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¡ESTOY FUERA!: NEIL YOUNG VS SPOTIFY

¡ESTOY FUERA!: NEIL YOUNG VS SPOTIFY

Con tajantes palabras contra la plataforma digital y los podcast anti vacuna, Neil Young anunció la retirada de toda su música.

“Spotify se ha convertido en el hogar de peligrosa desinformación sobre el Covid-19, mentiras vendidas por dinero”, manifestó Neil Young, quien invitó a otros músicos a tomar la misma decisión.

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Este miércoles 26 de enero, el artista Neil Young anunció a través de un mensaje en su página web que su música será retirada de Spotify por disconformidad con la plataforma, a la cual acusó de desinformar sobre el covid, permitiendo la transmisión de programas radiales que promueven la postura anti vacuna.

A través de un comunicado oficial el compositor canadiense, exigió a la plataforma sacar su contenido del catálogo si esta no dejaba de emitir el podcast de Joe Rogan, uno de los más escuchados por los ciudadanos estadounidenses, el cual manifiesta teorías conspirativas sobre el coronavirus y emite mensajes contra las vacunas. La compañía de streaming alegó que debe mantener un equilibrio entre la “seguridad de los oyentes y la libertad de los creadores” y manifestó que esperan a Young nuevamente “en el futuro”.

En su descargo, Young también le agradeció a la compañía discográfica Warner por acompañarlo en esta decisión pese a la pérdida monetaria que esto les ocasionará, dado que los ingresos provenientes de Spotify significaban el 60% del total que genera su catálogo por streaming.

La postura de la plataforma

El portavoz de la compañía confirmó el miércoles a distintos medios que están en proceso de eliminar las canciones de Neil Young de su servicio y dio por sentado la continuidad del podcast de Joe Rogan. “Lamentamos la decisión de Neil de retirar su música, pero esperamos poder darle la bienvenida de vuelta pronto”, manifestó.

La empresa también justificó la posición adoptada en este caso alegando que Spotify tiene la responsabilidad de “mantener el equilibrio entre la seguridad de los oyentes y la libertad creativa de los creadores de contenido”. Además, añadió que desde el inicio de la pandemia, la compañía de streaming dio de baja a más de 20.000 episodios de podcast que estaban vinculados al Covid-19, cumpliendo con sus normas de contenido.

El programa de Rogan es ofrecido con exclusividad en la plataforma luego de que Spotify lo adquiriera en 2020 a cambio de 100 millones de dólares, pero desde entonces ha sido criticado repetidamente por sus conspiraciones contra la pandemia y alentar a los oyentes a no vacunarse.

Con esta acción Neil Young abrió el debate público y frontal sobre una problemática alarmante, creciente y contraproducente en el actual contexto de la pandemia indefinida: el rechazo de la vacuna para combatir los efectos del covid y los argumentos erguidos como verdades absolutas para la proliferación del movimiento anti vacuna. Un debate propio de la era de la posverdad, donde los límites de la libertad de expresión comienzan a desdibujarse peligrosamente como falacias de desinformación.  Sin duda Young, ha echado a correr la bola, al menos, para dar espacio a la crítica del microfascismo individualista que hoy opera como una cuestión de comunidad.

 

VIOLETA EN EL WALLMAPU: UN LIBRO ESENCIAL

VIOLETA EN EL WALLMAPU: UN LIBRO ESENCIAL

Pehuén Editores publica la segunda edición del libro Violeta en el Wallmapu, título que contiene la investigación de las académicas Paula Miranda, Allison Ramay y Elisa Loncón, donde se documenta la decisiva influencia que ejerció el canto y la música mapuche en la obra musical de la artista.

Violeta Parra y el canto de Wallmapu .

Editado por primera vez en 2016 por Pehuén Editores, llega en su segunda edición el libro que documenta el trabajo que conecta a la compositora de San Carlos, con la cosmovision Mapuche, «Violeta Parra en el Wallmapu. Su encuentro con el canto mapuche» . El libro coeditado en conjunto con el Centro de Estudios Interculturales e Indígenas (CIIR), corresponde a la investigación realizada por Elisa Loncón, Paula Miranda y Allison Ramay, donde se comprueba el interés de Parra por la cultura mapuche y la influencia vital que ejerció en su propia obra.

Basado en cuatro cintas fonográficas, encontradas en la Universidad de Chile, en las que Violeta Parra junto con entrevistar a siete ülkantufe (cantante), deja grabados sus cantos y comentarios al respecto, este trabajo, que permaneció ignorado desde fines de la década del ’50, es considerado el “eslabón perdido” de todo lo que se conoce hasta ahora de la obra de Violeta. En dichas cintas encontradas por Paula Miranda, se encuentran las investigaciones musicológicas que la folclorista, pintora, tapicera, bordadora y poeta, realizara en localidades como Lautaro, Millelche, Rucahue y Labranza. Asimismo, fue Elisa Loncon, quien transcribió y tradujo del mapudungun al castellano los cantos que fueron recopilados por la artista.

«Violeta Parra en el Wallmapu. Su encuentro con el canto mapuche» fue posible, además, gracias a los valiosos testimonios de los descendientes de los cantores que Violeta grabó mientras estuvo en la zona, recopilando material y compartiendo con habitantes del Wallmapu.

Encuentra el libro en este enlace.

KLAMA: REMOVIENDO EL CIRCUITO DE LA MÚSICA EN VIVO

KLAMA: REMOVIENDO EL CIRCUITO DE LA MÚSICA EN VIVO

 

Inaugurado el 13 de enero de 2021 en plena segunda etapa de la pandemia, el bar cultural Klama abrió sus puertas para llegar a convertirse, tras un año de funcionamiento, en un refrescante y coherente espacio pensado y dedicado a la actividad musical en la capital. Música en vivo, ferias discográficas, lanzamientos de libros, revistas, y jornadas culturales son parte de su activa y diversa agenda que busca ser puente entre la producción cultural independiente y sus destinatarios. Precisamente, este fin de semana el bar celebra su primer año de existencia y supervivencia en la era covid con tres fechas en vivo que tendrán por protagonistas a los ya consagrados The Ganjas, a Bruto en formato acústico, y desde Valparaíso a Malamen.

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Enclavado en el corazón del barrio Bellavista, doce meses atrás se abrieron por primera vez las puertas de esta casona que por largas décadas albergó al antiguo Club de Foto y Cine, residencia que se vio interrumpida abruptamente por el Golpe de Estado, convirtiendo a la casona de Santa Filomena 17 en solo una más de las construcciones abandonadas de lo que era el aún residencial sector. Durante las siguientes décadas la vieja pero conservada casona fue adquirida por una de las tantas inmobiliarias que llegaron al prominente barrio bohemio, convirtiéndola en local para restaurantes de todo tipo, pero guardando algunos mitos como aquel que cuenta el hallazgo de unos manuscritos perdidos de Nicanor Parra.

Un nuevo apagón se avecinaba en la historia de esta construcción, la era covid iniciada con una larga cuarentena total en marzo de 2020 dejó nuevamente al espacio sin arrendatarios, y solo varios meses más tarde la apuesta arriesgada de tres gestores culturales, vinculados al circuito del rock underground, logró darle nuevamente vida al lugar. Francisco Yáñez, Christian Spencer y Gustavo Perales, los primeros dos, músicos, integrantes de la banda Bagual, y el tercero, sonidista de la misma, se aventuraron a dar el siguiente paso de lo que ya era una vida dedicada al rock independiente y a la producción de tocatas. Así nació Klama, cuyo nombre se desprende del cancionero de la banda argentina Illya Kuryaki and The Valderramas, titulada “Expedición al Klama hama”, una suerte de alegoría a un espacio imaginario de escape a la realidad, un lugar de libertad, arte, goce y realización. De alguna manera, esas son las premisas de los impulsores tras el proyecto que busca ser puente entre una producción cultural que crece pero que sigue sin encontrar espacio para ser descubierta. Hay un volumen de cultura circulando al cual la gente no logra tener acceso por falta de espacios, la actividad cultural en Chile no es tan grande, pero nosotros creemos que el problema radica en ese acceso a la oferta. Hay un cantidad importante de sellos independientes trabajando seriamente, pero poca gente consume esos catálogos, y no tiene que ver con que la oferta sea mala, sino con que la gente no tiene acceso a ella, no tiene como conocerla, y ahí está nuestro rol, no somos un sello, somos un puente, un canal”, enfatiza Francisco Yáñez, administrador de Klama.

De ahí su descriptor “bar cultural”, planteando de entrada la actividad musical como lo que es, cultura, en un país donde muchas veces el rock y la música under siguen estando atrapados en lugares comunes y espacios de poco apoyo y precariedad que no permiten el desarrollo de un circuito profesional y autosustentable que le permita crecer sin ser explotado y succionado. Detectando esos vacíos y necesidades, los tres impulsores de Klama diseñaron una forma de trabajo con los sellos discográficos independientes que estuvieran ejerciendo la gestión cultural, ahí estaban Algo Records, Beat Discos, Bym Records, Bombtrack Distro, y Mescalina Discos,  además de un listado de bandas cercanas, que dieron forma a una línea editorial diferente y amplia. “Lo que hicimos fue traer la cultura de la calle, y contactarnos con los sellos discográficos que estaban haciendo gestión cultural independiente, Algo Records, Bym Records, Bombtrack, Beast discos, Mescalina y bandas de regiones como Malamel o Adelaida de Valpo, y Apocalipsis Desértica del norte. Música independiente de todos los estilos y géneros, lo que está huérfano, las bandas que quedaban fuera de lugares como Loreto”. Nos cuenta Yáñez.

Por su parte Christian Spencer, encargado de comunicaciones y marketing de Klama, recoge su experiencia como gestor de la plataforma Chilean Fuzz, dedicada a producir tocatas y difundir bandas ligadas al sonido fuzz-stoner-psicodélico en la escena local durante años. “Nosotros funcionamos mucho como productora antes de Klama, armando actividades y tocatas, y no solo con la visión de bussiness, sino que tenemos una visión de la música como arte y cultura para fomentar, y con los conocimientos técnicos necesarios para hacerlo, y eso lo hemos ido aprendiendo en el camino. En pocas palabras somos una productora que tiene un local. Y eso ha sido un aprendizaje importante para mantener una línea editorial diversa, porque venimos más del rock, y hemos tenido la obligación de meternos en otros géneros, conocer rap, pop, jazz, tropical, etc, etc”, relata Spencer.

Un año ha pasado desde que el bar cultural Klama abrió fuegos, un trece de enero de 2021 con la presentación de Omar Acosta, vocalista y guitarrista de BBS Paranoicos y Bonzo, en formato acústico. Desde entonces se realizaron 24 fechas mensuales, más de ciento cincuenta shows anuales, sin olvidar la pausa de la cuarentena, y poco más de ocho mil quinientas personas visitaron el lugar, cifras que para este 2022 buscan superar. Por su escenario de iluminación tenue y púrpura han pasado bandas y solistas como Yajaira, Alectrofobia, América Paz, Luta Cruz, Voodoo Zombie, Jiminelson, Anarkía Tropikal, Huérfanos Salvajes, Icarus, Wild Parade, Perrosky, Aramea, Entrópica, Adelaida, Slowkiss, Casanova, y muchas más. Pero más allá de las estadísticas, la apertura del espacio suscitó desafíos para sus gestores, para las bandas y también para la audiencia, desde la instauración de normas básicas y dignas para un show en vivo que incluyen ficha técnica como exigencia mínima para cada banda, trabajo de iluminación, la consideración de brindar catering y camerinos, implementación de sistema de tickets, y un trato que proporcione el valor de las entradas en exclusiva para lxs musicxs, sin que el local recorte un porcentaje, son parte de una ética de trabajo para profesionalizar en su justa medida el circuito under. “Todo eso es un filtro ligero para quien no se lo tome tan en serio. Para nosotros todos esos temas son importantes, durante mucho tiempo la iluminación nunca fue algo considerado en los espacios de música, muchas veces tocamos en lugares que no le prestaban atención a eso y muchas veces las bandas eran las que se preocupaban de llevar sus luces, si es que, lo normal es que tampoco lleven porque requiere su presupuesto y conocimiento señala Spencer. “También tiene que ver con el desarrollo del espacio y qué herramientas tienen las bandas para desarrollarse si no se les paga nada y solo se les hace un canje de chelas con suerte luego de tocar” reflexiona Yañez.

Por el momento, la supervivencia ha triunfado, la era covid cerró lugares y mantuvo a otros a media máquina y cautelosos de regresar a los shows en vivo, pero también estimuló a los más testarudos a empezar cuando más se necesitaban espacios para reactivar al golpeado circuito musical y a sus actorxs, así nació el joven Klama, bar cultural, sin prisa, un aire fresco a un pequeño circuito de bares para música en vivo, con todas sus letras y con prioridad. “Llegamos a hacerlo en medio de la pandemia, cuando todos los locales estaban cerrados, los aforos limitaban todo y no sabían cómo reformularse, nosotros decidimos abrir” repasa Christian Spencer. “Fue loco aparecer en un momento así con un lugar nuevo para tocatas, en medio de la pandemia, crisis, incertidumbre y con todo en contra, las lucas, los papeles, la muni, pero testarudamente lo logramos, aprendimos harto, pasamos ya un año completo, la segunda cuarenta fue difícil, pero sobrevivimos, había corazón, amor y convicción y así seguimos” sentencia Francisco Yañez.

Klama festeja su primer año de existencia este 13, 14 y 15 de enero con tres fechas cargadas de significado, este jueves con The Ganjas banda de la casa y una de las más emblemáticas de Algo Records. Ese mismo día, en el escenario interior se lucirán las rimas del rapero Radikal. El viernes con el set acústico de Bruto, y el sábado desde Valparaíso, Malamen, una de las primeras bandas no capitalinas que se presentaron en su escenario.

KILTRAK SÓNICA: EL BEAT ANTIESPECISTA

KILTRAK SÓNICA: EL BEAT ANTIESPECISTA

Influenciada por Ivy Queen, David Bowie y Nick Cave, la cantante y activista antiespecista Kiltrak Sónica, continúa presentando su material con un nuevo cuarto single titulado «Amor y resistencia».

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Un cuarto sencillo que sigue formando esta acuciante carrera; el activismo vegano llega hasta la creación de esta profesora chilena que pasó de las aulas al rap, buscando traspasar fronteras con el claro mensaje de justicia que significa acabar con el especismo.

¿Cómo la gente conoce y se involucra con el veganismo? Por documentales, videos alojados en internet, libros, también por la música. Eso es lo que motivó a Kiltrak Sónica, la Vegan Queen, profesora y activista antiespecista que hoy estrena el videoclip para su último sencillo, “Amor y Resistencia”.

Luego de construir una carrera inspirada en las sonoridades de nombres como Ivy Queen, David Bowie y Nick Cave, y cruzarlos con la urgencia de dejar un registro del activismo que vive día a día, la chilena ha presentado los singles «Latido», «Prende tu fuego» y «Vegan Control». Lo que vivimos hoy es una canción que nace desde los mensajes que le escriben activistas de diferentes partes del mundo; «“Amor y Resistencia” es decir no estás solx, sigamos luchando, es declarar que no pararemos de trabajar por abolir el especismo”, dice la chilena.

Con la producción de Francisca Herrera a.k.a La Peluquera, de La Peluquería Records, este nuevo sencillo viene a seguir alimentando la recepción que ha tenido su corta pero interesante carrera. “Me ha escrito mucha gente para decirme que han llorado al escucharla, que se emocionan y se les paran los pelos. Increíble y mágicamente, sienten igual que yo al oírla. Espero que pueda llegar a muchos oídos, a personas que tienen la llama de la justicia creciendo sin parar en sus pechos”, agrega sobre este proceso que hoy revela su clip oficial.


Dirigido por Nat Placencia, con la dirección de fotografía a cargo de Amparo Egaña, dirección de arte de Oyeataka y el maquillaje de Carla Granifo, este es el primer video en el que vemos a Kiltrak Sónica rodeada de otres activistas con el fin de transmitir este mensaje de fuerza que genera la colaboración y la unión.

“Amor y Resistencia” es una muestra de la pasión por lograr un mundo más justo bajo los ojos de la artista. “Cada lanzamiento me hace sentir más responsabilidad de ir creciendo, buscando los caminos y personas que me ayuden a volar cada vez más alto. Para mí el activismo es un trabajo, uno serio, por lo tanto mi música y el mensaje también lo son. Encontré en la música un medio para poder viajar a distintos rincones gracias a las plataformas digitales. El mensaje antiespecista traspasa fronteras”. 

«Latinoamérica» lo nuevo de Derrumbando Defensas

«Latinoamérica» lo nuevo de Derrumbando Defensas

 

Derrumbando Defensas estrena “Latinoamérica”, tema que viene a adelantar su cuarto álbum sucesor de Confrontar de 2017, y que será editado durante 2022. 

Por Rossana Montalbán

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Inspirada en la historia de colonización, revueltas sociales y Golpes de Estado que han tenido lugar en el continente a lo largo de los siglos y su eco en los sucesos que han venido ocurriendo desde 20019 en Chile, Bolivia, Ecuador y Colombia, la banda de hardcore metal temuquense compuso “Latinoamérica”, el primer adelanto de su futuro cuarto disco próximo a editarse el año entrante, y que será el sucesor de su álbum de 2017, Confrontar.

La voz aguerrida de un continente, así suena Latinoamérica según Derrumbando Defensas, y así suena según los rumbos sonoros que se muestran en esta nueva entrega donde las cuatro músicas tocan y cantan acompañadas de colaboradxs de países hermanxs buscando plasmar esa gran voz llena de otras voces.  Para ello, la banda convocó a Carlos Elio de la banda chilena Dezaztre Natural, con quien compartieron escenario para la última visita de D.R.I. También, se hace presente la voz de July Salazar de la banda feminista peruana Tomar Control. Yesid González de la banda colombiana En contra de todo. Juan Francisco García de la banda Custodia de Ecuador, y el amigo de la banda Clayton Clemente de Brasil, quienes unieron sus voces y experiencias para formar parte del explosivo track. En esto ahonda Mónica Torres, guitarrista de la banda “La canción está inspirada en el contexto de agitación presente en el continente en los últimos años sobre todo en sudamérica y en países vecinos como Perú, Bolivia, Brasil, Ecuador, y Colombia más recientemente, y que recuerda a lo que pasó aquí en Chile con el estallido social y todo el descontento contra un modelo económico que no favorece a los pueblos originarios, ni a las personas, y que arrasa con la naturaleza. Entonces esos descontentos que se repetían en distintos puntos geográficos hicieron que surgiera la canción y que quedara en la letra de canción, por eso recurrimos a distintas personas cercanas, física o virtualmente, pertenecientes a otras bandas tanto de Chile como de otros países con las cuales hemos formado amistad y apoyo mutuo. Por ejemplo, invitamos a Carlos de Dezaztre Natural, a July, vocalista de la banda feminista de hardcore olds school y feminista Tomar Control, y así otrxs amigxs que en su país vivieron el descontento.”

Grabada, mezclada y masterizada por Felipe Arenas, a finales del mes de septiembre, en Plex Estudios, Santiago, y estrenada en plataformas digitales el pasado 17 de diciembre, “Latinoamérica” llega para ponernos al día con el presente y el futuro de Derrumbando Defensas, quienes cumplieron doce años trayectoria cerrando un 2021 de arduo trabajo que prontamente verá la luz .

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DADALÚ: “Me gustaría no estar cantando sobre el legado de Pinochet”.

DADALÚ: “Me gustaría no estar cantando sobre el legado de Pinochet”.

 

Dadalú acaba de estrenar en plataformas digitales “Pinoshit” una incisiva canción que llega ad portas de las elecciones presidenciales más complejas de las últimas décadas. Conversamos con la música sobre la contingencia y este último lanzamiento.

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No es casualidad que Daniela Saldías, la inquieta y despierta artista underground, Dadalú, esté echando a correr por estos días su canción titulada Pinoshit, una rápida y alusiva unión de palabras cuyo sentido inequívoco nos viene a recordar con énfasis la vigencia del legado político y económico de la Dictadura pinochetista instalada en Chile por 17 años tras el golpe de Estado de 1973. 

“¿Cómo puede ser que siga el legado de Pinoshit?” se pregunta y, nos pregunta, una y otra vez la música multimedial, increpando el estado de las cosas en el Chile del 2021 cuyo escenario inmediato son las elecciones presidenciales disputadas entre la centro izquierda representada por la coalición Apruebo Dignidad liderada por el candidato Gabriel Boric, y al otro lado el fascismo ultra derechista y conservador del Frente Social Cristiano representado por el candidato José Antonio Kast. La canción estrenada el 17 de diciembre, llega como una suerte de ayuda de memoria para los amnésicos y una advertencia para los despistados que no logran visualizar las distintas formas en que el neoliberalismo instaurado durante la Dictadura, es a día de hoy, el origen y el sustento de las desigualdades sociales en Chile. “Me parecía necesario hacerla circular antes de las elecciones, sobre todo ahora cuando hay un candidato que reivindica al pinochetismo, a la dictadura y que representa a una ultraderecha ultraconservadora. Y lamentablemente siento que la canción nunca ha dejado de ser contingente. Hay gente que todavía no sabe dónde están sus familiares, dónde está la empatía?”. Señala Dadalú.

Compuesta para el 11 de septiembre de 2020, en plena pandemia y en una nueva conmemoración del Golpe de Estado, desde entonces la canción ha formado parte del repertorio de la música y productora, y ha sido tocada en lugares tan simbólicos como El Museo de la Memoria y en las ruinas del Cine Arte Alameda, evocando de alguna forma, el escenario social, político y económico del Chile actual, como también los estragos del neoliberalismo en el ámbito de la cultura y las artes y su permanente precarización. “El neoliberalismo ha profundizado las desigualdades ya que mercantiliza la educación al convertirla en un negocio, hay muchos colegios donde la educación que se les está entregando a los niños es muy carente, hay gente que está muy dejada de lado que solo importan para las elecciones y para los votos. Todo eso me inquieta y me molesta porque frena un desarrollo para el bien común, para la música y el arte, donde la educación es primordial y cuando la educación es un bien de mercado no se estimula el pensamiento crítico ni la creatividad. Todo gira en torno al mercado, que siempre ha existido y no va a dejar de existir pero no es la única forma. Y cualquier cosa dominada por el mercado demanda inmediatez, que sea exitoso rápidamente y luego se olvide, el arte no funciona así. Cuando toqué esta canción en las ruinas del Cine Arte Alameda y en el Museo de la Memoria fue lindo pero creo que no le tomé tanto el simbolismo como ahora en esta elección donde nos enfrentamos a la amenaza de un reivindicador de Pinochet después de tantos años, con su legado encima y sin el coraje de dejarlo atrás. El entramado social que dejó en todo como en la constitución, los empresarios tras el poder, los chicago boys y todo eso, está presente en todos lados, es un poco triste, me gustaría que no existiera, me gustaría no estar cantando sobre el legado de Pinochet” afirma la música.

Con Dadalú no hay espacio para metáforas o entrelíneas, sus versos y rimas son directos, ágiles y lúcidos, pero por sobre todo, son capaces de sintetizar todo lo que se esconde dentro de lo cotidiano, dentro de los actos inertes y la micropolítica presente en ellos hasta llegar a la memoria histórica cuando canta “Aún no dicen dónde están / Torturas horribles que hablan / Heridas que nunca sanan / Católicos son de satán / Te dices patriota y no entiendo / Los que apoyas nos siguen vendiendo / Venden hasta el agua es horrendo / Nuestra rabia suena como estruendo / Cómo puede ser que siga el legado de Pinochet?”. Y su reflexión es incisiva y urgente, insistiendo en una simple e inquietante pregunta cuya respuesta puede ser desoladora, aún así Dadalú no ha evitado formularla e  instalarla dentro de su música y de sus plataformas, porque la pregunta persigue y persiste sobre todo este domingo cuando ella misma, quien actualmente atraviesa su primer embarazo, manifiesta la profunda preocupación que le provoca como mujer y artista contracorriente la posibilidad de un gobierno de ultraderecha.Me preocupa el retroceso con estas mentes conservadoras, hay hartas cosas de Boric que no me convencen, pero al menos es joven y tiene un proyecto que busca cosas nuevas, Kast es la continuación de Piñera y del pinochetismo donde la cultura, las artes y la educación no tienen lugar y son reemplazadas por la iglesia evangélica y esa es su cultura. En el campo no hay otros lugares de encuentro que no sean las iglesias evangélicas y así las ideologías conservadoras van capturando gente, combinando la mala educación, con las iglesias evangélicas y con los narcos vendiendo pasta a los niños. Siento que si sale alguien como Kast eso se va a profundizar y  sería un retroceso para nosotras las mujeres, para nuestros derechos, para la discusión del aborto, para los niños y para la educación”. sentencia Dadalú.

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

El 15 de octubre a través de las pantallas de Apple TV+ se estrenará el film dirigido por Todd Haynes, «The Velvet Underground: A Documentary»,  pieza audiovisual que ofrece entrevistas en profundidad con los miembros sobrevivientes de la banda como John Cale o Maureen Tucker, junto a figuras clave de la época, acompañadas de inéditas imágenes de actuaciones en vivo de la época.

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Parece mentira que hasta ahora no se hubiese producido ningún documental o proyecto cinematográfico en torno a The Velvet Underground, uno de los grupos de rock más influyentes de la década de los 60 y 70. Formado por Lou Reed y John Cale originalmente, The Velvet Underground marcó un antes y un después en la escena artística de Nueva York de aquella época.

En contacto siempre con artistas como David Bowie, Patti Smith o Andy Warhol, The Velvet Underground crearon una escena en la ciudad estadounidense, a través de su música, sus mensajes y su estética. Con cinco discos editados hasta que Lou Reed y John Cale tomaron sus caminos por separado, la obra The Velvet Underground recorrió el mundo del arte y la música influyendo a numerosas generaciones de músicas, músicos y creadores.

Dirigido por el cineasta Todd Haynes director de Velvet Goldmine y Far from heaven, entre otras, el documental de The Velvet Underground se estrenará el próximo 15 de octubre, con contundente e inédito material de archivo, contribuyendo al legado musical de la banda y a la apreciación sobre su obra e influencia.

 

SOUNDTRACK

La banda sonora del documental, incluye material seleccionado por el propio Haynes bajo el título «The Velvet Underground: A Documentary Film By Todd Haynes -Music From The Motion Picture Soundtrack». El soundtrack también incluye piezas como  ‘The Ostrich’ de The Primitives, una de las primeras bandas formadas por Lou Reed y John Cale, la rareza ‘Foggy Notion’, ‘Chelsea Girls’ de Nico y versiones en vivo de ‘After Hours’ y Sister Ray’, además de la composición inédita del autor minimalista La Monte Young ’17 XII 63 NYC The Fire Is A Mirror (excerpt)’, interpretada por el colectivo musical al que perteneció John Cale, The Theatre Of Eternal Music.
Disco 1
01. ‘Venus in Furs’ (The Velvet Underground)
02. ‘The Wind’ (The Diablos)
03. ’17 XII 63 NYC The Fire Is a Mirror’ (excerpt) (The Theatre of Eternal Music)
04. ‘Heroin’ (mono) (The Velvet Underground)
05. ‘Road Runner’ (Live) (Bo Diddley)
06. ‘The Ostrich’ (The Primitives)
07. ‘I’m Waiting for the Man’ (The Velvet Underground)
08. ‘Chelsea Girls’ (Nico)
09. ‘Sunday Morning’ (The Velvet Underground)Disco 2
01. ‘Sister Ray’ (live) (The Velvet Underground)
02. ‘Pale Blue Eyes’ (The Velvet Underground)
03. ‘Foggy Notion’ (The Velvet Underground)
04. ‘After Hours’ (live) (The Velvet Underground)
05. ‘Sweet Jane’ (The Velvet Underground)
06. ‘Ocean’ (The Velvet Underground)
07. ‘All Tomorrow’s Parties’ (The Velvet Underground)
SANTIAGO ANDER PRESENTA NOVELA SOBRE EL ROCK RADICAL VASCO

SANTIAGO ANDER PRESENTA NOVELA SOBRE EL ROCK RADICAL VASCO

La música y la narrativa se cruzan en una nueva edición a cargo de Santiago Ander, bajo el título «Tratado de hortografía», una novela del escritor, filólogo y periodista Patxi Irurzun, volumen que retrata la vida después del rock radical vasco.

Por Rossana Montalbán

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Publicada originalmente en el País Vasco en 2020, «Tratado de hortografía» retrata los días dorados del rock radical vasco  a través de las vivencias y de la decadencia del ex frontman de Los Tampones, banda recordada por su controvertida aparición en un popular programa de televisión, tocando su canción más famosa por aquellos días titulada “Estamos contra las reglas”.

El antihéroe que protagoniza esta cautivadora historia sobrevive trabajando en una pequeña biblioteca, escribiendo columnas en un periódico local y tratando de abrirse paso en el mundo de la literatura, después de treinta años publicando sin pena ni gloria. Sobrevive también a la complicada adolescencia de sus dos hijos mellizos —Silvio y Janis— y a la reciente pérdida de su pareja y madre de ambos.

La única manera de superar el duelo y la apatía será integrándose a un grupo de guerrilla ortográfica que se dedica a corregir los rótulos y carteles mal acentuados de su ciudad, Jamerdana, mientras Los Tampones planean su regreso a las pistas. Una novela trepidante, llena de música y humor negro, pero también de reflexiones sobre el inexorable paso del tiempo, los sueños y la muerte; una tragicomedia triunfadora en España y México que ahora sube al escenario en Chile.

Su autor,  Patxi Irurzun (Pamplona, 1969) es escritor, periodista, bibliotecario y filólogo español; autor, entre otras obras, del libro de relatos La tristeza de las tiendas de pelucas; las novelas Los dueños del viento y Pan duro; el diario Dios nunca reza; el libro de viajes Atrapados en el paraíso; o el libro de crónicas De igual a igual. 8 historias del comedor solidario París 365. Ha escrito literatura infantil y juvenil, colabora habitualmente en prensa, ha participado en antologías, en revistas, fanzines, y ha ganado diferentes certámenes literarios. Además, Irurzun fue en una ocasión la respuesta a la letra I en el rosco de Pasapalabra.

 

Lanzamiento

Miércoles 6 de octubre, 19 hrs.

Chile y 00 hrs. España,

vía Instagram Live de Santiago-Ander.

Preventa

Sitio web santiagoander.cl y muy pronto en Librería del GAM, Qué Leo Forestal, Qué Leo Tobalaba, Kalimera Libros, Nueva Altamira, Los Perros Románticos, Librería Secreta, Mapurbe Store, Polilla Récords.

ANGELO BADALAMENTI: EL FUEGO CAMINA CON ÉL

ANGELO BADALAMENTI: EL FUEGO CAMINA CON ÉL

 

 

En nuestra última entrega hablamos de la gran dupla que hacen Dany Elfman y Tim Burton. La complicidad entre ambos ha permitido que su relación se mantenga en el tiempo y haya dado frutos a hermosas piezas creativas. Sin embargo, existe otra dupla que desde mediados de los 80s han creado sonidos que hasta el día de hoy resuenan en nuestras cabezas y es que nadie ha podido musicalizar de mejor manera los sueños (o más bien pesadillas) de David Lynch que el maestro Angelo Badalamenti.

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Angelo Daniel Badalamenti nació en Brooklyn, New York en 1937 descendiente de familia italiana sintió su pasión por la música desde muy pequeño. Estudió en la prestigiosa Escuela de Música Eastman en Manhattan y ya para principios de los años 70s comenzaría su carrera como compositor y creador de piezas musicales para el cine y la TV. También tendría participación como pianista para diferentes artistas, destacando la cantante británica Shirley Bassey y la gran Nina Simone. Sin embargo, no fue hasta mediados de los 80s cuando podríamos decir que Badalamenti hace su verdadera entrada a la industria cinematográfica luego de cruzar caminos con el director David Lynch.

Entre los años 1985-1986 Lynch se encontraba trabajando en su tercera película – “Blue Velvet” (1986) una de sus obras más aclamadas. Lynch estaba claro sobre que canciones utilizaría para su cinta, pero necesitaba complementarla con música instrumental para terminar las ambientaciones y crear las atmosferas necesarias, en síntesis, darle el toque lynchiano característico.

Fue entonces cuando el nombre de Angelo Badalamenti llegó hasta su oficina y luego de una breve reunión la magia surgió. En palabras de Lynch, “Angelo es un genio de la música, con una capacidad de musicalizar sentimientos y conceptos abstractos única”. Lynch quedó tan maravillado con el talento de Angelo que incluso afirmó que cuando escuchó los primeros acordes para Blue Velvet no pudo contener las lágrimas. Desde ese momento Lynch y Badalamenti no han parado de trabajar juntos.

Tras el éxito de Blue Velvet, Lynch incursionaría en el mundo de la TV con una serie que simplemente revolucionaría las pantallas. “Twin Peaks” (1988 – fecha del lanzamiento del capítulo piloto) simplemente paralizó e impactó al mundo con el misterio sobre la muerte de Laura Palmer. Por supuesto que la música estuvo a cargo del maestro Badalamenti y con ello el éxito internacional. El soundtrack compuesto con hermosos arreglos que van desde bellas y apacibles melodías hasta oscuras interpretaciones que pueden aterrorizar a cualquiera, fue premiado en números festivales y hasta el día de hoy, el tema introductorio de Twin Peaks es recordado como uno de los más emblemáticos en la historia de la TV.

La psicodelia y el jazz son casi una marca registrada del binomio Lynch-Badalamenti y su complicidad desencadenó una serie de colaboraciones artísticas que terminaron en piezas audio visuales como “Industrial Symphony N°1” (1990) una obra musical de vanguardia que incluye a Julee Cruice, mítica voz de las canciones habituales del RoadHouse Bar en Twin Peaks.

Desde entonces y hasta la fecha Badalamenti ha colaborado en los discos solistas de David Lynch. De hecho, es gracias a la influencia y pasión de Angelo que Lynch comenzó a explorar en la música. Incluso recién en el 2018 se recuperó “Thought Gang” un álbum compuesto por Badalamenti y Lynch en los 90s y que se consideraba perdido. Una pieza musical exquisita para los amantes del Jazz más ácido y psicodélico que además incluye otros estilos como el noise. Una pieza alocadísima que vale la pena darle una vuelta.

Sin duda que los 90s fueron los mejores años para Badalamenti, ganó múltiples premios y recibió diferentes nominaciones por sus trabajos para Lynch destacando sus composiciones para “Twin Peaks” la serie, “Twin Peaks: Fire Walk With Me” (1992), “Wild at Heart” (1990) y “Lost Highway” (1997) Sin embargo, Angelo también demostraba su versatilidad como músico. Por ejemplo, él fue el creador de distintas fanfarreas para los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, también musicalizó anuncios publicitarios para Calvin Klein y Adidas. Además, creó la mítica cortina introductoria para el programa de TV “Inside The Actors Studio” (1994-2018) conducido por el gran James Lipton y como si fuera poco, también compuso el score para otras grandes películas como “The City of the Lost Children” (1995), y la genial “Arlington Road” (1999).

El comienzo de los años 2000s también fueron muy buenos para Angelo y Lynch. “Mulholland Drive” (2001) se transformaría en la cinta más premiada de Lynch y por supuesto que Angelo recibiría numerosas nominaciones y premios por su hermoso trabajo. Posterior a “Mulholland Drive”, Angelo acompañaría a Lynch en una serie de cortos, pero no participaría en “Inland Empire” (2006) el último largometraje de Lynch a la fecha. Vendría entonces un largo silencio para Lynch, pero no para Angelo quien seguiría con su incombustible creatividad participando en obras como “Secretary” (2002), “A Very Long Engagement” (2004), “Dark Water” (2006) y “The Edge of Love” (2008) por nombrar algunas.

 

Al ver los títulos recién mencionados, nuevamente podemos comprobar la capacidad de Badalamenti para nadar en diferentes mares sin ahogarse. Pasar por música sinfónica elegante y armoniosa hasta llegar a aguas profundas y tenebrosas. No muchos artistas pueden hacerte sentir feliz y aterrado con su música, quizá por eso Lynch le tiene tanto aprecio y respeto.

El silencio de Lynch se rompería cuando anunció el retorno de “Twin Peaks” en 2017 justo 25 años después de su lanzamiento y que coincidía con la escalofriante y premonitoria cita de Laura Palmer al agente Dale Cooper “Te veré en 25 años”. “Twin Peaks: The Return” también significó el regreso de Angelo a la composición junto con su partner Lynch. Nuevamente la serie la rompió a todo nivel y como era de esperar las piezas de Badalamenti triunfaron en muchos festivales.

A sus 84 años Angelo Badalamenti se encuentra plenamente vigente y trabajando. Una mente brillante con un talento enorme. Les recomiendo además escuchar las colaboraciones con Dolores O’Riordan, en especial “Angels go to Heaven” de la cinta “Evilenko” (2004) una obra sublime que pone los pelos de punta.

Pueden escuchar muchos de los trabajos de Angelo en diferentes plataformas, revisen las películas en las que ha trabajado y podrán apreciar su virtuosismo y finalmente lo más notorio de su trabajo es su habilidad para descifrar la mente de Lynch y ser capaz de musicalizar sus laberintos mentales.

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

 

«Live at bar de René» es el título del nuevo disco en vivo de The Ganjas, trabajo que registra uno de los últimos y memorables encuentros sobre el escenario con el legendario productor Jack Endino, llevado a cabo una calurosa noche de verano en el mítico bar de Santa Isabel.

El registro en vivo feat. Endino – quien también estuvo a cargo de mezclar y masterizar el disco – acaba de ser publicado en formato CD con arte original, y en formato digital a partir del 25 de este mes, bajo el sello BYM Records. Además, el disco incluye un adelanto del nuevo material de la banda con ‘Listen to the Lion’.

Por Rossana Montalbán M

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Corría el verano de 2019 cuando The Ganjas nuevamente se reencontraba con el productor Jack Endino para grabar su séptimo disco de estudio. Un reencuentro que venía a reafirmar la vieja camaradería que la banda y el productor habían forjado luego de trabajar juntos por primera vez para la grabación de su disco Resistance en 2011.

Tras varias visitas a Chile, entre los años 2014 y 2017 para trabajar con la banda y continuar el fuerte lazo musical que los unió, el productor de Nirvana,  Mudhoney, Soundgarden, y fundador de Skin Yard, regresó a la capital a finales del 2018 para retomar las grabaciones de lo que sería el próximo disco de estudio de The Ganjas, «Generation», reprogramado finalmente para el 2022, y donde Endino además de producir participa como guitarrista invitado, elemento que además de reforzar la química y fiato entre él y la banda, dio cabida a distintos momentos de improvisación tocando en formato jam session, logrando matices experimentales en las nuevas composiciones. 

Fue precisamente ese fiato musical el que los llevó a compartir escenario una cálida noche de verano, en el mítico Bar de René, escenario ineludible para el rock independiente y el metal en la capital. Oportunidad en la que la banda llevó a cabo una de sus tantas presentaciones en vivo a tablero vuelto en una concurrida y apretada velada donde se transpiró ruido y psicodelia, esta vez con la presencia de una figura clave para el sonido de Seattle en la década de los 80s y noventas, Endino en cuerpo y alma, Endino el músico, despertando el espíritu dormido de Skin Yard y sacando chispas en una suerte de fraternidad sonora junto a The Ganjas.

Los primeros adelantos del mítico encuentro ahora convertido en disco, son las versiones de dos infaltables del repertorio de la banda santiaguina, ‘Ghost Rider’ y ‘La lluvia no quiere caer’, dos canciones que adelantan el próximo estreno digital del disco, programado para el 25 de junio. En tanto el cd, ya se encuentra disponible desde el 4 de junio a través de Bym Records, con una edición limitada de tan solo trescientas copias disponibles que, prontamente, si los seguidores así lo deciden, y al igual que el show que plasma, pasará a ser otra joya difícil de volver a encontrar.