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SINTONIZA UN NUEVO CAPÍTULO DE «LEJOS DE LA MULTITUD»

SINTONIZA UN NUEVO CAPÍTULO DE «LEJOS DE LA MULTITUD»

Ya se encuentra disponible en Spotify, Mixcloud e Ivoox, el más reciente capítulo del show radial dedicado al underground «Lejos de la multitud».

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El show de radio online Lejos De La Multitud nació en abril del 2020 y en su segunda temporada continúa ofreciendo una selección de los mejores artefactos contraculturales que aparecen en el radar de su creador, el periodista, traductor y editor Carlos Aliaga.  El capitulo número 22 ya se encuentra disponible en Spotify.

“Uno de los objetivos de este proyecto es ir más allá de lo que ofrecen otros shows que se concentran exclusivamente en un estilo musical, medio visual o literario. Acá podrán encontrar una curatoría ecléctica de discos, libros, cómics, series y películas ligados al underground y la contracultura. La idea es ir más allá de los lugares comunes, profundizar en el análisis y que tanto los auditores como yo podamos ir descubriendo detalles interesantes y novedosos sobre estos artistas”, explica Aliaga.

En este episodio podrán escuchar temas de Citizen Fish, J Church, The Creatures, Au Pairs, Television, New York Dolls, Al Green, Low, The Sonics, Naked Raygun, The Flaming Stars, Joe Strummer, The Rezillos y Man Or Astro-man?.

También podrán encontrar sugerencias y reseñas de artefactos culturales como la antología “Felices Pesadillas: Los Mejores Relatos De Terror Aparecidos En Valdemar” (2003), la novela gráfica “X-Men: Dios Ama, El Hombre Mata” (1982), los documentales “Hitsville: The Making of Motown” (2019) y “Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films” (2014) y la colección de reseñas cinematográficas “Harlan Ellison’s Watching: Essays and Criticism” (1989).

Todos los episodios de Lejos De La Multitud pueden ser escuchados en Mixcloud, Ivoox y Spotify.

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

Evocando los movimientos rotativos y el magnetismo del satélite natural, la cantautora nacional Natalia Corvetto, presenta «Luna oscura», tercer single de su nuevo disco.

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«Luna oscura» es el tercer sencillo del nuevo disco de la compositora nacional Natalia Corvetto, un bolero inspirado en la danza eterna que la Luna hace cada 29 días, para reencontrarse con el sol. Este reencuentro, designado por la naturaleza, sucede en cada luna nueva (luna oscura, novilunio). Bajo esta premisa la compositora nos presenta esta canción en clave bolero, deleitando a través de una melodía protagonizada por la perfecta sincronía entre el violín, la viola y el violonchelo. 

En Luna oescura, el juego de cuerdas y la interpretación vocal de Corvetto destacan desde el primer minuto, creando un cálido y envolvente sonido en la mejor tradición del bolero más sutil y delicado, junto a los músicos Daniel Miranda en guitarra acústica, Milton Rusell en contrabajo, Mauricio Pérez a cargo de tumbadoras y maracas, Raúl Ramos en batería, Danka Villanueva en violín, Maria José Araya en viola, y Paloma Otárola en violoncello.

Interpretando sus transformaciones y movimientos como un baile de seducción que se extiende por 28 días, Natalia Corvetto le canta a la luna, le declara su amor y le agradece su inspiración. Y al cantarle a la luna, le canta a la naturaleza, a sus ciclos, y a su poderosa conexión con la vida. En sus tres minutos de extensión, Luna Oscura evoca el magnetismo y el misterio del amor. Y ya puedes escucharla en Spotify.

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

 

«Live at bar de René» es el título del nuevo disco en vivo de The Ganjas, trabajo que registra uno de los últimos y memorables encuentros sobre el escenario con el legendario productor Jack Endino, llevado a cabo una calurosa noche de verano en el mítico bar de Santa Isabel.

El registro en vivo feat. Endino – quien también estuvo a cargo de mezclar y masterizar el disco – acaba de ser publicado en formato CD con arte original, y en formato digital a partir del 25 de este mes, bajo el sello BYM Records. Además, el disco incluye un adelanto del nuevo material de la banda con ‘Listen to the Lion’.

Por Rossana Montalbán M

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Corría el verano de 2019 cuando The Ganjas nuevamente se reencontraba con el productor Jack Endino para grabar su séptimo disco de estudio. Un reencuentro que venía a reafirmar la vieja camaradería que la banda y el productor habían forjado luego de trabajar juntos por primera vez para la grabación de su disco Resistance en 2011.

Tras varias visitas a Chile, entre los años 2014 y 2017 para trabajar con la banda y continuar el fuerte lazo musical que los unió, el productor de Nirvana,  Mudhoney, Soundgarden, y fundador de Skin Yard, regresó a la capital a finales del 2018 para retomar las grabaciones de lo que sería el próximo disco de estudio de The Ganjas, «Generation», reprogramado finalmente para el 2022, y donde Endino además de producir participa como guitarrista invitado, elemento que además de reforzar la química y fiato entre él y la banda, dio cabida a distintos momentos de improvisación tocando en formato jam session, logrando matices experimentales en las nuevas composiciones. 

Fue precisamente ese fiato musical el que los llevó a compartir escenario una cálida noche de verano, en el mítico Bar de René, escenario ineludible para el rock independiente y el metal en la capital. Oportunidad en la que la banda llevó a cabo una de sus tantas presentaciones en vivo a tablero vuelto en una concurrida y apretada velada donde se transpiró ruido y psicodelia, esta vez con la presencia de una figura clave para el sonido de Seattle en la década de los 80s y noventas, Endino en cuerpo y alma, Endino el músico, despertando el espíritu dormido de Skin Yard y sacando chispas en una suerte de fraternidad sonora junto a The Ganjas.

Los primeros adelantos del mítico encuentro ahora convertido en disco, son las versiones de dos infaltables del repertorio de la banda santiaguina, ‘Ghost Rider’ y ‘La lluvia no quiere caer’, dos canciones que adelantan el próximo estreno digital del disco, programado para el 25 de junio. En tanto el cd, ya se encuentra disponible desde el 4 de junio a través de Bym Records, con una edición limitada de tan solo trescientas copias disponibles que, prontamente, si los seguidores así lo deciden, y al igual que el show que plasma, pasará a ser otra joya difícil de volver a encontrar.

BOB DYLAN: ÉRASE UNA VEZ EN EL DESIERTO

BOB DYLAN: ÉRASE UNA VEZ EN EL DESIERTO

 

 

En octubre de 2016 Bob Dylan fue anunciado como el primer compositor en ser reconocido con el Premio Nobel de Literatura. Ese mismo mes, Robert Allen Zimmerman dio uno de sus recitales más recordados de su etapa reciente sobre los escenarios en el marco del publicitado y sin precedentes Oldchella Desert Trip. Un festival creado para marcar un hito y dejar inolvidables escenas en la retina de sus asistentes convocando a seis leyendas vivientes de la historia del rock and roll.

Por Rossana Montalbán

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Érase una noche en el desierto, cinco años atrás, cuando Dylan había cumplido 75 años, cuando aún no estábamos del todo inmersos en la virtualidad y cuando aún no éramos descubiertos por la distopía sanitaria que congeló todo acto de esparcimiento colectivo, llevándose consigo la música en vivo y, sobre todo, los viejos y masivos recitales, y las largas jornadas de festivales.

Érase una noche en el desierto, hace solo cinco años atrás, cinco años que parecen un siglo. Una noche que al rememorarla, en el contexto actual, adquiere mayor espectacularidad justo cuando Dylan celebra su cumpleaños número 80. Paso del tiempo que hace de ésta crónica distante y virtual, antes de la masificación y normalización del streaming, una crónica digna de la era pandemia, reformulando la lejanía, intentando sortear la imposibilidad de la presencia como pretendía hacerlo desde un principio, solo recogiendo las señales de humo que llegaban desde el otro extremo del continente.

 

ÉRASE UNA NOCHE EN EL DESIERTO: Crónica desde lejos, Bob Dylan sobre el escenario del Desert Trip, octubre 2016.

Por Rossana Montalbán

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Es viernes por la noche. A miles de kilómetros está por empezar eso que han llamado el concierto del siglo. El Oldchella Desert Trip, el festival que reúne a Bob Dylan, The Rolling Stones, Paul McCartney, Roger Waters, The Who y Neil Young, en la bien llamada ciudad de los festivales, Indio, en el Valle de Coachella, al sur de California.

Por supuesto no existe transmisión de streaming y el mundo expectante tendrá que esperar hasta que el festival salga en algún formato de colección como bien rezan los mandatos del marketing. Pero no queremos esperar. Es viernes en la noche y queremos estar allá, queremos saber qué está pasando.

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Estamos un poco obsesionadas, y las redes sociales son el camino para seguir la pista del magno recital. Twitter, Instagram y el ahora “bendito” Periscope ayudan a satisfacer la necesidad de información en momentos así. Entonces el desierto de California ya no parece tan lejano, al menos, en este instante. Las redes sociales oficiales del evento, incluyendo su aplicación para móviles, nos daban la previa, el ambiente, la llegada de los visitantes y el atardecer tricolor con las localidades ya ocupadas. La escena es apoteósica. Es el desierto de California, ni más ni menos, un lugar que ha alimentado el imaginario de la música, el cine y la literatura norteamericana. Un paisaje recurrente dentro del cancionero de la American music.

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Solo horas antes de comenzar, – 7 de la tarde  en Santiago de Chile –  la reflexión de Dylan venida de otro tiempo, publicada por Ron Wood en su página de Facebook, aquella tarde:

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Ya es media noche en esta ciudad, mientras que allá, la noche recién comienza. Dicen los tweets de los asistentes al concierto y de los corresponsales de medios de comunicación, que Dylan ya ha subido al escenario y que suena Rainy day women. Mientras busco los primeros vídeos y fotos para constatarlo, trato de imaginar qué visteDylan, cómo suena la banda, y cómo se escucha su voz. Entonces encuentro el siguiente tweet deLaura Steele, reportera de Cincinnati 92.5 Indy Classic Hits 104.5 WJJK –

Las imágenes y el sonido hablan del Dylan que creemos conocer y que recordamos. El hombre de sombrero y traje negro, en penumbras, ensimismado, sentado al piano cantando con la voz que el paso del tiempo ha vuelto más y más aguardentosa transformando su repertorio como bien lo comenta el corresponsal de Agencia EFE, David Villafranca:

Los aplausos y comentarios llegan desde el desierto, porque Dylan deslumbra con quietud, sobriedad y un poco de ese usual mal carácter sin dejarse fotografiar en la gran noche, pero tocando lo que el público ha añorado escuchar: “Don´t think twice it´s alright”, “Highway 61 revisited”, “It´s all over now, baby blue”, “Love sick”, e incluso la inmensa “Desolation Row» con McCartney como espectador a un costado del escenario, cuentan los afortunados testigos a través de sus cuentas.

Ballad of a thin man y Masters of war hacen olvidar a los que twittean que Dylan está flojo, aún así pareciera que Dylan busca una y otra vez romper con su propio mito y con la adoración que se le profesa.  Sin embargo, otros dicen que todo lo que hace es a propósito del mito, arrogante y sin respeto alguno por sus seguidores cantando versiones irreconocibles de sus mejores composiciones. Dylan guarda silencio. Guarda silencio incluso cuando gana un Nobel. Esta noche no es diferente. No saluda, ni se levanta del piano para dejarse ver. El hombre del sombrero es casi un sombra, distante, impenetrable y odioso, complaciendo sin complacer.

Tres años después, los registros de de esa noche corroboran eso y todo el resto. Corroboran 80 minutos de historia musical decisiva de la cual los Stones y los Beatles aprendieron.

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Eduardo Fabregat Editor C&E del Diario Página 12 :

https://www.youtube.com/watch?v=w9S8l_TqCHw
https://www.youtube.com/watch?v=smTvTgNnf2Q
Recopilación fuentes y redacción de textos por Rossana Montalbán
Fuentes fotográficas: Enterprise Press, El País, Chicago Tribune
SLEATER KINNEY DE VUELTA AL RUEDO CON NUEVO SINGLE

SLEATER KINNEY DE VUELTA AL RUEDO CON NUEVO SINGLE

 

 

 

Sleater-Kinney, una de las bandas más representativas del movimiento Riot Grrrl, vuelve al ruedo presentando «Worry with you», el primer adelanto de su futuro nuevo disco titulado Path of Wellness, programado para lanzarse este 11 de junio.

 

Por Rossana Montalbán

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Actualmente conformadas como dúo con Carrie Brownstein y Corin Tucker, luego de la salida de su batera, Janet Weiss, la banda presenta “Worry with you” single adelanto de su nuevo trabajo Path of wellness, sucesor de The Center Won’t Hold de 2019. Un disco que fue registrado durante el confinamiento de 2020, autoproducido por el dúo y editado por el sello Mom & Pop.

Formadas a mediado de los 90s tras el surgimiento del movimiento Riot Grrrl, Sleater Kinney poco a poco se convirtió en una de las bandas más representativas de esa segunda camada de riots con un sonido indie rock estridente que con frecuencia jugó con ritmos, melodías y quiebres, dando forma a un refrescante indie rock de carácter feminista y militante llevado por Brownstein como voz, guitarra y letrista, y cuyo estilo literario supo crear un cancionero audaz y personal con temas que hablaron de lesbianismo, misoginia, aborto y autodeterminación en clave poética que identificaron a toda una generación.

Su nuevo sencillo “Worry with you” continúa explorando el sonido indie, esta vez ,con énfasis en la melodía y en los estribillos a través de un punzante pop alternativo, donde la guitarra sigue sintiéndose tan infecciosa como siempre gracias al ácido y repetitivo riff que lleva la canción, y cuya letra retrata la comunión cotidiana de una pareja lesbiana en el contexto del encierro. El single llega acompañado del videoclip dirigido por Alberta Poon, protagonizado por Fabi Reyna y Megan Watson, y es una de las once canciones que componen el nuevo disco.

Junto con anunciar la aparición de su décimo disco, la banda se prepara para salir de gira en un esperado tour veraniego junto a Wilco tras el cese de las restricciones sanitarias que han mantenido en pausa a la música en vivo.

SAM PHILLIPS Y SUN RECORDS: La cuna del rock and roll

SAM PHILLIPS Y SUN RECORDS: La cuna del rock and roll

 

 

En Mistery Train, la película de Jim Jarmusch de 1989, una pareja de jóvenes turistas japoneses visitan Memphis para ver en vivo los viejos estudios de Sun Records Company. Ella es fan absoluta de Elvis Presley – Graceland también es parte del itinerario-, mientras que él lo es de Carl Perkins. Un largo viaje de peregrinación para ver con sus propios ojos la meca absoluta e indiscutible del ritmo frenético del rock and roll. Y es que Sun, este sello discográfico fundado por Sam Phillips en 1952, es una marca reconocida en todo el mundo, que tiene entre su catálogo no solo al primer y más honesto Elvis Presley, sino también a Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Charlie Feathers, entre muchos otros portentos.

 

Tal como señaló el periodista y crítico Matt Blitz: “Si el rock and roll es una religión, Sun Studio es uno de sus templos más sagrados. Las paredes de este garaje convertido en estudio de grabación en Memphis resuenan con los ecos del pasado. Aquí es donde Elvis se convirtió en rey, Cash caminó por la línea y Perkins se puso sus zapatos de gamuza azul. Aquí es donde Roy Orbison, B.B. King, Ike Turner y Jerry Lee Lewis comenzaron. Aquí es donde nació el rock and roll”.

Sam Phillips nació en una pequeña granja de Florence, Alabama, en 1923, hijo de un granjero que arrendaba un terreno para trabajarlo. De orígenes muy humildes, Phillips explicó en una entrevista en 2001: “Cuando era pequeño, quería ser un abogado defensor penal, porque vi a mucha gente, especialmente a la gente negra, atropellada”. Sin embargo, el destino lo llevaría por el lado de la música y terminaría transformándose en uno de aquellos empresarios blancos que lanzaron música negra en tiempos en los que la segregación racial era una hermética barrera de odio. Primero trabajando como cazatalentos y productor musical para otros sellos y estudios, Phillips grabó, entre otros, a B. B. King, Howlin’ Wolf, Little Milton, Rufus Thomas y Jackie Brenston, cuyo “Rocket 88”, de 1951, suele ser mencionado en muchas listas como el primer disco de rock and roll.

Phillips no tardó en independizarse para fundar su estudio de grabación propio en 1950, y en 1952 su propio sello discográfico: Sun Records Company. El estudio estaba en una pequeña tienda alquilada en Union Avenue, en Memphis, con el lema: «Grabamos cualquier cosa, en cualquier lugar, en cualquier momento». Por unos pocos dólares, cualquiera podía entrar y hacer una grabación en acetato, generalmente una canción o un mensaje especial para un ser querido. Pero este servicio solo era una forma de hacer dinero para sobrevivir y mantener a flote el estudio mientras grababa a artistas que él mismo descubría y contrataba, como Rufus Thomas, Howlin’ Wolf y B.B.King. Tal como Phillips señaló en una entrevista: “Estaba buscando un terreno más alto, porque sabía que existía en el alma de la humanidad. Y especialmente, en ese momento, el espíritu y el alma del hombre negro”. Phillips sabía que el talento existía, pero también la fuerte segregación de la época, porque, aunque Sun se convirtió en una vitrina para los artistas negros en Memphis, Phillips se dio cuenta de que no importaba cuán grande fuera el éxito y el talento, nunca se vendería a una audiencia más amplia en el país, por lo que llegó a declarar que el éxito económico le llegaría cuando apareciera “un blanco que cantara como negro”.

Y esa persona llegó caminando a su estudio, una tarde cualquiera de 1954. Era camionero, tenía dieciocho años y quería pagar cuatro dólares por grabar una canción o dos como regalo para su madre. Ese desconocido se llamaba Elvis Presley. Y vale decir que por entonces Elvis solo era un gran diamante en bruto, pero sin un estilo fijo ni un camino adoptado. Fue Phillips quien le puso en contacto con su primera banda -Scotty Moore en guitarra y Bill Black en contrabajo, más la incorporación poco después de D.J. Fontana en batería- y fue quien le aconsejó grabar como primer sencillo ese country acelerado y sincopado llamado “That’s all right (mama)”, que sería el debut oficial en disco de Elvis. Con Sun Records, Elvis grabaría cinco sencillos más, incluyendo hits de su primera época más rockabilly como “Blue moon of Kentucky”, “Mistery train” y “Good rockin’ tonight”. El éxito fue tal que la Sun no pudo retener más a Elvis y terminó cediendo el contrato del artista a RCA con solo 35.000 dólares.

Pero Elvis no fue el único éxito de Sun. No olvidemos que Johnny Cash publicó toda su discografía temprana en el sello, al igual que el primer Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins. ¿Qué otro sello puede darse el lujo de incluir en un recopilatorio de su catálogo piezas como “Blue suede shoes”, “Great balls of fire”, “Whole lotta shakin’ go on”, “I walk the line”, “Folsom prison blues”, “Raunchy”, “Domino” y las ya mencionadas canciones de Elvis Presley? Y recordemos que el productor de cada una de esas grabaciones, verdaderas piezas históricas de la música popular del siglo XX, fue Sam Phillips en persona. Su contribución como productor es tan importante que fue inducido al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 y también al Salón de la Fama de la música Country en 2001, dos años antes de fallecer a los ochenta años.

 

A partir de los años 60, Sun Records fue perdiendo terreno y dejando de marcar la pauta; sus artistas estrellas habían sido absorbidos por las grandes multinacionales y el rock and roll primigenio ya parecía ser parte del pasado, sobre todo con la invasión británica liderada por The Beatles (cosa curiosa, ya que los Fab Four veneraban y versionaban a los artistas del catálogo de la Sun). Finalmente, Sam Phillips terminó vendiendo los derechos del sello y el estudio cayó en el abandono. Sin embargo, desde los años ‘70 se comenzaron a hacer diversas reediciones de sus álbumes clásicos, incluidos varios “greatest hits” y tras mucho tiempo, el estudio original ha sido recuperado y hoy es un visitado atractivo turístico de Memphis.

Se podría decir que, de alguna forma, ha existido en las últimas décadas un revival de Sun, con series que cuentan su historia, reportajes, discos tributo, como el “Rockabilly Riot, a tribute to Sun Records” de Bryan Setzer, y el compilado en CD y documental “Good rockin’ tonight: The legacy of Sun Records”, quizás el mejor homenaje que se ha hecho a un sello discográfico, donde diversos músicos de primera línea interpretaron éxitos publicados por Sun en los remodelados estudios del sello, que hoy sobrevive bajo la etiqueta. En este compilado destacan figuras como Jimmy Page y Robert Plant, Elton John, Bob Dylan, Eric Clapton, Sheryl Crow, pero, por sobre todos ellos, la magnífica interpretación de Paul McCartney de “That’s all right”, acompañado nada menos que por los músicos originales de Elvis, Scotty Moore en guitarra y D.J.Fontana en batería. Y, ojo, que en el documental podemos ver cómo la canción se graba en una sola toma, tal como varios clásicos que pasaron por la producción de Sam Phillips, como “Blue suede shoes” y la misma “That’s all right”, que fueron captadas en una sola toma, ya que para Sam Phillips, en esa imperfección estaba el verdadero espíritu del rock and roll. Y hoy, a casi setenta años de la creación de Sun Records, no podemos hacer más que encontrarle toda la razón.

DEL PUNK AL RIOT GRRRL: CLUB DE LECTURAS PARA SUBIR EL VOLUMEN EXPLORA EL CRUCE ENTRE MÚSICA Y FEMINISMOS.

DEL PUNK AL RIOT GRRRL: CLUB DE LECTURAS PARA SUBIR EL VOLUMEN EXPLORA EL CRUCE ENTRE MÚSICA Y FEMINISMOS.

 

A partir del 19 de mayo se llevará a cabo en Alma Negra Librería, el primer Club de Lectura de música y feminismos, un espacio que además de fomentar la experiencia lectora colectiva y vinculante, es una instancia de encuentro para profundizar en la histórica relación entre feminismos, música y patriarcado.

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COMUNICADO

Los clubes de lectura llegaron para quedarse y así lo demuestran los clubes de lecturas que parten durante el mes de mayo en la recientemente inaugurada Alma Negra Librería. Uno de ellos es el «Club de Lecturas para subir el volumen: una historia musical de feminismo y crítica patriarcal» [1], que parte su primer ciclo virtual el miércoles 19 de mayo y sus inscripciones se encuentran abiertas en almanegralibreria@gmail.com

«Club de Lecturas para subir el volumen: una historia musical de feminismo y crítica patriarcal», es el primer club de lectura en Chile, dedicado a explorar la relación entre feminismos, música y patriarcado, y su implicancia en el surgimiento de importantes y diversos movimientos musicales liderados por mujeres y disidencias durante los contextos feministas de los años 70s y 90s, temática que será abordada a través de la lectura y análisis de aquellos libros y autoras que han investigado y documentado el cruce social, cultural y político, entre dichas expresiones, libros y lecturas vitales para comprender la decisiva irrupción de mujeres y disidencias en el punk, en subgéneros del rock, la música experimental y el surgimiento del emblemático Riot grrrl.

Bajo una perspectiva histórica, social y artística el club de lectura se centrará en este primer ciclo en el libro «La venganza de las punks» (The Revenge of the punks»), de la periodista y música británica Vivien Goldman, una historia del punk en clave femenina y feminista que se interna en temas como la identidad, el capitalismo y el cambio social a través de las improntas de cantantes y compositoras como Poly Styrene, Viv Albertine, Alice Bag, entre muchas otras, yendo más allá de los nombres recurrentes, logrando reconstruir un nuevo y desconocido relato sobre la explosión del punk. Asimismo, además de revisar el trabajo de Goldman, el club contará con un listado de títulos complementarios en torno a los tres grandes ejes temáticos.

La instancia coordinada y realizada por la periodista especializada en música y fomento lector Rossana Montalbán, en alianza con Alma Negra Librería, nace como un espacio creado para profundizar, con la ayuda de material de investigación, en la histórica relación entre música, feminismos y patriarcado, y como una instancia colectiva que permita dialogar y aportar nuevas perspectivas a partir de esta bibliografía. «No es casualidad que uno de los movimientos musicales más remecedores y contraculturales del siglo XX haya surgido en plena tercera ola feminista en la segunda mitad de los 70s, un movimiento musical poblado por mujeres y disidencias que cuestionaron los roles de la mujer en la sociedad, en la música y sobre el escenario, por eso resulta importante ahondar en estos trabajos y en estos periodos sociales y artísticos que ayudan a comprender también nuestro presente» afirmó la periodista y coordinadora del club. Pero la génesis del club también estuvo marcada por la necesidad de reivindicar el poder de la lectura en comunidad y compartir la experiencia de esta. «La lectura es una experiencia íntima e individual que al revelarla a otres y ejercitarla en grupo puede generar grandes intercambios y reflexiones que contribuyan al desarrollo y amplitud del pensamiento crítico, al diálogo y a la vinculación con otres» señala la coordinadora del club.

El auge de los clubes de lectura en Chile es de data reciente y las iniciativas existentes provienen principalmente de instituciones como Bibliotecas municipales, universitarias u organizaciones de mediación lectora. En los últimos años la clásica y popular iniciativa de larga tradición alrededor del mundo, se ha expandido a algunas librerías locales que  han abierto sus propios clubes de lectura, logrando consolidar valiosas comunidades lectoras en torno a la obra de autoras y autores como también en torno a determinados géneros literarios. El contexto de la pandemia y el encierro obligado desde 2020, es otro factor que ha propiciado un resurgimiento tanto en Chile como en el resto del mundo, por lo que la apertura de más instancias como ésta, dedicadas a fomentar la lectura en grupo con temas relevantes para el ámbito social y cultural, resultan necesarias y estimulantes, convirtiéndose en un gran refugio ante el aislamiento y en una vía para mantener el contacto.

«El Club de Lecturas para subir el volumen: una historia musical de feminismo y crítica patriarcal» de Alma Negra Librería, se llevará a cabo a partir del 19 de mayo, en seis sesiones quincenales vía Zoom, durante tres meses. Su inscripción incluye de regalo un tote bag y un tazón del club, más un cupón con 15 % de descuento válido para los libros incluidos en el ciclo.

 

Para mayor información visita www.almanegralibreria.com 

IG DEL CLUB

ESCUELAS DE ROCK ABRE CONVOCATORIA MUJERES CREADORAS

ESCUELAS DE ROCK ABRE CONVOCATORIA MUJERES CREADORAS

 

El programa del Ministerio de las Culturas, Escuelas de Rock y Música popular, abre la convocatoria Mujeres Creadoras 2021, un nuevo ciclo de formación centrado en la producción musical dirigido a solistas y bandas exclusivamente integradas por mujeres, abierta hasta el próximo 14 de mayo hasta las 17.00 horas.

Por Rossana Montalbán

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El emblemático proyecto Escuelas de Rock y Música Popular, enfrentó, al igual que el resto del mundo, una veloz e inevitable transformación impulsada por la pandemia del covid 19 y la imposibilidad de realizar actividades presenciales, en particular, la realización de shows de música en vivo. Bajo este escenario la plataforma se vio obligada a reformular su extenso programa de talleres, cursos y, lo más importante, el esperado Rockódromo, evento que año a año convoca a los proyectos musicales que se han desarrollado bajo el alero de su programa como a los principales exponentes emergentes y consolidados de la música local. Un evento masivo que se ha caracterizado por ser una importante vitrina para músicas y músicos debutantes.

Sorteando el contexto los talleres, cursos y ciclos de música, se llevaron a cabo de manera virtual, levantando una abultada agenda de actividades de formación y de música en vivo desarrolladas vía streaming, logrando mantener y aumentar la participación de alumnos, postulantes, y bandas, donde principalmente el incremento se registró en las actividades formativas alcanzando hasta 836 personas que recibieron capacitación y conocimientos con profesores como Claudio Valenzuela, Camila Moreno, Valentina Peralta, Mauricio Redolés, Rocío Peña, Yorka Pastenes, Angelo Pierattini y Claudio Narea, entre otres.

Pero sin duda, otro hito que marcó el 2020 para las Escuelas de Rock y Música Popular fue la realización exitosa del Rockódromo vía streaming, desde el parque cultural de Valparaiso, reuniendo a todo el cartel de bandas y solistas en una jornada de música en vivo en total ausencia de público. Una experiencia inédita y extraña para musicxs y técnicxs, tocando y trabajando para nadie in situ pero con miles on line. En ese escenario, más de 100 agrupaciones y solistas pudieron presentarse en el festival desde 11 escenarios del país, con todos los cuidados sanitarios exigidos y ante más de 35 mil personas que sintonizaron en vivo. Una primera edición virtual que quedó registrada y disponible en el canal de YouTube de las Escuelas de Rock .

Fundada 1994 con el soporte institucional de la ATR  (Asociación de Trabajadores del Rock), la  Secretaria General de  Gobierno y el Ministerio de Educación a través de su División de Cultura, Escuelas de Rock y Música Popular pasó a depender del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes en el año 2004. Y por primera vez en 24 años de trayectoria, podrá llegar a todo el país, ofreciendo actividades y ciclos de Arica a Punta Arenas, algo que solo se hizo posible gracias a la virtualidad.

Toda esta experiencia adquirida y el óptimo manejo de la modalidad virtual brindó nuevas posibilidades y la seguridad de poder sacar adelante, con mayores herramientas e ideas, un extenso programa para 2021. Así nació la idea de abrir una convocatoria para mujeres creadoras, un proceso de talleres, clases y encuentros centrados en la producción musical, con inscripciones abiertas para solistas o bandas conformadas exclusivamente por mujeres, reforzando el apoyo y espacio que ya brindaban a una amplia lista mujeres músicas que han formado parte de sus actividades y ediciones donde destacan la banda Sin Lencería, la solista Franka Miranda, Soul de Lua,  Gabilú, La charawilla, las reconocidas Pascuala Ilabaca y Rubio, y las emergentes  The Mentes, Michelle Grille, Paulina Camus, Magala, Almar, entre otras.

En esta línea de reformulación y ampliación de contenidos y agenda Escuelas de Rock Mujeres Creadoras 2021 nace como la extensión necesaria para brindar nuevas herramientas y espacios para el desarrollo de una posible equidad en la industria musical chilena y para contribuir a la disminución de la abismante brecha de género existente en la actualidad a nivel mundial, donde existen menos de 5% de mujeres productoras o ingenieras de sonido en el mundo, según Women’s Audio Mission.

El poco alentador escenario que ha generado la pandemia deteniendo la principal fuente de ingresos para músicas y músicos, junto con la obligación imperiosa de volcarse a la auto capacitación para la realización de streamings caseros como también la necesidad de adquirir herramientas técnicas y tecnológicas que propicien el desarrollo de la actividad musical en pandemia y en encierro de forma profesional y autogestionada, se ha sumado a los factores estructurales de antaño y, a la brecha de género que ya hemos señalado.

De esta forma el ciclo formativo enfocado exclusivamente para músicas abre su convocatoria en un momento de grandes encrucijadas y precariedades para las trabajadoras de la música quienes reclaman por mayores apoyos estatales permanentes, no solo de urgencia, como también exigen una industria que sea capaz de responder al contexto de demandas por equidad.

Escuelas de Rock para Mujeres Creadoras 2021 se llevará a cabo en dos etapas. La primera semana consistirá en clases magistrales, que irán desde el 24 al 27 de mayo. Tras una evaluación de los proyectos participantes, comenzará una segunda parte donde los proyectos musicales trabajarán individualmente junto a una productora musical de trayectoria.

Las bandas y solistas que accedan a esa segunda parte se presentarán, además, en dos festivales organizados por Escuelas de Rock: Carnaza 2021 y Rockódromo 2021. Las sesiones de producción personalizada serán realizadas desde el 14 al 17 de junio. Y al igual que en todo su historia, este 2021, nuevamente serán los ciclos formativos desde donde se armará el cartel de los festivales.

La convocatoria para el ciclo formativo Escuelas de Rock Mujeres Creadoras 2021 ya se encuentra abierta más información AQUÍ y en escuelasderock2021@gmail.com.

 

EASTER: LAS OBSESIONES DE PATTI SMITH

EASTER: LAS OBSESIONES DE PATTI SMITH

 

 

Para muchos el disco de inflexión en la trayectoria de Patti Smith como también el más exitoso comercialmente, y para otros, incluyendo Lester Bangs, el disco más insoportable de su discografía hasta ese momento. Editado en 1978 el tercer disco de Smith, se aventura al sonido del rock americano reposado, dejando entrever sus estrechas influencias de Bob Dylan y Bruce Springsteen con quien dialoga en más de una ocasión en este álbum.

En Easter, pareciera ser que la cantante y poeta saca a la luz nuevamente y con mayor fuerza sus obsesiones cristianas presentes discretamente ya en Horses. “If we die, souls arise,” dice en “Till Victory”, mientras que en “Ghost Dance” repite como un mantra “We shall live again.” A ratos religiosa, a ratos pagana, Smith hace uso de ambas expresiones y simbolismos para dar forma y carácter a sus canciones. Se mueve entre la crudeza punk y la provocación y calidez del rock para levantar oraciones en spoken word o para cantar una oda a la contracultura y un reclamo por los derechos civiles en «rock and roll nigger».

Pero el momento más definitivo en la historia de este álbum será el rescate de una de las canciones descartadas del álbum «Darkness on the edge of the town» de Springsteen. «Because the night» revisada y finalizada por Smith para Easter, canción que brilla hasta el día de hoy en su versión que, a menudo, por error suele indicarse como su versión original. Producido por Jimmi Lovine, Easter fue el disco en el que la poeta punk abrió un nuevo capítulo para su discografía.

ELISA MONTES: «ME DECIDO AL PUNK Y AL FEMINISMO»

ELISA MONTES: «ME DECIDO AL PUNK Y AL FEMINISMO»

Por Rossana Montalbán

ESTE 02 DE ABRIL LA COMPOSITORA, GUITARRISTA Y VOCALISTA DE SLOWKISS, ELISA MONTES, CUMPLE AÑOS EN MEDIO DE UNA CUARENTENA TOTAL, MANTENIENDO A FLOTE LAS GANAS Y LOS POSTERGADOS PLANES DE SU BANDA Y, AL MISMO TIEMPO, RESISTIENDO CON PACIENCIA LA DURA FASE DE NO PODER TOCAR EN VIVO.

Luego de cerrar 2020 con el lanzamiento de su videoclip para «Ballerina», último corte de su disco Patio 29, por estos días SlowKiss, la banda liderada por Elisa Montes, prepara una nueva sesión de música en vivo virtual luego de trabajar durante todo el verano en su segundo disco grabado en Estudios del Sur, trabajo que planea ver la luz, contra viento y marea, este 2021.

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En diciembre de 2020 conversamos con Elisa en el marco del primer Día Nacional contra el femicidio abordando los mensajes de violencia de género instalados a través de la música y el arte, una problemática que la guitarrista y vocalista considera principal y sobre la cual señala una permanente y fuerte crítica a través de sus canciones como también en su conversación.

Te invitamos a leer esta entrevista colectiva junto a las músicas Masiel Reyes de Lilits y Naty Lane de Adelaida. (publicada 19/12/20)

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Este 19 de diciembre se conmemora el Primer Día Nacional contra el Femicidio, una fecha levantada gracias a la incansable labor de la Coordinadora 19 de diciembre, cuyo objetivo busca visibilizar los crímenes de odio contra las mujeres, una realidad que históricamente ha estado presente y normalizada en nuestra sociedad a través de distintas formas y expresiones, y la música no ha sido la excepción. Desde esta trinchera quisimos ahondar en los distintos aspectos que han contribuido a la normalización del femicidio, conversando con las músicas Elisa Montes de SlowKiss, Masiel Reyes de Lilits y Naty Lane de Adelaida.

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Miles de historias, una más dolorosa que la otra, una más violenta que la otra, reviven en este día. Todas nuestras muertas regresan por justicia, aunque en realidad nunca se fueron. Una de ellas es Javiera Neira Oportus, de seis años, asesinada por su padre biológico el 19 de diciembre de 2005. Aquel día correspondía que Javiera estuviera con su padre Alfredo Cabrera, sin embargo, al no volver a tiempo de la visita, su madre se preocupó y fue a buscarla. Él se negó a entregarle a la niña y comenzó a agredirla. Javiera, a sus cortos seis años, en un inocente y valiente impulso, trató de defender a su madre siendo lanzada por su progenitor desde el séptimo piso. Este impactante hecho gatilló la conformación de la Coordinadora 19 de Diciembre, una iniciativa en memoria de Javiera, que desde 2006 ha levantado un arduo trabajo articulado para enfrentar el femicidio y sus alcances para generar un marco legislativo que permita tanto visibilizar como sancionar. Una de sus propuestas fue declarar este día como Día Nacional contra el Femicidio: “Contar con un día contra el femicidio presiona a la sociedad civil, a los medios de comunicación, al Estado y al gobierno a desnaturalizar la violencia contra las mujeres y niñas e interpela a legislar, financiar y optimizar el funcionamiento institucional existente en materia de prevención y reparación de la violencia extrema. Urge un cambio legislativo y cultural”, explica la organización.

La violencia contra la mujer es un problema que atañe a toda la sociedad. ¿Qué pasa en nuestro circuito musical, artístico y cultural?. ¿Cómo nos enfrentamos desde esta trinchera? a la pandemia más grande de la historia de la humanidad: la violencia feminicida que registró un alza global en el contexto de la cuarentena total causada por el Covid 19. De acuerdo a las cifras entregadas por la Red Contra la Violencia Hacia la Mujer, el número de femicidios a la fecha asciende a 53. Seguido por 3 suicidios femicidas, 1 castigo femicida y dos crímenes contra personas trans. Otra de las cifras que aumentó considerablemente fueron los femicidios frustrados, que el año pasado alcanzaron a 109, mientras que en 2020 llegaron a 147 a nivel nacional.

Desde una mirada sociocultural, el aumento de la violencia contra las mujeres se explica por el distanciamiento de éstas de los roles y pautas de género dominantes. Bajo esta perspectiva, no resulta difícil pensar que mientras más avanza el feminismo, mientras más espacios disputa la mujer en la vida pública y privada, mientras más se deshace de cánones de belleza física, de mandatos corporales, reproductivos y sexuales, más violencia física y simbólica será ejercida sobre ella, así ocurrió a lo largo del siglo XX, y así ocurre en éste. Una relación causa y efecto que quizás puede ayudarnos a comprender las estadísticas y la realidad del femicidio a nivel mundial en pleno siglo XXI.

En el caso particular de la historia del arte y de la música desde tiempos inmemoriales la mujer ha sido promovida como ninfa o bruja, como musa o groupie, dando origen a un extenso imaginario de violencia, sexismo, misoginia y cosificación, convertido en material de entretención de una prolongada cultura machista. No fue hasta la irrupción de la segunda ola feminista, el movimiento por la liberación de la mujer y el movimiento punk, todo durante la década de los setentas, que los discursos feministas, de emancipación y de repudio a la violencia contra las mujeres comenzaron a encontrar un lugar decisivo en la música a través de voces que reclamaron la disolución de los roles tradicionales, manifestando posturas desafiantes y rupturistas, es el caso de bandas como Fanny, The Runaways, The Raincoats, The Slits, Romeo Void y otras. Posteriormente lo mismo y en mayor grado aconteció con el movimiento Riot Grrrl a inicios de los noventas, insertando para siempre el feminismo y la rebelión anti misógina en la música alternativa gracias a bandas como Bikini Kill, Sleater Kinney, Le tigre, L7, Babes in Toyland, 7 Year Bitch, entre otras.

Pero hablar de femicidio en la música, es hablar de canciones que por décadas han cantado líneas como “solía amarla pero tuve que matarla” (“I used to love but i have to kill her”) frase directa más que metáfora compuesta por Axel Rose de Guns ́n Roses, parte del disco acústico “Lies”. Es hablar de Johnny Cash cantando “Cocaine Blues” (Tomé una línea de cocaína y le disparé a mi mujer),  una temática recurrente en el cancionero de Cash, y seleccionada por revista Rolling Stone como una de las baladas country más aterradoras de su época, inscribiéndose en el célebre subgénero de la Murder Ballad, etiqueta que reconoce a aquellas canciones que se han ocupado del mal llamado crimen pasional, muy presente en géneros como la canción cebolla o la ranchera, el blues, el folk tradicional o la balada pop, e incluso en la música alternativa cuando Nick Cave decidió abordarla en su disco “Murder Ballads” de 1996. Buena parte de la música popular ha contenido aquellos versos que con alevosía expusieron conductas prolongadas de generación en generación desde un universo masculino heteropatriarcal y un imaginario romántico de dependencia emocional donde la masculinidad ostenta la posición de sufriente, apelando a la posesión y a la disolución del otro (la mujer) como una individua y sujeta de derecho.

Pero para hablar de femicidio en la música resulta inevitable y aún más estremecedor recordar la historia de Mía Zapata, vocalista y guitarrista de The Gits, asesinada, estrangulada y violada un 7 de julio de 1993 en Seattle, Washington. Música, poeta, activista Zapata fue una figura de la contracultura y el feminismo en Seattle, cuyo violento asesinato acabó abruptamente con una de las bandas más interesantes de su circuito, causando un gran pesar entre sus compañeras y compañeros de ruta, movilizando una serie de acciones legales impulsadas por las mismas bandas, discos tributos como el editado por 7 Year Bitch en 1994 titulado “Viva Zapata” o el disco “Home Alive – The Art of self defense” en beneficio de la ONG Home Alive que promueve la instrucción de defensa personal y el activismo para frenar la violencia contra la mujer, una las iniciativas más importantes generadas a partir del femicidio de Mía Zapata. Sin embargo, a pesar de todo esto, solo una década después se descubrió al autor del crimen, crimen que por años fue llamado simplemente homicidio.

En Chile, la música y el arte feminista está cantando contra el femicidio desde hace varios años. Así lo hicieron las bandas Femicidio en su demo de 2012 y Ellas No en su disco homónimo. Actualmente, el colectivo Las Tesis con su multitudinario canto performático y Horregias gritando venganza por Nicole Saavedra. Sobre música y femicidio hemos querido conversar con tres músicas chilenas en plena actividad y cuyas trayectorias se han desarrollado desde el underground de inicios del nuevo milenio. Tres músicas que abordan el tema desde distintos ángulos y posturas con la perspectiva y convicción que el bagaje por un circuito musical de hombres les ha dado y al mismo tiempo las ha curtido y curado de espanto. Elisa Montes, guitarrista, compositora, vocalista de Espartaco y SlowKiss. Masiel Reyes, bajista fundadora de Lilits, y de proyectos musicales como Hueso, D´Mulut y Lucía del Carmen. Naty Lane, bajista de Adelaida, ex integrante de Fatiga de Material, compositora, guitarrista y vocalista en su proyecto solista Hammurvi, nos comparten parte de sus experiencias y miradas en torno a los discursos de violencia femicida presentes en la música y nos ponen al tanto de sus próximos lanzamientos.

¿Cuándo fue la primera vez que escucharon la palabra femicidio?

ELISA: Supongo que la escuché desde siempre, pero conscientemente cuando llegué a Chile a mediados de los 90’, justo en la preadolescencia, cuando una empieza a darse cuenta de la gran diferencia social que hay entre hombres y mujeres.

MASIEL: No tengo claro cuándo fue la primera vez que escuché la palabra femicidio. Lo que sí recuerdo es haber escuchado muchas veces la palabra crimen pasional y cada vez que la escuchaba me llamaba la atención, no me cuadraba. No me hacía tanto sentido como ahora, por supuesto, pero siempre me pareció una manera espantosa de romantizar y normalizar la violencia hacia las mujeres, que por fin después de 400 siglos, los medios de comunicación abrieron los ojos y comenzaron a decir las cosas como son, y a utilizar el lenguaje apropiado para este tipo de crímenes.

NATY: La primera vez que escuché la palabra femicidio fue cuando tenía 10 o 12 años, y creo que la escuché en las noticias y me acuerdo que le pregunté a mi mamá qué significaba la palabra femicidio, y  ahí ella me explicó.

La música popular y su imaginario, desde la canción romántica al rock y otros géneros, ha sido un lugar de evidente misoginia y sexismo. Y hoy en día en el actual contexto feminista resulta muy difícil abstraerse de ese contenido ¿Qué les pasa cuando escuchan música y cuando escuchan rock o aquellas canciones que destilan frases de violencia que naturalizan el matar, sintetizado en frases y lugares comunes como “la maté porque era mía” o cosas por el estilo?

ELISA: La verdad creo que no escucho mucho esa música (el mainstream digamos). Desde pequeña he seguido grupos alternativos que en su mayoría no hablan de forma machista, al contrario tratan de concientizar al público con un mensaje consciente y realista. Me da mucha pena pero lamentablemente la música a la que está expuesta la gente a través de los medios de comunicación masivos es puro ego, materialismo y patriarcado y lo peor es que ese pareciera que es el mensaje que políticamente interesa entregar.

MASIEL: Sí, de alguna manera he pasado por todas las etapas con respecto a ese punto. Muy parecido a cuando una tiene un quiebre sentimental, amoroso o de una relación importante. Me refiero a emociones como la rabia, la decepción, la frustración, el enojo, la indiferencia. Siempre que voy en auto prendo la radio y sale por ahí una canción en que el tipo habla que la quería pero la tuvo que matar y la dejó río abajo. Y ya no me sorprende, me digo a mi misma: otro más! y hago una crítica a mí misma preguntándome  ¿por qué me gusta esta mierda? ¿por qué escuché tanto tiempo esta mierda? ¡No es nada! Es más de lo mismo, una falta de originalidad tremenda. Hay una visión de mundo muy pobre en eso. Yo no espero nada de las canciones, menos en el rock, un estilo tan conservador y aburrido que de rupturista no tiene nada, por lo menos en Chile. Cada vez me pasan menos cosas, y trato de tener una conversación conmigo misma y cuestionarme por qué escuchaba esto. Va por ahí yo creo.

NATY :  me pasa que cuando escucho ese tipo de frases que son parte de canciones que una ha escuchado y cantado prácticamente toda la vida y que están en el inconsciente colectivo, de repente me ha pasado que cuando me doy cuenta de lo que está cantando la persona digo: wow! ¡¿cómo no me dí cuenta antes?! de lo que estaba diciendo y de que es terrible. Me da mucha lata que haya pasado tanto tiempo en el cual no nos hayamos dado cuenta de la importancia y gravedad de canciones que muchas veces hicimos nuestras y que tenían letras espantosas. Creo que ese tipo de canciones deberían estar vetadas, deberían ser canciones que ya no suenen en ningún lado porque yo creo que el discurso y el mensaje es tan potente que se convierten en  un arma que actúa en el inconsciente colectivo y eso es sumamente peligrosos y lo que hace es normalizar este tipo de cosas, y nosotres estamos buscando lo contrario.

Como músicas y compositoras ¿creen que su trabajo deba contener una mirada de género y abordar temas tan urgentes como el feminicidio y la violencia? ¿Cómo se enfrentan a esa disyuntiva?

ELISA: Absolutamente, yo me decido al punk que es uno de los movimientos más contestatarios y dedicados a relatar e informar de las injusticias y crímenes que ocurren en el mundo por la codicia y egoísmo de los que se creen dueños de todo. Además soy feminista y siempre me ha interesado hablar de la problemática de las mujeres. Hace unos años escribí una canción llamada Forever Together (Del EP Ultraviolet) que sarcásticamente parece un título amoroso pero es todo lo contrario abordando el tema del femicidio hablando de un hombre le quita la vida a su novia para estar “Juntos por siempre” y en el último disco Patio 29 de Slowkiss también hay una canción llamada Enough que trata de múltiples abusos normalizados hacia las mujeres desde que somos niñas. Todos mis proyectos musicales propios como Espartaco y ahora SlowKiss tienen como hilo conductor historias complicadas inspiradas en mujeres y niñas. Creo que no haría música si no tuviera la necesidad de decir estas cosas.

MASIEL: En el caso de Lilits sí, tenemos una mirada de género desde su nombre en el momento que conocimos la historia de esta demonia que se rebeló contra dios y el hombre y ahí empezamos a ver el mundo a través de los ojos del feminismo y no hubo vuelta atrás y nos dimos cuenta que  todo estaba mal y que era un río de caca que nunca para. En cuanto al deber de hablar ciertos temas, creo que se nos imponen tantas cosas desde que abrimos un ojo, por eso pienso que no tenemos ningún deber de hablar ciertas temáticas y que es más importante no seguir cayendo en lo mismo, repitiendo y reforzando la imagen de mujer abnegada, enamorada que está dispuesta a todo por mantener a ese hombre que la hace tan feliz. Un discurso que lo ves en artistas que llevan la actitud más contestataria, más frontal, más revolucionaria y que llevan eso incluso en su estética, pero si escuchas sus canciones siguen repitiendo y reforzando esa figura de la mujer víctima y abnegada. Me parece que por ahí va la cosa. Nosotras en el nuevo disco tenemos una canción que habla sobre lesbo-odio y tal vez  para otra banda que lleva esa bandera más firme le puede parecer que lo tratamos de manera absolutamente light. Por eso creo que no tenemos ningún deber de tratar ciertos temas pero sí es importante no seguir reforzando la imagen de la mujer en el suelo que no puede vivir sin un hombre, porque podemos vivir sin hombres perfectamente.

NATY: yo creo que sí, las músicas, los músicos y artistas de cualquier disciplina debemos contener una mirada de género y abordar el tema del femicidio y la violencia. Creo que es importante con lo que ahora se está trabajando y que nosotras como artistas y comunicadoras no podemos dejarlo de lado. Creo que las artistas debemos hacernos parte del contexto social que nos rodea y apoyar la causa y desde el arte que una hace referirse a estas temáticas. es algo que no se puede ignorar y nosotras como mujeres nos podemos hacer la vista gorda y el rol de artista exige dar visibilidad a esos temas y ayudar a desnormalizar un asunto ya que para lograr un avance real es importante que todas podamos estar en la misma.

Como músicas dedicadas principalmente al rock  ¿ qué es lo que más les inquieta de lo que promueve el imaginario de la cosificación y explotación de la mujer como objeto, musa / groupie? 

ELISA: Lo que más me inquieta es que las mujeres no se den cuenta de que es otro truco del patriarcado que las engaña para que sigan exhibiendo su cuerpo de forma machista pero creyendo que lo hacen libremente. Respecto al internet la cosificación y explotación es pan de cada día, basta con pegarse un scroll en IG para ver cómo las chicas regalan sus cuerpos sexualizandose… nada que ver con desnudos artísticos o sin connotación sexual. El cuerpo es bello y debería ser libre pero hay que ser consciente de que el nuestro ha sido utilizado para fines machistas y ser consciente de que fuera del privilegio de cada una

Hay chicas que viven cosas horribles todos los días y ese creo que es el cambio de mentalidad necesario, la empatía y sororidad. Los filtros de belleza y los cánones actuales tan lejanos a la realidad de las chicas creo que calan hondo en esas pequeñas mujeres que están en formación y que sienten una gran presión social para ser bellas y sexuales y de esa forma nunca vamos a poder avanzar en temas de la mujer ni menos de LGTB+. En la música tristemente veo compañeras que caen en ese juego y según mi opinión entregan un mensaje equivocado a nuestras oyentes. Para las mujeres que estamos en la música y no nos sexualizamos (que me corrijan si miento) es mucho más difícil conseguir visibilidad, contratos, conciertos, todo en general.

MASIEL: La verdad, ya no me inquieta nada. Más bien me da risa, pero al mismo tiempo por supuesto que me parece peligroso, y lo que me da risa es lo básico, la poca imaginación y la mirada tan pobre de ciertas bandas de rock que no salen de las mismas estructuras, de los estereotipos y que hablan de la mina rica y en  sus videos hay minas ricas que dan el «vamos» en la carrera de autos, y muestran las tetas y muestran el poto. Me da vergüenza ajena y risa. El rock hace mucho tiempo pasó a ser algo absolutamente inofensivo, dejó de ser contestatario, innovador o rupturista al menos en Chile, es una fomedad y un aburrimiento de un conservadurismo extremo, y bien ridículo, que sigue cosificando a las mujeres. Den vuelta la página, por favor un poco de dignidad.

NATY: me inquieta que se siga promoviendo a la mujer como objeto y no se rompa ese círculo. La mina objeto, la mina como chiche y adorno sobre el escenario y no con un rol fundamental es algo que nos juega en contra y con lo que hay que romper porque eso es lo que impide la valoración de las mujeres en las distintas disciplinas.

 

¿Creen que el mundo de la música sigue normalizando la violencia y todo lo que precede a un femicidio?

ELISA: Totalmente, en el mundo de la música, del arte, o de cualquier rubro, la verdad da igual la profesión u oficio, unos en mayor o menor grado pero es transversal.

MASIEL: Yo creo que sí, se sigue normalizando, cada vez menos, pero no creo que por un tema de que haya más conciencia, sino por un tema de resguardo personal de los hombres porque todos al parecer, el 90 por ciento, tiene tejado de vidrio y ha cometido algún tipo de abuso. Entonces mejor no hacer nada que haga sospechar algo. Creo que va por el lado de protegerse y no de tener mayor conciencia. Hay un poco más de conciencia y se está viendo un poco en el rock y en el reggaetón, pero en general, siguen los mismos discursos, el mismo imaginario, como que les falta superar a Mötley Crüe y a Poison, y a la literatura de Bukowski que habla de la mujer como si fuera un objeto. Habría que leer otras cosas, ver otras películas, escuchar otra música. De empatía, poco. De conciencia, poco.

NATY: Sí, se sigue normalizando la violencia y de manera muy natural e inconsciente, como en el hecho de que sigan sonando canciones que hablan de femicidio en sus letras. Eso es un indicador de que en muchas áreas de la música se sigue normalizando el femicidio. Yo todavía no veo que hayan sacado esas canciones que transmiten esos mensajes y letras misóginas. Hay un discurso público de condena pero esa música sigue sonando en todos lados. Nadie dice nada.

 

¿Han vivido algún episodio de violencia física? Si es así ¿pueden relatarnos brevemente  como lo manejó el entorno? 

ELISA: Muchos, y muchas mujeres que conozco. No voy a funar a nadie en específico pero estando en la música desde los 14 añitos me he topado con harto pervertido, desde productores, músicos, colegas, de todo. La mayoría de las veces el entorno está a favor del abusador, hace vista gorda de la situación o te culpa a ti que como mujer andas provocando o regalándote, otra ironía del machismo. Además de la culpa que luego siente una. Es una sociedad muy dura para las mujeres.

MASIEL: episodios de violencia física no he vivido, afortunadamente. De violencia psicológica y malos tratos, obvio, por supuesto. Pero una vez me tocó presenciar una situación donde habíamos un grupo de mujeres ligadas a proyectos musicales y al feminismo, donde un chico trató muy mal a su novia y todas nos quedamos completamente paralizadas, sin poder reaccionar, que es lo que nos pasa cuando nos violentan o nos atacan, nos quedamos petrificadas porque es muy fuerte. Es una situación que me quedó dando vueltas todos estos años desde el 2004, y es muy fuerte y me da pena que no hayamos podido hacer algo pero lamentablemente eso es lo que pasa, te enseñan a no hacer nada, a quedarte callada. Y en esos momentos extremos por más preparación que tengas, no sabes qué hacer. Todas hemos sido violentadas alguna vez en nuestra vida y al verlo en otra persona te lo recuerda y quedas completamente paralizada.

NATY: Sí, conozco a varias amigas que han vivido violencia física y yo también viví violencia física en una relación que tuve años atrás y realmente es super heavy porque muchas veces la persona que está viviendo la violencia no se da cuenta que está viviendo en ese círculo y piensa que la otra persona va a cambiar y que ese acto de violencia contra ella fue un hecho aislado, que no se volverá a repetir, y cae en ese error y es difícil salir de ahí. Es estar atrapada en eso. Cuesta verlo hasta que estás fuera y alejada del agresor y ha pasado tiempo. Ahí realmente las mujeres nos damos cuenta que hemos estado en un círculo de violencia. Te han enseñado que está mal, Todo el mundo te dice que está mal, tu misma has aconsejado que está mal, pero al vivirlo en carne propia se hace muy difícil enfrentarlo. El entorno es fundamental para las mujeres que están pasando por eso para no ser juzgadas y acompañarlas y apoyarlas para que abra los ojos. En relación a mi experiencia, ahora las cosas han cambiado, las amistades y los entornos tienden a intervenir de manera más inmediata, y los indicadores son más reconocidos.

¿Qué canción le dedicarían a un femicida?

ELISA: He hit me / Hole

MASIEL: No le dedicaría absolutamente ninguna canción a un femicida, agresor, o a un machista. No gastaría ni un minuto de mi vida en dedicarle algo. Lo único que podría darle sería un buen escupitajo con moco, con sangre y saliva en la cara. Y seguiría mi camino. Sigamos para delante.

NATY: En este momento no se me viene ninguna a la cabeza.. aparte de algunos insultos.

¿Qué se viene para este fin de año y 2021 con SlowKiss, Lilits y Hammuravi? 

ELISA: Estamos cerrando el año con todo, hace poco recibimos las copias físicas en CD y Cassette de nuestro disco Patio 29 que fue lanzado justo antes del caos de la revuelta y el Covid y cómo no pudimos lanzarlo como hubiéramos querido estamos preparando una pequeña sesión con algunas canciones para que el público se anime a conseguir el disco. También hicimos una versión y grabamos un video por el aniversario de nuestro EP The Cliff que pronto podrán ver en nuestras redes sociales.  Y para rematar antes de que acabe el año lanzaremos el último videoclip de Patio 29 de la canción «Ballerina» que tiene toda una onda melancólica/Covid donde una bailarina danza en las calles vacías. Por si fuera poco ,el 28 volveremos a Estudio del Sur a grabar 3 canciones que serán el adelanto de nuestro nuevo disco que esperamos lanzar el 2021.

 

MASIEL: Vamos a lanzar un nuevo single el primer trimestre del 2021, y si todos los demonies Belcebú, Lilith, Amon, nos ayudan vamos a lanzar nuevo disco en octubre de 2021. Lo grabamos hace rato pero en este escenario de estallido social y pandemia se fue aplazando, pero vamos con toda la fuerza para mostrar algo nuevo el próximo año. Estamos con todas las ganas de mostrar nuevo material ahora ya. Fue un trabajo lindo hecho casi de forma completa solo por mujeres, en el que estuvimos varios años componiendo, grabando, descartando y afinando para llegar a lo que hay ahora. Así que estamos super contentas y expectantes de poder mostrarlo pronto y estar activas en todas las plataformas digitales y de descarga. Así que atentas a Lilits en 2021.

NATY: Con Hammuravi, mi proyecto solista, estoy terminando de grabar nuevo disco que se va a lanzar en marzo o abril de 2021. Previo a eso estaré lanzando dos singles, a finales de enero. Este disco viene con varias sorpresas e invitados, producido por mi y Jurel (Adelaida). Y es un disco diferente al primero, basado en guitarras acústicas, algo mucho más reposado y con canciones más íntimas. Me tiene muy entusiasmada poder desarrollarme desde otra faceta.