Documental musical

DE DAVID BOWIE A LA ESCENA NEOYORQUINA: IN-EDIT COMPLETÓ SU PROGRAMACIÓN 2022

DE DAVID BOWIE A LA ESCENA NEOYORQUINA: IN-EDIT COMPLETÓ SU PROGRAMACIÓN 2022

 

­Con dos nuevas películas internacionales dentro de la cartelera, IN EDIT dio por completada su programación para esta, edición número 18 que se llevará a cabo del 7 al 12 de diciembre.


Con Meet me in the bathroom (Reino Unido, 2022), sobre la generación de bandas que en torno al año 2000 sacudió la escena musical de Brooklyn; y Moonage Daydream (Alemania y EE. UU., 2022), uno de los estrenos documentales más importantes del año, con una extensa revisión a la trayectoria incomparable de David Bowie, IN EDIT CHILE 2022 completó la programación para su edición número dieciocho.

Moonage Daydream (Alemania y EE. UU., 2022)

Documentales sobre músicos muertos existen por montones, pero en el caso de Bowie no es —no puede ser— lo típico. Acá no hay testimonios de quienes lo conocieron, tampoco un recorrido por sus principales discos ni entrevistas hechas especialmente para el filme. Moonage Daydream ha sido definido por su director como un documental «caleidoscópico» e inmersivo, en el que prima lo visual por sobre lo narrativo. Un trabajo lleno de pistas de lo que puede considerarse una filosofía artìstica y existencial (ésa que hace al artista decir cosas como «colecciono personalidades»).

Es, hasta ahora, el documental más extenso y contundente que se ha filmado sobre David Bowie. Dura 2:20 horas, tomó cinco años de producción, y exigió la revisión de lo que el equipo de producción ha descrito como «cinco millones» de objetos del músico. A cargo de la supervisión musical quedó el famoso productor Tony Visconti, ex colaborador del rockero. Nos exponemos así a un arco biográfico que cubre al menos sesenta años, desde la infancia de Bowie hasta su último disco. Son las grabaciones de entrevistas al músico las que dan la guía como única narración, y entre los valiosos archivos vemos al fin registros de conciertos que antes no podían encontrarse en ningún lado. «La gente dice que tú cambias todo el tiempo, que eres contradictorio. Pero yo te veo más bien como un lienzo, en el cual tú decides qué pintar», le comenta en un momento a Bowie una entrevistadora. «Sí, ¡eso es!», responde él entusiasmado. Como si al fin alguien entendiera que David Bowie fue siempre una obra en sí mismo.

Meet me in the bathroom (Reino Unido, 2022)

Eran tiempos inciertos, sin conciencia de los profundos cambios tecnológicos y crisis sociales que estaban por venir. Aún había espacio para echar a andar el proyecto romántico de un rocanrol fresco, juvenil y asociado al placer. Surgieron entonces en Nueva York bandas dispuestas a asumir la tarea y definir su época, antes de que las cosas volvieran a complicarse demasiado (hasta hoy). Meet Me at the Bathroom es un documental inspirado en el libro homónimo superventas, en el que miembros de The Strokes, Rapture, Interpol, Yeah Yeah Yeahs y LCD Soundsystem recuerdan su contagioso impulso musical previo al auge de las redes sociales y la insalvable gentrificación de sus barrios, en Manhattan y Brooklyn.

Centrándose en las historias en torno a la música, vengan de dónde vengan, este año el festival cuenta con notables documentales sobre grandes del rock (King Crimson, Foo Fighters, Ronnie James Dio), cantautores inmortales (Leonard Cohen, Sinead O’Connor), pioneros del indie (Dinosaur Jr., CAN) y quienes les siguieron a principios del 2000 (The Strokes, Rapture, Interpol, Yeah Yeah Yeahs y LCD Soundsystem) como también grandes músicos universales, por encima de categorías (Ennio Morricone, David Bowie).

COMPETENCIA NACIONAL DE VIDEOCLIPS
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Veintisiete videoclips finalistas de un total de 197 postulaciones, compiten este año en IN-EDIT y podrás verlos en la pantalla grande, pues serán parte de la programación antes de cada función. Además, los ganadores de cada categoría, Videoclip Chileno del Año y Premio del Público se anunciarán en la Ceremonia de Premiación del sábado 11 de diciembre, en el Teatro NESCAFÉ de las Artes.

ACTIVIDADES PARALELAS
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También ya están confirmadas todas las actividades de IN-EDIT PRO, la exposición que reúne el trabajo de la fotógrafa chilena Valentina Palavecino, nuestras exhibiciones al aire libre (gratuitas previa inscripción) y también la música en vivo de DOC ALIVE, a cargo de Andrés Godoy. Puedes ver el detalle de cada uno de los eventos a continuación:

VENTA DE ABONO Y ENTRADAS POR SESIÓN
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A partir del lunes 28 de noviembre estará disponible la venta de entradas por sesión. Entra en la sección de Abonos y entradas de nuestra web oficial y conoce todo lo necesario para que armes tu calendario. Contamos con verte en diciembre.

MÁS INFORMACIÓN EN www.inedit.cl

IN-EDIT 2022 : SUMA NUEVOS TÍTULOS

IN-EDIT 2022 : SUMA NUEVOS TÍTULOS

IN-EDIT 2022 continúa dando a conocer nuevos títulos que se suman a su edición número 18. A la selección programática ya presentada para exhibición y competencia, se suman esperados estrenos confirmados esta semana. Entre ellos destacan Nothing compares  biografía de Sinéad O´Connor, Can and Me, sobre la banda alemana de krautrock, y DIO Dreamers never die sobre Ronnie James Dio.


A medida que avanza el calendario, continua completándose la programación del IN-EDIT 2022, con producciones de trece países, la mayoría de ellas en estreno para Chile— y nacional, que conformará el programa oficial del 18º IN-EDIT CHILE, del 7 al 12 de diciembre en cuatro sedes de Santiago y un canal online.

Es una cartelera que, como cada año, se centra en la historias en torno a la música, vengan de dónde vengan. Los títulos que hoy se suman al adelanto de la programación internacional y nacional que ya te contamos hace algunas semanas son: Nothing compares, centrado en Sinéad O’Connor; Miúcha, la voz de la bossa nova, que reconstruye la vida de Heloísa Maria Buarque de Hollanda, la única cantante que trabajó, a menudo en la sombra, con gigantes como Vinicius de Moraes, Tom Jobim, Stan Getz o João Gilberto. También estrenaremos DIO: Dreamers Never Die, sobre el más de medio siglo de trayectoria de Ronnie James Dio y CAN and Me, sobre la banda alemana que definió el movimiento krautrock a fines de los sesenta.

SPLENDIT

Hay películas que se vuelven un mito desde su estreno. Otras, son joyas que no pudieron ser programadas en los casi veinte años de IN-EDIT CHILE. También están esos documentales casi imposibles de encontrar, los estrenos que mucha gente se perdió en las ediciones de pandemia, las funciones que se agotaron y esos títulos que los más fieles nos han pedido volver a ver en pantalla grande. Para todos esos imperdibles, hemos creado la sección SPLENDIT.

Para esta sección el equipo del festival destaca los títulos: Summer of Soul (Oscar al Mejor Documental 2021), la celebrada La Polla Records: No somos nada y Murder in the Front Row: The San Francisco Bay Area Thrash Metal Story, en donde reinan los recuerdos adolescentes en primera persona de integrantes de Metallica, Megadeth, Slayer (sí, el chileno Tom Araya), Anthrax, Exodus, Testament, Death Angel, Possessed y muchos más. Para que no te los pierdas.

Revisa la programación 2022,

IN-EDIT 2022: LAS HISTORIAS QUE VIENEN

IN-EDIT 2022: LAS HISTORIAS QUE VIENEN

Del 7 al 12 de diciembre se llevará a cabo la decimoctava edición del festival dedicado al cine y documental musical IN EDIT. Conoce a continuación los primeros títulos internacionales confirmados de su programación 2022.


En 2022, IN-EDIT CHILE celebra dieciocho ediciones anuales ininterrumpidas desde su primera cita en Santiago (2004, Centro Arte Alameda). A lo largo de su historia, el festival ha exhibido más de 800 películas sobre música y músicos, de Chile y el extranjero, con estrenos exclusivos e hitos de convocatoria. Cada vez más realizadores, sedes, expositores y audiencia se suman a nuestra programación.

Hoy presentamos el primer adelanto de programación de nuestra decimoctava edición, que se realizará entre el 7 y el 12 de diciembre: Grandes nombres del rock, de King Crimson a Foo Fighters. La canción más conocida de Leonard Cohen. Un imitador uruguayo de Luis Miguel. Experiencias inusuales con la música en Cabo Verde, el Desierto de Colorado, Nashville y Montevideo. Y un homenaje a uno de los mayores compositores de música para cine, Ennio Morricone.

Protagonistas diversos ocupan este primer adelanto de programación que IN-EDIT CHILE presenta a dos meses del inicio de su próxima versión: In the Court of the Crimson King. King Crimson at 50 / Cesária Évora / Hallellujah: Leonard Cohen, a Journey, a Song / I’m Wanita / Alter / Ennio, el maestro / Crestone / Freakscene: The story of Dinosaur Jr. / Rock por mil: La banda más grande del mundo.

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SÉ PARTE DEL 18º IN-EDIT CHILE: ÚLTIMOS DÍAS

La convocatoria sigue abierta hasta el 30 de septiembre para postular largometrajes, cortometrajes, videoclips y piezas en desarrollo (work-in-progress) realizados en Chile sobre música y el oficio de los músicos. Aún puedes ser parte de nuestra programación 2022 con tu trabajo.

Como en cada edición, IN-EDIT CHILE reserva un espacio importante a la producción nacional. Acogemos trabajos audiovisuales que aborden la música desde cualquier punto de vista o enfoque: social, patrimonial, estético, biográfico, ideológico, etc.

De esta forma el consagrado festival ofrecerá estrenos nacionales e internacionales, junto a charlas y actividades en varias sedes de Santiago del 7 al 12 de diciembre de 2022. Para esta nueva edición se confirma el regreso de su canal de exhibición online para todo Chile y, también, actividades Valparaíso y Puerto Varas durante enero.. La venta de abonos comenzará el 25 de octubre.

Bestiario del Ruido: Un manual de zoología fantástica

Bestiario del Ruido: Un manual de zoología fantástica

 

 

Lo primero que podemos pensar de que la documentalista chilena Susana Díaz le llame a algo Bestiario no es en Borges y los seres imaginarios sino en todo lo contrario a lo imaginario, eso que Mizoguchi – el director de cine japonés- llamaba mirar de reojo, eso que queda afuera de los lentes oficiales y trata de filmar los márgenes de lo real.


La primera vez que conocí a Susana Díaz no fue en persona, fue en el Cine Arte Alameda viendo el rostro de los Disturbio Menor, Redención 911, Asunto, Enfermos Terminales, Don Fango, Sin Retorno y Alternocidio, cuando proyectaron por primera vez Hardcore, La revolución inconclusa, mirando la pantalla como si ni ellos mismos hubieran visto alguna vez esas imágenes de archivo. Como si el hazlo tú mismo tuviera que traspasarse también al telón, mostrando no sólo una revolución inconclusa sino también una historia hecha de retazos, de eso que nunca se alcanzó a registrar del todo.

Serge Daney en un texto llamado El travelling de Kapo, compara a Kapo de Gillo Pontecorvo con Cuentos de la luna pálida de Kenji Mizoguchi en relación a lo que dijo alguna vez Godard de que todo plano es moral. Daney nos dice que “Mizoguchi lanza una ojeada que «hace como si no viera», una mirada que preferiría no haber visto nada, y de esa manera muestra el acontecimiento tal como se produce, ineluctablemente y al sesgo” y el mismo autor, citando a Jacques Rivette, en el artículo publicado en la revista Cahiers Du Cinema llamado De la abyección dice: “Observen en Kapo, el plano en que Riva se suicida arrojándose sobre los alambres de púa electrificados: el hombre que en ese momento decide hacer un travelling hacia adelante para encuadrar el cadáver en contrapicado, teniendo el cuidado de inscribir exactamente la mano levantada en un ángulo del encuadre final, ese hombre merece el más profundo desprecio». Así, un simple movimiento de cámara podía ser el movimiento que se debía evitar. Para atreverse a hacerlo -naturalmente- había que ser abyecto. Apenas terminé de leer esas líneas supe que el autor tenía toda la razón”.

En el mismo sentido, la forma en que Susana usa sus materiales no es fortuito. Por ejemplo, en el capítulo dedicado a Marcel Duchamp, en vez de retratar que es una banda política, idea que ya está construida y todos sabemos, prefiere mostrarnos que los tipos se juntan a tomar té y que son una banda de amigos. O sea, elige eso que suele quedar afuera del relato oficial. ¿Y cómo lo hace? llevando a la pantalla la esencia de un fanzine donde el recortar y pegar son el alma del hazlo tú mismo porque quizás se trata de rescatar lo cotidiano, el resto de ese orden al estilo Marie Kondo.

Las herramientas que utiliza Susana respetan esa precariedad de la que sus protagonistas hablan la mayor parte del tiempo, como si el que hablara fuera Godard cuando casi terminando El libro de las imágenes mete esta cita: “En realidad, dijo Brecht, sólo el fragmento lleva la marca de la autenticidad”. Godard a los 88, hablando de la importancia política del work in progress, ya que el cortar, copiar, pegar y borrar para darle un nuevo sentido al presente.

Hardcore y Supersordo (obras anteriores de Susana) son puro archivo. Mientras que Ellas no, es puro presente narrando la historia de una banda que podríamos llamar post punk y que debe ponerle pausa a su trabajo por problemas judiciales, pero por, sobre todo, es una historia sobre cómo se construyen los lazos en un grupo. Desde ahí, en Ellas No y Bestiario la construcción es en base a mucho seguimiento donde predominan los momentos que suelen descartarse. De esa forma la documentalista construye relatos en base al reciclaje con aquellos materiales que no se usaron y lo hace para salirse de ese lugar cómodo de la ficción, en eso, está su postura política, una postura al mismo tiempo reflejada en las bandas que elige para filmar.

Recuerdo hablar con ella en Bar Uno – el día del homenaje a Hernán Angulo (primer productor de Bestiario) – sobre su fanatismo por Jem Cohen y lo que hizo con Fugazi en “Instrument” y con Elliott Smith en “Lucky Three”, donde a través de retratos sencillos, una banda puede estar tocando en vivo y después conversando de cosas banales en un servicentro.

En este trabajo, la realizadora vuelve a retratar – como bien apunta el bajista de Familea Miranda, Rodrigo Rozas Katafú- ese mundo que el corrector del Word quiere cambiar por familia, tal vez porque las cosas hay que clasificarlas: “Nada dura para siempre, ni siquiera la lluvia de noviembre. Lo decía muy bien Axl”. Otra de sus frases en pantalla. 

Con esa idea subyacente, Bestiario del Ruido parte con los Familea Miranda, una familia fundada en 1999 por Rodrigo Katafú Rozas (guitarra), Cristian Suazo (teclado) y José Miguel Trujillo (batería) y tras un fugaz paso de Cabro Perro, guitarrista de los seminales Políticos Muertos en el 2000 se suma Rodrigo Gomberoff (bajo), que venía de Negativo 55 junto a Trujillo y de la banda Los Insurgentes. Katafú armó la banda después de formar parte de Caos y Anarkía, Matt Monro Cantó en Español y Habría Que Analizarlo, Supersordo, Niño Símbolo, Agencia Chilena del Espacio, Juventud Infinita y Ugatz.

La serie documental abre con los músicos radicados en Barcelona hablando de eso, de la necesidad de irse de Chile porque existe algo incómodo en cualquier clasificación, llámese punk, llámese nación, llámese patria. De hecho, esa familea que se va, tuvo en su árbol genealógico hasta diez integrantes y si no salen no es por un olvido consciente sino porque Bestiario ya empieza a presentarse como una serie que sabe asumir que no hay que contarlo todo sino recoger lo que queda de la dificultad de hacer música en un país como Chile, sin querer ser clasificado. Tal vez, sea esta idea central, la que cruza toda la serie.

La serie compuesta de nueve capítulos, es graficada muy bien al inicio por Rodrigo Gomberoff, Chuleta o Gombi, para los amigos: “Nosotros vivimos de la música y quizás morimos de las otras cosas que hacemos”. A él lo conocí trabajando en una librería unos pocos años después de venirme a vivir a Chile y nuestras conversaciones fueron durante mucho tiempo un refugio a esa sensación de haber llegado a un país donde no tenía un lugar al que pudiera llamar propio. No sé cómo no nos echaron porque pasábamos más tiempo hablando de Billy Pilgrim y Matadero 5, la segunda guerra, el judaísmo, el rockabilly y cuántas copias traeríamos de la primera edición traducida de Alta Fidelidad, y creo que Rodrigo, no ha dejado de ser el mismo.

Si escribo de estos recuerdos, es porque viendo Bestiario, me da la misma sensación. Gente no sólo construyendo en los márgenes – como su introducción lo señala- sino enfrentando el colectivo a lo desalmado del sistema social. No es por nada que la primera vez que Katafú vio en vivo a Taller Dejao, les terminó produciendo un disco. Tal vez porque los Miranda nunca quisieron ser de esas familias que salen en los stickers de los autos.

Tal vez Susana elige partir con ellos porque son los que físicamente transgreden los márgenes derechamente yéndose a vivir a España, lugar donde siguen tocando y Rodrigo arma el estudio de sonido llamado Hukot en Barcelona grabando bandas. Y Katafú sigue siendo compositor de imágenes en Kráfica, donde él es el encargado de la elaboración de las carátulas de varias bandas independientes chilenas y europeas. Por ahí aún tengo una polera de Manual de Combate con una gráfica de él.

En una entrevista que dio Katafú este año a la revista Rock De Lux dice: “Hay una canción de Descendents que se llama “Beyond The Music” que dice algo que me interpela mucho: “Todavía se miran a la cara, sin esperar nada más allá de la música”. Las bandas, cuando se pelean, dejan de mirarse”. De eso hablamos cuando hablamos de Familea, de una banda que lucha contra el individualismo del mercado, oponiendo a eso, el colectivo.

 

El patriarcado de King Kong

 

“Don´t believe the hype” cantaban los Public Enemy en uno de los discos más importantes de la historia del hip hop (It takes a nation million to hold us back 1988). No sólo fue un disco que revolucionó el contenido y las clasificaciones, sino que también la forma. “Solo quiero aumentar la frecuencia, aumentar el ruido. El ruido ha sido siempre la parte indeseada en las grabaciones, es lo que en el estudio siempre quieres eliminar. Así que mi preocupación fue intensificar este elemento” Hank Shocklee, de The Bomb Squad.

Dadalú también parte trastocando todos los estereotipos, no sólo los que el patriarcado utiliza como dispositivo de poder en contra de la mujer, sino que es una hiphopera que toma del hip hop sólo una forma de hacer resaltar el texto. En vez de declararse fan de yo que sé, Eminem, su banda favorita fue Nirvana. Daniela dice que se tomó muy a pecho algo que leyó en una entrevista a Kurt Cobain: «En vez de gritar por mí, las chicas debiesen agarrar una guitarra y tocar».

La primera vez que conocí a Daniela fue cuando tocaba con Colectivo Etéreo, otra banda que hacía de lo performativo algo político. Tocaron varias veces en las fiestas que hacíamos con Cristián Araya llamadas Dance to the underground y la volví a ver en el Bar Uno varias veces. Una vez con Horregias, otra con Dolorio y Los Tunantes, y la última vez, con Calostro  donde subió al escenario vestida de mono. Fue ahí cuando le pregunté, si era por algo en particular, y me dijo: “Es en homenaje a Virginie Despentes” .Y Daniela se toma en serio lo de Despentes, no sólo a nivel discursivo sino también performativo, sabiendo que lo político se construye en el cuerpo o más bien que el cuerpo es algo social.

En la Teoría King Kong Despentes dice: “Escribo desde la fealdad, y para las feas, las viejas, las camioneras, las frígidas, las mal folladas, las infollables, todas las excluidas del gran mercado de la buena chica, pero también para los hombres que no tienen ganas de proteger, para los que querrían hacerlo, pero no saben cómo, los que no son ambiciosos, ni competitivos, ni la tienen grande. Porque el ideal de la mujer blanca, seductora, que nos ponen delante de los ojos es posible incluso que no exista”.

Dadalú al igual que Virgine, dinamita los códigos, pero no sólo los de género, sino que cruza la función de la mirada en lo mainstream y el capitalismo dentro del discurso del patriarcado. En la canción número dos ¿Por qué hay que ser sexy? del increíble disco El mapa de los días, al igual que Prince, diagnostica el signo de los tiempos:

 

“Se repite sin parar y por doquier

que la seducción es el valor de la mujer

y me cansa saber que siempre lo que hago

menos gente va a querer ver

sin potos ni tetas nadie va a querer ver

sin potos ni tetas nadie va a querer ver

y me importa una mierda si eres sexy

escucho música por minas sexy

si la canción es buena me va a gustar así

aunque la cante un enano o un pianista cursi”

 

En Dadalú, la crítica a la mirada se organiza en todos los planos, no sólo en el de las letras. En vez de usar zapatillas y ropa ancha o emblemas sale vestida de fruta o con lycra y arpilleras.

Es por eso que cuando Dadalú hace una crítica a la norma o al patriarcado lo hace en todos los niveles, porque el patriarcado existe no sólo en lo que se dice sino en lo que se normaliza. Es poner en juego lo automatizado haciendo de eso una pregunta y usando la ironía, como forma de desmontar lo establecido.

El Brit Aburre

Corrían los 90 y dos amigos que ya habían absorbido demasiado brit y demasiado Palace Brothers, empezaron a encontrar otras respuestas en Autechre y en Aphex Twin. Ottavio Berbakow y Oscar Burotto, no sé si por el escritor de Solaris, arman LEM, un dúo que es como si Hal 9000 se adueñara de Audiomúsica y se pusiera a mezclar a Jessamine con Spacemen 3 y Barry Lyndon.

A Ottavio lo conocí afuera de la disquería Background, del mítico Hugo Chávez, y le pregunté dónde chucha en Chile podía encontrar unos EPs de American Music club y el primer disco de Jay Jay Johanson. Él se río y me dijo con una cara de certeza absoluta: “En la disquería de mi amigo Pietro en el Interprovidencia, yo no sé cómo es posible que alguien guarde tanta información en su cabeza con más de una obsesión. Ya lo vas a conocer, si crees que sabe mucho de música, háblale de fútbol.”

Tiempo después, fui a su casa porque quería venderme unos discos que me dijo que me iban a interesar. Yo pensaba que me iba a encontrar con puros discos de electrónica, ya que en esa época, él y todos los que giraban en torno a la disquería Background y a Plan V, pelaban el cable con Wagon Christ. Mi sorpresa fue enorme porque en vez de eso, lo que había era un museo de folk. Compartíamos veneración por bandas como Low o Radial Spangle, y sabiendo eso, me pasó un disco de un grupo llamado Supreme Dicks diciéndome: “Pablo, te vas a morir”. Me fui con cosas de Seefeel, Insides, Disco Inferno y Coil, si la memoria no me falla, pero lo primero que hice llegando a mi casa fue poner el de Supreme Dicks.

A Oscar lo conocí en los patios de psicología de la UDP y me acerqué a él porque andaba con una polera de Labraford, y cuando le dije que ese era el único buen fordismo, se cagó de la risa. Nos sentamos a hablar de psicología, que a él le aburría, y terminamos hablando de la educación auditiva de Spacemen 3, Plaid y Main.

Después nos volvimos a cruzar afuera de la Background – donde nos adelantábamos a Alta Fidelidad- y una vez, hasta casi hubo combos discutiendo por cuál era el mejor disco de Seefeel o de Moonshake, eso todos los sabemos, así que no es necesario volver a eso.

En la Background, no sólo se vendían discos, sino que era un lugar de encuentro, otra forma de pensar lo colectivo.  Era un espacio en donde se polemizaba de música como de fútbol en un bar argento. Se hablaba de música todo el día pero también pasaban cosas como que los Pánico tocaran en el subsuelo antes de que los conociera ni la mamá. Era el lugar en donde por ejemplo se gestó Plan V. Andrés Bucci, Guillermo Ugarte, Christián Powditch y Gustavo Cerati iban por lo menos tres veces a la semana. La tienda la atendían dos tipos que traspiraban música: Marcelo Umaña y Miguel Araneda, y si te ibas sin escuchar unos 20 discos, se enojaban. A veces se iban a almorzar y yo me quedaba atendiendo y recuerdo que no había nada más lindo que venderle a un fan de Labraford un disco de Palace.

Luego nos veíamos en Industria Cultural cuando tocaba Caribou o Animal Collective. Le invité una cerveza cuando todo el mundo puteaba en esa presentación del disco Pulsos en Casa Club – el bar de Sergio Lagos y su hermano- en Bellavista, por un tiempo uno de los lugares para la música electrónica a fines de los 90, donde tocaban los LEM y por donde pasaron también los imprescindibles Suarez.

En LEM el gusto por la repetición y la creación de texturas, no es por amor a la rutina sino una forma de agrupar sonidos que desde lo que parece caos se transforma en melodía. Donde el uso de las máquinas no es para seguir patrones sino más bien para deconstruirlos: “Yo discrepo con que seamos una banda de máquinas, somos más bien rockeros. Teníamos sesiones de música, hacíamos jams y después editábamos, era retratar esa profunda depresión del estado del mundo en el 2020, era una música no alegre porque el mundo era apocalíptico”, dice Ottavio en una parte de Bestiario, tal vez como una forma de mostrar que la tecnología más que configurar un mundo más deshumanizado, es una manera de construir nuevos discursos que no caigan en un revival en donde los sonidos sean usados al servicio de lo normativo.

 

Asamblea del Ay ay ay me querí

 

Me es imposible hablar de Asamblea Internacional del Fuego sin recordar a Hernán Angulo, a Nader Cabezas y al fanatismo que él les tenía. Hernán me enseño que la autogestión implicaba compañerismo y me invitó a poner música en varias fiestas con Nader y nos juntábamos a escuchar discos, sólo por el placer que significaba hacerse preguntas y pensar en cómo responderlas.  Pienso en Hernán porque Asamblea le dedicó su último recital y pienso en Nader porque el EP Una letalidad constante, está dedicado también a él y la canción Baco en ese disco, es por el nombre del perro galgo rescatado por Hernán de la explotación de las carreras.

Por eso recuerdo a Hernán en cada cosa que Emilio Fabar dice en Bestiario, la idea de que la autogestión y el compañerismo frente a la alienación del capitalismo, no es algo que uno se proponga sino parte de la construcción de una identidad cruzada por la memoria, el relato, el olvido y los duelos. Todo lo que Emilio dice en Bestiario tiene que ver con la idea de que una banda no elige la manera en que construye su identidad, ni la estética ni los carteles, sino que es un efecto de algo simbólico que lo trasciende. Y eso que lo trasciende es algo político. Ellos no se definen como hardcore o punk sino como rock de combate y usaron el hardcore, el punk y el emo, más que como un fin en sí mismo, como una herramienta para cuestionar la realidad establecida. Por eso en una entrevista citada en la revista Paniko, Emilio dice: «Me hace más sentido escuchar a Los Jaivas, Atahualpa Yupanqui o Violeta Parra, que a Chain of Strenght y otras cosas (…) Me hacen más sentido Los Prisioneros, los Fiskales Ad-Hok que Fugazi», Y se nota en la evolución del sonido y las letras, desde Lo que hablaron las ánimas en el camino del 2013 a Dialéctica Negativa del 2016.

Lo que en un principio eran alegorías o metáforas se van transformando en palabras que son cuchillas como diría Jorge González. Si vamos a hacer rock de combate, hay que ir más de frente parecen decir tanto en el sonido como en el discurso. No hay tiempo que perder porque tal vez sabían que ese sería su último disco.

No es casual que el primer invitado al programa de podcast que hizo Hernán en radio Rockaxis, llamado Selecta, fuera Emilio Fabar, tal vez porque era el primero al que quería escuchar explayarse acerca de la relación de la música con la historia y los traumas. En ese primer capítulo, Emilio habla de las primeras tocatas hardcore a las que fue y le impresionaba la producción de la identidad del público: “No veías a esa gente vestida así comprando el pan”. Es por esto que la puesta en juego del discurso de Asamblea nunca fue algo casual. “Me enfermaba que nos relacionaran con el emo porque era la antítesis del lenguaje propio que nosotros queríamos desarrollar”.

Fabar vuelve a tocar las mismas obsesiones en la serie, tal vez porque la historia y las palabras no sólo nos marcan sino que construyen nuestra identidad, por eso cada vez que puede habla de Quelentaro o de Violeta Parra, es como si la historia lo narrara a él y no al revés. “Tocar para Asamblea no es necesariamente una elección placentera sino una obligación para disputar un relato hegemónico desde todos los frentes, desde lo audiovisual, de la escritura, del que cantara, desde el que hiciera danza, todo apunta a una disputa por el relato”. La construcción del relato pasa por la construcción de la memoria construirse desde ahí, hacer el ejercicio de recopilar historias que tienen que ver con una historia más grande, con una historia mayor. Con eso creo que tiene que ver asamblea, un lugar donde se disputaba el discurso de la memoria.

Asamblea apunta a lo simbólico, porque el peso de la historia y lo traumático no es algo individual, sino que se transmite intergeneracionalmente. De ahí la importancia que se le da a la memoria y a los relatos que siguen construyendo desigualdades y reprimen los dispositivos que los generan. Por eso, el show del 14 de septiembre del 2019, que originalmente era un adiós a Hernán Angulo a un año y tres días después de su muerte, terminó siendo también un adiós a los escenarios para siempre. Un funeral terminó representando otro funeral donde nuevamente Asamblea apunta a la transversalidad de la realidad. Como diría Levinás, citado por Derridá: “La muerte: en primer lugar, no es la desaparición ni el no ser ni la nada, sino una cierta experiencia para el sobreviviente de la “sin-respuesta”.  Es por eso que una muerte representa todas las muertes. “En el año desde que murió Hernán, vi la muerte de dos chicos más, después enterré a mi papá y ahora voy a enterrar a mi grupo. Es el final de muchas cosas que amé profundamente” termina diciendo Emilio en el capítulo sobre Asamblea, mientras Susana conjuga con su cámara, esos retazos que aparecen todo el tiempo en las letras, como si fueran postales, como los libros que quemaban los bomberos de Farenheit 451, que se esfuerzan por construir un relato que Susana en vez de ordenarlos a su antojo, se acerca a ellos desde el archivo, los fragmentos, los materiales desechados y encontrados, como si filmarlos fuera consecuente con la memoria y los recuerdos reprimidos que no pueden decirlo todo.

Flashbacks y más flashbacks como los que Emilio enumera en Helicópteros:

“Las listas negras en los trabajos
Cuando visitaste las fábricas
Y te llevaste a más de uno a dar una vuelta
Cuando usaste el Pau de arara, el submarino, la parrilla
Aún recordamos Villa Grimaldi
La venda Sexy, Tejas Verdes, José Domingo Cañas
Londres 38, tres y cuatro Álamos
Chacabuco, Pisagua, Estadio Nacional, Estadio Chile
Isla Quiriquina, Colonia Dignidad
La AGA, la Firma, La Esmeralda, Los Hornos de Lonquén
En ningún caso nos olvidamos de los profesores degollados
Calle Conferencia, calle Santa Fe, Varas Mena
Tampoco olvidamos a Rodrigo Rojas de Negri
Y Carmen Gloria Quintana, quemados vivos a luz del día
La matanza de Corpus Christi
Los hermanos Vergara Toledo y Lumi Videla tirada muerta dentro de la embajada
El cura André Jarlan, los 119 de la Operación Colombo
Sebastián Acevedo preguntando por su hijo
Las madres, las hijas, las esposas que salieron con sus fotos”

 

 

Sin amistad no hay banda

 

Podríamos estar dos años preguntándonos la razón por la cual la banda Marcel Duchamp se llama Marcel Duchamp, pero tal vez podríamos quedarnos con lo que Joaco dijo una vez en una entrevista: “A mí me pasó en Masapunk (Sello y distribuidora chilena de inspiración libertaria), cuando entré ahí comenzó mi formación política propiamente tal, porque es un colectivo que va mucho más allá de editar discos. Yo estaba recién saliendo del colegio y ahí había gente mayor que había sido libertaria en dictadura. Y ahí uno dice, la cosa va más allá del punk. Aparte en mi caso, siempre tuve una relación con otros movimientos artísticos que no tenían directa relación con el punk, como el Dadá”.

Tanto en el artista como en la banda, podemos ver el valor que se le da a lo fugaz, a lo coyuntural y a cierto sentido de hacer del caos un orden. En los dos podemos ver también el lugar que ocupa la voluntad por sobre los sistemas y la crítica a todo simbolismo sedimentado por la cultura y transformado en una norma que traza lo que es normal y lo que no lo es.

No es casual que la idea de orden ya en sí mismo es una ideología. Pensemos en que la mayoría de las ciudades que conocemos en Latinoamerica están estructuradas a partir de una racionalidad moderna que se construía alrededor de la plaza. Es así como rodeando a la plaza, teníamos los juzgados, el congreso, la iglesia y lejos de todo esto, estaban los prostíbulos, los cementerios y los psiquiátricos. En Santiago esto se último se llamó La Chimba y estaba cruzando el Mapocho en la zona que ahora cubre Independencia, Recoleta y parte de Bellavista. La razón, la ley y la fe de un lado, y el sexo, la muerte y la locura del otro.

Es así como Marcel Duchamp, sus líricas, sus contrastes, su propuesta estética y sonora, se sitúan del otro lado del río, escapando a cualquier clasificación o metáfora.  Donde quiero objetivar y clasificar, aparece una esencia un poco indescifrable que mezcla la autogestión con el trabajo obsesivo y que vuelve real el discurso de los movimientos sociales y lo rupturista, transformando los lazos sociales de la competencia, en la amistad como el motor que mueve a una banda.

No son pretenciosos, son profundos, son sensibles y directos. Son complejos y al mismo tiempo, sintetizan. Son caóticos pero con una forma y un sentido. Son crudos pero expresivos. Marcel Duchamp nace justamente como una banda de lo insituyente no de lo instituido. Lo que en Duchamp parece desorden es en realidad un orden con mayor complejidad. Una forma de lucha contra el conformismo. Asumen las mutaciones como una forma de ir en contra de una norma establecida. Punk, cliché, cambios y formas, son canciones que no sólo se quedan en el discurso sino que lo pasan al acto. Su música es inclasificable, cambios de tiempo, silencios, cambios en los ritmos y la velocidad, hardcore punk, crust punk, grindcore, hardcore jazz a lo Zorn.

En muchos sentidos, es una banda atípica, ellos mismos siempre se plantean antes como amigos que como integrantes de una banda. Para los Duchamp hacer música es una necesidad biológica antes que un discurso preestablecido o que cambia con las modas. “Siento que las letras han ido en una evolución con la misma banda” dicen en Bestiario y de eso justamente se trata, de vivir la música como como una necesidad, no como una catarsis sino como una utopía. La catarsis piensa en lo individual, la utopía en lo colectivo. Parafraseando a Charly, no se puede estar tranquilo si un amigo está en cana.  Esa necesidad es hacer música en un mundo que está al revés y donde la única forma de avanzar es ir para el otro lado, caminando hacía atrás a lo moonwalking.

Nunca olvidaré cuando tocaron para los diez años de historia de la banda y en Caracol/Palabras se les une Rodrigo Robles y a dos guitarras logran crear un sonido igual de extremo que la letra. Eso es tal vez lo más distintivo de los Duchamp, la coherencia no es una maqueta y el caos no es un desorden. Es más bien, matar las metáforas y acercarse a lo real, con todo el riesgo que eso implica. Creo que no hay mejor forma de explicarlo que leyendo la letra de Caracol/Palabras:

Otro día más despertando,

ser un nombre y apellido

un cuerpo donde vivir

como molusco hospedado en una caracola ajena

y caminando hacia atrás.

Discúlpame por no ser tolerante pero el fascismo es odioso en todas sus maneras, discúlpame por utilizar esta palabra en mis canciones pero el fascismo no lo soporto. ¿Qué es ser libre para ti?

Yo estoy preocupada por esto,

porque mis amigos no están tranquilos,

porque mi madre sufre,

porque yo no soy feliz.

Mientras estas ideas absolutas sigan existiendo no voy a callarme,

por muy desagradable que sea cantar esto.

 

En realidad ese discúlpame es irónico porque, nuevamente al igual que lo señaló Emilio Fabar, la lucha es también por el lenguaje, no todo es la acción directa. El mismo nombre de Marcel Duchamp pone en primer lugar que todo sentido o sinsentido, parte siempre de entender el lenguaje, el contexto y la cultura en la que se habla lo que se habla.

Resumiendo y ya llegando al final, Bestiario del Ruido nos muestra otra revolución incompleta, pero no es la misma que veíamos en Hardcore, ya que en esta serie, Susana, deja en el aire muchas más preguntas que lo que se ve en la pantalla. Bestiario no es sólo una descripción o compendio de bestias, sino también una referencia al lenguaje y al lugar que ocupan a nivel simbólico dentro de una cultura. No describe los márgenes enfrentados a un lugar dado de la normalidad sino que la resignifica. Bestiario me recuerda aquella pregunta de Pizarnik:

 

“Qué bestia caída de pasmo

se arrastra por mi sangre

y quiere salvarse?

He aquí lo difícil:

caminar por las calles

y señalar el cielo o la tierra”

 

 

 

 

 

OJOS Y OÍDOS ABIERTOS: COMIENZA IN-EDIT 2021.

OJOS Y OÍDOS ABIERTOS: COMIENZA IN-EDIT 2021.

Del 7 al 14 de diciembre, se desarrollará el 17º festival de cine y documental musical IN-EDIT CHILE, en formato presencial en sedes y también online para todo Chile.

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Llega una nueva edición del festival internacional de cine y documental musical, IN-EDIT CHILE, programado para realizarse entre el 7 y 14 de diciembre en las principales salas de la capital. El emblemático encuentro, como cada año, contempla una extensa parrilla de filmes y charlas, que se realizarán de forma presencial y on line.

Con destacados estrenos internacionales provenientes de diez países distintos, ­­y con una amplia gama de registros que van desde la biografía de grandes referentes y referentas, piezas de carácter histórico-social y trabajos de corte íntimo y personal, la versión número 17 del festival nos permitirá adentrarnos en figuras como Lydia Lunch, Shane MacGowan, Poly Styrene, La Polla Records, Violeta Parra, The Beatles, Moby, Idles o de grandes hitos olvidados como el llamado Woodstock negro en Summer of Soul, entre otros. Junto con la muestra internacional, la producción local estará reunida en la esperada competencia nacional compuesta por largos y cortometrajes, además de videoclips, que esperan recibir reconocimiento en distintas categorías.

En su versión 2021 IN-EDIT Chile llega con nuevas secciones como Splendit, dedicada a la reposición de recordados documentales ya estrenados y exhibidos en la historia del certamen. Otra novedad es la selección musicapopular.cl (música chilena de vínculo patrimonial, en realizaciones de diferentes regiones y épocas seleccionada por un equipo especializado) y Poderosas (centrada en historias de mujeres en la música).

CHARLAS

Bajo el título Miradas Femeninas en el cine y la música, se llevará a cabo de forma on line, el 8 de diciembre, la charla dedicada revisar las experiencias de creadoras locales en el ámbito del cine y documental musical. La instancia será moderada por la periodista, documentalista y docente Lorena Giachino, y contará con la participación de la realizadora Susana Díaz, la música Javiera Parra, y la directora de fotografía Eva Vera.

MIRADAS FEMENINAS EN EL CINE Y LA MÚSICA
Creadoras de la escena local comparten sus experiencias en el cine y la música.
Fecha: 8 de diciembre | 12:00 hrs.
Lugar: vía streaming previa inscripción

Formulario de inscripción

MODERA: Lorena Giachino. Periodista, documentalista y docente. Trabajó por más de 20 años como realizadora y productora para diversas series de la Televisión chilena y para producciones internacionales de People and Arts & BBC; La Sette, de Italia; Discovery Channel. Hoy se dedica a la docencia, al desarrollo de contenidos audiovisuales y a sus próximos proyectos documentales.

MANUAL DE UNA BANDA SONORA
Distintas formas de hacer música para producciones audiovisuales según la visión de experimentados artistas.
Fecha: 10 de diciembre | 12:00 h.
Lugar: vía streaming previa inscripción

Formulario de inscripción

MODERA: Joanna Reposi (equipo IN-EDIT CHILE)

PANEL:

Angela Acuña. Chelista y compositora de formación clásica, es crédito recurrente en música incidental para cine, teatro y televisión. Cuenta con discos solistas, en colaboración y junto a su banda Malabia.

Juan Cristóbal Meza. Pianista, compositor y productor. Autor de música para cine, teatro, documentales y cortometrajes. Son suyas las partituras de conocidas películas chilenas, tales como Fuga (2006), Dawson, Isla 10 (2009), Teresa (2009), Patagonia de los sueños (2013), Neruda (2014) y Pacto de fuga (2020).

Camilo Salinas. Pianista y compositor, desde los años noventa despliega su trabajo musical en distintas bandas: Pettinellis, Chico Trujillo, Los Bipolares, e Inti Illimani Histórico, entre otras. Su nombre figura en decenas de bandas sonoras de películas, series de televisión y obras de teatro. En 2017 presentó Solo piano, su primer disco estrictamente solista.

FANTASÍAS ANIMADAS EN EL RELATO AUDIOVISUAL
Conversación sobre distintas formas de usar el recurso de la animación para contar una historia en el cine y el videoclip.
Fecha: 14 de diciembre | 10:00 h.
Lugar: vía streaming previa inscripción

Formulario de inscripción

MODERA: Esteban Vidal

PANEL:

Joaquín Cociña. Director de cine y videoclip. Su trabajo como artista y cineasta se desarrolla principalmente en el dúo artístico “León & Cociña”, responsable del premiado largometraje La Casa Lobo (2018) y el cortometraje Los Huesos (2021).

Javier Corcuera. Director de No Somos Nada, documental sobre la banda la Polla Records.

 

Los tickets para la 17ª edición de IN- EDIT, se encuentran disponibles desde el 1 de diciembre. Se mantiene, también, la venta de entradas individuales en las boleterías de cada sede (Teatro NESCAFÉ, Centro Arte Alameda-Sala CEINA, Sala Cine UC y M100).

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ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

El 15 de octubre a través de las pantallas de Apple TV+ se estrenará el film dirigido por Todd Haynes, «The Velvet Underground: A Documentary»,  pieza audiovisual que ofrece entrevistas en profundidad con los miembros sobrevivientes de la banda como John Cale o Maureen Tucker, junto a figuras clave de la época, acompañadas de inéditas imágenes de actuaciones en vivo de la época.

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Parece mentira que hasta ahora no se hubiese producido ningún documental o proyecto cinematográfico en torno a The Velvet Underground, uno de los grupos de rock más influyentes de la década de los 60 y 70. Formado por Lou Reed y John Cale originalmente, The Velvet Underground marcó un antes y un después en la escena artística de Nueva York de aquella época.

En contacto siempre con artistas como David Bowie, Patti Smith o Andy Warhol, The Velvet Underground crearon una escena en la ciudad estadounidense, a través de su música, sus mensajes y su estética. Con cinco discos editados hasta que Lou Reed y John Cale tomaron sus caminos por separado, la obra The Velvet Underground recorrió el mundo del arte y la música influyendo a numerosas generaciones de músicas, músicos y creadores.

Dirigido por el cineasta Todd Haynes director de Velvet Goldmine y Far from heaven, entre otras, el documental de The Velvet Underground se estrenará el próximo 15 de octubre, con contundente e inédito material de archivo, contribuyendo al legado musical de la banda y a la apreciación sobre su obra e influencia.

 

SOUNDTRACK

La banda sonora del documental, incluye material seleccionado por el propio Haynes bajo el título «The Velvet Underground: A Documentary Film By Todd Haynes -Music From The Motion Picture Soundtrack». El soundtrack también incluye piezas como  ‘The Ostrich’ de The Primitives, una de las primeras bandas formadas por Lou Reed y John Cale, la rareza ‘Foggy Notion’, ‘Chelsea Girls’ de Nico y versiones en vivo de ‘After Hours’ y Sister Ray’, además de la composición inédita del autor minimalista La Monte Young ’17 XII 63 NYC The Fire Is A Mirror (excerpt)’, interpretada por el colectivo musical al que perteneció John Cale, The Theatre Of Eternal Music.
Disco 1
01. ‘Venus in Furs’ (The Velvet Underground)
02. ‘The Wind’ (The Diablos)
03. ’17 XII 63 NYC The Fire Is a Mirror’ (excerpt) (The Theatre of Eternal Music)
04. ‘Heroin’ (mono) (The Velvet Underground)
05. ‘Road Runner’ (Live) (Bo Diddley)
06. ‘The Ostrich’ (The Primitives)
07. ‘I’m Waiting for the Man’ (The Velvet Underground)
08. ‘Chelsea Girls’ (Nico)
09. ‘Sunday Morning’ (The Velvet Underground)Disco 2
01. ‘Sister Ray’ (live) (The Velvet Underground)
02. ‘Pale Blue Eyes’ (The Velvet Underground)
03. ‘Foggy Notion’ (The Velvet Underground)
04. ‘After Hours’ (live) (The Velvet Underground)
05. ‘Sweet Jane’ (The Velvet Underground)
06. ‘Ocean’ (The Velvet Underground)
07. ‘All Tomorrow’s Parties’ (The Velvet Underground)
The War is Never Over: el documental que retrata a Lydia Lunch

The War is Never Over: el documental que retrata a Lydia Lunch

The War is Never Over se titula el documental que retrata a la pionera del No Wave Lydia Lunch.

La pieza documental dirigida por Beth B, retrata los inicios de Lydia Lunch con su banda Teenage Jesus & The Jerks y el papel fundamental que tuvieron durante el surgimiento del no wave en la década de los 70s. A su vez, The War is Never Over se adentra en la poderosa y singular evolución artística de Lunch como interprete, compositora y colaboradora de músicos como Nick Cave, Alan Vega, Rowland S. Howard Sonic Youth.

El documental originalmente presentado en 2019 como parte del DOC NYC Fest, comienza a circular por algunas plataformas y carteleras especializadas a partir del 30 de junio, una de ellas, la plataforma Kino Marquee donde estará disponible para verse On Demand.

MIRA EL TRAILER DE «The war is never over» 

«TINA» UN RETRATO NECESARIO

«TINA» UN RETRATO NECESARIO

En los próximos días HBO estrenará «TINA», el nuevo documental sobre la vida y trayectoria de Tina Turner, un filme que retrata a una de las artistas más icónicas de la historia del rock and roll.

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Este 27 de marzo HBO estrenará «Tina», el esperado documental sobre la cantante de rock and roll que servirá como la gran despedida a su irrepetible carrera. El filme repasa su carrera musical, su huella en la industria y su convulsionada vida personal marcada por relaciones tormentosas y abusos físicos y psicológicos como los retratados en la célebre biopic de 1993 What´s love got to do with it, protagonizada por Angela Bassett .

La pieza documental estrenada en el mes de febrero en el Festival de Cine de Berlín, se perfila como un apasionante relato autobiográfico que más allá de revelar los pasajes íntimos y más dolorosos de la artista, revive a la par, su fascinante vida musical como una de las grandes voces y performers de la historia del rock and roll, admirada por toda su generación, desde Otis Redding, The Rolling Stones o David Bowie. Dueña de una voz y una impronta únicas en su estilo, mezcla de blues rock, r&b y soul pop, en una carrera musical que la llevó a la cima y a la miseria personal de la mano de su esposo, compositor, productor y músico Ike Turner, con quien vivió la consolidación artística y también la decadencia emocional.

En el escenario, Tina acaparaba toda la atención del público con sus feroces y electrificantes movimientos, su poderosa y compenetrada interpretación al cantar y con su desgarrador estilo vocal. Su popularidad comenzó a aumentar y en 1966 Ike y Tina llegaron a ser teloneros de los Stones. Algunos de sus mayores éxitos en esta época fueron la versión del Proud Mary, en 1971 o Nutbush City Limits, en 1973.

En 1975 formó parte del elenco estelar para la versión cinematográfica de la obra de The Who, Tommy, interpretando a la reina del ácido «Acid queen», nombre que posteriormente titula el disco de versiones editado ese mismo año.  Luego de atravesar el terremoto personal que significó divorciarse y denunciar a Ike Turner por años de violencia, Turner reapareció en 1981 sobre los escenarios como show de apertura para sus férreos admiradores los Rolling Stones, luego de un inolvidable espaldarazo de parte de David Bowie que marcaría un antes y un después en el resurgimiento de su carrera y que la llevarían a retomar el trabajo en estudio para grabar Ball of confusion el clásico de The Temptations.  Más tarde llegaría el momento de su gran debut solista abriendo una nueva y luminosa etapa en su carrera. Fichada por EMI, graba y edita Private Dancer, disco desde el cual se extraen exitosas y memorables canciones como What’s Love Got To Do With ItBetter Be Good To Me o el mismo Private Dancer. A lo largo de la década continuó reforzando su estatus de reina del rock and roll en gloria y majestad con otro notorio éxito a cargo de la banda sonora  de la película Mad MaxBeyond Thunderdome y ,posteriormente, con We don’t Need Another Hero.

«Tina» es el testimonio que la reafirma como una sobreviviente y, aún más, como la artista que se enfrentó a complejas y dramáticas situaciones de abuso normalizadas y silenciadas ante las cuales logró revelarse y sobreponerse para luego contarlas, exorcizarlas y acompañar e inspirar a miles de otras mujeres, madres, hijas, hermanas, que alguna vez vivieron maltrato y vivieron para contarlo. Un documental sobre música y sobre violencia que hoy se vuelve más que necesario.

MIRA EL TRAILER AQUÍ

RAYOS X EN LOS OJOS: REDESCUBRIENDO A POLY

RAYOS X EN LOS OJOS: REDESCUBRIENDO A POLY

 

 

Por Rossana Montalbán

Poly Styrene: I Am A Cliché”, se titula el recientemente estrenado documental sobre la vida y figura de la líder de X -Ray Spex, Poly Styrene, fallecida en 2011 a causa de un cáncer de mama. El filme dirigido por Celeste Bell, hija de la cantante, junto al realizador Paul Sng, explora los distintos ángulos de la artista como mujer, madre e ícono del punk feminista no suficientemente reivindicado y lejos del estrellato.

 

La gris y musicalmente estimulante Londres de mitad de los 70s fue el escenario que vio surgir a la estrambótica y única Poly Styrene, por esos días una inquieta cantante primeriza en busca de grabar un demo, y que finalmente lograría hacerlo editando su primer sencillo en clave reggae rock titulado «Silly Billy» para el sello GTO Records en 1976. Ese mismo año tras presenciar un concierto de los Sex Pistols formaría X- Ray Spex junto a Jak Airport en guitarra, Paul Dean en bajo, Paul ‘B. P.’ Hurding en batería y Lora Logic en saxofón, instrumento que significó una importante innovación al estándar del punk de la época y que luego se convirtió en una de las características inconfundibles de la banda.

Con solo 18 años comenzó a forjarse en la escena punk londinense la figura atípica de Poly Styrene, ni rubia, ni delgada, ni típicamente punk, su vestimenta, sus frenillos, su ascendencia somalí y, sobre todo, su feroz voz y actitud la hicieron sobresalir como una gema en la fauna de desadaptados de la capital inglesa. Rompiendo cánones estéticos y estereotipos de belleza femenina insertados incluso en la escena punk londinense al frente de X-Ray Spex se perfiló como una de las vocalistas más interesantes de su generación, colocando sobre el escenario el tema racial, la misoginia y el desasosiego, convirtiéndola probablemente en la primera riot grrrl antes del riot grrrl al colocar un discurso esencialmente feminista en un movimiento que también era atravesado por viejos vicios patriarcales.

La pieza documental acaba de estrenarse en Reino Unido y cuenta con las impresiones de reconocidas músicas y músicos como Kathleen Hanna, Neneh Cherry o Thurston Moore quienes señalan a Styrene como una referenta primordial e ineludible para el punk, todo esto acompañado de un excepcional material de archivo personal inédito proporcionado por Bell, revelando en profundidad las inquietudes, motivaciones y luchas artísticas como internas de Styrene cuya voz fue durante toda su carrera un punto de luz para miles de jóvenes que abrazaron su música, su actitud y su forma de habitar el mundo desde los márgenes y como mujeres. “Esta película es una celebración de la vida y el trabajo de mi madre, una artista que merece ser reconocida como una de las mejores mujeres de todos los tiempos; una niña con una voz grande cuyas palabras son más relevantes que nunca”. Comentó Bell .

MIRA EL TRAILER OFICIAL

RECOMENDADO IN-EDIT 2020: «BILLIE» CASI UNA BIOGRAFÍA TESTIMONIAL

RECOMENDADO IN-EDIT 2020: «BILLIE» CASI UNA BIOGRAFÍA TESTIMONIAL

Una de las aproximaciones más fidedignas y coherentes en torno a la figura y obra de una de las voces más influyentes del siglo XX es lo que podremos encontrar en «Billie», documental dirigido por James Erskine, que llega a las pantallas locales en el marco de In-Edit Chile 2020. 

A través de una selección de 200 horas de entrevistas realizadas por la periodista Linda Lipnack, durante la década del sesenta, al círculo artístico y personal de la cantante, el filme narra la vida y obra la legendaria voz  de «Strange Fruit». Con testimonios de Tony Bennett, Charles Mingus, Sylvia Syms y Count Basie, entre otros, la pieza documental dibuja el fuerte carácter de Holiday frente a la adversidad, abordando el contexto social atravesado por el racismo, la problemática de género y el machismo, retratando una serie de situaciones que forjaron tanto la rudeza como la melancolía de la cantante, aspectos que se vieron  reflejados y nutrieron un estremecedor e inconfundible talento vocal. Este documental recupera valiosos testimonios y material de archivo, logrando articularlos en algo muy parecido a una biografía testimonial, capaz de retratar a la artista y a su talento en cada una de sus dimensiones.

«Billie» será exhibido en el marco de la décimo sexto versión de In-Edit Chile 2020, en función única y presencial en el Teatro Nescafé de Las Artes, este viernes 04 de diciembre, desde las 20:00 horas. Ésta es una de las diez funciones presenciales extraordinarias levantadas por el festival, realizadas con aforo limitado y siguiendo el protocolo sanitario. El documental no se encuentra disponible en la programación on line. Revisa nuestro sorteo para poder asistir.