour con una aclamada presentación en vivo en la histórica estación radial KEXP, convirtiéndose en la primera agrupación proveniente de la escena subterránea dark wave local en dar un show para la emisora y llegar a rotar de forma regular en ella.

Fotos: cortesía KEXP

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Desde la aparición de su primer larga duración “Todo el caos habita aquí” (2018),  Diavol Strâin ha ido marcando a paso firme un camino hasta ahora único en la subterránea escena dark wave local, emprendiendo un periplo autónomo y autodeterminado, fruto de las visiones de sus dos mentoras, la bajista y vocalista Laura Molina y la guitarrista y tecladista Ignacia Bórquez. 

Hijas de un vigoroso y profesionalizado underground que circula sin demora por el mapa global, entendiendo que el circuito local es reducido y la pequeña y tradicional industria chilena opera con evidentes sesgos estilísticos y comerciales que determinan la inversión de esta en un proyecto musical, Diavol Strain se ha alzado, desde sus primeros días en la ciudad de Valparaíso, como una banda con significativa proyección internacional penetrando en la escena del dark wave latinoamericano, europeo y norteamericano, lejos de la mirada de los medios nacionales, editando su disco debut con el sello independiente alemán Young Cold Records, y llegando a presentarse en Alemania, Holanda, Polonia, Perú, Estados Unidos, Canadá Colombia y México, en el marco de reconocidos festivales de la escena dark como Minicave (DE), Near Dark Festival (USA), Return to the Batcave (PL) y en festivales de carácter feministas como The F Word (NL) y FemFest (CL).

El rumbo de la banda ha sido el de todo proyecto que busca desarrollarse profesionalmente manteniendo un espíritu artístico autónomo y en concordancia a las premisas estéticas y sonoras de su propuesta riot dark wave y lesbofeminista militante que, en un ciclo de tan solo cinco años, tiempo suficiente para la velocidad con que corren los días, ha mantenido un ritmo constante, y que a pesar de las dificultades y cancelaciones traídas por la pandemia en 2020, lograron sobrevivir manteniéndose activas publicando nueva música y trabajando arduamente en su segundo disco “Elegía del olvido/ Elegía del horror”, lanzado en noviembre de 2021, en un poderoso show vía streaming realizado en el centro cultural Matucana 100, un espacio que por primera vez abrió sus puertas para la música del dúo.

“Elegía del olvido/ Elegía del horror”, vino con una nueva gira por Estados Unidos, gira que había sido pospuesta en 2020 debido a la cuarentena mundial, ahora reformulada bajo el contexto de la promoción del nuevo material, extendiendo el recorrido a doce grandes ciudades como Nueva York, San Francisco, Los Angeles, San Diego, Portland, Seattle, entre otras. Y dos ciudades colombianas, Medellín y Bogotá. El nuevo periplo transatlántico partiría precisamente en Seattle, aquella ciudad de la lluvia y los ríos, que en los noventa se volvió famosa. Pero los orígenes de este viaje, se remontaban a su anterior visita a la ciudad, en agosto de 2019, momento en que la programadora Jennifer Govola y la banda se cruzaron por primera vez, quedando para siempre en los oídos de la curadora radial encantada por la música y performance del dúo. Govola sin dudarlo, esa misma noche, las invitó a presentarse en la emisora al día siguiente, una invitación que en ese entonces no pudo concretarse por las ajustadas fechas programadas para el tour.

Dos largos años de espera y, una pandemia que aún no acaba, tuvieron que pasar para que esa posibilidad finalmente se concretara. Seattle sería nuevamente el punto de partida de la nueva gira de Diavol Strain, abriendo fuegos nada más ni nada menos que en los estudios de la prestigiosa plataforma radial independiente KEXP, reconocida mundialmente desde los años setentas por su línea editorial especializada en música alternativa y por su carácter de organización cultural sin fines de lucro, de origen universitaria y pública, y cuyas sesiones en vivo transmitidas vía streaming con la llegada de la era digital, han tomado el pulso de la música indie de los últimos quince años con millones de suscriptores alrededor de todo el globo, contando, como siempre, con la presencia de nombres ineludibles como Pixies, Dinosaur Jr, Nada Surf o Mudhoney, entre muchos otros, y al mismo tiempo abriendo la ventana al mundo para bandas como Savages, Arctic Monkeys, Warpaint o Kaelan Mikla en sus primeros días. Espíritu impulsor de nueva música que continuó incluyendo a bandas latinoamericanas, brindándoles una vitrina para su internacionalización y llegada al circuito anglosajón. Si bien Diavol Strain no es la primera banda chilena en presentarse en la KEXP, por ahí pasaron antes, Anita Tijoux, Gepe, Fármacos y Javiera Mena, sí es, la primera banda de sonido dark wave/post punk no comercial proveniente del circuito under, escogida personalmente por su curadora en un encuentro que ya guarda su propia mística.

En los veinticinco minutos exactos que propone el formato de las sesiones KEXP, e interpretando las canciones Éter, Destino Destrucción, ambas de su disco debut, continuando con Nacidas del Fuego y Herz der Niemand, salidas de su segundo álbum, Diavol Strain deslumbra con una performance de contundente atmósfera y prolijidad, ejecutando con precisión y alma el sonido que evoca la niebla espesa y las calles ásperas, construido sobre la pulsión de un bajo grueso y punzante, pistas vertiginosas, y una estilizada guitarra arropada en ajustadas reverberaciones a cargo de Ignacia Bórquez. Una ecuación que se completa de manera distintiva y acabada con la envolvente y avasalladora voz de Laura Molina, que emerge con fuerza y profundidad como las olas del mar en plena tormenta, luciendo un desarrollado estilo y técnica vocal. La banda brilla en la oscuridad de su música, compenetradas con el sonido que emana de ellas, mientras sus figuras parecen fusionarse con el fondo que las acompaña. Las diablas extrañas han tomado control del estudio de la emblemática KEXP. Dejando su huella, la sesión finaliza con un revelador diálogo entre las músicas y la locutora y programadora del espacio Jenn Govola quien luego de indagar en sus experiencias girando y registrando su último disco, y en sus influencias e inspiraciones, cierra afirmando con total convicción “Agradezco la presencia de ustedes en la estación de radio, solo pude verlas una noche en vivo en algún lugar de Seattle, y eso me bastó para saber que debían venir y tocar en KEXP”.

MIRA LA PRESENTACIÓN DIAVOL STRAIN EN KEXP (ENERO 2022) 

LA BANDA SE PRESENTARÁ EN VIVO POR PRIMERA VEZ, TRAS EL TÉRMINO DE SU GIRA POR USA, ESTE DOMINGO 6 DE MARZO, EN MATUCANA 100, A LAS 18:00 HRS, EN EL MARCO DE LA FERIA VINILMAGNÉTICA «MUJERES EN ESCENA» CONMEMORANDO EL 8M. ENTRADA LIBERADA.

 

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KLAMA: REMOVIENDO EL CIRCUITO DE LA MÚSICA EN VIVO

KLAMA: REMOVIENDO EL CIRCUITO DE LA MÚSICA EN VIVO

 

Inaugurado el 13 de enero de 2021 en plena segunda etapa de la pandemia, el bar cultural Klama abrió sus puertas para llegar a convertirse, tras un año de funcionamiento, en un refrescante y coherente espacio pensado y dedicado a la actividad musical en la capital. Música en vivo, ferias discográficas, lanzamientos de libros, revistas, y jornadas culturales son parte de su activa y diversa agenda que busca ser puente entre la producción cultural independiente y sus destinatarios. Precisamente, este fin de semana el bar celebra su primer año de existencia y supervivencia en la era covid con tres fechas en vivo que tendrán por protagonistas a los ya consagrados The Ganjas, a Bruto en formato acústico, y desde Valparaíso a Malamen.

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Enclavado en el corazón del barrio Bellavista, doce meses atrás se abrieron por primera vez las puertas de esta casona que por largas décadas albergó al antiguo Club de Foto y Cine, residencia que se vio interrumpida abruptamente por el Golpe de Estado, convirtiendo a la casona de Santa Filomena 17 en solo una más de las construcciones abandonadas de lo que era el aún residencial sector. Durante las siguientes décadas la vieja pero conservada casona fue adquirida por una de las tantas inmobiliarias que llegaron al prominente barrio bohemio, convirtiéndola en local para restaurantes de todo tipo, pero guardando algunos mitos como aquel que cuenta el hallazgo de unos manuscritos perdidos de Nicanor Parra.

Un nuevo apagón se avecinaba en la historia de esta construcción, la era covid iniciada con una larga cuarentena total en marzo de 2020 dejó nuevamente al espacio sin arrendatarios, y solo varios meses más tarde la apuesta arriesgada de tres gestores culturales, vinculados al circuito del rock underground, logró darle nuevamente vida al lugar. Francisco Yáñez, Christian Spencer y Gustavo Perales, los primeros dos, músicos, integrantes de la banda Bagual, y el tercero, sonidista de la misma, se aventuraron a dar el siguiente paso de lo que ya era una vida dedicada al rock independiente y a la producción de tocatas. Así nació Klama, cuyo nombre se desprende del cancionero de la banda argentina Illya Kuryaki and The Valderramas, titulada “Expedición al Klama hama”, una suerte de alegoría a un espacio imaginario de escape a la realidad, un lugar de libertad, arte, goce y realización. De alguna manera, esas son las premisas de los impulsores tras el proyecto que busca ser puente entre una producción cultural que crece pero que sigue sin encontrar espacio para ser descubierta. Hay un volumen de cultura circulando al cual la gente no logra tener acceso por falta de espacios, la actividad cultural en Chile no es tan grande, pero nosotros creemos que el problema radica en ese acceso a la oferta. Hay un cantidad importante de sellos independientes trabajando seriamente, pero poca gente consume esos catálogos, y no tiene que ver con que la oferta sea mala, sino con que la gente no tiene acceso a ella, no tiene como conocerla, y ahí está nuestro rol, no somos un sello, somos un puente, un canal”, enfatiza Francisco Yáñez, administrador de Klama.

De ahí su descriptor “bar cultural”, planteando de entrada la actividad musical como lo que es, cultura, en un país donde muchas veces el rock y la música under siguen estando atrapados en lugares comunes y espacios de poco apoyo y precariedad que no permiten el desarrollo de un circuito profesional y autosustentable que le permita crecer sin ser explotado y succionado. Detectando esos vacíos y necesidades, los tres impulsores de Klama diseñaron una forma de trabajo con los sellos discográficos independientes que estuvieran ejerciendo la gestión cultural, ahí estaban Algo Records, Beat Discos, Bym Records, Bombtrack Distro, y Mescalina Discos,  además de un listado de bandas cercanas, que dieron forma a una línea editorial diferente y amplia. “Lo que hicimos fue traer la cultura de la calle, y contactarnos con los sellos discográficos que estaban haciendo gestión cultural independiente, Algo Records, Bym Records, Bombtrack, Beast discos, Mescalina y bandas de regiones como Malamel o Adelaida de Valpo, y Apocalipsis Desértica del norte. Música independiente de todos los estilos y géneros, lo que está huérfano, las bandas que quedaban fuera de lugares como Loreto”. Nos cuenta Yáñez.

Por su parte Christian Spencer, encargado de comunicaciones y marketing de Klama, recoge su experiencia como gestor de la plataforma Chilean Fuzz, dedicada a producir tocatas y difundir bandas ligadas al sonido fuzz-stoner-psicodélico en la escena local durante años. “Nosotros funcionamos mucho como productora antes de Klama, armando actividades y tocatas, y no solo con la visión de bussiness, sino que tenemos una visión de la música como arte y cultura para fomentar, y con los conocimientos técnicos necesarios para hacerlo, y eso lo hemos ido aprendiendo en el camino. En pocas palabras somos una productora que tiene un local. Y eso ha sido un aprendizaje importante para mantener una línea editorial diversa, porque venimos más del rock, y hemos tenido la obligación de meternos en otros géneros, conocer rap, pop, jazz, tropical, etc, etc”, relata Spencer.

Un año ha pasado desde que el bar cultural Klama abrió fuegos, un trece de enero de 2021 con la presentación de Omar Acosta, vocalista y guitarrista de BBS Paranoicos y Bonzo, en formato acústico. Desde entonces se realizaron 24 fechas mensuales, más de ciento cincuenta shows anuales, sin olvidar la pausa de la cuarentena, y poco más de ocho mil quinientas personas visitaron el lugar, cifras que para este 2022 buscan superar. Por su escenario de iluminación tenue y púrpura han pasado bandas y solistas como Yajaira, Alectrofobia, América Paz, Luta Cruz, Voodoo Zombie, Jiminelson, Anarkía Tropikal, Huérfanos Salvajes, Icarus, Wild Parade, Perrosky, Aramea, Entrópica, Adelaida, Slowkiss, Casanova, y muchas más. Pero más allá de las estadísticas, la apertura del espacio suscitó desafíos para sus gestores, para las bandas y también para la audiencia, desde la instauración de normas básicas y dignas para un show en vivo que incluyen ficha técnica como exigencia mínima para cada banda, trabajo de iluminación, la consideración de brindar catering y camerinos, implementación de sistema de tickets, y un trato que proporcione el valor de las entradas en exclusiva para lxs musicxs, sin que el local recorte un porcentaje, son parte de una ética de trabajo para profesionalizar en su justa medida el circuito under. “Todo eso es un filtro ligero para quien no se lo tome tan en serio. Para nosotros todos esos temas son importantes, durante mucho tiempo la iluminación nunca fue algo considerado en los espacios de música, muchas veces tocamos en lugares que no le prestaban atención a eso y muchas veces las bandas eran las que se preocupaban de llevar sus luces, si es que, lo normal es que tampoco lleven porque requiere su presupuesto y conocimiento señala Spencer. “También tiene que ver con el desarrollo del espacio y qué herramientas tienen las bandas para desarrollarse si no se les paga nada y solo se les hace un canje de chelas con suerte luego de tocar” reflexiona Yañez.

Por el momento, la supervivencia ha triunfado, la era covid cerró lugares y mantuvo a otros a media máquina y cautelosos de regresar a los shows en vivo, pero también estimuló a los más testarudos a empezar cuando más se necesitaban espacios para reactivar al golpeado circuito musical y a sus actorxs, así nació el joven Klama, bar cultural, sin prisa, un aire fresco a un pequeño circuito de bares para música en vivo, con todas sus letras y con prioridad. “Llegamos a hacerlo en medio de la pandemia, cuando todos los locales estaban cerrados, los aforos limitaban todo y no sabían cómo reformularse, nosotros decidimos abrir” repasa Christian Spencer. “Fue loco aparecer en un momento así con un lugar nuevo para tocatas, en medio de la pandemia, crisis, incertidumbre y con todo en contra, las lucas, los papeles, la muni, pero testarudamente lo logramos, aprendimos harto, pasamos ya un año completo, la segunda cuarenta fue difícil, pero sobrevivimos, había corazón, amor y convicción y así seguimos” sentencia Francisco Yañez.

Klama festeja su primer año de existencia este 13, 14 y 15 de enero con tres fechas cargadas de significado, este jueves con The Ganjas banda de la casa y una de las más emblemáticas de Algo Records. Ese mismo día, en el escenario interior se lucirán las rimas del rapero Radikal. El viernes con el set acústico de Bruto, y el sábado desde Valparaíso, Malamen, una de las primeras bandas no capitalinas que se presentaron en su escenario.

DADALÚ: “Me gustaría no estar cantando sobre el legado de Pinochet”.

DADALÚ: “Me gustaría no estar cantando sobre el legado de Pinochet”.

 

Dadalú acaba de estrenar en plataformas digitales “Pinoshit” una incisiva canción que llega ad portas de las elecciones presidenciales más complejas de las últimas décadas. Conversamos con la música sobre la contingencia y este último lanzamiento.

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No es casualidad que Daniela Saldías, la inquieta y despierta artista underground, Dadalú, esté echando a correr por estos días su canción titulada Pinoshit, una rápida y alusiva unión de palabras cuyo sentido inequívoco nos viene a recordar con énfasis la vigencia del legado político y económico de la Dictadura pinochetista instalada en Chile por 17 años tras el golpe de Estado de 1973. 

“¿Cómo puede ser que siga el legado de Pinoshit?” se pregunta y, nos pregunta, una y otra vez la música multimedial, increpando el estado de las cosas en el Chile del 2021 cuyo escenario inmediato son las elecciones presidenciales disputadas entre la centro izquierda representada por la coalición Apruebo Dignidad liderada por el candidato Gabriel Boric, y al otro lado el fascismo ultra derechista y conservador del Frente Social Cristiano representado por el candidato José Antonio Kast. La canción estrenada el 17 de diciembre, llega como una suerte de ayuda de memoria para los amnésicos y una advertencia para los despistados que no logran visualizar las distintas formas en que el neoliberalismo instaurado durante la Dictadura, es a día de hoy, el origen y el sustento de las desigualdades sociales en Chile. “Me parecía necesario hacerla circular antes de las elecciones, sobre todo ahora cuando hay un candidato que reivindica al pinochetismo, a la dictadura y que representa a una ultraderecha ultraconservadora. Y lamentablemente siento que la canción nunca ha dejado de ser contingente. Hay gente que todavía no sabe dónde están sus familiares, dónde está la empatía?”. Señala Dadalú.

Compuesta para el 11 de septiembre de 2020, en plena pandemia y en una nueva conmemoración del Golpe de Estado, desde entonces la canción ha formado parte del repertorio de la música y productora, y ha sido tocada en lugares tan simbólicos como El Museo de la Memoria y en las ruinas del Cine Arte Alameda, evocando de alguna forma, el escenario social, político y económico del Chile actual, como también los estragos del neoliberalismo en el ámbito de la cultura y las artes y su permanente precarización. “El neoliberalismo ha profundizado las desigualdades ya que mercantiliza la educación al convertirla en un negocio, hay muchos colegios donde la educación que se les está entregando a los niños es muy carente, hay gente que está muy dejada de lado que solo importan para las elecciones y para los votos. Todo eso me inquieta y me molesta porque frena un desarrollo para el bien común, para la música y el arte, donde la educación es primordial y cuando la educación es un bien de mercado no se estimula el pensamiento crítico ni la creatividad. Todo gira en torno al mercado, que siempre ha existido y no va a dejar de existir pero no es la única forma. Y cualquier cosa dominada por el mercado demanda inmediatez, que sea exitoso rápidamente y luego se olvide, el arte no funciona así. Cuando toqué esta canción en las ruinas del Cine Arte Alameda y en el Museo de la Memoria fue lindo pero creo que no le tomé tanto el simbolismo como ahora en esta elección donde nos enfrentamos a la amenaza de un reivindicador de Pinochet después de tantos años, con su legado encima y sin el coraje de dejarlo atrás. El entramado social que dejó en todo como en la constitución, los empresarios tras el poder, los chicago boys y todo eso, está presente en todos lados, es un poco triste, me gustaría que no existiera, me gustaría no estar cantando sobre el legado de Pinochet” afirma la música.

Con Dadalú no hay espacio para metáforas o entrelíneas, sus versos y rimas son directos, ágiles y lúcidos, pero por sobre todo, son capaces de sintetizar todo lo que se esconde dentro de lo cotidiano, dentro de los actos inertes y la micropolítica presente en ellos hasta llegar a la memoria histórica cuando canta “Aún no dicen dónde están / Torturas horribles que hablan / Heridas que nunca sanan / Católicos son de satán / Te dices patriota y no entiendo / Los que apoyas nos siguen vendiendo / Venden hasta el agua es horrendo / Nuestra rabia suena como estruendo / Cómo puede ser que siga el legado de Pinochet?”. Y su reflexión es incisiva y urgente, insistiendo en una simple e inquietante pregunta cuya respuesta puede ser desoladora, aún así Dadalú no ha evitado formularla e  instalarla dentro de su música y de sus plataformas, porque la pregunta persigue y persiste sobre todo este domingo cuando ella misma, quien actualmente atraviesa su primer embarazo, manifiesta la profunda preocupación que le provoca como mujer y artista contracorriente la posibilidad de un gobierno de ultraderecha.Me preocupa el retroceso con estas mentes conservadoras, hay hartas cosas de Boric que no me convencen, pero al menos es joven y tiene un proyecto que busca cosas nuevas, Kast es la continuación de Piñera y del pinochetismo donde la cultura, las artes y la educación no tienen lugar y son reemplazadas por la iglesia evangélica y esa es su cultura. En el campo no hay otros lugares de encuentro que no sean las iglesias evangélicas y así las ideologías conservadoras van capturando gente, combinando la mala educación, con las iglesias evangélicas y con los narcos vendiendo pasta a los niños. Siento que si sale alguien como Kast eso se va a profundizar y  sería un retroceso para nosotras las mujeres, para nuestros derechos, para la discusión del aborto, para los niños y para la educación”. sentencia Dadalú.

CRÍTICA MUSICAL HECHA POR MUJERES: UNA HISTORIA POR REVELAR.

CRÍTICA MUSICAL HECHA POR MUJERES: UNA HISTORIA POR REVELAR.

 

El 10 de agosto se dio inicio al curso “Historia de la crítica musical femenina”, a cargo de la periodista y musicóloga chilena Nayive Ananías, en la Universidad Nacional de las Artes, en Buenos Aires, una instancia sin precedentes que busca estudiar y reconocer el trabajo de destacadas mujeres que ejercieron la crítica musical a principios del siglo XX.

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Hablar de crítica musical, en el panorama local, se ha vuelto una intrincada tarea donde el concepto y el ejercicio de ésta camina por las esferas exclusivamente académicas sin cruzarse con el ejercicio periodístico dedicado a la música. Si bien, ambas prácticas son concebidas desde diferentes ámbitos y haceres, resulta peculiar y, al mismo tiempo, inquietante observar cómo la producción del periodismo musical en Chile se ha mantenido, muchas veces, en lo meramente informativo, interpretativo y, en el peor de los casos, en la opinología.

 

Si hablar de crítica musical tanto en sus definiciones y ejercicio, suscita debate y desconocimiento, esto aumenta aún más al hablar de crítica musical femenina como una fracción dentro de la misma, en donde las mujeres tuvieron y siguen teniendo un reducido campo de acción y visibilidad, y donde, probablemente, la figura de “la mujer crítica musical», tanto en el pasado como en el presente, aún no encuentra el lugar de reconocimiento e influencia que su homónimo masculino. Precisamente, esta fue la principal inquietud y problemática que la periodista, musicóloga y Doctora en Artes, Nayive Ananías decidió abordar en el curso “Historia de la crítica musical femenina”, recientemente iniciado en la Universidad Nacional de las Artes, UNA, en Buenos Aires. Curso que comenzó a impartir de manera remota este 10 de agosto, marcando un precedente y abriendo una instancia, hasta ahora, única dentro de la academia, a nivel latinoamericano, con un programa que se hace cargo de poner en valor la labor de distintas mujeres que se dedicaron a la crítica musical en el mundo a lo largo del siglo XX. La crítica musical ejercida por mujeres en la primera mitad del siglo XX, es hasta el día de hoy un tópico relegado en discusiones sociales y académicas, y lamentablemente, el estudio de la crítica musical ejercida por mujeres, en cualquier latitud, sea anglosajona o acá en Latinoamérica, es algo que ha quedado en el olvido. Y este curso ha nacido como una forma de divulgar mi tesis doctoral que acabo de terminar y que desarrollé en la Universidad Católica, acá en Chile, donde precisamente abordé la crítica musical femenina en la primera mitad del siglo XX en Brasil, para lo cual tuve que leer mucho material de crítica musical hegemónica, es decir hecha por hombres, y crítica musical anglosajona ejercida por mujeres para llegar a la especificidad de Brasil”. Nos cuenta Nayive Ananías, académica a cargo del curso.

Pero la crítica musical ha transitado por caminos veleidosos, primero como hermana menor de la crítica cultural, y luego como la faceta más quisquillosa o elitista del periodismo musical cuando extendió su ejercicio y presencia hacia los medios de información. Sin embargo, históricamente, desde siglos pasados, ha sido ejercida por voces y plumas cultivadas en áreas ajenas al periodismo, y principalmente surgidas desde espacios de formación musical teórica como el conservatorio. De esta forma la definición y ejercicio de la crítica musical ha estado en estricto rigor vinculada a la música clásica/docta, y desde la musicología o la etnomusicología al folclor o músicas tradicionales. En este punto Nayive Ananías explica “Primero hay que distinguir entre periodismo musical y crítica musical. Por lo general, se suele denostar al periodismo musical como algo que puede ser ejercido por cualquier persona interesada en la música. Lo que puede ser como también puede no ser. La crítica musical se entiende como un producto de la crítica cultural, y es la que se preocupa de los fenómenos musicales, ya sea la interpretación, la melodía, la letra, o la performance. Y la diferencia radica en quienes tienen la potestad para ejercer y en su idoneidad. quienes pueden hacer son personas que estudiaron formalmente música, es decir acudieron a conservatorio, desarrollaron trayectorias de concertistas y compositores por lo tanto tener conocimiento de teoría musical tendrían la propiedad para opinar de música. Y por lo que he indagado hasta ahora, tanto en críticas mujeres y hombres, y la crítica musical posee juicio de valor no solo se limita a describir, y su argumentación es lo que sobresale en una crítica en una revista”.

Estas definiciones y precisiones del concepto y de su praxis resultan vitales como punto de partida para comprender el desarrollo y sesgos que ha tenido dicha labor a lo largo del tiempo, y sobre todo, para poder abordar en cómo ésta, al igual que el resto de la sociedad, se vio permeada por las desigualdades como por las reivindicaciones de género en diferentes momentos. Si ya podemos inferir un sesgo de clase, un sesgo de estilo, por consiguiente, y de manera persistente, en la crítica musical también ha existido y sigue existiendo un sesgo de género que ha relegado, omitido y, finalmente, limitado la participación y validación de mujeres en el rol de la alta crítica musical, tanto en su lugar de origen, la música de conservatorio, como también en la música popular. Nayive Ananías nos interioriza al respecto “Es lo mismo que ocurre cuando se habla de literatura femenina o escritura femenina en la crítica literaria. Al menos para mí, la crítica musical femenina, es una crítica musical ejercida por mujeres, y no necesariamente una crítica destinada a mujeres como solía entenderse en el ámbito de la literatura a la escritura de mujeres para mujeres. En mi caso, mi trabajo se sustenta en mujeres que escriben de música, centrada específicamente en la crítica musical, y no escritura de música ejercida por mujeres, ya que si hablamos de mujeres que escriben de música, encontramos un centenar de periodistas musicales, redactoras, entrevistadoras, cronistas, corresponsales. Pero críticas validadas por sus opiniones y conocimientos, que tengan una sección firmada por ellas y que si levantan el pulgar se alaba o se detesta, en Brasil, que fue el foco de mi investigación, fueron muy pocas, solo existieron cinco. Ese fenómeno se repite en Argentina, Chile, Estados Unidos o Inglaterra”.

Con estos antecedentes Ananías trazó un trabajo investigativo en el que se dedicó a indagar en los universos intelectuales, sociales e íntimos de las mujeres que se atrevieron a ejercer, en las primeras décadas del siglo XX, la exigente, elevada y reservada tarea de la crítica musical, armando una historiografía con nombres como Lúcia Branco de Brasil, Maria Szeliga de Polonia, Nora Douglas Holt de Estados Unidos, o Marion Scott de Inglaterra. Singularizando a cada una de ellas, y a su escritura en torno a la música (clásica, popular o folklórica), poniendo en perspectiva su condición de disidentes en un entorno reglamentado por hombres, donde además, muchas de ellas provenían del ámbito musical como intérpretes pero que de un  momento a otro se vieron impulsadas de manera urgente a ocupar, a través de la escritura y de la crítica fundamentada, la esfera pública que aún se les negaba. Así, uno de los ejes centrales del curso es también la escritura de estas mujeres y cómo la escritura se convirtió en la forma de tomar lugar en la sociedad. “Escribir música no es lo mismo que criticar música. Entonces cuando hablo de crítica musical femenina me refiero mujeres que ejercieron crítica musical y todo lo que implicó que una mujer criticara música en la primera mitad del siglo XX, en la latitud que fuese, y qué conllevaba eso, además de tener estudios formales. Y cómo se insertaron en un mundo absolutamente masculino, androcéntrico y patriarcal. Cómo se defendieron en ese mundo y cómo los discursos periodísticos de ellas amonestaron a sus colegas hombres, porque eso pasaba”. Señala la periodista y musicóloga.

El caso de Nora Douglas Holt, rescatado por Ananías a lo largo de toda su investigación, parece repetirse en la propia historia de cada mujer que tuvo que abrirse paso en un mundo de supremacía masculina donde las mujeres no eran consideradas sujetos de derecho y ni pensarlo de opinión. En los inicios de su carrera como crítica musical para el Chicago Defender, sus columnas que firmaba con el seudónimo de Lena James Douglas, aparecieron, primero, en “La página de la Mujer” y su primer artículo se tituló “Cultivando conciertos sinfónicos”. En 1918 se convirtió en la primera afroamericana en culminar una Maestría en Música. Además de su labor en el Chicago Defender, entre 1921 y 1922 editó una publicación mensual: Music and Poetry. Divulgó crónicas sobre aclamados músicos afroamericanos, como Roland Hayes, Helen Eugenia Hagan y Louis Victor Saar, inculcando el valor de proporcionar evaluaciones competentes de los artistas que actuaban en Chicago con el fin de fomentar la conciencia pública sobre la música clásica.  

En la historia reciente de la crítica musical femenina aportes como los de Ellen Willis durante la década de los 60s, forman parte de la bibliografía del curso y resultan vitales para poder situar la figura de la mujer que ejerció la crítica musical en la segunda mitad del siglo XX, en lo que a música popular y, particularmente, a la eclosión del rock and roll como contracultura, compete. Al situarnos en el siglo XXI, el nombre de Jessica Hopper, ex editora de Pitchfork,  surge inmediatamente al hablar de crítica musical hecha por mujeres vivas, y su libro del mismo nombre, aún sin traducción al español «The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic», es un valioso compendio de textos que pueden servir como referentes para ejercer una crítica de rock y pop desde lo no masculino, pero sobre todo como una forma de poner en valor el trabajo de mujeres críticas musicales en tiempo presente. 

Regresando al panorama local, nuevamente nos encontramos en un terreno aún poco pavimentado, donde la figura de la mujer crítica musical en su estricto rigor, no ha existido y solo ha intentando concebirse de regreso a la democracia en la década de los 90s, en contraste con el caso de Brasil, estudiado por Ananías, lugar en el cual la crítica musical femenina comenzó a gestarse tempranamente en los albores del siglo XX, siendo luego potenciada por la creciente industria fonográfica gracias a la llegada de Odeón en 1906 “Con la llegada de la Odeón las revistas especializadas en música docta que ya existían en el siglo 19, aumentaron significativamente, y tanto Sao Paulo y Río de Janeiro eran epicentro musical mundial donde llegaba música y músicos de todo el mundo, era la puerta de entrada hacia Latinoamérica. En Chile no existen antecedentes que permitan elaborar una historiografía al respecto y solo podemos hablar de la década de los 40’s como un momento en el que comienzan a surgir las primeras publicaciones especializadas en música como la revista ProArte”.  Afirma Ananías.

 

La ausencia de una tradición de crítica musical femenina en Chile parece continuar intacta en el actual escenario donde no existen revistas impresas especializadas en música o medios masivos dedicados a ella, estrechando el campo de posibilidades para desarrollar la actividad que, en pleno siglo XXI, continúa siendo de predominancia masculina. Pero quizás, la otra gran arista sea la falta del ejercicio crítico y la poco inclinación hacia el desarrollo del pensamiento crítico como forma de abordar las artes, y en particular, la música popular en los medios de comunicación. A la siempre presente brecha de género se le suma entonces, una distancia con la elaboración teórica, conceptual, argumentativa, con el juicio de valor, y con la importancia de ejercer una voz desde el conocimiento y desde el estudio del fenómeno o género musical en cuestión, ya sea rock, pop, hip hop, folclor, vanguardia o heavy metal. “Creo que hay muchas periodistas musicales. Y creo que hay algunas críticas musicales. Además, creo que la crítica musical se ha visto mermada por la clausura de muchos medios, por lo que es difícil leer la opinión de una mujer en un medio masivo, pensando en diarios o revistas. Hay mujeres que ejercen la crítica desde medios digitales o podcast. Pero hablar de crítica musical femenina hoy, es un fenómeno bastante complejo. Creo que hay mujeres que escriben de música pero no sé si hay mujeres que critiquen la música, no se trata solo de entrevistar a músicos, sino de tener opinión fundamentada y con base, con juicio de valor y no condescendiente. Y eso, al menos, en Chile no existe. Y sí existió, quedó solapada por la presencia masculina. Creo que las mujeres que sí son críticas musicales en Chile o Latinoamérica deben dar un codazo para tener espacio en los medios, sean periodistas o vengan de otras disciplinas. Es difícil ser crítica musical tanto a inicios del siglo XX como en el siglo XXI”. Cierra la académica.

Nayive Ananías, periodista, musicóloga y Doctora en Artes. Investigadora a cargo del curso «Historia de la crítica musical femenina».

 

El curso certificado Historia de la crítica musical femenina. Trayectos entre el feminismo y la filoginia”, inició su ciclo el 10 de agosto y se extiende hasta el 28 de septiembre, en 8 sesiones, de 17 a 19 hrs, una vez a la semana.    

Aún tiene cupos disponibles y puedes inscribirte directamente en: critica.extension@una.edu.ar

Y revisar su programa completo AQUÍ 

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SONIDO ANÁLOGO: FERIA VINILMAGNÉTICA REGRESA EN SU 13° EDICIÓN

SONIDO ANÁLOGO: FERIA VINILMAGNÉTICA REGRESA EN SU 13° EDICIÓN

Este 15 de agosto regresa la versión 13 de la Feria Vinilmagnética: cassettes y vinilos, al aire libre en Galería Mackenna, en los alrededores de Plaza Dignidad. Jornada que reunirá, una vez más, a sellos, distribuidores, y coleccionistas, junto a la música en vivo de Nader Cabezas y a la música envasada de la Confederación de Pinchadiscos. Conversamos con su gestora Anita Sáez. 

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Realizada por primera vez en 2015, en el extinto hall del incendiado Cine Arte Alameda, Feria Vinilmagnética nació como un espacio para dar cabida a la actividad melómana compulsiva de quienes, a pesar de tecnologías y declives varios, se resisten a abandonar el formato físico para escuchar música y, por sobre todo, de quienes se niegan a dejar de lado la inigualable textura y riqueza del sonido análogo. Pero no solo la melomanía compulsiva es parte de la esencia de la feria, sino también su marcado enfoque de género que comienza con su propia mentora, la productora y gestora cultural Anita Sáez, quien concibe la feria como un espacio que demuestra la presencia de mujeres en la música y su vital rol en ella desde diferente áreas, como por ejemplo, la producción de tocatas, la gestión de sellos discográficos, el periodismo musical o el oficio de Dj.

Desde sus inicios Feria Vinilmagnética ha reunido a diversos expositores dedicados a la edición, fabricación, distribución y coleccionismo de música en formato vinilo y cassette, dando forma a una variada muestra fonográfica en la que se pueden encontrar y recobrar joyas perdidas entre los cassettes y vinilos de época, como también entre las nuevas ediciones o reediciones de discos imprescindibles en toda colección que se precie de tal.

En plena era Spotify la precariedad del formato Mp3 no ha hecho más que devaluar la experiencia auditiva como ha sostenido en reiteradas veces Neil Young , por ejemplo, y el reino del sencillo como principal vía de promoción para los músicos y músicas actuales, ha hecho olvidar a algunos el viejo ritual de escuchar un conjunto de tracks agrupados bajo un concepto o título de principio a fin, abrir un envoltorio, abrir un caja, mirar el arte interior, leer créditos y agradecimientos, o expandir una carátula impresa en cartón o papel. Probablemente, todo eso sea lo que muchas y muchos preferimos al momento de decidirnos el formato físico, además de la significativa diferencia y textura sonora que emana por los parlantes.

De alguna forma, cierta nostalgia de tiempos pasados y épocas formativas alimentan la obsesión por los vinilos, devaluados y desaparecidos por largo tiempo como cuando era habitual encontrarlos por míseros mil pesos en ferias de cachureos o en el imperecedero Persa Bío Bío. Ese pasado de capa caída primero fomentado por la aparición del cassette y luego por la llegada del sonido digital y el CD, contrasta con el presente de un formato vinilo revalorizado y revaluado, e incluso, hiper inflado en precios, donde la fabricación de reediciones con mayor calidad sonora también ha sido un factor que ha propiciado su masividad y revival.  

Algo similar ocurrió y ocurre con el cassette, desaparecido del mercado a fines de los 90s, tras la llegada del compact disc, hoy en día recobrado por buena parte del circuito fonográfico independiente y underground en todo el mundo, donde su fabricación y edición se ha vuelto un objeto de culto, perfeccionándolo como contenedor tanto en diseño y arte, volviéndose poco a poco un formato cada vez más demandado al momento de editar un disco, dando cabida al desarrollo de sellos y distros exclusivamente dedicados al formato tape. 

En este contexto y bajo la premisa “Los formatos claves de décadas pasadas vuelven a ser protagonistas hoy”, la 13ª edición de la Feria Vinilmagnética, reabre en una nueva versión con sus motivaciones originales intactas y con una valiosa historia que seguir potenciando, así nos lo relata Anita Sáez, productora y gestora del espacio “Como algunos saben fui la Productora General del Cine Arte Alameda, los últimos 6 años antes de ser quemado el 27 de diciembre del 2019 y el estímulo era enorme. Así nace la idea de armar algo propio, que me gustaba, porque en mi trabajo programaba y producía para otros. Luego se dio que la programé en el contexto del Festival Inedit y su realizadora en Chile, Javiera Undurraga, me comentó que en Barcelona preparaban el festival como mi Feria, con Djs de vinilos en vivo y un sin fin de artículos relacionados a la música y a estos formatos antiguos, y desde ese momento hice calzar la feria con el festival”. 

Realizada por primera vez hace seis años, con una frecuencia de dos o tres ediciones anualmente, y llevada a cabo por última vez en abril de 2019, el actual escenario pandémico puso en peligro los espacios de encuentro y los espacios para la actividad musical, en este punto Sáez señala “Siguen habiendo pocos lugares para compartir música, también pensando en descentralizar lugares que son más clásicos y para el alcance de todxs, por eso también decidí realizar ésta versión a una cuadra de Plaza Dignidad”.

Con un marcado perfil alternativo y underground, dando cabida a sellos y distros centrados en el punk, el metal, el hardcore, el indie o la música experimental, Feria Vinilmagnética refuerza su propuesta con los habituales expositores locales. “Hemos contado con variados expositores, tengo un caso particular con una amiga que tiene una librería que prepara un catálogo especializado en  música, Esqueleto Libros, que me ha acompañado en todas las versiones. Así también Discos Lou Fai, fabricante de discos de 7 pulgadas en un formato no prensado sino Lathe Cut, que se hace a través de cortes, y que les sacó varios discos a la escena musical más under que es desde donde provengo. Han participado en estos años, sellos y distribuidoras como Buena Basura, Campo Magnético, Vinilos Livica, Polilla Records, Sarri Sarri Distro-Records, CFA sello independiente, Bristol Muziq, Replicante Cintas, MasaPunk, Monophone, los amigos de Disco Intrépido, Cyco Records, entre otros.” Nos cuenta Sáez

Además de los expositores que han participado año a año, djs, venta de artículos para el cuidado de discos, libros y merchandising, entre otros, esta edición contará con música en vivo a cargo de Nader Cabezas, presentando su último Ep titulado “Sin pensarlo bien”, trabajo que incursiona en el sonido soft rock de finales de los ‘80. ¿Cuál es el sentido de resucitar lo viejo para traerlo al tiempo presente? “Voy a lo viejo para encontrar lo nuevo”, dice Cabezas.  Otro de los invitados estelares de la jornada será La Confederación de Pinchadiscos, colectivo de experimentados coleccionistas y melómanos que practican el arte del disco girando y el scratch, siendo los encargados de musicalizar el encuentro con exquisitas selecciones discográficas. 

Continuando en la senda de potenciar el espacio desde su perspectiva como mujer y gestora cultural trabajando en la música, este año la feria ha establecido su primera alianza de Media Partner oficial con Crónica Sonora.cl como una forma de potenciar ambos proyectos, visibilizar la presencia de mujeres en la música y destacar el valor del formato análogo, y la pasión por los vinilos y los cassettes, algo que el medio digital ya venía haciendo.

En cuanto a la evolución de la feria, de sus visitantes y del interés en el coleccionismo, Anita Sáez comenta. “En un momento hubo una explosión de ferias de vinilos, pero tenemos un público fiel, que se ha mantenido en el tiempo, así como también nuevos seguidores más jóvenes que siguen la feria”, cierra.

COORDENADAS: La actividad se realizará al aire libre, en Galería Mackenna, el domingo 15 de agosto, desde las 12  hasta las 19 hrs. Su entrada es gratuita, y para asistir debes usar mascarilla y llevar alcohol gel.

CONVOCATORIA EXPOSITORES: Si editas, distribuyes o coleccionas vinilos y cassettes, puedes inscribirte como expositor. Convocatoria abierta hasta el 08 de agosto en vinilmagnetica@gmail.com ¡No te quedes fuera!

13ª Feria Vinilmagnética: Cassettes y vinilos

Domingo 15 de agosto entre 12:00 y 19:00 hrs. en Galería Mackenna

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Entrada liberada

Fecha: domingo 15 de agosto, entre 12:00 y 19:00 hrs.

Lugar: Galería Mackenna, ubicada en Av. Vicuña Mackenna 38. Providencia, Santiago. Metro Baquedano.

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