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EQUIPA: UNA CONVOCATORIA PARA PROYECTOS MUSICALES DE MUJERES Y DISIDENCIAS

EQUIPA: UNA CONVOCATORIA PARA PROYECTOS MUSICALES DE MUJERES Y DISIDENCIAS

Buscando entregar herramientas que permitan mejorar el acceso a tecnología de proyectos musicales impulsados por mujeres y disidencias, nace Equipa, la convocatoria de la red de trabajadoras de la música en el área técnica Stage Ninjas, que extiende su cierre hasta este 29 de agosto.

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Fue en 2019, cuando un grupo de trabajadoras del área técnica, tras vivenciar de manera permanente las diversas brechas existentes en el quehacer musical experimentadas principalmente por mujeres y disidencias, decidió organizarse para dar forma a Stage Ninjas, red profesional que agrupa a las minorías que se desempeñan en el mundo técnico de la música (mujeres, trans, no binaries), disidentes. Desde entonces la red ha mantenido un constante trabajo colectivo de apoyo mutuo destinado a informar, organizar y desarrollar espacios de trabajo seguro e instancias de autoformación y diálogo para sus integrantes, visibilizando sus problemáticas laborales y sociales, y generando una valiosa cadena de apoyo y acción presente en el gremio de la música formando parte, por ejemplo, de ROMMDA, la red de organizaciones del sector musical.

A partir de esta labor fundamental STAGE NINJAS ha dado forma a EQUIPA, su primera iniciativa a nivel nacional de formación y apoyo para proyectos musicales encabezados por mujeres y disidencias. En esta primera convocatoria y con la colaboración crucial de Pro Music y PreSonus, el objetivo apunta a crear nuevas redes y entregar herramientas para proyectos musicales -grupales o solistas- que se desarrollen dentro de Chile y cuyos integrantes se identifiquen con una identidad de género femenino, transgénero o no binarie, sin importar su nacionalidad. «Los proyectos musicales de mujeres y disidencias están constantemente sufriendo la falta de acceso y visibilidad», dice la música y productora musical Victoria Cordero, quien es también una de las organizadoras de EQUIPA. «Además, este sector tiene menos acceso a la infraestructura necesaria, como micrófonos e interfaces de audio, para poder crear desde un espacio seguro y sin prejuicios. Es por eso que tenemos la sensación de que esta es una instancia necesaria y esperamos que siga creciendo y en el futuro podamos entregar aún más herramientas a quienes lo necesiten”, agrega.

Pero EQUIPA no una convocatoria tradicional, de competitividad y sesgos socioeconómicos, y tampoco está interesada en serlo, su génesis es, precisamente,  reimaginar y poner en práctica otras lógicas. «Algo que poco se ha considerado en ese tipo de convocatorias han sido las barreras de acceso a la información y tecnología para las mujeres y disidencias, lo que se ve reflejado tanto en el enfoque de la convocatoria como en la forma de evaluar a quienes se postulan», dice Carolina Pérez. «Buscamos encontrar ese valor perdido en cada canción que muchas veces queda atrás por no sonar como un hit radial e inspirarnos en quienes nos inspiran para destacar sus esencias, olvidándonos de elegir a le ‘mejor’. Y luego de encontrar esos proyectos, ayudarlos lo más integralmente posible, haciéndonos cargo de levantar esas barreras, compartiendo tanto nuestro conocimiento como la oportunidad de mejorar sus infraestructuras, para que así puedan seguir creando», indica.

 

Es por eso que el jurado, compuesto por Carolina Pérez (Stage Ninjas), Francisca Herrera (La Peluquería Records), Javiera Tapia (POTQ, Rockdelux), Noah Blanco (artista y activista) y Victoria Cordero (Chibi Records), seleccionarán tres proyectos correspondientes a la Zona Norte, Región Metropolitana y Zona Sur del país, pero guiándose por los siguientes criterios:

La convocatoria de EQUIPA ha extendido su fecha cierre para este 29 de agosto. ¡PARTICIPA!

Quienes deseen participar, deben completar el formulario (también estará disponible en el perfil de Instagram de @stageninjas) con los datos de quienes integren el proyecto musical solista o grupal y adjuntar en el mismo un archivo de audio en formato .mp3 en alta resolución (320 kbit/s).

Formulario de participación

Revisa las bases y detalles de participación AQUÍ

PREMIOS EQUIPA

EL ROCK AND ROLL LLORA: MUERE CHARLIE WATTS.

EL ROCK AND ROLL LLORA: MUERE CHARLIE WATTS.

Tan solo semanas después de haber anunciado su retirada de la nueva gira de The Rolling Stones, y tras haber sido operado en Londes, muere a sus 80 años, el histórico baterista Charlie Watts.

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Este martes 24 de agosto, a las 14 hrs, hemisferio sur, fue confirmada públicamente, a través de las redes sociales de la banda, la muerte del histórico miembro y baterista de The Rolling Stones, Charlie Watts : «Con inmensa tristeza anunciamos la muerte de nuestro amado Charlie Watts«, se lee en el comunicado divulgado a los medios por su representante. «Falleció hoy pacíficamente en un hospital de Londres, rodeado de su familia», añade.

Semanas después de haber anunciado su retiro de la nueva gira de los Stones, y a días de haber anunciado la edición aniversario del disco Tattoo You, el mundo entero recibió atónito la noticia de la muerte del baterista de ochenta años, tras haber informado un delicado estado de salud y haberse sometido a una intervención quirúrgica en Londres.

La noticia publicada a través de las plataformas digitales de la legendaria banda, no tardó en remecer al mundo de la música, el cual rapidamente comenzó a expresar la desazón de la pérdida y a destacar el enorme e invaluable legado de Watts como un baterista ineludible y arquitecto del rock and roll.  Miembros de la banda, colaboradores históricos, compañeros de generación en la historia de la música popular, y aquellos músicos que les siguieron manifestaron el profundo pesar y sorpresa de ver morir a un Rolling Stone.

Tras sesentas años de actividad musical imparable, The Rolling Stones despide a su baterista, a solo semanas de iniciar una nueva gira, en plena era pandémica, una gira que será un homenaje al querido Charlie Watts.

SLEATER KINNEY DE VUELTA AL RUEDO CON NUEVO SINGLE

SLEATER KINNEY DE VUELTA AL RUEDO CON NUEVO SINGLE

 

 

 

Sleater-Kinney, una de las bandas más representativas del movimiento Riot Grrrl, vuelve al ruedo presentando «Worry with you», el primer adelanto de su futuro nuevo disco titulado Path of Wellness, programado para lanzarse este 11 de junio.

 

Por Rossana Montalbán

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Actualmente conformadas como dúo con Carrie Brownstein y Corin Tucker, luego de la salida de su batera, Janet Weiss, la banda presenta “Worry with you” single adelanto de su nuevo trabajo Path of wellness, sucesor de The Center Won’t Hold de 2019. Un disco que fue registrado durante el confinamiento de 2020, autoproducido por el dúo y editado por el sello Mom & Pop.

Formadas a mediado de los 90s tras el surgimiento del movimiento Riot Grrrl, Sleater Kinney poco a poco se convirtió en una de las bandas más representativas de esa segunda camada de riots con un sonido indie rock estridente que con frecuencia jugó con ritmos, melodías y quiebres, dando forma a un refrescante indie rock de carácter feminista y militante llevado por Brownstein como voz, guitarra y letrista, y cuyo estilo literario supo crear un cancionero audaz y personal con temas que hablaron de lesbianismo, misoginia, aborto y autodeterminación en clave poética que identificaron a toda una generación.

Su nuevo sencillo “Worry with you” continúa explorando el sonido indie, esta vez ,con énfasis en la melodía y en los estribillos a través de un punzante pop alternativo, donde la guitarra sigue sintiéndose tan infecciosa como siempre gracias al ácido y repetitivo riff que lleva la canción, y cuya letra retrata la comunión cotidiana de una pareja lesbiana en el contexto del encierro. El single llega acompañado del videoclip dirigido por Alberta Poon, protagonizado por Fabi Reyna y Megan Watson, y es una de las once canciones que componen el nuevo disco.

Junto con anunciar la aparición de su décimo disco, la banda se prepara para salir de gira en un esperado tour veraniego junto a Wilco tras el cese de las restricciones sanitarias que han mantenido en pausa a la música en vivo.

NUEVOS SONIDOS EN EL DÍA DE LAS LETRAS GALLEGAS

NUEVOS SONIDOS EN EL DÍA DE LAS LETRAS GALLEGAS

 

 

GALICIA – A CORUÑA

 

ESTE 16 DE MAYO SE CELEBRA EL EMBLEMÁTICO Y TRADICIONAL DÍA DE LAS LETRAS GALLEGAS, CELEBRACIÓN PARA HONRAR A AUTORAS Y AUTORES QUE REALIZARON UN DESTACADO APORTE EN EL ÁMBITO LITERARIO EN LENGÜA GALLEGA. ESTE 2021 LA CELEBRACIÓN RECONOCE A LA TRANSGRESORA AUTORA XELA ARIAS, Y ES LA PRIMERA VEZ , EN LA HISTORIA DE ESTE EVENTO, QUE LA ACTUACIÓN MUSICAL NO CORRERÁ A CARGO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA, SINO QUE DE MÚSICA ELECTRÓNICA; A CARGO DEL DUO COMPUESTO POR LA CANTAUTORA LAURA LAMONTAGNE & EL PRODUCTOR PICO AMPERIO.

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El Día das Letras Galegas es la celebración dedicada a homenajear a aquellas autoras y autores que destacaron por el aporte literario en idioma gallego. Desde 1963, cada mes mayo la Real Academia Gallega dedica esta celebración a una personalidad diferente. Este 2021 la autora homenajeada es Xela Arias, “una de las voces más destacadas de la poesía gallega contemporánea”. gracias a su poesía  “singular, transgresora, sincera y comprometida”, informó la Academia, y se recordará, además, su trabajo como editora y traductora que hizo realidad que clásicos universales se pudiesen leer en gallego.

La jornada de homenaje a la autora,  se llevará a cabo este 16 de mayo en el municipio de Vigo, y contará como cada año, con una cuidada puesta en escena que combina letras, música e imagen, esta vez, a cargo de nuevas generaciones de artistas, cantautoras y poetas como es el caso del dúo compuesto por Laura LaMontagne y el productor Pico Amperio, quienes serán los encargados de encabezar el acto musical central de la jornada, presentando una musicalización de poemas de la autora.

 

El Consejo de Cultura Gallega te invita a disfrutar de la creación original de Laura LaMontagne & PicoAmperio, una composición audiovisual basada en textos de Xela Arias. Que tengas una feliz noche de fiesta.

 

UN DISCO PARA REMEMORAR : HARDCORE PARA SEÑORITAS, SHOW DOCUMENTAL

UN DISCO PARA REMEMORAR : HARDCORE PARA SEÑORITAS, SHOW DOCUMENTAL

La legendaria banda de hardcore melódico BBS Paranoicos estrena Hardcore para señoritas: show documental, un trabajo hasta ahora inédito, registrado en 2017 para el aniversario de los 20 años del recordado disco. Un estreno que podrá verse on line esta viernes 7 de mayo, y que se enmarca en la celebración de sus 30 años de trayectoria.

 

Por Rossana Montalbán

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Fue en 2017 cuando la longeva banda de hardcore melódico BBS Paranoicos decidió celebrar con una serie de shows en vivo, los veinte años de uno de sus discos más queridos y recordados, el emblemático «Hardcore para señoritas» editado en 1997, en pleno auge de la primera gran camada del hardcore local.  La serie de shows quedaría registrada dando forma a un depurado material de archivo que documenta la histórica celebración, en particular, la presentación realizada en Santiago el 9 de septiembre de ese año en Espacio San Diego, momento donde la banda repasó el disco junto a su primer vocalista Alex Patiño, acompañados por su devoto público.

 

UN DISCO SEMINAL

Sucesor de sus trabajos «Incierto final» y «Fábricas mágicas. Lápidas tétricas», “Hardcore para Señoritas” fue el tercer álbum de la banda, un disco que marcó los primeros cambios significativos al interior de ella, confirmándolos como una agrupación seminal para el hardcore melódico en Chile, surgida a inicios de los 90s en una escena eminentemente punk donde los quiebres rítmicos, la velocidad, la melodía y la introspección emocional no eran lo habitual. Elementos que hicieron de BBS Paranoicos una banda rara y solitaria dentro de la misma escena, quizás adelantada al contexto del underground chileno, inclinado hacia las influencias del punk radical español o el punk británico de la primera y segunda ola como  Sex Pistols, Clash o GBH, mientras que BBS Paranoicos recogía  influencias del punk melódico californiano.

Fue precisamente con «Hardcore para señoritas» que la banda conformada en ese entonces por Carlos Kretschmer, Pedro López, Juan Herrera, Alex Patiño y Cedric Otero, reafirmó su condición de banda particular con un disco cuyo título respondió directa e irónicamente a los clichés del Machocore, a cómo debía sonar y a qué cosas debía cantar una banda de hardcore. Al mismo tiempo, el disco reflejó los primeros reajustes en tanto sonido y formación con la inclusión de Omar Acosta, inicialmente para parchar la ausencia, por ese entonces momentánea, de Cedric Otero. Inclusión que además afianzó el carácter melódico y existencial de las letras, llevado en principio por Kretschmer, y que se combinaron a la perfección con el pulso punk y de desencanto plasmado por su vocalista Alex Patiño.

El disco compuesto por doce canciones marcó un nuevo precedente para la banda y para el circuito al ser editado bajo su propia marca discográfica Take sale! Records, etiqueta creada para proteger su material y mantener como banda independiente el control sobre el mismo. Con «Hardcore para señoritas», la banda giró por Argentina y por el resto de Chile, cerrando un periodo de notorio crecimiento al interior del circuito local y en Sudamérica, que tuvo su gran broche de oro con el show de apertura para la primera y esperada visita de Misfits en 1998.

UN COCIERTO DE ANIVERSARIO

Dos décadas después «Hardcore para señoritas» revivió en gloria y majestad para celebrar los veinte años desde su aparición con una gira aniversario que llevó a la banda a presentarse en Coquimbo, Copiapó y Valparaíso. Aniversario que tuvo su gran cierre en Santiago en Espacio San Diego con un show que contó con la participación de su primer vocalista Alex «Hormiga» Patiño quien dejó la banda en 1999, aparición especial que permitió repasar el disco tal y como sus seguidores lo recordaban.

En esa ocasión, las bandas invitadas para acompañar la celebración fueron los uruguayos Artista Desconocido (ex Nada Que Hacer), quienes se presentaron en Chile por primera vez, junto a los nacionales Sin Remedio, Mondronauta y Quebrantahuesos.

 

EL DOCUMENTAL

El  trabajo a cargo de Rodrigo Velásquez, documenta la gira y el show aniversario del disco realizado el 9 de septiembre de 2017 en Espacio San Diego, recogiendo entrevistas que revisan el proceso e historia de uno de los  trabajos fundamentales de la discografía de BBS, y es uno de los nuevos materiales históricos que la banda estará entregando en este gran aniversario de los 30 años de vida musical.

La función de exhibición on line se llevará a cabo este viernes 7 de mayo, con cupos limitados y  previa reserva al mail  *gabatte@mojobooking.cl <gabatte@mojobooking.cl>*. Además, la banda estará realizando la previa la tarde de este miércoles 05 de mayo a través de su FB LIVE.

 

ANITA LANE, FINAL DEL VIAJE

ANITA LANE, FINAL DEL VIAJE

La cantautora australiana Anita Lane, formó parte de los inicios de The Birthday Party y Nick Cave and The Bad Seeds como compositora y permanente colaboradora. Su trabajo solista se desarrolló lejos de la multitud y en constante diálogo con quienes fueron sus compañeros creativos dando forma a un evocador cancionero.

Por Rossana Montalbán

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Descrita por el fotógrafo Bleddyn Butcher como una influencia catalizadora y decisiva para la confianza creativa de Nick Cave en sus primeras incursiones artísticas, la cantautora australiana Anita Lane, además de compañera sentimental, fue cómplice y mentora de una serie de canciones e ideas que fueron magistralmente plasmadas en los proyectos musicales Birthday Party y The Bad Seeds.

El dueto creativo que formó con Nick Cave en los inicios de ambos proyectos dio lugar a composiciones como «A dead song» y  «From Her to Eternity», la canción principal de su álbum debut de 1984, donde Anita es autora de la letra. Lo mismo ocurrió con «Stranger Than Kidness» coescrita junto a Blixa Bargeld para el cuarto disco de la banda «Your Funeral my trial», editado en 1986. La canción, quizás una de las más poderosas de ese primer periodo, es una romántica y retorcida canción de amor, asfixiante y tierna a la vez, que mantiene al filo del drama y la tragedia sin llegar a ella.

Pero la vida musical de Anita Lane fue mucho más que alentar y desafiar la pluma cantautora de Cave como la notable escritora de letras que fue. En 1988 publicó su EP debut Dirty Sings, editado bajo Mute Records, un disco esencialmente explorador compuesto de cuatro canciones con la colaboración de Nick Cave en órgano en «Lost in music» de Sister Sledge, Mick Harvey como productor y Thomas Wydler ex-Die Haut en batería. Un trabajo deslumbrante donde las pistas sobresalientes corresponden a los temas solistas de Anita,»If I Should Die» y «Sugar in a Hurricane», donde la cantante invoca el espíritu de Nancy Sinatra, Nico y Marianne Faithfull.

Su trabajo en solitario continuó con la publicación de su primer LP Dirty Pearl de 1993,  originalmente grabado en 1982 cuando trabajaba con The Birthday Party, Nick Cave and The Bad Seeds, Einstürzende Neubauten y Die Haut, un material creado como parte de su colaboración permanente con dichos proyectos guardado por años en un cajón junto al resto de las canciones exclusivamente compuestas para el álbum coproducido por Blixa Bargeld.

A menudo adoptando el papel de la cantante asustada inspirada en las formas e interpretaciones de Nancy Sinatra, Francoise Hardy o Jane Barkin, grabó para el lado b del sencillo The World’s a Girl,  su versión del dúo Je T ‘de Serge Gainsbourg y Jane Birkin.  Coronando la exploración de este género Birkiano/Gainsbourgiano, Lane se unió al álbum tributo a Serge Gainsbourg  producido por Mick Harvey, Intoxicated Man, editado en 1995, una participación que fue el preámbulo para lo que fue el segundo disco del músico titulado Pink Elephants, editado en 1997. Un año antes, en 1996, también había retomado su permanente idilio creativo con Nick Cave para el disco Murder Ballads y el tema «death is not the end».

El nuevo milenio la encontró editando el disco Sex O’Clock de 2001, un disco en el que afina una diversidad de influencias entre lo retro y R&b, nuevamente acompañada de su compañero creativo Mick Harvey, en música y arreglos, y cuyas melodías lentas y elegantes recuerdan a los primeros momentos de Tom Waits , y las cuerdas y trompetas agridulces adornan lánguidas canciones que retrotraen inevitablemente al Serge Gainsbourg de principios de los setenta. Pero sobre todo, resulta imposible no quedarse atrapada con su versión para el himno de protesta antifascista «Bella Ciao» y la versión para «Home Is Where the Hatred Is» de Gil Scott-Heron, dos atrapantes evocaciones en el fiel estilo de Anita Lane.

La mañana de este 28 de abril, Mute Records dio a conocer la noticia sobre la muerte de Anita Lane, a la edad de 62 años, sin mayores detalles, y con el pesar de cada uno de sus compañeros artísticos que recordaron los días de música y rosas junto a ella.

 

 

 

BETANIA LÓPEZ CONTRA LA CENSURA

BETANIA LÓPEZ CONTRA LA CENSURA

La cantautora y compositora chilena Betania López acaba de estrenar su nuevo trabajo audiovisual para “Censura”, su más reciente single perteneciente a su tercer álbum, una canción en la que entrega un fuerte mensaje contra las injusticias, la represión y los actos dictatoriales que han sucedido en América latina durante este último año en plena pandemia.

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El single Censura es una sentencia apocalíptica a todos los poderes imperantes que gobiernan a América Latina. En él manifiesta el despertar de una sociedad que ya no tolera las injusticias, que ya no tiene miedo al poder a pesar de que la respuesta hacia un pueblo movilizado es la violencia, la represión del Estado, la cesantía, el hambre. En “Censura” Betania afirma categóricamente y con mucha fuerza que los poderes fácticos “van a caer” y que la verdad “no la callarán jamás”.

Inspirado en la lucha del pueblo y en las víctimas de la represión policial, así también en la censura que sufrió el colectivo Delight Lab en su proyección de las palabras “Hambre y Humanidad” en mayo del 2020 en medio de la rebelión social en Chile, el videoclip fue dirigido por Roberto Ormazábal, y asistido en dirección por Marcela Toledo. María de los Angeles Alvear estuvo a cargo del arte, Victor Mora de la Serigrafía, Natalia Deichler en maquillaje y Karo Alexandroff en vestuario. El single fue producido y mezclado por Cristóbal Pera Prezz y Misha Celis, en Estudios Celis, ambos productores conocidos por sus trabajos con Ana Tijoux y Aerstame, por mencionar algunos.

“Censura” es parte del tercer disco de estudio de Betania López y con él da muestra de su experiencia musical a través de la combinación de ritmos jamaiquinos como el Reggae, el Dub, el Ska, y sonidos marcadamente latinos. El single se suma a “Santa Capucha” y esta nueva producción pretende repetir el éxito de su segundo disco “Amor Perverso y Dub” -con el ska como protagonista- con el cual logró posicionarse en las audiencias chilenas y mexicanas con su potente lírica feminista y activista donde retrata a Chile y el mundo actual.

Cabe destacar que la artista debutó con su triunfo en las Escuelas de Rock y ha recorrido un gran camino en la escena chilena y especialmente la mexicana, ha girado 3 veces por el país norteamericano y ha compartido escenarios nacionales con importantes agrupaciones como Desorden Público de Venezuela y el cantante español Juantxo Skalari, líder de la banda Skalariak, entre otros.

NOVEDADES HISS RECORDS: TRES PROYECTOS LIDERADOS POR MÚSICAS

NOVEDADES HISS RECORDS: TRES PROYECTOS LIDERADOS POR MÚSICAS

Tres compositoras y productoras encabezan con sus proyectos solistas los estrenos del mes de abril del sello interregional Hiss Records. Naty Lane con Hammuravi, Safo 999 y Javiera Urra, son tres de las músicas que unen el mapa Hiss entre Santiago, Valparaíso y Concepción con sus nuevos singles.

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Hiss Records se ha transformado en el asilo de proyectos y bandas de diferentes estilos que transitan entre el indie, el dream pop, el shoegaze, el electro pop, y el rock alternativo.

Con estrenos mes a mes, Hiss records deleita esta vez con el trabajo de tres compositoras y productoras de diferentes partes de Chile. Hammuravi desde Valparaíso, Safo999 desde Santiago y Javi Urra desde Concepción, dando cuenta del circuito musical de tres grandes ciudades del país como también de las nuevas propuestas y de la nueva camada de música independiente hecha por mujeres. 

Tras un arduo trabajo de meses mezclando los formatos presenciales y remotos, las grabaciones y mezclas lograron salir a flote y captar la esencia de cada canción, gracias a un dedicado trabajo de producción realizado por las compositoras junto a Jurel Sónico de Hiss Records como coproductor, cada uno de los tres temas posee diferentes matices sonoros y atmosféricos, tomando lo más esencial del indie pop rock.

Hammuravi – Limbos

“Limbos” es el primer single del nuevo disco de Hammuravi, una canción con sonoridades tan oscuras como dulces, que transmite sensaciones tristes, ensoñadoras y volátiles,  y que habla sobre los espacios mentales en los cuales muchas veces nos dejan las expectativas no cumplidas, los deseos y anhelos del inconsciente. Producido por Jurel Sónico y Naty Lane. Simultáneamente se estrenó un videoclip realizado por Luis González.

Esucucha «Limbos» Spotify 

Saffo999 – Desfase

Influenciada por el indie rock y el dream pop,  en este segundo single adelanto de su primer EP, Safo nos muestra una nueva propuesta en relación a su single debut. Inspirada en sus vivencias personales, nos transportamos con melodías cargadas de emociones y nostalgia. 

Escucha «Desfase» en Spotify

 

Javi Urra – Tarde

El primer single de Javi Urra se titula “Tarde” es un increíble viaje de creatividad, colaboración artística y musical en tiempos de pandemia. Escrita hace un año en pleno encierro, retrata una tarde surrealista del invierno de Concepción, mezclando la nostalgia del confinamiento y la ansiedad de la espera.  Bajo la producción musical de Jurel Sónico, “Tarde” comenzó a tomar forma a finales del 2020, donde se incorporaron guitarras y sintetizadores, como sonoridades características del shoegaze brindando un ambiente sonoro noventero y melancólico.

Escucha «Tarde» en Spotify

DINOSAUR JR: EL REGRESO DE LOS HÉROES DEL INDIE

DINOSAUR JR: EL REGRESO DE LOS HÉROES DEL INDIE

Los héroes del indie rock Dinosaur Jr. regresan con un esperado nuevo disco pospuesto por la pandemia, titulado Sweep It Into Space, el cual verá la luz el próximo 23 de abril a través de Jagjaguwar.

Este esperado nuevo álbum de la banda estadounidense ofrecerá un tracklist compuesto por doce temas grabados a finales de 2019 en Amherst’s Bisquiteen . Dichas sesiones contaron con la participación de Kurt Vile, que coprodujo el álbum y tocó las 12 cuerdas presentes en I Ran Away.

Recordemos que tras la cuarentena la banda retomó su actividad en vivo en septiembre de 2020 para mostrar lo que habían postergado por el encierro. Los héroes del indie rock mostraron dos adelantos de lo que sería Swee It into the space en sus shows con distancia social de South Farms en Morris, Connecticut y en el recinto ferial del condado de Cheshire en Swanzey, New Hampshire. En ambos shows presentaron «Garden» y «Long Time», composiciones que fueron mezcladas durante cuarentena. «De alguna manera terminamos un álbum durante los tiempos de Covid. Supongo que no saldrá en un tiempo, pero tocaremos un par de canciones». Dijo Mascis en su momento.

La banda visitó Chile por primera y única vez en noviembre de 2013 en un esperado e inolvidable concierto que nos transportó a los 90s en una abarrotada Ex Oz en Bellavista, repasando lo mejor de su discografía en un explosivo encuentro lleno de stage diving, sudor y canciones coreadas con furor.

El nuevo disco de Dino ya tiene fecha para este 23 de abril y set list definido. Te invitamos a escuchar el primer single oficial.

Dinosaur Jr. – I Ran Away

JUSTICIA EN SPOTIFY: MÚSICXS EXIGEN UN MODELO JUSTO

JUSTICIA EN SPOTIFY: MÚSICXS EXIGEN UN MODELO JUSTO

Músicxs de todo el globo se dieron lugar el pasado 15 de marzo frente a las oficinas de Spotify ubicadas alrededor del mundo para protestar en el marco de la campaña “Justicia en Spotify”, la cual exige mayor transparencia sobre los ingresos por streaming y las prácticas de la empresa.

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En octubre de 2020 La Unión de Músicos y la Unión de Trabajadores aliados de Estados Unidos- The United Musicians and Allied Workers Union (NMAW) inició la campaña titulada “Justicia en Spotify”, convocando a músicxs de todas las latitudes, la cual, entre otros objetivos, busca que la masiva plataforma aumente su pago promedio por escucha de $.0038 USD a un centavo por escucha. El pasado 15 de marzo las protestas convocadas a nivel global se llevaron a cabo en 31 ciudades a lo largo de EE. UU, Canadá, América del Sur, Australia, Europa y Asia, a las afueras de las oficinas de Spotify ubicadas en todo el globo, demandando cambiar el modelo de pago por uno centrado en el usuario, y no en la empresa, como lo es en la actualidad. En dicha oportunidad Zack Nestel-Patt, miembro UMAW señalo a través de un comunicado oficial: «Spotify opera internacionalmente, así que si los trabajadores de la música van a exigir más, también debemos organizarnos internacionalmente”. “Spotify está amenazando el sustento de los músicos en todas partes, y ya es hora de que nos levantemos juntos para exigir más”.

Desde que se lanzó la campaña, ha obtenido más de 28.000 firmas de artistas como Thurston Moore, King Gizzard And The Lizard Wizard, Frankie Cosmos, Deerhoof, Julianna Barwick, JD Samson (MEN, ex-Le Tigre), DIIV, Alex Somers (Riceboy Sleeps), Zola Jesus y más.

En su reciente comunicado refiriéndose a las protestas, una de sus voceras representante de la UMAW, Mary Regalado activista y música dijo: “Spotify ha maltratado durante mucho tiempo a los trabajadores de la música, pero la pandemia ha puesto de relieve la explotación”.

Regalado, quien también toca en la banda de punk Downtown Boys, agregó: “La compañía ha triplicado su valor durante la pandemia, mientras no ha logrado incrementar sus tarifas de pago a los artistas ni siquiera en una fracción de centavo. Los músicos de todo el mundo están desempleados en este momento, mientras que los gigantes tecnológicos que dominan la industria reciben miles de millones. El trabajo musical es trabajo y estamos pidiendo que se nos pague de manera justa por ese trabajo”.

A principios de este año, una petición creada por el músico Evan Greer le pidió a Spotify que triplicara permanentemente sus tasas de regalías para los artistas luego de la pérdida de ganancias que surgió debido a la pandemia del Coronavirus.

En abril de 2020, en medio de la pandemia, el director de PRS, Tom Gray, compartió datos recopilados por The Trichordist que muestran cuántas transmisiones necesitan los artistas para ganar el salario mínimo en cada plataforma de transmisión. Los músicos que promocionan su música en Spotify necesitarían 3,114 reproducciones para ganar una hora del salario mínimo del Reino Unido (£ 8.72).

En agosto, los músicos criticaron ampliamente a Daniel Ek de Spotify después de que el director ejecutivo dijera que “no era suficiente” que los artistas “grabaran música una vez cada tres o cuatro años”. En la entrevista original, Ek dijo que había una “falacia narrativa” sobre la idea de que Spotify no paga lo suficiente para que los artistas sigan viviendo. “Se trata de poner el trabajo, de la narración del álbum y de mantener un diálogo continuo con tus fans”, dijo. “Siento, de verdad, que los que no lo están haciendo bien en la transmisión son predominantemente personas que quieren lanzar música de la forma en que solía ser lanzada”.

 

 

Durante los últimos meses, una investigación en el Departamento de Cultura, Medios, Medios y Deporte (DCMS) del Reino Unido ha estado investigando el impacto financiero del streaming de la plataforma en los artistas, con músicos como Ed O’Brien de Radiohead, Guy Garvey de Elbow y Nadine Shah les dijeron a los parlamentarios que los pagos por streaming injustos estaban “amenazando el futuro de la música” durante la primera audiencia en noviembre.

FUENTE: AGENCIA EUROPA PRESS