ENTREVISTAS

DERRUMBANDO DEFENSAS: REINTERPRETANDO A MACHUCA

DERRUMBANDO DEFENSAS: REINTERPRETANDO A MACHUCA

Por Rossana Montalbán

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El cuarteto oriundo de Temuco Derrumbando Defensas, es una de las cuarenta y un bandas que componen el esperado y recién estrenado “Qué viva Machuca para todos”, disco tributo a la querida banda penquista, una de las más emblemáticas del punk hecho en Chile, proyecto que estuvo a cargo de Marcial Bustamante de Marshall Producciones. El cuarteto es, además, la única banda de músicas presente en el disco aportando una nueva versión para el clásico «No quiero morir antes de haber vivido».

 

Derrumbando Defensas cierra este 2020 con su participación en el esperado disco tributo a Machuca, una de las bandas más importantes del punk local, surgida en la ciudad de Concepción a finales de los ochentas, y una de las más activas hasta la actualidad. El disco que acaba de ser estrenado en Spotify reúne un cartel de bandas de largo bagaje y presencia en el circuito underground del hard rock, punk rock, hardcore punk y la estridencia local y continental, convocadas a homenajear la trayectoria de una banda que fue clave para el desarrollo del sonido punk acuñado por estos terruños, convirtiéndose no solo en una de las más antiguas y pioneras del circuito fuera de la capital, sino también una de las más conocidas luego de firmar contrato con la multinacional EMI en 1995, como parte del proyecto del nuevo rock chileno. Una aventura que les permitió, por algunos años y un par de discos, vivir de la música tranquilamente, telonear a Sex Pistols y vivir al máximo el desenfreno del rock and roll, un capítulo que hoy se encuentra entre los más curiosos y rememorados de la historia del punk chileno, como bien se relata en el libro «Disco Punk» de Emilio Ramón y Ricardo Vargas.

“Qué viva Machuca para todos”, resulta, en muchas formas, un disco tributo colosal y generoso que recorre la historia de los penquistas a través de bandas pertenecientes a su misma generación, una generación pionera que sorteó la precariedad de la post dictadura y el aislamiento geográfico para hacer música ruidosa y rebelde, ahí están Fiskales Ad Hok, BBS Paranoicos, Pegotes también penquistas, y 10 Botellas. Pero también están aquellas bandas que se cruzaron con Machuca en una ciudad como Concepción cuya escena siempre se mantuvo vigorosa, compartiendo cartel o sala de ensayo como Hielo Negro, Surfin Caramba, Peter Ron, y tantas otras que forman parte de este disco que finalmente también convoca a aquellos proyectos musicales cuyos integrantes probablemente crecieron escuchándolos en cassettes regrabados o incluso viéndolos en canal Rock & Pop por allá a mitad de los noventas y que luego poblaron tocatas y salas de ensayo para formar sus propias historias musicales basadas en el punk rock y otros sonidos. Pero este cartel de bandas no solo se queda en mostrar la historia y el presente de un circuito musical nutrido de estridencia y actitud punk sino que también pone el acento en mostrar lo que ocurre más allá de la capital, a lo largo del país, de Arica a Punta Arenas, buscando entregar una panorámica musical descentralizada y dando cuenta de los circuitos y exponentes de distintas regiones. Y cómo no hacerlo, si precisamente, la banda tributada ha sido  emblema de una ciudad que no es Santiago. Pero sin embargo, entre estos atributos, la predominancia masculina en el disco es evidente. En este punto nos encontramos con la participación del cuarteto temuquense Derrumbando Defensas una de las bandas compuesta por músicas más antiguas del actual circuito hardcore metal nacional.

Formadas en el año 2009, su motivación principal fue iniciar un proyecto musical hecho exclusivamente por mujeres al evidenciar la casi nula presencia de músicas en el circuito hardcore punk de la ciudad. Ese hecho fue determinante para lo que luego sería el nacimiento de Derrumbando Defensas, banda de hardcore metal crossover que ya cumple once años en las pistas. Compuesta por Maritza, Mónica, Coty y Carolina, misma formación hasta el presente, desde entonces Derrumbando Defensas ha sido una de las bandas de músicas más antiguas del circuito hardcore punk de la última década. Un camino en el que han cultivado su propia lectura del hardcore punk crossover junto a elementos del metalcore, el death, el thrash y el desarrollo de líricas de corte existencial y descontento social en el que el antiespecismo y el feminismo son causas principales.

Con tres discos editados a la fecha, “En días de egoísmo y gritos de dolor” 2010, “El mundo cerró sus ojos” de 2014 y “Confrontación” de 2017. Giras por Brasil y Argentina compartiendo escenario con emblemáticas agrupaciones como Ecocidio. La banda realizó su último show pre pandemia como teloneras de los legendarios D.R.I, y coronan este 2020 estrenando su versión para el clásico de Machuca «No quiero morir antes de haber vivido», tercera canción del disco debut de los penquistas, titulado «Hogar dulce hogar», editado en 1995. En esta versión Derrumbando Defensas conserva la esencia de la canción original, esencia punk que a su vez se realza en contraste con los elementos del metalcore propios del cuartero temuquense, aportando, además, una sutil pero al mismo tiempo potente reformulación en su letra, donde el vocabulario eminentemente masculino, lo abstracto y lo cotidiano desaparecen, y en lugar de ello reaparece una retórica combativa y feminista, reemplazando términos como «nena» y cantando «este es un país cruel» / «necesitaba esta revolución, chicas, acompáñenme, vamos!». Derrumbando Defensas continúa desde el underground abriendo una pequeña gran puerta para la permanente brecha de género existente en la música. Sobre su participación en «Qué viva Machuca para todos» conversamos con su guitarrista Mónica Torres.

 

 

Son la única banda de músicas presentes en el disco tributo a Machuca ¿ cómo surgió la participación en este proyecto? 

Mónica: La invitación a participar en el disco tributo a Machuca surgió durante nuestro teloneo a D.R.I mediante una de nuestras bandas de Santiago, Dezastre Natural ya formaban parte del tributo junto a otras bandas. Ellos nos comentaron que podríamos estar en el disco. Luego nos llegó la invitación formal para sumarnos por parte del productor y de la banda, quienes estuvieron involucrados en todo el proyecto y decisiones.

¿Tenían alguna relación con Machuca como referente musical? 

Mónica: Sinceramente, no. Sabemos lo que significa como banda pero te mentiríamos si te dijéramos que es una influencia musical para nosotras, pero nos pareció muy interesante la propuesta porque es un reto para nosotras hacer un cover ya que no estamos acostumbradas a hacer versiones de canciones de otros. Y nos pareció una gran oportunidad para compartir experiencia con otras bandas nacionales e internacionales.

¿Cómo fue el proceso de escoger la canción para reversionar? ¿Fue en conjunto con la producción? ¿por qué escoger esa y no otra? 

Mónica: La canción la escogimos cien por ciento nosotras, pudimos hacerlo así porque nosotras nos integramos en la mitad del proceso de producción del tributo, y nos enviaron un listado de las bandas que ya estaban participando y de las canciones que cada una había escogido. Fue ahí que decidimos hacer «No quiero morir antes de haber vivido» descartando opciones la escogimos porque siempre nos pareció una de sus canciones más emblemáticas, más clásicas y más conocidas, además su letra nos hacía mucho sentido.

Una vez escogida la canción para cubrir ¿Con qué criterios querían abordar el cover? ¿Hacia dónde querían dirigir el sonido de esta nueva versión?

Mónica: Bueno, una vez escogida la canción, venía el reto de hacer el cover y nos planteamos desde un principio no hacerlo tal cual al original y darle el toque único de Derrumbando Defensas. Partimos desde esa base luego de escuchar la canción muchas veces, y luego de analizar su estructura musical nos empezamos a dar cuenta que, si bien no somos una banda punk, ni tenemos ese sonido, igual queríamos rescatar esa esencia porque es música que nos gusta. Entonces conservamos parte de eso en el coro principalmente, y en particular en esta canción, el coro es una de sus partes más reconocibles para quien la escucha. Y lo hicimos para que la gente no la escuchara como algo radicalmente diferente. Entonces dividimos la esencia del tema entre el punk y el hardcore metal que es lo que hacemos nosotras usualmente. En cuanto a las estrofas quisimos jugar con la velocidad, mezclando ritmos más acelerados que es lo que nos caracteriza.

No quisimos apropiarnos cien por ciento de la canción, quisimos generar un equilibrio entre el punk original de Machuca con la pesadez y la velocidad de Derrumbando Defensas. Eso en cuanto a lo musical. Pero donde sí quisimos hacer cambios fue en la letra, donde queríamos adaptarla a nuestra mirada para poder cantarla con más propiedad. No es algo que altere la canción ya que conservamos prácticamente todo la letra original pero reemplazar una oración por otra en algunas partes le dio un nuevo sentido y la hizo más nuestra, la hizo un himno de mujeres o algo así.

El disco se estrenó hace un par de semanas ¿Qué comentarios han recibido sobre su versión?

Mónica: Nos han llegado comentarios del mismo Marcial como productor diciéndonos que le habían gustado mucho como quedaban esos cambios  que le daban precisamente nuestro toque personal, y que se entendía claramente nuestra intención. Lo mismo nos han dicho bandas amigas que participaron en el disco y el público de la banda en Chile y Latinoamérica que nos escribe por la redes sociales.

 

ESCUCHA EL TRIBUTO A MACHUCA «QUÉ VIVA MACHUCA PARA TODOS» EN LAS PLATAFORMAS DIGITALES

 

SWEET GIRLS OF SKA: ENCABEZANDO EL RITMO

SWEET GIRLS OF SKA: ENCABEZANDO EL RITMO

Con motivo de la conmemoración del Día Internacional contra la Violencia de Género, este sábado 28 y domingo 29 de noviembre, se llevará a cabo el festival Fiesta Ska Latinoamericana, edición virtual, organizado por Ska Perú y Sweet girls of Ska plataforma de difusión y visibilización de mujeres músicas en la escena skalítica, poniendo en valor el aporte histórico de cientas de exponentes que han contribuido al desarrollo del género a través de su historia. Ambas jornadas contarán con las presentaciones de emblemáticas bandas internacionales como  Sugary Staple, Ska’d It Up, Ska Waddy de Inglaterra, Las Valkirias de México y Betania López de Chile, entre otras.

 

Fundada por las periodistas Milagros Paredes y Lucero Terrones, Sweet Girls of Ska es la plataforma de difusión peruana dedicada a apoyar la presencia de músicas en el circuito. Una iniciativa motivada por la inquietud de generar un espacio así en su propio país y por replicar las experiencias de otros países del continente donde la participación de mujeres en la escena musical ska es mayor.

Actualmente, la escena ska latinoamericana atraviesa un vigoroso estado de salud. Vigor que, además, se ve reflejado en la existencia de una escena poblada, en buena parte, por mujeres músicas tanto pioneras como nuevas generaciones. México y Colombia son dos de los principales circuitos del continente que cuentan con una significativa presencia de mujeres al frente, haciendo música y promoviendo el géneroo.“Sweet Girls of Ska lo componemos dos chicas, mi compañera Lucero Terrones  y yo. Ambas venimos de la experiencia de manejar bandas, artistas y organizar eventos. En nuestro país no hay una escena de ska femenina a diferencia de países como Colombia o México”. Nos señala Paredes

Sweet Girls of Ska realizó en junio de 2020, en plena pandemia, el Primer Festival Internacional de Ska Femenino bajo su nombre. Dos jornadas virtuales que reunieron a un centenar de músicas y bandas de distintos rincones del globo. Este fin de semana ocurrirá algo similar con Fiesta Ska Latinoamericana que nuevamente, durante dos días, reunirá un extenso cartel de bandas provenientes de todo el mundo (U.S.A, Suecia, México, Perú, Argentina, Inglaterra), lideradas o integradas por mujeres, tanto proyectos musicales emergentes como de larga trayectoria. Paredes y Terrones son dos conocedoras empíricas del ska más allá de sus fronteras, cuyo trabajo con bandas y produciendo festivales las ha llevado a tomar el pulso del circuito a lo largo del continente y también en nuestro país. 

Como representantes de bandas y gestoras culturales de la escena ska en Perú ¿mqué impresión les ha dejado el circuito chileno? He tenido oportunidad de estar en Chile justamente organizando una gira de una banda peruana que manejé hasta hace poco. Tuve oportunidad de compartir con bandas y público, y pasar algunas anécdotas. La gira nos llevó por Santiago, Rancagua, Concepción, Valparaíso. Contrastar el público desde sitios grandes como el escenario del Teatro Cariola hasta prácticamente llegar a una ciudad después de más de 5 horas de viaje para tocar prácticamente en la calle. Y en todos estos lugares había mucha onda, esencia punk, era como estar en Europa. También que el público por su historia tiene el tema político más presente. Una de las presentaciones por ejemplo no se llegó a realizar. Llegamos y los carabineros nos interrogaban y hasta detenidos se llevaron a parte de la banda. No había permiso para tocar en ese lugar donde el plato fuerte venía desde España y se tuvo que volver con las mismas. Eso por ejemplo no ocurre en Perú, aquí te bajas unos billetes y lo arreglas pero allá todo es más drástico.

Es importante la escena chilena pero en la pandemia han participado más en festivales de México, Colombia o Perú y también hicieron el suyo propio «Baila como Mono» de allí conocí a Katy Erices por ejemplo.

¿Cuáles son las exponentes del circuito chileno que hoy están siendo conocidas en el resto del continente? De la escena femenina Betania López es la que podría decirse encabeza el circuito en Chile. Incluso empezamos el proyecto de la mano con ella. Podría decirse que es nuestra madrina. Y su tema “Santa Capucha” justamente trata la temática de esta fecha en conmemoración al día internacional contra la violencia de género.

¿Qué bandas y solistas chilenas estarán presentes en el festival? De Chile además de Katy y Betania van a estar Skaos Club y Durruti Power Ska. Otra banda que nos encantó del festival de Julio fueron las chicas de Que Ruede. Loquísimas. Me encantaron sus videos. Me recuerdan mucho a las chicas que veía en los conciertos allá. En Concepción también conocí a Skareta Lúgubre que al cancelarse el espacio donde se iba a tocar allá nos ofreció su espacio de ensayo, y quise que esté presente en el primer festival porque siempre hay que ser agradecido.

Sentando un precedente Fiesta Ska Latinoamericana por el Día Internacional Contra la Violencia de Género, logra articular desde Perú una escena a nivel global, buscando dar reconocimiento a las mujeres que son parte esencial de la escena y de su desarrollo a lo largo de décadas, poniendo en valor su trabajo artístico y la perspectiva de género. Y por sobre todo, entregando un mensaje de repudio a la violencia de género en todas sus formas. Para profundizar en el tema y en el papel que ha tenido la mujer en el movimiento musical, el encuentro contará con la participación de la destacada periodista y escritora estadounidense, historiadora de la música ska, Heather Agustyn quien encabezará la charla dedicada a repasar la historia del género y de la presencia de mujeres en él, en la charla «La Mujer en la Música de Jamaica».

¿Cómo surgió la idea de invitar a Heather? Para nosotras era fundamental contar con una voz experta en el tema que pudiera entregar una visión y conocimiento amplio sobre la presencia femenina en la música ska por eso pensamos en Heather autora del libro “La mujer en la música jamaiquina”. Ella también estuvo presente en la primera versión del Sweet Girls of ska que realizamos en junio de este año y fue una gran experiencia contar con su trabajo.

 

EL FESTIVAL SERÁ TRANSMITIDO POR YOUTUBE DESDE LAS 14:00 HRS CHILE

Sweet Girls of Ska: 

Perú Ska Festival:

Sábado 28 de Noviembre – Escenario 1

Skaparapid (España) Sally and the Monkeys (Suecia)

The Fuss (USA) Ska-waddy (Inglaterra) Ska’d It Up (Inglaterra) Skaranoia (Puerto Rico) Betania López (Chile) Freedom Ska Band (México) La Valentina Ska (Argentina) Katy Erices (Chile) Colosal Perú 77 (México) VHAKO (Perú) Eli Ray (Venezuela) Super Rad: Chicago’s Ska Tribute (USA) Ants in my Eyes Johnson(USA) Kveintitrés (Colombia) Rey Flanders (México) MR. PUCHO (Perú) Skaos Club (Chile) Durruti Power Ska (Chile) La Sonora Power Band (México) Cuantos Pares Son Tres Modskas. (Colombia) Supersónicos Ska (México) El Colectivo Sabinas (Colombia) Fusión/jazz/ free – delfingaray (Perú) @S.O.S Skandalo en el Cielo (México)

Domingo 29 de Noviembre 2020 Escenario 2

Mephiskapheles (USA)) Inspecter 7 (USA) The Red Stripes (Hong Kong) The Caribbean Soul Steppers (Francia- Alemania) Steady Social Club (Polonia) Sugary Staple (Inglaterra) ZCENTIDO (Filipinas) Glorious Friends ID (Indonesia) Montréal Ska-Jazz Ensemble ( Canadá) Girls go ska (México) Valkirias (México) Tangatunga (Argentina) @El Zombie (Argentina) Sagrada Vagancia (Perú) Spinazo Ska (Chile) The Overlines (México) The Oldskulltones (México) Calavera NY Club (USA) What’s Love? (Japón) Skatacama (Chile) Le Rouge Band (Colombia) Doña Fodonga (México)

 

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

 

 

Fotos por Guido Peric

 

Este miércoles 25 de noviembre conmemoramos el día internacional contra la violencia violencia de género. En el marco de esta fecha diversas actividades y concentraciones se llevarán a cabo durante la jornada, una de ellas, la intervención convocada por la colectiva feminista Las Tesis junto a Dadalú transmitida desde Galería Cima.

 

Daniela Saldías, Dadalú, es quizás una de las artistas y creadoras musicales más singulares de la música alternativa y underground hecha en Chile. Desde su primer trabajo editado en 2011 “Periodo”, su propuesta, siempre instintiva e inquieta, ha sido la experimentación y la disolución de los moldes estéticos y sonoros del pop y el hip hop, creando nuevas formas para lo que podríamos llamar canción anti-pop de líricas ácidas, cargadas de desparpajo y crítica aguda que se desenmarca de todo aquello que le impida libertad de movimiento. 

El pasado seis de noviembre fue lanzado a través de las plataformas digitales “El mapa de los días” su quinto disco desde “Gato Naranja” editado en 2014. Trabajo que reúne diez canciones provenientes de un prolífico periodo de composición con pie forzado en el que se propuso componer de manera sistemática y disciplinada, un extenso cancionero que hoy forma parte de este disco al que llama compilatorio. Sobre este nuevo álbum, sobre las distintas formas de violencia patriarcal y sobre su presentación abriendo la performance de Las Tesis, conversamos con Dadalú.

Acabas de editar “El mapa de los días” ¿ cómo fue el proceso compositivo y de producción de este disco?

El proceso creativo para “El Mapa de los días” comenzó a finales del 2018 donde me propuse el ejercicio de hacer una canción por día, poniéndome ciertas reglas, como por ejemplo, no podía tomarme más de tres horas en hacer la canción. Tenía que terminar la idea que empezaba aunque no me gustara personalmente y publicarla en Soundcloud de lunes a viernes hasta que llegara a treinta canciones. Y así hice treinta canciones y en octubre, imitando a los dibujantes que hacen InkTober, yo quise hacer un SongTober, donde compuse 28 canciones con el mismo método. Y después me propuse hacer canciones al despertar, al amanecer, a las cinco y media de la mañana y quería hacerlo durante un mes seguido pero duré una semana porque me daba sueño muy temprano. De todas formas logré hacer mucho material, muchas canciones, y ahí un amigo me invitó a trabajar con él, Martín Pérez Roa. Elegimos diez canciones para hacer un disco con una selección rap y re grabamos esas diez. Algunas crecieron, otras quedaron igual. Cuando una trabaja con alguien más como que se enriquece el trabajo. Así que ese fue el proceso. 

¿Cuáles son las principales ideas que cruzan este trabajo en términos artísticos, líricos y sonoros?

En lo creativo, este disco se trató sobre usar la primera gran idea que se te venga, sin darle tanta vuelta. Y sobre el paso de los días. Musicalmente siempre estoy experimentando, nunca tengo una idea tan clara, para mí se trata de experimentar y aprender, y si hago lo mismo siempre no voy a aprender. Me gusta curiosear. No sé, hice pistas con guitarra y otras solo con bajo, cosas así. 

Líricamente igual que en otros discos, hablo de las cosas que me afectan en el día a día. Desde querer escapar al campo a cuestionarse el rol de una haciendo un arte. Porque desde el primer momento que empecé a hacer música y puse una canción en internet, los únicos comentarios que recibía era “guatona fea, guatona fea”, y eso siempre ha sido un tema para mí, ese fue un momento en el que te das cuenta que ¿acaso hay que ser linda para hacer cualquier cosa que implique mostrarse?. Y en base a ese cuestionamiento identificar a cualquier persona que haya pasado por lo mismo. Trato de hablar desde mi experiencia y eso está presente en todo el disco.

Este miércoles conmemoramos el Día Internacional en contra de la violencia machista. Serás parte de la intervención masiva convocada por Las Tesis en Galería Cima. ¿Cómo surgió esta invitación y en qué consistirá tu presentación? 

Esta invitación surgió porque yo conozco a Las Tesis desde antes de su mega hit “El violador eres tú”, compartimos una tocata en Valparaíso. Y después también participé en la primera convocatoria que hicieron para intervención masiva. Y cuando pensaron en hacer este show conmemorativo pensaron en mí y me invitaron.

Mi show en Galería Cima va a ser un show bien sencillo,  no es un show presentando el disco ni nada porque esta presentación salió bien encima. Y la verdad, incluso en pandemia, siempre he estado tocando entonces para mí siempre es volver tocar. Quizás voy a tocar un par de temas del disco nuevo. Pero es una presentación sencilla, pista, voz y un adorno bailarín que estará acompañado de una arpillera hecha por mi que muestra una menstruación gigante. Así que será un show corto para abrir el streaming de Las Tesis.

 

¿En tu experiencia, cuáles han sido las situaciones de violencia de género más recurrentes que te ha tocado vivir haciendo música?

Violencia es que te exijan cumplir cierto estándar de imagen y de belleza física, eso lo encuentro super injusto porque responder a un estereotipo de imagen física es un trabajo. Beyoncé no se levanta como la vemos en el video. ¿Por qué todas tenemos que querer eso y tener que preocuparnos de las uñas  de ser  ser divas?. Está bien la que quiere hacer eso. El problema es que a todas se nos imponga eso. Por eso comentaba lo que me pasó al principio sobre la primera vez que puse una canción en internet, donde nadie comentó si mi canción era buena o mala, sino mi físico. Eso es violencia, que te impongan tener una imagen y una belleza. Como en una de mis canciones, “por qué hay que ser sexy? ”. Y el problema no es ser sexy, no es la sensualidad. El problema es que sea solo para un lado. Por ejemplo, en la música popular, en el reggaetón o el trap los hombres aparecen con buzo, tapados enteros y las mujeres con poto y tetas grandes y en traje de baño y ¿por qué?. Si vamos a ser sexuales seamos todos sexuales. Por qué Bud Bunny no sale en zunga y con el paquete para poder decir “oye tiene el paquete chico”,“tiene el paquete caído”. La cosificación es solo para un lado, y eso es machismo. Para mí, no es empoderamiento, es prolongar el machismo. 

¿Cuál es tu apreciación sobre el desarrollo y la incidencia del movimiento y la cuarta ola feminista en el ámbito de la música y la cultura a nivel local y mundial? 

Yo lo encuentro positivo, encuentro un avance estar hablando estos temas y que tengamos estas manifestaciones tan fuertes como lo de Las Tesis. Hablar de nosotras y nosotres, y no dejar que la narrativa siempre sea la del hombre hetero-cis, que es una narrativa que permea todo, las leyes, la educación, el entretenimiento. No es una narrativa ajena al rol del género. Entonces, es bueno hablar de eso y cuestionarlo. A mí, me gustaría que llegáramos a ser una sociedad post género donde no hayan roles de género determinados y que no importara tu género biológico o no biológico para hacer algo. Yo, cuando hago música, no hago música con las tetas o la vagina. Yo hago música con mis manos y con mi cerebro, igual que cualquier persona que tiene manos y cerebro. A mí, me carga eso de “la mujer en la música”, igual creo que es importante que esté pasando, igual es importante recalcarlo, pero espero que pronto pasemos a una nueva etapa donde el género ya no sea tema. Yo siento algo bien peyorativo en esto de festivales para mujeres, o cosas así. “Oh son mujeres, tocan, felicitemoslas”, “Oh son mujeres y producen. Felicitemoslas” como si fuera un logro. Somos personas con manos y cerebro como cualquier persona y lo único que ha impedido que eso se haga son los roles de género, y los que impiden ese cambio son las personas en posición de poder que están super cómodas donde están.  Para mí, una mujer que usa el estereotipo de la belleza y el físico para hombre hetero – cis y saca provecho de eso, no es una mujer empoderada. Nadie es bueno por ser. No se es buena solo por ser mujer. En eso tenemos que ser capaces de ser bien críticas.  Ojalá como sociedad lleguemos a superar los estereotipos de belleza como algo tan vacío y aburrido. La belleza no es una sola. 

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI (Ke Nunca Te Importe) es una interesante propuesta musical forjada en el más profundo underground santiaguino bajo la premisa del do it yourself- hazlo tú mismo. Formados en 2011, desde entonces se han dedicado a desarrollar un sonido nutrido de punk rock, electrónica, metal y música industrial, mezclando bases programadas, sintetizadores y guitarras estridentes, que han dado forma a una ajustada y sólida muestra de cyberpunk.

Su nombre surge de una curiosa anécdota relatada por la banda a la fotógrafa Karolina Guajardo, tras su participación en el libro de retratos “Poesía beats & rock and roll” (foto cabecera artículo) : “El nombre viene de la localidad de Quinquehua en la región de Ñuble. Un oriundo de aquella zona apodado “El tetera trabajaba con el guitarrista del grupo haciendo sonido en una productora, le pusieron ese nombre debido a su tartamudez, entonces le preguntaban muchas cosas para poner en evidencia su tartamudeo como respuesta refleja, decía de corrido -que nunca te importe… conchatumare-. Era algo así como para camuflar su timidez, por ejemplo: oye tetera ayer te comiste o no a la vieja de las humitas y el respondía – qué nunca te importe Gil cucuculiao-. La frase del tetera fue contagiado a todos en su pega, incluyendo a Manfred, que la empezó a usar con sus amistades incluyendo a la gente que conformaría su banda, entonces cuando se tuvo que bautizar el grupo era el nombre ideal sobre todo porque servía para responder de forma cortante -sobre todo cuando nos preguntan porque no usamos batería- y también funcionaba bien como sigla KNTI como las típicas bandas industriales que usaban siglas en su nombre«.

Con Santiago como el gran escenario urbano de su música, KNTI amplifica el discurso crítico y libertario retratando la vertiginosa vida moderna en una tierra precaria y violenta donde reinan el consumismo, el estrés, el individualismo y la saturación de la urbe. Mientras que musicalmente juegan con los matices, ni tan bailable y ni tan extremo, pero ciertamente, frenético y maquinal, y definen lo suyo como “punk con computadoras”. Desde sus primeros días como parte de ese mismo circuito, la banda destacó por su propuesta análoga-digital, algo que poco a poco los hizo diversificar los carteles a compartir y también los escenarios en los cuales participar siempre manteniendo firmemente su militancia under.

El ejercicio esmerado y serio de la autogestión como forma de vida y como principio básico al momento de concebir el arte y la música, ha brindado a KNTI un prolífico catálogo de hasta ahora cuatro discos completamente producidos por ellos y por su sello/productora Auka 47. Publicando en 2011 su primer Ep “Vecinos del tiempo”, seguido por “Perversa la life” de 2013. Continuando con su larga duración titulado “Carga frontal”, editado en 2015, y al año siguiente el cassette recopilatorio que reúnió su material registrado entre 2011 y 2016. En 2019 con el marco del estallido social, la música de KNTI no descansa sino que continúa su propia expansión como mensajeros de la distopía estrenando material audiovisual para el tema “1312”, otro adelanto de su quinto trabajo y un mensaje de repudio hacia los sirvientes armados de la burguesía.

Originalmente configurados como quinteto, Manfred y Martín en guitarras, Hernán en sintetizadores, Felipe en bajo y Rupa en voz, KNTI hoy se reformula luego que Manfred (guitarra fundador) emprendiera camino hacia nuevos proyectos. Cerca de cumplir 10 años de existencia, la banda presenta en medio del confinamiento impuesto por la pandemia del Covid 19, su quinto disco titulado “Desenlace”, Ep de cinco temas estrenado recientemente a través de sus plataformas digitales junto al vídeoclip para el tema “Felicidad”, un trabajo audiovisual realizado íntegramente de manera virtual y remota como parte de los nuevos formatos de colaboración determinados por la cuarentena. Sobre este trabajo y el actual momento de la banda conversamos con sus integrantes.

Hablemos de de “Felicidad” ¿Cómo describirían esta nueva forma de trabajar y la experiencia de haber realizado el vídeo bajo este formato ?
Se dio de forma espontánea como solución al aplazamiento de la realización del videoclip que veníamos postergando desde de Octubre del año pasado. Este videoclip originalmente incluía a un grupo de baile que ensayaba al lado del metro Santa Lucia. Este grupo había diseñado una coreografía para el vídeo, pero su grabación se debió posponer varias veces por la contingencia de las protestas y la represión policial. Como casi todos en el país estábamos más pendientes de las movilizaciones, el vídeo pasó a segundo plano. Sin embargo, ya contábamos con un gran equipo de amistades y personas que voluntariamente se querían sumar al videoclip cuándo y cómo fuera. Ya con el tema de la cuarentena encima decidimos hacer una dinámica centrada en que cada persona se grabara bailando desde su casa o lugar de cuarentena, como salida para publicar el videoclip tratando de mantener la idea original que se venía trabajando desde hace un año. A medida que comenzamos a coordinar y enviar invitaciones a amistades y cercanos al grupo que quisieran bailar, hacer performance, etc. fuimos viendo otras iniciativas similares de videoclips grabados colectivamente desde casa. En resumen, lo podríamos describir como una interesante variable creativa para coordinar trabajo colectivo y animarse a armar otras formas de cultura con lo que se tenga a mano y bueno, representar directamente en forma y contenido esta peculiar realidad que estamos viviendo, ya que es inédito el hecho de que se haya mezclado la hiperconectividad con una pandemia. El único reparo sería depender 100% de internet y las redes sociales, porque puede ser como una droga que los medios de control podrían quitar repentinamente.

¿Qué posibilidades encuentran como artistas y banda en el confinamiento de la pandemia?

Esta situación nos ha obligado a perfeccionar algunos aspectos técnicos respecto de nuestra metodología de trabajo. Hemos tenido que llevar a la práctica algo que veníamos haciendo a paso lento los últimos meses que es tener cada uno en su computador los programas necesarios tanto para crear bases como para mezclar. Se podría decir que la cuarentena nos ha empujado a tener una suerte de estudio de grabación en nuestras casas. Al parecer eso le está pasando a miles de proyectos musicales en todo el mundo.
Si bien esto nos funciona bastante bien al trabajar con bases programadas (ya que las podemos compartir y así generar una suerte de cadena en la que cada uno va haciendo arreglos a los temas desde su casa), las ganas de compartir en la sala de ensayo han ido aumentando con las semanas. Antes que una banda, KNTI es un grupo de amistades, que incluso exceden a los 4 integrantes de la banda propiamente tal, y echamos de menos a toda la comunidad con la que trabajamos. La banda la vemos ante todo como una herramienta social y política para generar redes, comunicar, protestar y apoyarnos sin tener que recurrir al Estado o a la caridad empresarial (si es que existe). Para nosotros el ensayo semanal es una institución, y nos pasamos a veces hasta 4 o 5 horas entre tocar, conversar, pasarnos el royo con proyectos, compartir bandas que hemos descubierto, etc. Somos un grupo muy apegado de amigos y ninguna dinámica de tele-ensayo puede reemplazar nuestras reuniones en carne y hueso.
De todas formas, ante la enorme incertidumbre respecto de cuándo podremos volver a hacer tocatas y eventos con público, no nos queda otra que ingeniarnosla para poder seguir creando y tocando desde la cuarentena. Seguramente en los próximos meses podrán vernos y escucharnos en formatos y lógicas que irán surgiendo en función de las restricciones impuestas por la cuarentena y a partir de lo que nos dicte nuestra imaginación.

Distopía y caos son parte del imaginario de la banda, sin embargo la pandemia sigue siendo una realidad nunca antes vivida por nuestra generación ¿cómo manejan esta realidad inmediata y cómo se canaliza eso actualmente en su música y estética?

Nuestra estética siempre ha estado de distintas formas vinculada a los imaginarios post-apocalípticos, desde una onda tipo Mad Max, como en nuestro primer videoclip, “La Santa Procesión” (2015), hasta rasgos más Cyberpunk, como en el videoclip de “Deseo Distopía” (2017). Trágicamente el mundo y nuestra estética coinciden cada vez más, y actualmente nos parece estar viviendo la profecía auto cumplida de la banda y de toda la ciencia ficción distópica de las últimas 5 o 6 décadas. Obviamente esto no nos alegra en lo más mínimo, nos mantiene muy atentos y preocupados al devenir de las cosas.

Sin duda estamos muy receptivos e inquietos con la contingencia, por lo que nuestras letras, composiciones y creaciones audiovisuales seguirán haciéndose cargo de la realidad en que vivimos: un capitalismo en permanente crisis y expansión, una avanzada tecnológica de control global por parte de las grandes potencias, una sociedad cimentada sobre el especismo y la explotación de miles de millones de animales no humanos, y sobre todo, de un planeta que se dirige aceleradamente a un colapso ecológico que probablemente acabará con miles de especies, incluyendo la nuestra. Todo esto sin que sea en lo más mínimo forzado, ya que es seguir la misma línea estética que hemos trazado desde el año 2011.

Su nuevo EP lleva por título “Desenlace”, un nombre de mucha carga en días de ansiedad e incertidumbre… ¿qué desenlace imaginan a esta realidad, cuál es el desenlace de KNTI y de su música ?

En nuestro EP reunimos una serie de canciones, que forman parte de un proceso creativo que anduvo por hartos caminos. Decidimos hacerlo bajo el nombre de “desenlace”, como si de una crónica roja se tratara. A todos esos caminos que anduvo el material le advinó una voluntad de cierre. Pero es difícil hablar de puntos finales, cierres, desenlaces. De hecho, qué más abierto que esta realidad, la del encierro sanitario que nos hace vivir en la incertidumbre, la de los informes epidemiológicos, la de la imposición de “nuevas normalidades”. Por esto mismo es difícil ver un desenlace para este mundo actual, todo es volátil y las certezas son fugaces. Lo que sí podemos ver es que el trasfondo de esta realidad es la catástrofe y el desastre. Hemos intentado siempre trabajar sobre esta constatación, desde lo cotidiano y local, antes y ahora. En concordancia con esta realidad abierta y volátil -como también catastrófica- nos hemos encontrado en la creación igualmente abierta, solo que esta vez el desenlace, para KNTI, no se ve como cierre sino como apertura a nuevas formas, a cosas que estamos probando, nuevos sonidos, etc. En la afirmación crítica de este escenario adverso se ubica el desenlace de la música que hacemos y que estamos construyendo.

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ENTREVISTA PUBLICADA ORIGINALMENTE EL 19 DE MAYO DE 2020 EN ESTE SITIO WEB

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

Música, escritora y activista feminista. Vocalista y compositora en la banda de indie rock argentina Querida Daria, y editora del blog Ni groupies, ni musas. Jacqui Casais es una artista inquieta, una artesana de la palabra escrita, recitada y cantada. La cuarentena detuvo solo una parte de su permanente trabajo creativo y dio pie para terminar aquello pendiente entre su vida de docente y su vida artística. Sin tocatas en vivo la energía se ha volcado a la producción musical, los arreglos y a su primera novela gráfica «Martirio Hammer», editada recientemente. También se ha mantenido en línea, conectada y conectando desde su música y su poesía con transmisiones en vivo por Instagram en las que ha conversado con sus interlocutoras músicas y gestoras culturales. En medio de todo esto, ve la luz «Prospecto adjunto», su primer Ep como solista, un trabajo que si bien no fue compuesto en pandemia, guarda estrechos vínculos con el complejo contexto del encierro tanto en sus letras como en su sonido de loops otoñales, voz lánguida y sutiles aires retro. Un conjunto de canciones en el que Casais expone ese íntimo recoveco poco soleado y que al escucharse se presenta como una bocanada de electropop con el sello propio de una mente y un alma que habitan el mundo de los sonidos y los versos.

¿Cómo surge este trabajo? ¿A partir de qué necesidades artísticas y personales te planteas una faceta de cantante solista?

Hace unos años vengo trabajando en Ableton Live y experimentando vocalmente, y aprendiendo síntesis así que me enfoqué en eso y en la autonomía y posibilidades que me da poder crear en ese programa. Yo soy muy fan de bandas como Entre Ríos, Adicta, Isla de los estados, y en lo más cancionero pop Leo Garcia, Rosal, y la gran Rosario Bléfari entre otres a las que les vengo siguiendo hace años y me inspiran mucho. 

Me faltaba animarme a producir música yo misma en este formato. Hace mucho que tenía ganas y durante el verano comencé a producir los temas. En el pop independiente hay muy buenxs musicxs  por ejemplo Amor elefante que cada disco suena mejor, también me gusta Salvapantallas y más para el electropop Ignacia y Audia Valdez. Muches son músicas y también productoras musicales. También me gusta mucho Javiera Mena de Chile. Hay muchos proyectos pop independientes y electropop interesantes en América latina nuevos y no tan nuevos. Así que me estuve metiendo más en la producción musical en los últimos años y quería armar algo con un sonido que me identificara, un sonido que venía buscando.

¿Por qué decides llamarlo Prospecto Adjunto?

A nivel conceptual la idea original que le da nombre al título (esto surge pre pandemia) tiene que ver con mí experiencia con los ansiolíticos, que por motivos de exigencia/ explotación/ maltrato en el ámbito laboral tuve que hacer un tratamiento, por eso «Prospecto adjunto».

Es un trabajo que venías amasando mucho antes de la pandemia pero la idea de Prospecto Adjunto se conecta muy bien con el contexto de la cuarentena y esta realidad paralela…

Sí, cuando vino la pandemia, en los primeros meses de aislamiento el suicidio de un adolescente en mí familia me angustió mucho. Repasé la experiencia con los ansiolíticos. Y pensé en mi adolescencia y pre adolescencia, fueron años difíciles pero me ayudaba estar en la calle, ir a las marchas, andar en bici, ir a recitales, plazas, etc. y pensé en esto del arte y habitar en espacio público. Por eso pensé en Basquiat que me encanta (y el arte callejero). Pienso en la necesidad de les adolescentes y jóvenes de habitar el espacio público, embellecerlo, pintar, grafitear, andar en skate, rapear en la plaza vs este encierro necesario y que les adultes entendemos pero les niñes y adolescentes por más que se diga que nacieron con el celu en la mano muches no tienen celu ni internet ni acceso a la educación virtual. Les duele no ver a sus amigues, no ser abrazades por sus afectos. Pasaron meses sin contención, sin políticas públicas que les escuchen. 

Este relato de la pandemia refuerza la idea del título. Acaso el pop de autora que abordas en este disco ¿resulta de manera instintiva e intuitiva una receta antidepresiva?

SÍ, traté de contar cómo me sentía. Mis estados de ánimo que son consecuencias de la alienación del trabajo y de algunas medicaciones. A mí las canciones siempre me ayudaron a transitar y entender lo que me pasa.

La pulsión del electropop en este disco ¿fue para ti algo al servicio de esa experiencia que querías transmitir?

Acá en Argentina hay mucha historia de electropop o pop electrónico. Hubo y hay muchos proyectos interesantes y distintos. es un estilo que siempre me gustó y quise hacer. Cada vez hay más musicxs que producen su propia música y me resultan muy interesantes los proyectos del sello transfeminista Gema discos de la cuidad de La plata. Me gusta que la música electrónica esté aplicada a la canción, por ahora es la herramienta que uso.

Creo un poco que por el contexto cada vez va a haber más gente haciendo música así. Está complicada la escena y pienso que va ser una especia de poscromañón lo que va a pasar.

¿Qué es lo que más te gusta de tocar en una banda como frontwoman?

Tocar en una banda es hermoso porque en mí caso toco con amigues y eso no tiene precio. Aunque cueste tanto organizarse entre 5 personas(ni hablar de la crisis de los pocos lugares under para tocar que hubo prepandemia y que de ahora en adelante va a ser mucho más difícil) nos une más la amistad entonces eso es algo muy lindo.

¿Qué es lo que más te gusta de la experiencia solista?

De la experiencia solista creo que es similar porque si bien la creación es más intima, trabajé con gente que me acompañó y aprendí muchísimos y fue un honor contar con Natalia Perlerman que es una de las productoras más importantes y una agitadora musical transfeminista, es parte fundadora de Red multisonora (RSM)y moría por trabajar con ella, estuvo en la mezcla y máster. Valen Bonetto también parte de la red estuvo en la edición de las voces y Gastón Delicio en los arreglos junto conmigo. Así que un placer trabajar con todes elles. Es un trabajo solista pero al mismo tiempo grupal porque les amigues musiques que me dieron devolución durante el proceso también aportaron mucho.

Y luego la portada que hicimos junto a Marcelo Enriquez con quien trabaje en las ilustraciones de Martirio Hammer mí nuevo libro. El trabajo solista es parecido al trabajo de edición de un libro. Lo escribís, luego se lo pasas a amigues para pedirles opinión, luego pasa a corrección, edición, maqueta, y va tomando forma. Te juntas a pensar en la portada junto a otro artista que sabes que entiende la estética que buscas. Todo eso es un laburo de mucha gente. Al igual que un disco solista.

¿Cómo seguirá el 2020 para Jacqui Casais?

Por ahora presentando este EP «Prospecto adjunto» y ensayando para armar algún streaming. Y promocionando mí nuevo libro Martirio Hammer que es la primera vez que saco un libro con ilustraciones. Es mí primer libro dónde solo trabajo narrativa así que es algo nuevo para mí. Y Querida Daria en una pausa porque la pandemia nos complicó la rutina de la banda, y las personales también. No podemos ensayar y nos encontramos con problemáticas como las de la mayoría de las bandas. Nuestra manera de trabajar fue muy afectada con la pandemia y lamentablemente no pudimos adaptar el formato a lo virtual…es muy difícil proyectar a futuro la escena independiente ya que no hay políticas culturales que ayuden a qué la música este activa más allá de los grandes festivales y los artistas convocantes.

Los centros culturales dónde tocábamos están tratando de sobrevivir vendiendo comida y algunos haciendo streaming. Creo que es un momento muy duro para el arte en vivo y particularmente las bandas.

VIDEÓGRAFAS: NAT PLACENCIA. EL VIDEOCLIP DE BAJO PRESUPUESTO ES POSIBLE

VIDEÓGRAFAS: NAT PLACENCIA. EL VIDEOCLIP DE BAJO PRESUPUESTO ES POSIBLE

La realizadora audiovisual Natalia Placencia pertenece a una nueva generación de videógrafas cuya labor va más allá de la producción audiovisual, generando iniciativas con sentido político y educativo para brindar herramientas técnicas y alternativas en medio de la pandemia y del fuerte apagón laboral que vive el sector de la música, la cultura y las artes. Dicha iniciativa consiste en un ciclo de talleres on line diseñados para llevar a cabo videoclips de bajo presupuesto.


Nat Placencia es una realizadora audiovisual con conciencia crítica y militancia. Como parte de la comunidad lésbica, su trabajo es profundamente comprometido y activista en la visibilización de la realidad y el universo LGTB. Su trabajo habla por ella, no solo por su permanente colaboración con proyectos musicales cien por ciento independientes, emergentes y contraculturales, sino también por proponer formas de trabajo colaborativas. Reconocida por trabajar con la banda Playa Gótica, también es directora de la productora 4 Patas con la cual brinda diversos servicios para clips, lyrics, fotografía, visuales y registro de conciertos para bandas. Al mismo tiempo, en este andar, la videógrafa está generando un material audiovisual que registra la actual participación de las disidencias en la música, trabajando con talentosxs exponentes como la cantante y música lesbiana Yelenoz en el video para su canción “Lesbolución”, y con la cantante y performer trans Kamon Kamon Kamon para el clip del tema “Profundidad”, entre otres.

Recientemente se ha embarcado en crear una nueva plataforma cultural para promover la culturalgtbmás, y durante junio ha comenzado a impartir el taller virtual “Cómo hacer un videoclip de bajo presupuesto y no morir en el intento”. Un taller que nace a partir de su inquietud por aportar nuevas perspectivas al oficio compartiendo su experiencia, como también una forma de generar un espacio con sentido en el contexto actual, que pudiera brindarle a otres, nuevas alternativas, y a ella, algún tipo de remuneración económica a través de un aporte mínimo, luego del cese de todas las actividades de su rubro.

El curso compuesto por cuatro sesiones, consideradas por la videógrafa, básicas para generar contenidos, son guión, iluminación, dirección de arte y montaje. En ellas, se han abordado aspectos fundamentales a la hora de realizar un trabajo audiovisual como la luz y la fotografía. En qué consiste la labor del director de foto. Qué luces usar cuando no tienes recursos. Y cómo generar una propuesta de bajo presupuesto.

Entendemos que esto nace del contexto actual ¿Habías realizado algo así antes?

Nat: En realidad a lo largo de los tres años que llevo trabajando con bandas ya sea haciendo vídeoclips con mi productora 4 patas, independiente o trabajo en vivo, me he tenido que enfrentar cara a cara con la precarización laboral, en contextos donde tienes amigues que no tienen plata pero te gustan sus proyectos y te las tienes que arreglar para poder entregarles un trabajo que te deje contente a ti y a elles. Al entrar en periodo de pandemia me quedé absolutamente cesante, no tenía proyectos para realizar y en la red de trabajadoras de la música (TRAMUS) se abrió la posibilidad de hacer talleres y me quise atrever a enseñar lo que sé hacer ya que me di cuenta que en contextos de pandemia no podemos tener a une audiovisual a la mano y tenemos que crear nuestros propios trabajos y me pareció interesante expandir mi conocimiento a estas personas que tienen ganas pero muchas veces creen que el dinero es lo más importante al momento de crear y le bajan la importancia a la realización en sí. en la escuela en algún momento hice algunos talleres de nivelación y en una toma una vez me ofrecí a dar una clase de lenguaje audiovisual así que esas ganas de enseñar siempre han estado de mi parte y luego del taller que impartí de manera on line por la cuenta de Tramus pude atreverme a dar el paso a gestionar mis propias clases de manera particular.

Reconocida en la categoría a Mejor Vídeoclip en la edición 2019 del emblemático Festival de Cine de Lebu, por la realización de “Mi Chica Favorita”, otro clip que aporta a la visibilidad lésbica y que forma parte del debut solista de Fanny Leona, vocalista de Playa Gótica. Según nos cuenta, este hito fue determinante para continuar abordando su carrera desde una perspectiva independiente y austera, buscando desprenderse de las imposiciones económicas del rubro audiovisual y de los grandes presupuesto, esquivos en el mundo de la contracultura.

¿Crees que hoy en día les realizadores audiovisuales y les artistas en general deben ser capaces de crear este tipo de estrategias de bajo costo?
Nat: Al menos, bajo mi punto de vista, puedes ser el mejor director del mundo, realizar producciones de millones de pesos, pero si no sabes usar la cámara de tu celular y las luces de la casa para poder llegar a un resultado similar, entonces sabes solo la forma pero no el fondo, y un artista debe aprender que lo importante es el fondo porque muchas veces no querrán pagar por tu arte y no puedes caer en depresión por no poder llegar a ser parte de esa superproducción.
Muchas veces yo misma tuve depresión por no poder hacer algo como Wood Producciones o como grandes productoras pero cuando gané el premio a Mejor Videoclip en el Festival de Lebu, con un vídeo de 200 mil pesos compitiendo contra videos de un millón, me di cuenta que mi camino no tenía que estar ligado a mi bolsillo sino que generar de forma creativa los productos que me lleven a tener de a poco mayor visibilidad hasta llegar a tener el sustento económico o postular algún proyecto, a marcas con un camino detrás ya hecho, y no podemos quedarnos con el curriculum a medias por no tener una cámara carísima o actores de primer nivel.

Recientemente realizaste el videoclip de la canción “Poco y nada” de Sofía Oportot, un trabajo realizado bajo la misma política de bajo costo. ¿Cómo fue el proceso creativo y cuánto tiempo tomó?
Nat: Este vídeo fue completamente autogestionado, cuando trabajas desde la mismísima autogestión todo se atrasa, porque hay que pagar cuentas y si algo no te sale no puedes demorarte todo el día en ese proyecto para poder entregarlo lo antes posible. En el video “poco y nada” nos demoramos casi un año en sacarlo, más que nada porque lo grabamos en junio del 2019. Fueron cinco jornadas, ahí Sofía Oportot se lució con el arte porque ella misma lo realizó y fue con elementos muy básicos como papel de regalo para los fondos. Usamos luces de su casa, más dos luces que teníamos en la productora que eran un poco más pro. Usamos todo lo que teníamos a mano, pedimos ayuda a nuestres amigues que pudieran hacer foto, maquillaje y nos conseguimos la ropa por canje con Chic and Modern. Al final, fue un proyecto donde supimos usar los encuadres correctos en espacios públicos y privados muy delimitados, y además mucho trabajo de postproducción de color para que todo tomará una forma completamente profesional.

Entonces, desde tu experiencia ¿se puede realizar un trabajo audiovisual de bajo costo y salir airosa?
Nat: Completamente, y el vídeo “Poco y nada” de Sofía Oportot es una clara muestra de ello.

Para quienes nos leen, ¿hay un límite de cupos para el taller, qué contenidos quedan por repasar?
Nat: Todos los cursos se pueden tomar por separado dependiendo de lo que quieran aprender, si quieren tomarlos todos juntos pueden pagar el valor completo de lo que queda del curso. Estoy recibiendo máximo 20 personas pero estoy trabajando con la experiencia de este taller para abrir nuevos ciclos y también un posible curso de edición de video en general para el próximo mes.
El miércoles 01 de julio sobre dirección de arte. Y el miércoles 8 de julio será el último día del taller donde hablaremos de montaje, edición de video, utilización básica de Adobe Premiere Pro, pero también les daré herramientas para que puedan utilizar cualquier programa de edición, además de explicar teoría del montaje, cómo realizar un montaje rítmico y aprender a elegir material como un montajista profesional.

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MUSICOLOGÍA CON ENFOQUE DE GÉNERO.

MUSICOLOGÍA CON ENFOQUE DE GÉNERO.

En nuestra sección PODCAST HOLO JAZZ los invitamos a escuchar una nueva edición del espacio conducido por Miguel Vera-cifras, quien en esta oportunidad conversa con la destacada musicóloga española Laura Viñuela, una de la principales voces actuales en la musicología con enfoque de género, a través de su proyecto feminista ESPORA. También es parte de esta conversación la reconocida musicólga chilena Fernanda Vera Malhué, profesora de la UMCE y Universidad de Chile

 

ESCUCHA HOLO JAZZ CADA MIÉRCOLES DESDE LAS 22 HRS EN RADIO UNIVERSIDAD DE CHILE

Y REVÍVELO EN NUESTRA SECCIÓN PODCAST

 

 

LAURA LAMONTAGNE, LA GRAN AVENTURA – 1ra PARTE

LAURA LAMONTAGNE, LA GRAN AVENTURA – 1ra PARTE

Desde los alrededores de las murallas de Lugo, charlamos una mañana de lunes con Laura LaMontagne, espeleóloga musical pionera en la recontextualización de la herencia folclórica gallega a través de la fibra electrónica y las ondas del loop. Revolución conceptual que ya está abriendo la portezuela hacia futuristas pasados perdidos, de los que ella es nuestra brújula dorada.

Arrastrada por las muescas de un proceso natural, la polifacética creadora Laura LaMontagne esta viviendo una de las metamorfosis artísticas más estimulantes de estos últimos tiempos. Desde su barricada galaica, se ha topado con las llaves que abren un caleidoscopio donde pasado ancestral y futuro surcan el rostro de la intuición y el riesgo. Porque en su actual propuesta, junto al productor Pico Amperio, es capaz de reinventar cantigas del siglo XIII y abducir el espíritu de Rosalía de Castro bajo loops sin fin.

De esta veganista valdelomariana de pro, está emergiendo una isla musical conectada como las venas de un corazón a su cuerpo. Un ser babeliano que, a través de la expectación creada y unos conciertos de impacto hipnagógico, está recreando un planeta de sensaciones para el cual se receta curiosidad y estar vivo. Sin más.

Para entender el calado de este fenómeno, nos acercamos a Lugo, un día después de haber sembrado un nuevo recuerdo cincelado a piedra, gracias a su memorable actuación en La Ferretería, del 9 de junio. De ahí, nos tiramos por el tobogán que desciende hasta el origen de sus impulsos creativos. Hay tanta chicha que se hace imposible recortar lo que fue tan extensa como jugosa charla, dividida en dos partes. Aquí el primer acto. Pasen y lean.

 

                                                       Foto por Manuel G. Vicent

 

Antes de nada, pregunta obligada: ¿cómo surge tu transformación en Laura LaMontagne?

Este nombre lo adopté cuando todavía cursaba bachillerato. Escuchaba mucho en aquel momento a Ray LaMontagne y pintaba la mesa de clase con ese apellido, firmaba en mis libretas, etc. Después pasó a ser un apodo y finalmente me acompaña en la música desde que empecé a tocar, digamos, seriamente. Empecé cantando en un grupo acústico en Santiago de Compostela, Pirocactus, en el cual descubrí que quizás en un escenario es donde puedo dar lo mejor de mí. Lo integraban Santiago Ruanova a la guitarra y Roque Mosquera (actual batería de Mojo Experience) a la percusión. Estuve en este grupo tres años hasta que comencé a dar conciertos en solitario bajo el nombre de Laura LaMontagne.

Comenzó en los recitales de Caldeirería 26, eventos que jugaron un bonito papel en la vida creativa y artística de la gente de mi círculo, y por lo tanto en la ciudad. Esto de experimentar con la palabra y acabar siempre las noches tocando, cantando, me ha permitido conocerme y experimentar conmigo misma, lo cual es crucial a la hora de componer e interpretar música. Cuando empecé el proyecto La Elegía de la Huerta (2018) me propuse unos límites férreamente marcados que correspondían (y corresponden) a mi vida cotidiana: el veganismo. Comencé a escribir desde este relato y punto de vista y a componer para ese fin por su relevancia a la hora de pensar el futuro.

Fue entonces cuando integré la parte audiovisual a los conciertos, contando encriptadamente una especie de viaje que una persona debe hacer hacia una conciencia que integre la realidad de los animales en su pensar cotidiano. A toda esta catarsis le acompañaba un poemario titulado “La Elegía de la Huerta. Escritos I”, autoeditado e ilustrado por Belén Cordero, fotógrafa e ilustradora de Lugo.

Cuándo creas imágenes, ¿estás con la música en la cabeza o es algo que haces pensando únicamente en la creación visual?

Normalmente grabo cosas al azar, que en ese momento me han resultado curiosas o tienen cierto valor estético, me recuerdan o me llevan a algún tipo de nostalgia. Recuerdo que el primer vídeo que monté, durante una noche bochornosa, lo sentí como un impulso. Comencé a grabar la guitarra, grabar más guitarras, la voz, las texturas… y cuando tuve el sonido, me puse a rebuscar pequeños vídeos recopilados de mis viajes e incluso a grabar en el momento alguna imagen de mi misma. Lo que más me gustó fue ver que podía hacerlo, y que haciéndolo se expandían mis posibilidades expresivas.

En este caso, las imágenes de los viajes y paisajes no fueron grabadas con un objetivo claro pero sí con la intención de relacionarlas con el sonido, bien en un concierto o bien el algún vídeo como “All my colours” o “A Cruz de Porchia». Para la Elegía de la Huerta, sí había una intención clara: mostrar una realidad que nunca se muestra, que no interesa que se vea y que nadie quiere ver. Entonces intenté llevar a la persona espectadora conmigo en ese viaje, el cual había sido también real en mi vida. En mis vídeos había imágenes de Lisboa, Granada, Santiago, Lugo, Barcelona… los lugares donde todo lo que estaba cantando había pasado. En esos lugares comencé yo a transformarme. Después, intentando de un modo alegórico llamar a la cordura, llegaban las terribles imágenes que yo había ido a mostrar.

En este último año, me he centrado en experimentar con texturas, planos muy cortos o difuminados, colores y movimiento. La línea narrativa que apoya estas músicas podría centrarla, a grandes rasgos, en la dinámica del deseo, la historia familiar, la propia percepción del cuerpo (esta vez con textos sobre cuerpos humanes) y sus heridas. En este momento al crear siento que música e imágenes están al mismo nivel y estoy comenzando a crear de un modo más planificado.

 

                                                                                  Foto por Manuel G. Vicent

 

 

Si rascamos un poco, en tu universo musical hay una parte audiovisual y otra que proviene de la poesía. En tu caso, como Kate Tempest o Patti Smith, que son capaces de integrar lenguaje musical en la poesía, no poetizar la música. Lo cual me parece más difícil. ¿Hasta qué punto te ha servido de experiencia el poetry slam y los festivales de poesía donde has participado?

Lo de la poesía para mí empezó en el Erasmus. Tenía una asignatura que hablaba sobre la influencia de Walt Whitman en diferentes países. Entre otres, me quedé fascinada con la generación Beat y con Fernando Pessoa, con las posibilidades expresivas y rítmicas que me ofrecían. Al volver a Santiago, sentía una necesidad voraz de poesía y descubrí los recitales de Caldeirería y de A Medusa, el ambiente y el bullicio intelectual que allí se vivía. Me sentí muy arropada siempre, por lo cual estoy muy agradecida porque me ha ayudado a descubrir que el escenario es un lugar seguro para mí.

Hablando de Allen Ginsberg, que sus recitados tienen un tono muy musical, lo primero que escuché tuyo es “Color de carne triste o quisiera yo renegar”. Al adentrarme en esta canción, me vinieron unas sensaciones muy beatniks. Esa visceralidad.

Originalmente fue un poema que realicé para un Slam de poesía y acabó formando parte de La Elegía de la Huerta. Le encontré finalmente un apoyo instrumental y una parte cantada: una adaptación de la petenera flamenca “Quisiera yo renegar” de La Niña de los Peines.

Sin duda, para hablar de algo tan importante y pertinente, algo que la sociedad tiene por ridículo o por prohibido, tiene una que rasgarse la piel. No es de extrañar que me permita sobre las tablas decir lo que en el día a día, por no dañarme y entrar en conflicto, acallo.

En esa misma canción hay algo muy interesante, el segundo bloque, que acaba con unos dejes flamencos muy andaluces.

Exactamente, “Quisiera yo renegar” llegó a mí de una manera inesperada pero me sentí muy identificada. En el poema en el cual yo incluí esta petenera, la voz que nos cuenta su dolor viaja por la situación de los animales y las excusas vanales para asesinarlos hasta llegar finalmente a brindar un balsámico cuento futurista en el que por ejemplo, el edificio de un matadero se encuentra felizmente iluminado por la luna, feliz por que ya se ha vaciado el espacio donde confluyen la lógica del capital y el carnofalogocentrismo basado en la razón sacrificial. Me da mucho placer y esperanza pensar en un futuro así. Sin embargo, la lucha no se ha logrado, el presente sigue apretando. Para mí, esa petenera nos hace volver a la realidad cruel, pero nos da fuerza para saber de qué no queremos formar parte y posicionarnos en contra de las injusticias a través también de la práctica.

Veo tu música como viajes muy geográficos, muy emocionales, como tu poderosa conexión con Granada.

El acto de viajar, de viajar sola, de viajar sola por el hecho de conversar contigo misma, con tus ideas y libretas, recuerdos, rabias, rencores y sanaciones es algo imprescindible para la formación personal, para mí ha significado algo grandioso. Siempre encuentro inspiración viajando y observando. En Granada lo hice con Lorca bajo el brazo, y la ciudad cobraba sentido, cada aljibe lorquiano estaba a mi lado, los cipreses y los vientos de antaño. Val del Omar y su Aguaespejo granadino se me aparecían en cada esquina. Te lo juro, no dejaba de grabar cada cosa que veía, quizás esperaba que se me apareciesen. Allí compuse “La Rosa y el Halo”, basado en el cuarto fragmento del poema de Lorca “Cuatro Baladas Amarillas”. Me gusta transmitir en la medida de lo posible, a través de las imágenes, el espacio que arropó esa creación.

 

                                                                         Foto por Belén Cordero

 

 

¿Qué otros momentos de tu música están enraizados en este viaje?

Coincidió que antes de pasar este mágico mes en Granada, me llegó la preciosa noticia de que finalmente la película de Anxos Fazáns en la que trabajé como actriz en 2017, “La Estación Violenta” participaba en la sección Resistencias del Festival Internacional de Cine de Sevilla.

Fue impactante para mí ver ese trabajo acabado. En lo más personal, me generaba cierto rechazo verme haciendo cine y cantando en una película. Pero la verdad, sentí un gran alivio y muchas ganas de seguir apostando por este camino al ver que no había estado tan mal como yo misma me auguraba. Sin duda, la experiencia de estos dos viajes marcaron un antes y un después en mi vida.

De Fernando Pessoa a las cantigas medievales, no sé hasta qué punto eres consciente de que estás viajando de una manera que no se había hecho hasta ahora. Y que no se nota como trabajo de laboratorio impostado, y no solo en la música.

Quizás la persona más consciente de la intertextualidad con la que trabajo, soy yo. Si me pusiese a desmenuzar cada verso, cada referencia, llegaría a la raíz de qué, quién, cómo, dónde y porqué esa cierta frase, o esa cierta inflexión en la voz hace referencia a otra cosa. Creo que toda esa recopilación de referencias define un poco otra forma de viajar, que está muy ligada a mi generación. Hay que darse cuenta que hemos crecido con ciertas facilidades para descubrir información de otras partes del mundo que asimilamos como nuestras, por que nos acompañan en nuestros momentos o nuestras transformaciones. Podría parecer extraño que una de mis canciones favoritas venga casi del otro lado del mundo, sin embargo, creo que es algo bastante natural. Si una es respetuosa con sus influencias, creo que beber de fuentes externas es enriquecedor.

En el momento de poner el común mi universo musical con el de Pedro Cuntín, mi actual compañero creativo, al cual le debo la evolución del proyecto, le comentaba que muchas de las letras vienen de reflexiones que segrego después de leer libros de ensayo y teoría. Claro, le decía, ¿de dónde si no? Creo pertinente poder transmitir la importancia de esas transformaciones profundas que ocurren cuando una lee sobre lingüística y feminismo, cuando lees sobre la política sexual del consumo de carne animal, o cuando tienes una epifanía leyendo a Pizarnik.

Hay un par de temas que veo íntimamente relacionados y me obsesionan a un nivel profundo. La pulsión de muerte y la repetición. Adopté estos términos y comencé a escribir sobre esto desde mi trabajo de fin de carrera, en el cual analizaba la dinámica del deseo en los cuentos de Angela Carter. Huelga decir que me quedé enganchada a estos temas y los sufría en mi piel de una manera consciente.

El tema del loop acaba siendo algo metafórico en todo lo que me estás comentando, lo cual le proporciona un mayor sentido todavía a lo que haces ahora. ¿Cómo entras en ese mundo del bucle sónico?

A mediados de 2018, compré una Loop RC-30 y todo cambió. Descubrí que lo que me costaba tanto ejecutar en la guitarra, podía ser interpretado por la loop y así yo centrarme en explorar mi instrumento natural, que es la voz.
 Al probar e improvisar con ciertas bases, casi siempre recurría a canciones del folclore con estructuras repetitivas pero abiertas. Sin duda, he de confesar que la manía de los raags de entrar en un trance es algo que me atraía desde que conocí algo de música india de la mano de Lata Mangeshkar. Es volver al mismo punto una y otra vez, quizás porque hay algo importante que transmitir.

 

                                                           Foto por Pablo Fernández Cascudo

 

Claro, lo realmente interesante es cómo contextualizas cantigas del siglo XIII, como de Martin Codax, dentro del loop.

Todo empezó con “Ondas do mar de Vigo”. Para quien no esté familiarizade, Martín Codax fue un trovador medieval gallego de Vigo. Era un personaje muy importante para la asignatura de Literatura Gallega y era reiterado tema de análisis en clase. Se conservan siete composiciones, seis de ellas con notación musical original, recopiladas en el Pergamino Vindel.

En mis años de instituto integré esta cantiga, “Ondas do Mar de Vigo”, en mi imaginario musical y emocional hasta el punto de ser la canción predilecta que canturreaba en los momentos más difíciles. Como el mantra que te alivia. Un mantra, una repetición que de nuevo vuelve al mismo sitio, una y otra vez. Quizás para mí signifique un no-salir de un dolor, por no soltar la pena.

He investigado más cantigas de este mismo autor, como “Quantas Sabedes Amar Amigo” y “E no sagrad’en Vigo”, que no tenía notación musical, y de otros autores de su misma tradición como Airas Nunes de Santiago, trovador de la corte de Alfonso X El Sabio.

 

https://www.youtube.com/watch?v=mIjkdHgdhlg

 

No sé hasta qué punto eres consciente de que estás abriendo un camino. El loop lo veo como algo muy galaico. Como los oleajes, la naturaleza misma. Es que vivimos en un loop, directamente.

Sin duda, un loop podría ser como la marea que va y viene, que sigue sus ciclos y convive con el tiempo. Mi propio ciclo menstrual, el hecho de amigarme con esa parte de mi anatomía me ha hecho poder valorar la magia y la importancia de los ciclos. Y haberlo encontrado en la música me da pie a poder integrar dos caras de una misma moneda que al fin y al cabo es lo que conlleva la repetición: su cara más amable de establecer y brindarte un lugar en el tiempo, un lugar propio y reiterado, que crea tu identidad, y la parte más oscura de este tema que deriva de la pulsión de muerte: lo terrible de la cotidianeidad y su intrínseco abismo que tanto vértigo provoca. Sentimos vértigo ante la falta de consistencia de lo real. Creo que es positivo acabar haciéndose amiga de lo terrible e inconsistente de la realidad porque es inevitable, como en el lenguaje donde nada es como parece. Admites al final que los poros por donde se filtra esa inconsistencia es donde quieres establecer tu pequeño universo.

Es como vivir la mezcla constante entre las raíces y el futuro.
Me resulta muy interesante lo de utilizar el loop como una máquina del tiempo.

Me ha servido, como dices, para atraer algo del pasado al presente. Algo que a mí me inspiraba, traerlo hacia algo que me pasaba en el presente. Esta manía o sensibilidad, suene o no extraño, la desarrollé a base de escuchar músicas de otros tiempos y lugares: Zitarrosa, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui… Me ha ayudado con creces la influencia de La Baldosa Flotante, un cantautor investigador de realidades sonoras diversas, de idiomas diferentes y de historias de otros lugares. Fue él la persona encargada de traerme muchas semillas de otras tierras. Yo las aprecié, las sembré en mi tierra y salieron flores. Esas son las músicas con las que yo he llenado mis momentos, los he recubierto con mi historia y mi sensibilidad, que no deja de estar encerrada en el camarín de una cultura específica. Sin dolor, al admitir esto, es cuando puedes transformar y usar las enseñanzas que has cosechado y fabricar algo nuevo, algo reescrito. Supongo que esto es viajar en el tiempo.

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FOTOGRAFÍA CABECERA: MANUEL G. VICENT