DESTACADOS

DOOM ON: BITTERDUSK RETOMA LOS ESCENARIOS CON FECHAS EN SANTIAGO, CONCEPCIÓN Y MÁS.

DOOM ON: BITTERDUSK RETOMA LOS ESCENARIOS CON FECHAS EN SANTIAGO, CONCEPCIÓN Y MÁS.

Tras dos años de pausa con grandes restricciones para la actividad musical en vivo, la banda de doom metal Bitterdusk retorna a los escenarios este mes de septiembre con una serie de importantes fechas recorriendo el circuito doom local en Santiago, Concepción, Temuco, y abriendo el recién anunciado recital de Lucifer en Chile.


Fue en febrero de 2020, en la ciudad de Villarrica, cuando Bitterdusk, una de las bandas más antiguas y señeras del doom metal acuñado en el circuito santiaguino, realizó su última presentación en vivo antes que la pandemia se instalara por tiempo indefinido. Esa misma semana la banda esperaba aterrizar en Uruguay con dos shows confirmados, fechas que quedaron en un largo punto suspensivo. Desde entonces, y como el resto del mundo, la banda ocupó el tiempo en suspensión para trabajar en todo aquello que la agitada actividad en vivo no permitía, y así enfocó sus energías en la preparación y composición, a ritmo propio, de su nuevo disco titulado Guardián del Valle, próximo a ver la luz este 2023.

Con las medidas sanitarias dando tregua y tras casi completar la producción de su cuarto álbum, Bitterdusk regresa al ruedo de las presentaciones en vivo este mes de septiembre con tres importantes fechas que los confirma como una de las bandas primordiales del doom metal surgido en la década de los noventa cuando el género continuaba experimentado sus propias reformulaciones y en Chile la vertiente más extrema y elaborada continuaba desarrollándose con nuevos exponentes.

Con una discografía compuesta por un ep y tres larga duración -Pantheon (1998), Spirits (2002), Santuaria (2006), Árbol Cósmico (2017) – que reflejaron las diferentes etapas de la banda cuyo sonido basado en la oscuridad y la atmósfera se desplazó hacia la base más clásica y heavy rock del doom sin perder las secciones progresivas y lúgubres iniciales, son algunos de los aspectos que este cuarto disco viene a consolidar, tras un dedicado trabajo de estudio en Estudios Audio Custom, con Sebastián Puente (Nuclear) a cargo del registro, y las colaboraciones de distintos músicos y músicas como Eduardo Poblete de Wooden Veins, Johanna Sánchez y Marc Grewe, ex Morgoth. 

Actualmente conformada por sus fundadores Leo y Fabián Alvarado, en bajo-voz, y guitarra respectivamente, Kurt Heyer en batería, y con el apoyo del reconocido Sebastián Puente, guitarrista de la emblemática banda de thrash metal Nuclear, la banda se alista para abrir un nuevo y vital periodo discográfico y sobre los escenarios que comenzará este 17 de septiembre en Santiago, en MiBar junto a los penquistas Condenados. Para luego replicar la dupla el 7 de octubre en Concepción, y posteriormente llegar hasta Temuco el 8 de octubre donde compartirán fecha con Rey Sombra. Pero eso no es todo, la banda tendrá un incendiario y memorable fin de año como encargados de abrir el inesperado y valorado show de la banda europea Lucifer, el 2 de diciembre en Club RBX.

ENTRADAS EN EVENTRID

EN GRANDE: MÁS DE NOVENTA BANDAS SON PARTE DE WOODSTACO 2023

EN GRANDE: MÁS DE NOVENTA BANDAS SON PARTE DE WOODSTACO 2023

95 nombres componen el esperado cartel de Woodstaco Fest 2023, line up donde la presencia de artistas emergentes y consagrados también se condensa con un aumento en la presencia de bandas lideradas por mujeres.

 


Por redacción Crónica Sonora

Fotos lanzamiento por Juan Manuel Aburto


Festival Woodstaco dio a conocer el line up de bandas que formarán parte de su versión 2023, a realizarse el 13, 14 y 15 de enero en el Camping Trapiche San Manuel, en la comuna de Parral, región del Maule. El anuncio se llevó a cabo el pasado el pasado 26 de agosto en bar cultural Klama junto a la presentación en vivo del dúo riot wave Diavol Strain, una de las bandas que encabeza el cartel del escenario rock.

Son casi un centenar los artistas que se presentarán a lo largo de los tres días y dos noches del evento en los cuatro escenarios temáticos: Rock, Enjambre, Blesstaco y Woodstaquitos. Ahí se reunirán sonidos de diversos géneros que abarcan desde el heavy metal, la psicodelia y el blues hasta ritmos latinoamericanos, el folclore y la música electrónica, entre muchos más.

Dentro de las bandas convocadas para la decimotercera versión del festival, se encuentran los consagrados Electrodomésticos, Cler Canifrú, Diavol Strâin, Cómo Asesinar a Felipes, Hielo Negro, MC Millaray, Flor de Guayaba, Tata Barahona, 2X, Derrumbando Defensas, Nano Stern, Fuente De Barro, Carolina Holzapfel Trío, Juanito Ayala, Tambobrass, Los Makana, entre muchos otros. La lista completa se encuentra al final de esta nota.

Junto con anunciar un line up más nutrido de números familiares e infantiles en el escenario Woodstaquitos, donde estará el popular títere rockero de Bullicio Puppets, Jack Distortion; el festival sorprendió con el regreso del espacio de música electrónica, “Woodstaco Psy”. Este tendrá lugar en ambas noches en el escenario Blesstaco, con DJ’s de Psytrance y otras vertientes.

De esta forma y con un aumento de bandas con presencia de mujeres respecto a años anteriores, además de la participación de músicas y músicos de cada región de Chile, la organización de Woodstaco apuntó el interés en progresar en dirección a un line up cada vez más descentralizado, heterogéneo, inclusivo y amplio.

En cuanto a la venta de entradas, la productora informó que la primera preventa finalizará el 7 de octubre, tras lo cual se dará inicio a la segunda etapa. Para más detalles sobre precios, compra y disponibilidad, se puede acceder a www.woodstaco.cl.

El lanzamiento del line up de Woodstaco 2023 contó con la presentación estelar de Diavol Strain con un extenso set list recorriendo sus, hasta ahora, dos larga duración Todo el caos habita aquí y Elegía del olvido. Elegía del horror, en una suerte de adelanto a lo que será su show en el festival como parte del escenario central rock, junto a nombres como Electrodomésticos y Cler Canifrú.


Lanzamiento Woodstaco 2023
THE CAGE: EL REGRESO DISCOGRÁFICO DE BILLY IDOL

THE CAGE: EL REGRESO DISCOGRÁFICO DE BILLY IDOL

Billy Idol anunció el lanzamiento de su próximo EP, «The Cage», que saldrá a la venta el 23 de septiembre, trabajo que formará parte de su show en Chile, este 01 de septiembre en el marco del Roadside Tour 2022.


El nuevo material del legendario cantante le sigue al lanzamiento de The Roadside (2021), que incluía el hit Top 15, Bitter Taste, y que recibió elogios de los fans y de la crítica. En este nuevo trabajo, Idol está acompañado por su colaborador de siempre, el compositor y guitarrista Steve Stevens.

Para celebrar el próximo lanzamiento, Billy Idol estrenó hoy el single Cage, con un videoclip dirigido por Steven Sebring (Patti Smith, Jack White). Al salir de la cuarentena, la gente tenía mucha energía acumulada”, recuerda el coproductor Tommy English (Kacey Musgraves, BØRNS), quien también coescribió tres de los temas del álbum con Idol, Stevens y Joe Janiak (Ellie Goulding, Adam Lambert). «Esa fue la inspiración para Cage. Salir y hacer las cosas que habíamos perdido. Y eso incluye no tener miedo de hacer una canción punk rock estridente. Y no nos preocupamos si encajaba porque simplemente suena muy Billy», agregó.

Este estreno llega semanas antes de su venida a Sudamérica, con paradas confirmadas en Chile, Argentina, Brasil, Perú y Paraguay. Recuerda que el músico se estará presentando por primera y única vez , el 01 de septiembre en Teatro Caupolicán. Consigue tus entradas en PUNTOTICKET

 

RIMAS SUBVERSIVAS: HIP HOP PARA CUESTIONAR LA IDENTIDAD

RIMAS SUBVERSIVAS: HIP HOP PARA CUESTIONAR LA IDENTIDAD

Desde Canadá, las antenas de nuestro Satélite Sonoro detectan a cinco exponentes de hip-hop feminista y anti-racista que cuestionan sin tapujos la identidad de una pacata colonia británica.

Por Manuela Valle desde Canadá.


Suena cliché, pero después de dos años y medio sin poder ir a tocatas, el anuncio de que DijahSBT-Rhyme Snotty Rez Kids tocaban LA MISMA SEMANA en Saskatoon, la ciudad donde vivo en Canadá, era demasiado bueno para ser verdad. Más allá del encierro propio de la pandemia, sentí la necesidad de salir y acabar con el encierro del largo y frío invierno que por estos lados parecía una extensión sin fin de la cuarentena. Con esa sensación encima, esperaba ansiosa la oportunidad de volver a ver y oír música en vivo, y, en particular, la música y las rimas de DijahSB junto a T-Rhyme como su telonera.

T-Rhyme cuyo nombre es Tara Campbell junto a Eekwol, Lindsay Knight, mi otra rapera favorita de Saskatoon, son caras conocidas en esta desconocida y tranquila ciudad canadiense, dos músicas que en 2019 publicaron juntas un disco bajo el título For Women By Women, creando una serie de himnos icónicos como PressureRage y Revitalize.

Actualmente con una sólida carrera como música, activista y académica: Eekwol empezó a rapear a los 16 años, grabó su primer disco en 1998 y en 2005 su disco Apprentice to the Mystery fue reconocido como el mejor álbum Hip Hop/Rap en los Canadian Aboriginal Music Awards.

Por su parte, DijahSB con dos larga duración- 2020 the Album (2020) y Head Above the Waters (2021) – y tres EPs bajo el brazo: Blue (2015), Manic Luxury (2016) y Girls Give Me Anxiety (2020), ha dado forma a una continuada producción discográfica donde elabora y despliega sus principales banderas de lucha que, para su relativamente corta carrera, ya han recibido pleno reconocimiento por su discurso, talento y trabajo cuando en 2020 fue nombrada como una de los 20 músicos de El sonido de Toronto, su segundo disco nominado al prestigioso Premio Polaris en 2021, y su single Frontin’ Like Pharrell al Premio SOCAN Songwriting Prize.

Además de sus obvias cualidades musicales, DijahSB es una persona no-binaria negra de Toronto, y T-Rhyme y Eekwol son mujeres indígenas (Cree o Nehiyaw y Dene, respectivamente) de Saskatoon, y sus potentes voces críticas en el contexto de un pronunciado colonialismo, racismo y heteropatriarcado, son significativamente relevantes en un país como Canadá.

 

El hip-hop es un lenguaje que, si bien se originó en las comunidades urbanas negras de Estados Unidos como resistencia al racismo y la pobreza, ha funcionado como medio de expresión cultural y política para muchos grupos marginados y en Canadá, esta no es la excepción. Detrás de su fachada de país democrático, multicultural y progresista, Canadá esconde una violenta relación entre las instituciones coloniales y los pueblos indígenas, además de una política de constante racismo contra las comunidades afrodescendientes.

En Toronto, un hombre negro tiene 20 veces más probabilidades de morir en un encuentro con la policía en comparación con un hombre blanco. Las mujeres indígenas son el grupo más sobrerrepresentado en las cárceles, llegando a ser un 98% en la provincia de Saskatchewan, donde vivo, donde la población indígena total solo alcanza al 17%. La epidemia de violencia y abandono que ha afectado a las mujeres y personas no-binarias indígenas en Canadá ha tenido proporciones tan graves, que Amnesty International denunció la extensión de este problema en la campaña de 2009 Stolen Sisters.

Los movimientos sociales y activistas venían denunciando el problema por décadas, pero solo recién después de esta exposición internacional, el gobierno pidió informes y reportes que confirmaron que son las instituciones coloniales las que continúan vulnerando los derechos de estas comunidades. Como típica expresión de la hipocresía británica, Canadá se disculpó por sus políticas coloniales genocidas del pasado y nada cambió sustancialmente. Pero el activismo feminista, decolonial y anti-racista, continúa.

Snotty Rez Kids (SRK), que traducido al español y al chileno significa algo así como “cabros arrogantes de la pobla”, es un dúo formado por Darren Young D Metz y Quinton Yung Trybez Nyce, ambos originarios del pueblo Kitamaat, en la Costa Oeste de la Isla Tortuga, nombre indígena del territorio que ocupa Canadá. “Rez” es el equivalente de “la pobla” porque es el diminutivo de reservation o la reserva en castellano, parte fundamental del sistema de segregación racial que existe en Canadá desde que se instauro en 1876 el Indian Act. La reserva es un lugar de pobreza, donde las comunidades viven hacinadas en condiciones sanitarias deplorables, muchas de ellas no tienen regularmente agua potable, las casas se caen a pedazos, hay desechos y basura donde juegan les niñes, no hay seguridad ni soberanía alimentaria, y existen en forma grave todos los problemas psicosociales obvios que resultan de deprivar a una comunidad de sus medios tradicionales de subsistencia. SRK le hace más bien a un hip-hop cercano al trap, con letras al mismo tiempo imaginativas y evocativas de la vida contemporánea urbana y en las reservas, y orgullosamente indígena, lo que se expresa  brillantemente en su tracks Boujie Natives y Long Hair Don’t Care.

Desde su irrupción en 2017 con dos discos, uno homónimo en enero y Average Savage en septiembre, han recibido una seguidilla de reconocimientos, empezando por la nominación al Premio Polaris 2018 por su segundo disco. Aprovechando su popularidad y la plataforma que ésta les provee, han apoyado abiertamente campañas contra el extractivismo: en sus canciones Skoden y The Warriors se refieren al conflicto en Standing Rock y al proyecto TransMountain Pipeline  que transgrede la soberanía de los pueblos Squamish y Secwépemc. Con este currículum se han ganado una comunidad diversa de seguidores y participan de un movimiento estético-político (tanto local como transfronterizo) que reivindica la belleza y riqueza de la culturas indígenas mediante lenguajes contemporáneos, de los que la agrupación EDM The Halluci Nation (Ex A Tribe Called Red) también son parte fundamental.

 

Mi noche de hip hop feminista y anti-racista continuaba, pero para sorpresa mía, no pudimos escapar de la contingencia ni de la permanente pandemia, y la tocata de DijahSB y T-Rhyme se suspendió con ellas contagiadas de Covid. Sin embargo, más tarde, esa misma noche, me dirigí a ver Lex Leosis, y como buena sudaca que aún olvida que las cosas aquí empiezan a la hora, salí tarde pero logré llegar a tiempo para verla romper con todo sobre el escenario, apoyada por DJ Kookum en las bases.

Abiertamente queer y feministaLex Leosis fue parte del supergrupo de hip-hop de Toronto The Sorority junto a otras raperas legendarias como Haviah Mighty. Su performance fue el punto alto de la noche con ese impecable flow que la caracteriza y su potente presencia escénica. Para el final llegaron SRK, energéticos, prendidos y con actitud desbordante transformaron al pequeño lugar de Louis Pub en una fiesta anti-colonial. A esa altura ya me lo había bailado todo con Lex Leosis, y mi energía y capacidad de socializar post-pandemia estaban en 1%, así que decidí irme mientras la fiesta seguía. Y lo hice llena de alegría, con la convicción de que poco a poco, y de forma concreta, con acciones y música, vamos descolonizando y despatriarcalizando al son del rebelde ritmo del hip hop, y, que por suerte, ya no hay vuelta atrás.


Manuela Valle (o Manola) es una Cientista Social Feminista, anticolonial y anticapitalista chilena, que vive en Canadá desde el 2005. Manola fue creadora del fanzine El Mono con Navaja (1993-2000) y cofundadora de la Coordinadora FemFest. En Chile fue miembro de dos bandas que nunca grabaron, Penélope Glamour y Rompehogares; en Canadá ha tocado en Babyfats y Ownersss. Es Doctora en Estudios de Género, Raza, Sexualidad y Justicia Social de la Universidad de British Columbia. Y esta es su primera colaboración escrita para www.cronicasonora.cl, sitio web de periodismo y crítica musical con enfoque género y feminista.

 

LOOPS INQUIETANTES: ALONDRA NOCTVRNA ESTRENA ABISMO CLIMÁTICO

LOOPS INQUIETANTES: ALONDRA NOCTVRNA ESTRENA ABISMO CLIMÁTICO

Alondra Noctvrna presenta el videoclip para Abismo climático, nuevo adelanto que forma parte de su disco 2022 próximo a estrenarse. El track y su clip son una inquietante interpelación al desastre medioambiental.

por Rossana Montalbán


Calificado como uno de los tracks más representativos del sonido y del concepto central de su inminente nuevo disco, sucesor de su EP de 2021 H1jX de la Máquina, la música y artista multimedial Alondra Noctvrna acaba de estrenar el videoclip para Abismo Climático, una inquietante reflexión en torno al desastre ambiental de nuestros días.

Con vertiginosos beats y una asfixiante atmósfera que reflejan el cariz de su temática tan urgente como devastadora, Abismo climático y su videoclip exploran los efectos y consecuencias sociales y emocionales del extractivismo salvaje y la incapacidad de asumir la responsabilidad humana ante desastre medioambiental. El trabajo audiovisual propone una narrativa no lineal inspirada en el surrealismo y una estética onírica post-apocalíptica donde las imágenes de desechos y devastación ambiental se contrastan con la opulencia y la exuberancia de caricaturescos villanos consumidores de plástico y sangre, dando forma a una feroz metáfora.

Con dirección de arte y producción bajo la mano de la propia Alondra Noctvrna la pieza audiovisual refuerza la propuesta sonora que la artista ha venido trabajando desde 2019 recorriendo diversos paisajes sonoros bebiendo de la electrónica oscura, el synth wave o el witch house para abordar conflictos personales, la crítica política y el transhumanismo. Sobre este último trabajo la música señala “quise hacer una representación entre fantasiosa y surrealista  de una realidad que no queremos ver. Me parecía importante la presencia de la basura y el plástico para la creación de la estética. Es una canción y un concepto audiovisual que vengo trabajando desde hace mucho, que me presentó varios retos artísticos y me tomó mucho cariño y dedicación poder concretarlo”.

Rodado en la ciudad de Valparaíso, el videoclip cuenta con la actuación de la artista drag «Furia del Nilo», junto a la danza de Agor Krum y Paula Montenegro, su dirección estuvo a cargo de Parásito, y el vestuario en manos del emprendimiento local de ropa reciclada Cola Loca. Este nuevo track es distribuida y promocionada bajo etiqueta del Sello Leviatán.

THE INTERRUPTERS : TOCANDO LA FIBRA

THE INTERRUPTERS : TOCANDO LA FIBRA

In the wild se titula el nuevo álbum de The Interrupters, del cual ya hemos conocido los singles In The Mirror y Anything Was Better. El disco publicado por los sellos  Hellcat/Epitaph, está compuesto por catorce canciones resume una historia de supervivencia y resiliencia  atravesada por su frontwoman Aimee Interrupter. Junto con este nuevo disco, la banda inicia una gira por Europa, pasando por países como Bélgica, Alemania, Italia.

por Angélica Toro S.


The Interrupters están de vuelta con In The Wild, album que muestra una evolución evidente desde los primeros días en que lanzaban She’s Kerosene en 2018, canción que se convirtió en todo un hit radial en Estados Unidos.

Habiendo trabajado en sus tres discos anteriores con el productor Tim Armstrong de Rancid, a quien, en el pasado, la banda llamó el «quinto interruptor», nuevamente con él comenzaron a trabajar en las nuevas composiciones, incluida la que canta como invitado, pero la  colaboración quedó pausada una vez llegada la pandemia y el encierro, momento en que la banda no tuvo más opción que convertir su sala de ensayo en un estudio y hacer el disco ellos mismos.

El tono del disco lo marcan el periodo atravesado por su líder y vocalista, Aimee Interrupter, quien pasó por una intensa terapia que le permitió enfrentar problemas de salud mental que trató de ignorar durante años, llevándola a escribir las canciones más personales de su carrera. «En nuestra música anterior, muchas de las letras que escribí y muchas de las historias que contaba, las contaba sobre otras personas; rara vez lo hacía en primera persona», relató la música en entrevista con el podcast del medio neoyorquino BrooklynVegan. «En la mayoría de la música de The Interrupters, contaría mi historia pero a través de otras personas, como ‘eso le pasó a ella ‘.’ La canción llamada ‘Easy On You’ era mi historia, pero dije ‘ella’, ‘Jenny Drinks’ se trataba de mí en ese momento, pero dije que se trataba de Jenny, ‘She Got Arrested’ fue algo que experimenté en mi vida, pero Lo hice sobre otra persona. Entonces, este disco sentí que era hora de dejar de esconderme detrás de otras personas y finalmente solo contar mi historia y estoy muy contento de haberlo hecho, porque realmente fue una especie de renacimiento, sacarlo y finalmente revelarme. y ser real con lo que soy».


La frontwoman se refiere a In The Wild como la historia de su vida, y la perspectiva sincera y en primera persona que ofrece a lo largo de este álbum hace que sea la música más impactante que The Interrupters haya escrito jamás. Desde el primer segundo del álbum Anything Was Better te sumerge directamente a la angustia de la ansiedad social («Me sentí invisible, pero todos me miraban fijamente»), y aunque la canción suena como un himno punk edificante, en última instancia, se trata de la necesidad de escapar de su pasado.  Aimee también aborda directa o aparentemente las batallas de salud mental con la ansiedad In The Mirror, la depresión Kiss The Ground y el TOC  en su tercer single conocido como adelanto Jailbird. «Nunca me he sentido completamente mujer», es la línea que confronta la frustración de toda una vida con el binarismo de género y con la expectativa de la sociedad de lo que debería ser una mujer. una balada etérea diferente a cualquier otra cosa que The Interrupters haya compuesto hasta ahora.

Para asegurarse de que las historias de Aimee fueran plasmadas de la manera más fiel posible, The Interrupters también expandió su sonido estilísticamente, dando paso a canciones que pertenecen al territorio ska-punk al estilo de la tercera ola que The Interrupters suele pisar, pero más que cualquiera de sus álbumes anteriores, In The Wild se remonta a los estilos de música que dieron forma al ska de tercera ola en primer lugar. La banda explora más de medio siglo de historia musical, desde las raíces tradicionales del ska jamaicano de Burdens y Love Never Dies y la glamorosa balada de rock & roll de My Heart, hasta el ritmo dubby reggae de Kiss The Ground y la primera ola punk de Jailbird, hasta el renacimiento en 2 Tone de As We Live y Let Em Go, hasta himnos clásicos al estilo de Interrupters como In The Mirror, Raised by Wolves o The Hard Way. Y más que nada, el desafío del género nació de la necesidad de hacer coincidir las letras de Aimee con el telón de fondo musical que mejor capturaba el espíritu que estaba tratando de transmitir.

Para ayudar a The Interrupters a llevar a cabo su visión, hubo algunos invitados clave pertenecientes a varias generaciones de ska. Para As We Live, inspirada en 2 Tone, The Interrupters incorporó no solo al colaborador habitual Tim Armstrong , sino también a la leyenda del influyente y seminal sello, Rhoda Dakar de The Bodysnatchers y The Special. Siguiendo esta línea de evocación a las influencias históricas del estilo que los convoca, Burdens, es un track inspirado en el ska de los años 60, presenta a Greg Lee y Alex Désert de Hepcat, a quienes se refirieron como su banda de ska favorita. El igualmente arraigado Love Never Dies presenta a los grandes revivalistas del reggae punky británico The Skints, con quienes The Interrupters han estado de gira este año.

Mientras The Interrupters continua su viaje por la música ska y punk,  sus canciones siguen siendo fuente de pegadizas melodías y coros como las que los llevaron a la radio en su país natal. Sin duda este nuevo trabajo, va más allá del presente y arroja una luz sobre la historia del ska sin parecer una lección de historia , mientras enciende una luz igual o más importante sobre las realidades de la lucha contra la salud mental y el abuso. «Solo quería que fuera lo mejor que pudiera ser y lo más auténtico que pudiera ser», dice Aimee, «y decir mi verdad, y al decir mi verdad, tener la esperanza de que conectaría con la de otras personas». verdad, o contar mi historia con la esperanza de que otras personas puedan ver su historia dentro de ella».

In The Wild sale este 8 de agosto a través de Epitaph 

 

 

 

DOCUMENTAL SUZI Q : CORRIGIENDO LA HISTORIA

DOCUMENTAL SUZI Q : CORRIGIENDO LA HISTORIA

Suzi Q, es el documental que aborda y reivindica la extensa trayectoria y la influencia ejercida por la pionera compositora que irrumpió en la escena del rock de los setentas.

por Catalina Manríquez


«Suzi Q» es la historia definitiva y no expurgada de la adolescente de la ciudad de Detroit que redefinió el papel y la imagen de las mujeres en el rock and roll cuando se abrió paso en todo el mundo en 1973. Cantante, compositora, bajista, autora, actriz, presentadora de radio y poeta que en pleno 2022 sigue de gira y grabando nueva música.

Dirigido por los cineastas australianos Liam Firmager y Tait Brady, «Suzi Q» es el filme documental que retrata la aparición de una jovencita proveniente de Detroit, y su irrupción en la masculina escena del rock en la década de los setentas, y cómo su trayectoria fue inspiración para toda una generación de mujeres que recuerdan haber sido impactadas con la prueba en carne y hueso de hasta dónde podía llegar una mujer en el rock luego de verla a ella sobre un escenario.

No cabe duda que, hablar de ella, es hablar de una pionera indiscutible cuyo recuerdo para la mayoría pareciera haber quedado atrapada en su aspecto de prometedora estrella juvenil de los setentas. Pero su historia es la historia de la primera mujer al frente de una banda de rock, en voz y bajo eléctrico; la primera en componer sus propias canciones y en tener un hit internacional, en pleno año 1973.

El documental se encarga de presentar a la música como la pionera e inspiración para toda una generación de mujeres que la seguirían en la próxima década, pero cuyo estado pionero no fue suficientemente reconocido por la industria de la música y el público contemporáneo, especialmente en América del Norte. «Suzi Q» recuerda al público contemporáneo su influencia pionera, su talento candente y una serie de éxitos de rock incandescentes como «Can The Can«, «48 Crash» y «Daytona Demon» que fueron el vehículo para su explosión de estereotipos de género en rock n’ roll, reescribiendo el libro de reglas para la imagen esperada de mujeres en la música rock y llegando a millones de personas en todo el mundo en el proceso.

Sobre la aproximación a la música, Brady, uno de sus directores comenta lo siguiente «Poco a poco se nos ocurrió, durante los más de cuatro años que tardaron en hacer la película, la idea de que el estado de Suzi había sido olvidado en los EE. UU. porque en el resto del mundo todos saben que ella es la primera y una de las más importantes pioneros en el rock ‘n’ roll. Eso influyó en la dirección que tomó la película: se convirtió en nuestra misión corregir la historia. Llegar la película al público estadounidense se convirtió en nuestro objetivo principal, por lo que Liam y yo estamos encantados de que Utopía se lo esté tomando en serio en los EE. UU. En el Reino Unido, Europa y Australia, la película es una celebración: para Norteamérica, la película debería reproducirse como una historia de redescubrimiento», concluye el cineasta.

El registro cuenta entrevistas a la misma Suzi Quatro, a Alice Cooper, Deborah Harry (Blondie), Joan Jett, Cherie Currie (The Runaways), Tina Weymouth (Talking Heads), Donita Sparks (L7), Henry Winkler («Happy Days»), Kathy Valentine (The Go-Go’s), KT Tunstall, miembros de la familia Quatro y muchos más.

 

MIRA EL DOCUMENTAL AQUÍ

BAJANDO A LA TIERRA : NICK CAVE Y WARREN ELLIS DOCUMENTAL

BAJANDO A LA TIERRA : NICK CAVE Y WARREN ELLIS DOCUMENTAL

This Much I Know to Be True es el documental dirigido por Andrew Dominik, recientemente estrenado en la plataforma de streaming, MUBI, que retrata la cohesión creativa y performativa de Nick Cave y Warren Ellis.

Por redacción Crónica Sonora


 

Nick Cave protagoniza una nueva entrega audiovisual, esta vez, compartiendo la pantalla con su compañero de banda Warren Ellis, en el filme This Much I Know to Be True, pieza dirigida por Andrew Dominik, cuyo argumento narrativo se centra en el proceso creativo de ambos músicos a partir de la pandemia que los mantuvo lejos de los escenarios y su regreso a los shows en vivo.

De esta forma, el relato se inicia con el acercamiento de Cave a la cerámica como forma casi terapéutica de enfrentarse a la cuarentena y a la suspensión de las giras por tiempo indefinido. Con ese punto de partida para el relato, el documental recorre el encierro y su fin para fijarse en el proceso creativo de la dupla Cave – Ellis para las canciones que forman parte de Ghosteen y Carnage, y la preparación de su gira post pandemia.

De ahí en adelante, y con la inclusión de recursos audiovisuales que trasladan el documental vivencial a la performance musical en estudio, con cuidadas tomas, fotografía e iluminación fundamentales para la narración visual recurrente en el trabajo de los músicos, se sigue el imaginario de sus composiciones que evocan las formas del gospel y la atmósfera de una liturgia espiritual.

Junto con introducirse en el trance creativo y performativo de ambos compositores, el documental pareciera tener la intención de humanizar a los dioses encarnados por sus protagonistas, casi siempre habitantes del limbo del arte, más allá del bien y del mal. En esa cruzada, el documental va y viene, sumando un nuevo registro que continúa la exhibición permanente de Cave, su obra y obsesiones desde los estrenos de 20.000 Días En La Tierra, y One more time with feeling.

Uno de los momentos destacados del documental es la enorme presencia de Marianne Faithfull, leyendo el poema «Prayer Before Work» de May Sarton, presente a lo largo de toda la grabación con Cave a cargo de la línea melódica en «Galleon Ship».

El recientemente estrenado This Much I Know to Be True, es una nueva pieza de fascinación para los ardientes admiradores de la música de Nick Cave, en conjunción con Warren Ellis, uno de sus más antiguos colaboradores. Pero al mismo tiempo, el documental junto con reforzar viejas y conocidas ideas sobre la música del australiano, parece no ser más que una redundancia al respecto.

 

CHICAS ROCK : RIFFS PARA TOMAR EL PODER

CHICAS ROCK : RIFFS PARA TOMAR EL PODER

La colectiva de educación musical con enfoque de género Chicas Rock, dio inicio a un nuevo ciclo de talleres de formación continua, y próximamente anunciará una nueva edición del Campamento Rock para niñas, niñes y adolescentxs, una instancia autogestionada hasta ahora única en nuestro territorio.


 

¿De qué manera se puede disminuir, en términos concretos, la histórica brecha de género prevaleciente en el ámbito del quehacer musical? Una posible respuesta parece asomarse al observar el trabajo realizado desde 2018 por la colectiva Chicas Rock, gestada y enfocada a promover el empoderamiento y liderazgo de niñas, adolescentes mujeres e identidades disidentes, a través de la música, específicamente, desde el lenguaje del rock. El rock como expresión de poder, rebelión y, sobre todo, como vía de expresión para la conciencia de género y el feminismo.

Fomentar la participación de niñas y niñes en ámbitos profundamente masculinizados como la música y, en particular, en el rock como corriente musical, cultura e industria, implica visibilizar dicha problemática señalando sus sesgos, representaciones, y discursos predominantes, donde la contra respuesta es, precisamente, reforzar las identidades individuales no masculinas, no binarias, feminizadas, trans y disidentes existentes en la vida y en la música. Estas son algunas de las tantas cuestiones a las que se enfrentan quienes intentan abrir espacios para la música desde el enfoque feminista y de género en la cultura de rock patriarcal. La historia particular de Chicas Rock no es diferente.

Replicando las alentadoras experiencias de Girls Rock Camp gestadas alrededor del mundo, nació Chicas Rock, escuela de formación continua que busca promover el desarrollo, fortalecimiento y liderazgo de niñas, niñes y adolescentes a través del aprendizaje y cultivo de las artes musicales y sus áreas complementarias con énfasis en la creación y practica del rock. La iniciativa recogida y echada andar por la chileno-argentina Daniela Aravena, profesora de música y gestora cultural, es hasta ahora la primera en su tipo en nuestro país y por ella han pasado un estimado de 150 alumnxs, entre los 9 y los 17 años de edad. “Surgimos en 2018 inspiradas en proyectos similares realizados y existentes en Latinoamérica y alrededor del mundo, conocidos como los campamentos de rock para niñas.  Quisimos tomar esta iniciativa porque aquí no existía algo así y era importante para nosotrxs poder abrir un espacio de este tipo para la educación musical con enfoque de género. Era una idea que queríamos llevar a cabo hace mucho tiempo”, relata su gestora Daniela Aravena.

Concebido como un espacio seguro, heterogéneo y libre de prejuicios, desde entonces los encuentros y talleres impartidos por Chicas Rock, han itinerado por centros culturales y comunitarios, para más tarde experimentar la ya conocida virtualidad durante la pandemia. Entre sus contenidos han abarcado la creación y ejecución musical en guitarra, batería, piano e iniciación al canto como también talleres técnicos en sonido e iluminación, talleres teóricos de comunicación o elaboración de fanzines hasta talleres de salud menstrual, autocuidado y autodefensa, logrando establecer un programa educativo integral que brinde una base de conocimientos y experiencias formativas esenciales para su bienestar y participación desde sus individualidades y sobre todo desde la conciencia de género. “Este 2022 estamos volviendo nuevamente con los ciclos de cursos continuos y áreas complementarias que comenzaron en junio y que se van a extender durante todo el año. La idea es seguir ampliando los cursos, son pagados, con un valor sumamente accesible porque además queremos poder brindar un apoyo a nuestras compañeras, compañerxs y compañeros que imparten los talleres, ya que nuestras áreas artísticas fueron muy dañadas durante la pandemia. Entonces todo lo recaudado de las inscripciones va directamente a ellxs. Queremos ser un aporte para les trabajadores de la cultura y la música, mujeres y disidencias” nos cuenta Aravena.

Pero sin duda, el gran eje de Chicas Rock ha sido la instancia, hasta ese entonces inédita en nuestro territorio, los campamentos de rock para niñas y niñes, un encuentro de vital importancia para quienes participan en él, tanto como monitoras y alumnxs, dado su carácter vinculante, educativo extracurricular, en una etapa formativa y de desarrollo personal, donde se juegan las más profundas motivaciones e inspiraciones para la búsqueda de identidad, la individualidad y la relación con sus pares y con un otrx. Pero ¿De qué forma el rock como corriente musical y cultura puede ser una vía de empoderamiento para el feminismo y las cuestiones de género? Esa pregunta bien la podrían responder aquellas generaciones de mujeres músicas que rompieron esquemas en un universo reservado para los hombres. O sin ir más lejos, las mujeres punks de finales de los setentas quienes comenzaron la deconstrucción de los roles tradicionales de las mujeres en la música. Pero, por sobre todo, quienes más podrán ilustrarnos son las primeras riot girrrls de principio de los noventas que terminaron por afinar y establecer las bases de un movimiento eminentemente punk rock y decididamente feminista y activista, donde la guitarra y el micrófono fueron la forma más efectiva y disruptiva de alterar el orden del rock patriarcal. Para nadie es un misterio que ahí se encuentra la esencia de una instancia como esta, que alrededor del mundo se fue multiplicando desde los noventa, precisamente para dar nuevas perspectivas a las niñas y niñes de las siguientes generaciones.

Probablemente, una de las imágenes más vívidas y recientes de esa idea, fue el registro del cuarteto de adolescentes The Lindas, interpretando su canción «Racist, sexist boy», en la biblioteca pública de Los Ángeles, California, masificado por redes sociales durante 2021 en plena pandemia, en medio de los recurrentes e históricos conflictos raciales de la sociedad norteamericana. La banda de quinceañeras compuesta por Bella Salazar, Eloise Wong, Lucía y Mila de la Garza, todas niñas mestizas, no blancas, causaron tal impacto con su enérgico mensaje antirracistas y anti machista que rápidamente fueron incorporadas al legendario sello de punk californiano Epithaph Records. Pero nada de eso fue de un día para otro. Las adolescentes feministas e interraciales, ya venían tocando en el circuito de bandas colegiales y participando de los campamentos de rock para niñas existentes en su ciudad, siguiendo una alentadora actividad apoyada por su circulo familiar y educativo que proporcionó instancias y acompañamiento. Así, dos años antes, la banda de chicas logró su primer sueño, ser invitadas a abrir el show de las madres del riot grrrl Bikni Kill, en su gira de 2019.

La experiencia replicada por primera vez en 2019 por Chicas Rock bajo la autogestión y el espíritu del hazlo tu misma, creando redes de colaboración y utilizando los recursos humanos y materiales disponibles, fue el inicio de un espacio pionero que se proyecta en el tiempo, llevado a cabo en distintas comunas de la capital como la Casona Dubois en Quinta Normal, un escuela pública en Recoleta, y en el centro Hub de Providencia, y ha contado con la participación de distintas talleristas y músicas del circuito underground feminista como Horregias, Sin Lencería, Amapola Malahierba, Manul Nube ex integrante de Amanitas, entre otras. “Realizar el campamento de rock para niñas, niñes y adolescentes fue un desafío y también una satisfacción para nuestra forma de ver y sentir la música y el feminismo. Ha sido un largo camino en estos cinco años de trabajo autogestionado. En Chicas Rock nos hemos sostenido principalmente gracias a ello, y a algunos fondos como el Fondo Alquimia. En 2020 con la pandemia realizamos todo on line, y a pesar de que no pudimos realizar el campamento de manera presencial que es lo principal de esa instancia, lo virtual tuvo muy buena acogida. Este 2022 estamos definiendo la posibilidad de una nueva edición del campamento para este segundo semestre, evaluando nuevos financiamientos y abriéndonos a otras posibilidades de fondos concursables o colaboraciones, pero por ahora dependemos de eso, estamos sujetas al financiamiento para poder continuar con el campamento”, nos señala su gestora y productora Daniela Aravena.

Tras cinco años de existencia, Chicas Rock ha tomado el pulso del actual contexto feminista desde la educación musical y la instancia ha sido punto de encuentro y testigo para los primeros cambios que el movimiento por los derechos de las mujeres y las niñas han ido causando en la mentalidad patriarcal y sus acciones naturalizadas “Los preconceptos y los estereotipos con los que nos encontramos al inicio de esta labor, cinco años atrás, fueron los estereotipos de género y sobre todo los roles de género en la música en general, no solo en el rock, porque históricamente el rock y la música ha sido un espacio donde está muy marcado quién puede participar y quien tiene el protagonismo, y quién queda fuera de eso, y siempre las mujeres y las disidencias hemos quedado al margen de ese protagonismo. Son estereotipos y prejuicios muy naturalizados en las niñas aunque ahora, en los últimos 5 años, esto ha ido cambiando bastante en Chile. Parece que ahora hay más apertura, pero cinco años atrás era mucho más fuerte y se notaba más esa naturalización de los roles y estereotipos. Era común  tener vergüenza al tocar, no querer tocar fuerte o el miedo a equivocarse”.

Chicas Rock continúa su labor formativa con enfoque feminista y de género para les y las más jóvenes, con un manifiesto claro y concreto que brinda la oportunidad a esas niñas que hoy alucinan con formar su propia banda y ser una Donita Sparks, una Kathleen Hanna, o simplemente ser ellas y ellxs mismxs. “Nosotras utilizamos el rock como herramienta de empoderamiento porque es un estilo musical y un sonido muy potente como mucha fuerza y energía y queremos utilizar esa energía y esa potencia para que las niñas y niñes saquen y potencien sus propias voces y, a su vez, también buscamos generar la experiencia de formar parte de una banda  de rock, que significa muchas cosas, compartir con otras personas, con personas diferentes a ti, pararte sobre un escenario, tocar un instrumento a todo volumen, frente a otras personas y frente a un público intimidante, y todo eso ayuda a fortalecer la seguridad de les niñes y niñas en sí mismas, su autopercepción y autoestima. Creemos que el rock es una vía muy poderosa para el desarrollo personal” cierra Aravena.

A continuación conoce el detalle de los talleres de formación continua que Chicas Rock estará realizando durante todo el año.

CURSOS CONTINUOS DE FORMACIÓN MUSICAL Y ÁREAS COMPLEMENTARIAS : GUITARRA, TECLADO/PIANO, CANTO POPULAR Y GUITARRA ROCK, SOUL Y TÉCNICA DE BLUES.

Dirigidos a niñas, adolescentes, mujeres e identidades disidentes desde los 10 años en adelante y sin límite de edad, se darán en modalidad ON LINE y se impartirán durante todo el año. INSCRIPCIONES AQUÍ

TECLADO / PIANO (Inicial/Intermedio)

El curso propone un espacio de aprendizaje activo y lúdico en torno al piano, en un ambiente amigable que permita abordar sus principales técnicas de ejecución y desarrollar habilidades musicales.

El objetivo de las clases es lograr un manejo del instrumento que nos posibilite tocar diversas canciones y piezas instrumentales, acompañarnos al momento de cantar y conectarnos con nuestra propia sensibilidad musical a través de la improvisación y la creación musical. Se abordará la lectura de partituras como un eje transversal en el aprendizaje del instrumento.

Contenidos:

Ejercicios de técnica para coordinación de mano derecha y mano izquierda

Juegos de exploración e improvisación musical

Desarrollo de habilidades en torno a la creación musical

Práctica de repertorio, canciones y piezas instrumentales

Aprendizaje de teoría musical básica necesaria para la lectura de partituras de piano

Dirigido a: Niñas, adolescentes, mujeres e identidades disidentes, desde los 10 años en adelante y SIN LÍMITE DE EDAD

Horarios disponibles: Lunes entre las 16:00 y las 19:00 Hrs.

Retribución: $25.000 mensual. Modalidad grupal, 1 hora semanal.

Modalidad: ONLINE

GUITARRA ROCK, SOUL Y TÉCNICA DE BLUES

El curso de guitarra rock, soul y técnica de blues busca adentrarse en estos géneros haciendo principalmente una escucha activa sobre distintxs artistas influyentes de la época, entendiendo las raíces de estos géneros, es decir de donde viene, su contexto social y político. Se estudiará la técnica de blues tanto acústico como eléctrico. La práctica será fundamental para entender los estilos.

Siendo el blues un género que surgió anterior al rock y al soul, se buscará también incorporar esos otros dos estilos y sus técnicas, además, el taller será un espacio de retroalimentación de aprendizaje para aprovechar los conocimientos, inquietudes y objetivos que traigan les participantes.

Contenidos:

Coordinación motriz y ejercicios de técnica para mano derecha e izquierda.

Aprendizaje de los acordes principales del estilo en diferentes posiciones con sus extensiones e inversiones.

Riffs y bases de acompañamiento.

Estructura de canciones y material auditivo para practicar.

Lectura de tablaturas para guitarra y solos de guitarra.

Técnica de Slide.

Afinación abierta.

Repertorio (canciones).

Dirigido a: Niñas, adolescentes, mujeres e identidades disidentes, desde los 10 años en adelante y SIN LÍMITE DE EDAD.

Horarios disponibles: Miércoles/Jueves a partir de las 17:00 hrs.

Retribución:

– $25.000 mensual. Modalidad grupal,1 hora semanal.

Modalidad: ONLINE

 

CANTO POPULAR 

El curso se enfoca en entregar los conocimientos de técnica vocal que te llevarán a desarrollar tu voz! Iremos a tu ritmo y según tus necesidades, sin importar si aprendes de cero o si ya llevas algún tiempo.  Tendremos como objetivo principal la transferencia de conocimientos de técnica e higiene vocal que permitan abordar cualquier género que desees de manera sana y logrando un resultado artístico cada vez mejor, mejorando cada día más tu afinación, entrenamiento auditivo, postura, emisión y proyección del sonido.

Contenidos:

Ejercicios de step-out para desconectar del stress del día.

Ejercicios de respiración y vocalización.

Ejercicios de tracto vocal semi-ocluido (ETVSO).

Técnica vocal aplicada al repertorio

Dirigido a: Niñas, adolescentes, mujeres e identidades disidentes, desde los 10 años en adelante y SIN LÍMITE DE EDAD

Horarios disponibles: Sábado entre las 10:00 y las 15:00 Hrs.

Retribución: $25.000 mensual. Modalidad grupal, 1 hora semanal.

 

MATRIARCADO AHORA : PUSSY RIOT Y UN NUEVO DISCO

MATRIARCADO AHORA : PUSSY RIOT Y UN NUEVO DISCO

La colectiva musical y artística que adquirió visibilidad mundial tras ser apresadas luego de manifestarse en la catedral rusa en 2012, continúa ampliando su discografía, esta vez con la edición de un mixtape titulado Matriarchy Now, que incluye distintas colaboraciones y el single «Plastic».

Por redacción Crónica Sonora


 

El 21 de febrero de 2012, tres integrantes de la colectiva Pussy Riot fueron arrestadas por haber dado un concierto improvisado y no autorizado en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú. Fueron acusadas de vandalismo y condenadas a dos años de cárcel. El juicio atrajo las miradas sobre el grupo en el exterior, también por las denuncias de que recibieron malos tratos al estar bajo custodia.

Desde tal episodio el colectivo adquirió visibilidad mundial para siempre y también un bullado estatus como figuras contestatarias del arte político de nuestros globalizados y digitales días, y señaladas como referentas del feminismo en la cuarta ola del movimiento. La proliferación de la banda y sus integrantes como artistas feministas de impacto mundial, propició la visibilidad a su música inicialmente enmarcada en las formas y apariencias del punk y la performance artivista, plagada de consignas políticas antifacistas y feministas, potenciada por una estética basada en prendas de evidente simbolismo de luchas revolucionarias de tiempos pasados como overoles o pasamontañas resignificados con colores vivaces y transgresores en cuerpos femeninos y no binarios, y en un contexto feminista que por esos años comenzaba a asomarse. La férrea oposición al gobierno de Vladimir Putin manifestada en cada uno de sus actos.

El torbellino político, judicial y mediático que significó el encarcelamiento de la banda, además de atraer la atención del mundo, revivió entre las nuevas generaciones la idea del arte político y activista en el contexto de la fiebre de las redes sociales, y en una nueva explosión del feminismo, recogiendo el apoyo de distintos sectores artísticos y sociales alrededor del mundo entero levantando campañas de apoyo y difusión. Pero todo siguió su curso y la infame persecución política impulsada por el gobierno de Putin no dio tregua alguna hasta el día de hoy, con la banda ya fuera de la cárcel continua enfrentándose al líder político y su régimen.

Diez años después, en pleno 2022 la banda continúa adoptando nuevas formas y estéticas propias de su tiempo, desplazándose de su inicial apariencia y expresión punk para incorporar el pop, la electrónica urbana, y el hip hip moderno. Así ya lo ha ido dejando en evidencia con el material del 2020 y 2021. Para este año la banda ha anunciado la publicación de un nuevo álbum Matriarchy now, recuperando la idea y formato del mixtape, donde se funden tracks, como bien dice su nombre, entremezclados y colaboraciones con diversas artistas como Slayyyter, Salem Ilese, Phoebe Ryan, Mazie y Kito a quienes Tolokonnikova se refiere como su “ejercito feminista”, la producción ejecutiva estará a cargo de Tove Lo. El material llegará el 5 de agosto a través de Neon Gold Records.

Como primer adelanto la banda liberó el sencillo Plastic, una nueva interpelación a las lógicas del patriarcado y la permanente cosificación de la mujer a través de cánones de belleza hegemónica y de la sobrexplotación de determinados estereotipos físicos y sociales. El track incluye la participación de iLoveMakonnen.

En las últimas semanas,  la colectiva ha desplegado su performance en Estados Unidos, tras darse a conocer las controversiales medidas impuestas contra los derechos reproductivos de las mujeres en algunos estados, colgando la pancarta con la frase ‘Matriarchy Now’ en el capitolio del estado de Texas.

 

Matriarchy Now tracklist:

1 – «PRINCESS CHARMING» ft. Salem Ilese
2 – «PUNISH»
3 – «PLASTIC» ft. ILOVEMAKONNEN
4 – «HORNY» ft. Phoebe Ryan
5 – «SUGARMOMMY» ft. mazie
6 – «HATEFUCK» ft. Slayyyter
7 – «POOF BITCH» ft. Big Freedia