ENTREVISTAS

All cops are bastards: música obrera y un himno de repudio

All cops are bastards: música obrera y un himno de repudio

Probablemente es el acrónimo más reproducido en nuestros muros reales y virtuales desde el inicio de la movilización social por la dignidad, una nueva constitución y el fin del modelo neoliberal, hace ya un año dos meses.

Documentada por primera vez en los años 20, la sigla recobró vigencia con el surgimiento del movimiento Oi!, y terminó por convertirse en una de las consignas más utilizadas por los movimientos anarquistas/obreros/punks hasta nuestros días, permitiendo con ello la divulgación del mensaje de repudio hacia las fuerzas policiales y a la violencia de Estado. Con el correr de los días en el inicio de nuestra revuelta, el acrónimo tapizó calles enteras y encontró nuevos adherentes en medio de la sangrienta represión y violaciones a los derechos humanos. Así mismo, la poderosa sigla fue objeto de ingeniosas reformulaciones como: «Asamblea constituyente ahora, bebé» o «All cuicos are bastards». Pero los mensajes encriptados no se limitaron a eso, luego, en diciembre de 2019 ACAB reapareció como 1312 para comunicar el incendiario acrónimo en clave númerica aludiendo la ubicación en el abecedario de las vocales y consonantes que lo conforman, A-1-C3- A1-B2 -1312.

 

MÚSICA OBRERA Y UN HIMNO DE REPUDIO

“All cops are bastards” o «Todos los policías son bastardos» registra su segundo gran aliento en 1982 en los brazos del movimiento musical Oi! cuando The 4 Skins, una de sus bandas más representativas, incluyó en su disco The Good, The Bad and The 4 Skins el track “A.C.A.B”, retrato de la represión policial ejercida contra los jóvenes desempleados y marginados en los barrios obreros de la Inglaterra thatcheriana. Denuncia plasmada en la portada del disco con la imagen de un policía bajo el titular THE BAD.

Generar identidad ante la violenta realidad socio económica y hegemónica probablemente sea la base de todo movimiento contracultural. El fin del Estado de bienestar en manos de la ultraderecha dio paso al resurgimiento de los movimientos sociales, sindicales y contraculturales en la Inglaterra de finales de los 70´s. Por esos días, fuertemente enraizada en la cultura barrial y en la idea de lo comunitario, jóvenes obreros muchos de ellos desempleados envueltos en el descontento y la urgencia de atender a la paliza de la marginación y de la expulsión del auge económico, decidieron hacerse llamar cabezas rapadas. Era el surgimiento de la cultura Skinhead obrera y barrial, con ella nacería un nuevo sonido que representará su naturaleza, el Oi!.

Respondiendo de vuelta a la excesiva masividad que el punk había experimentado luego de su gran explosión, el Oi! se presentó como la nueva música obrera, la contraparte del punk ya colonizado por la industria musical y ajeno a la consciencia y lucha de clases. Para ello, el street punk sería la base rítmica de un cruce que se aseguraría de mezclar los código de la vida barrial y de su forma de sonar rescantando el pub rock, el rock and roll de viejo cuño y los cánticos de fútbol junto con el hastío y el desencanto de la clase más golpeada que también golpea de vuelta. De esa fricción nacerían los principales himnos del género, quizás el más sempiterno, rabioso y lapidarioA.C.A.B” (All cops are bastards) de The 4 Skins, incluido en su disco The good, the bad and the 4 skins” de 1982, cuyo sonido recoge la variedad de ritmos aunados en el Oi! alternando entre la velocidad de un caluroso pogo y el jolgorio del ritmo skalítico a punta de guitarras. Al mismo tiempo para la memoria auditiva resulta imposible no retroceder a los mejores momentos The Jam en coros como los de “Yesterday’s Heroes” o “Jack the lad”. Pero fue el himno anti policía y anti represión, el coro más memorable de una banda que levantó la bandera del orgullo obrero y la furia del marginal en una canción que supo, sobre todo, describir y transmitir la violencia estructural y simbólica que genera la guerra callejera del pobre contra el pobre, del policía contra el trabajador:

Geezer comes with a knife in his fist

I got cut along with the rest said

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

All cops are bastards

Copper come up say what’s the matter with you

Acuñado por primera vez en 1980 por el periodista musical Garry Bushell, desde entonces Oi! ha hecho referencia al movimiento musical integrado por las bandas que pusieron a la cultura obrera como motivo principal de sus letras, vestimenta y sonido, entre ellas los 4 SKIN, SHAM 69, COCKNEY REJECTS, entre otras, promoviendo el orgullo de clase tanto en su miseria como en su diversión, resaltando su jerga y su gestualidad, elementos que fueron capaces de crear un género musical en sí mismo antes de su debacle y distorsión.

Hanging around with my mates one night

We got in a little fight

Geezer comes with a knife in his fist

I got cut along with the rest said

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

All cops are bastards

Copper come up say what’s the matter with you

Now they see what we can do

Next thing I know i was in a cell

All my mates were there as well said

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

I had a court date to plead my case

They had delight at the look in my face

They said we’re gonna put you away

I said all I had to say said

A.C.A.B

A.C.A.B

 

 

She Devils – Fun People: un grito por el aborto legal

She Devils – Fun People: un grito por el aborto legal

A finales de los noventas, las bandas argentinas She Devils y Fun People editaron el disco split «El aborto ilegal asesina mi libertad» estampando en la música y en el underground porteño una de las batallas históricas del feminismo y los derechos reproductivos de la mujer.

Por estos días Argentina ha retomado la campaña nacional por la despenalización del aborto y por la legalización de un aborto libre y seguro. La marea verde ha vuelto a colorear las avenidas porteñas en espera de la histórica votación de la Cámara de Diputados llevada a cabo el día de ayer, 10 de diciembre, votación que aprobó, en el marco de una sesión maratónica tras más de 20 horas de debate, el proyecto de interrupción voluntaria del embarazo, que en 2018 recorrió un camino similar siendo truncado en el senado. Así, el país trasandino avanza con paso firme después de mucho hacia la posibilidad de un aborto legal para todas y ahora lo hace apoyado por el mismo Ejecutivo, sumándose a centenares de organizaciones sociales feministas bajo la consigna “que sea ley”, e incluso aspirando a que esa frase sea una realidad antes de fin de año en una sesión de votación histórica en el senado argentino, entre el 28 y el 30 de diciembre.

Con Argentina como epicentro latinoamericano del movimiento pro aborto desde hace décadas, se ha logrado fortalecer y visibilizar el trabajo legislativo y divulgativo en torno a la despenalización. Desde entonces las distintas regiones del continente han establecido sus propias agendas de acción para instalar el tema en la opinión pública e introducirlo en la agenda legislativa de cada país. En el caso de Chile, el debate en torno a la despenalización del aborto ha cobrado relevancia desde 2015 con la conformación de la Mesa de Acción por el Aborto Chile, organización integrada por Abofem, Aprofa, Corporación Humanas, entre otras.

Uno de los pequeños avances registrados en nuestro país corresponden a septiembre de 2017, cuando se dio inicio al debate y posterior aprobación del proyecto de Ley de Despenalización del Aborto en tres causales; peligro de vida de la madre, peligro de vida del feto y en caso de violación comprobada. Un proyecto peligrosamente insuficiente que sigue manteniendo el control sobre los derechos reproductivos de la mujer, criminalizando sus decisiones y garantizando la desprotección de los derechos humanos de mujeres y niñas. En este contexto el derecho a un aborto legal, seguro y gratuito es una de las principales demandas del movimiento feminista en el debate constituyente que se avecina tras el plebiscito del 25 de octubre, donde se buscará que el Estado nos reconozca a mujeres y niñas como sujetas de derechos y ciudadanas plenas, con derecho a una vida digna y a ejercer la libertad sobre nuestros cuerpos y sobre la maternidad. El camino hacia la aborto seguro, libre y gratuito en Chile es largo y urgente cuando llegue el momento de redactar una nueva constitución. Y la posible hazaña trasandina en su legalización enciende luces, luces verdes para que el aborto legal sea una realidad del continente y no solo unos pocos y corajudos territorios. La batalla por la despenalización del aborto en el país vecino ha venido librándose desde los años noventa, década en que las organizaciones feministas comenzaron a articularse con el resto del continente y así también la contracultura,  el arte y la música han formado parte de ello.

Fue en 1997, cuando dos emblemáticas bandas del circuito hardcore punk porteño decidieron publicar el split titulado “El aborto legal asesina mi libertad”, firmado por Fun People y por la banda de punk rock feminista She Devils, formadas en 1995 por Patricia Pietrafesa, Pilar Arrese, y actualmente completada por Inés Laurencena. 

 

 

Emparentadas con el movimiento riogrrrl,  She Devils irrumpe en el under porteño a mitad de los noventas, aportando una narrativa antipatriarcal situada en la Sudamérica subdesarrollada, y ejerciendo un discurso lírico-musical crítico y radical desde la militancia feminista, veganista y desde la disidencia sexual. Su música y su impronta significaron una valiosa disrupción tanto para la escena que habitaron desde sus inicios como para la cultura subterránea del Conosur, levantándose como una banda que marcó el surgimiento del punk rock feminista en Argentina como en otros rincones. La resonancia de lo que había ocurrido años antes en otras latitudes ya alcanzaba su eco más genuino por estos lados del globo terráqueo. La década de los 90 casi terminaba pero el tercer mundo seguía despertando y articulándose. Así fue como en 1997 She Devils se unió colaborativamente con la más famosa de las bandas de hardcore melódico crossover que el under argentino haya parido, Fun People, fundada por Nekro en 1989, banda que tuvo a Chile casi como segunda casa con visitas año a año y una devota fanaticada que repletaba los locales santiaguinos cada vez que tocaban. 

Editado bajo el sello Ugly Records en formato vinilo siete pulgadas con cuatro canciones y en cd con seis, el trabajo colaborativo entre las She Devils y Fun people fue casi una cuestión de lógica entre dos bandas que compartían el discurso crítico y radical defendiendo la disidencia sexual, la liberación animal y la militancia feminista en todo su repertorio, activando no solo un circuito musical, sino que también el pensamiento crítico, la contracultura y la filosofía del Hazlo tu mismo. 

“El aborto ilegal asesina mi libertad”, es quizás una de las frases que mejor gráfica la violencia patriarcal ejercida históricamente contra las mujeres y sus cuerpos a través de la coartación de los derechos reproductivos y de la libertad de elegir sobre ellos. Con esta consigna cargada de sangre y ovarios, ambas bandas confrontaron la criminal realidad del aborto ilegal cuya práctica arrojaba y arroja miles de mujeres muertas por año, y otras tantas encarceladas y condenadas por interrumpir un embarazo no deseado muchas veces producto de una violación. Con seis canciones en su formato cd, «Nada para mí», «Baby» e «Inconforme e inapropiado», de She Devils. Y «Lady», «Valor interior», «Señora bronca» de Fun People, el disco fue una ágil interpelación a los sectores conservadores de la Argentina, a los indiferentes y, por qué no, a las propias mujeres y organizaciones involucradas en un debate, por ese entonces, aún sin debatir públicamente, atrapado entre las paredes del activismo en la Argentina del Carlos Menem como señala la activista y música Jacqui Casais “Eran los tiempos del gobierno de Carlos Menem, quien en 1994, se pronunció por la penalización total del aborto al intentar incluir la prohibición en la reforma a la Constitución y en 1998 instauró por decreto el 25 de marzo como el “Día del niño por nacer”. Sin embargo, las mujeres organizadas nunca dejaron de exigir la legalización del aborto, por medios que no eran ni estatales ni institucionales a través de declaraciones, artículos, publicaciones, en las calles, organizaciones de base, ONGs, sindicatos y movimientos sociales.”

En tracks como “Baby”, con marcadas líneas de punk melódico y un coro que recuerda a lo más pegajoso y crudo del indie rock, el canto de She Devils propone emancipación y acción a partir de versos incitadores como “Nena tenés que defender tu paz, / defender tu paz”. Y en cuestionamientos como “Ey, baby ¿ qué vas a hacer? / ¿Quedarte donde esperan que estés? / Haciendo lo que se espera que hagas”. Mientras que “Nada para mí” acelera el pulso a la usanza de una veloz y furiosa cabalgata de punk visceral y versos que parecieran esbozar algo más que solo nihilismo “Reclamo perdida toda esperanza, ¿a quién le puede importar? / Si es que todo ya está hecho y no haces nada más / El futuro es decidir y el presente está aquí / El ser, no ser, el yo no yo, no son nada para mi!”.

 

Pero la instalación de un debate crucial para el feminismo no solo radicaba en entregar una premisa insertada en la música, sino también información y material en coherencia con el bagaje activista de ambas bandas. Hoy, al mirar el siete pulgadas color rojo, de colección, difícil de encontrar, y el cd color rosa, se descubre un material gráfico de archivo que relata parte de la lucha por la despenalización del aborto en el país trasandino como bien nos relata Casais: “Si bien la prensa que tuvo el disco fue más por rareza del antiguo formato de 7 pulgadas que por el valioso material feminista y artístico que contenía, al abrir el vinilo nos podíamos encontrar con información que hoy es histórica:  “Anteproyecto de ley de anticoncepción y aborto” de la Comisión por el derecho al aborto (sep.1990), la “Declaración de San Bernardo” documento donde se acordó declarar el día 28 de septiembre como Día por el Derecho al Aborto de las Mujeres de América Latina y del Caribe, creando comisiones y campañas por el derecho al aborto en cada país de la región (San Bernardo, Argentina, nov. 1990) y otro texto de la Comisión por el derecho al aborto llamado “Nosotras acusamos”, que es un análisis de la Constitución y de las leyes civiles y penales en las cuales se apoyaban para defender la interrupción voluntaria del embarazo (mayo 1992).”

Veintitrés años atrás, en los descuentos de una década que aún vivía sin la masificación del internet y mucho antes de la era híperdigital, dos bandas argentinas utilizaron la música como la principal vía para informar, crear conciencia, y destapar el oscurantismo en torno al aborto y exigir su despenalización, sacándolo a la calle, a la feria de discos, a la fecha en vivo y a los baños de los antros “Recuerdo como hito importantísimo la presentación del disco que hicimos con Fun People: Nos sorprendió a nosotros mismas el modo en el que Cemento explotó esa noche: más de dos mil personas. Fue la primera vez, que yo recuerde, que en un disco se hablaba del tema del aborto tan directamente. Además, el disco traía un montón de información. Nuestro pedido urgente era la despenalización. Fue una movida impresionante, con gente que traía sus propios flyers a favor del tema y otros en contra. Esa noche fue una discusión masiva e imparable, peleamos la despenalización de aborto en el escenario, en el backstage, hasta en los baños” relató Patricia Pietrafesa.

 

 

UN COMETA PASÓ POR AQUÍ: BILL HALEY EN CHILE

UN COMETA PASÓ POR AQUÍ: BILL HALEY EN CHILE

¿Qué tienen en común personajes como Walt Disney, Albert Camus, Louis Amstrong y Allen Ginsberg? Aparte de ser conocidos mundialmente por su genialidad en sus respectivas áreas, todos estuvieron de visita por varios días en Chile en el apogeo de sus carreras. Visitas de las que poco y nada se habla hoy. Suena a broma imaginar a un relajado Disney bromeando con los periodistas en el Hotel Carrera o a Ginsberg (que se quedó tres meses en Chile) paseando por el Zoológico Metropolitano. Pero todo eso ocurrió. 

El mundo de la música está lleno de estas olvidadas visitas que con los años van tomando ribetes legendarios, como la presentación de Chuck Berry el año 1980 en dos programas televisivos — Vamos a Ver y Lunes Estelares—, donde compartió pantalla con Raúl Matas, don Francisco, Coco Legrand y el “Pollo” Fuentes, entre otros. Los testigos cuentan que llegó malhumorado y arrendó un automóvil por su cuenta, con el que manejó sin licencia por las calles de Santiago toda la tarde, llegando al estudio de televisión poco antes de salir al aire. 

Bill Haley (1925-1981) fue otro de aquellos legendarios músicos que estuvieron en Chile y que hoy pocos recuerdan. Haley es considerado uno de los fundadores del sonido más clásico del rock and roll; vendió más de veinticinco millones de discos en todo el mundo; es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll; tocó para la reina Isabel II en el Royal Performance; ha sido versionado por decenas de bandas (desde Elvis Presley hasta los Sex Pistols); hay un asteroide con su nombre; obtuvo éxitos globales que hasta el día de hoy suenan en radios y fiestas, como  «Rock Around the Clock», «See You Later, Alligator», «Shake, Rattle and Roll», “Rip it up” y «Razzle Dazzle», y fue el primer artista de rock and roll en presentarse en el show de Ed Sullivan, y en ver cómo las chicas se tiraban encima del auto con tal de tocarlo. Nacía con él el concepto de estrella de rock, pero nadie sabía bien de qué se trataba ni cómo manejarlo.

La fama repentina, el juego de las alabanzas, el éxito comercial, su trono arrebatado por figuras con un atractivo sexual y mediático superior como Elvis Presley y Jerry Lee Lewis, fueron sumergiendo a Haley en una espiral alcohólica y de comportamientos erráticos (se hizo habitué de las multas y las cárceles, por exceso de velocidad o ebriedad) de las que, en realidad, nunca pudo escapar. El despilfarro económico fue otra de las cruces que cargó y que, hacia los últimos años de su vida, se fueron haciendo cada vez más pesadas. Luchando contra el olvido se mudó a México y a Texas, buscando empezar de cero y recuperar el trono de rey de ese ritmo endiablado y seductor que era el rock and roll. comenzó a mostrar señales de demencia; cuando se emborrachaba (y para los últimos tiempos, eso solía ocurrir casi todos los días) solía llamar a sus viejos amigos para que le recordaran lo grande que era, necesitaba sentir los halagos, sentirse el más grande. Hasta que, entre la locura y la depresión, Bill Haley murió el 9 de febrero de 1981 en su casa en Texas. Tenía 55 años, había compuesto más de 100 canciones y grabado otras 500. 

Pero mucho antes de su temprano fin, Haley estuvo en Chile. Corría 1960 y el rock and roll aún permanecía como un género comercialmente exitoso, los Beatles solo daban sus primeros pasos y los Rolling Stones aún no existían. Bill Haley fue traído a Chile principalmente debido a la gestión de la Radio Portales, donde Haley dio una presentación transmitida desde los estudios de la emisora. «Bill Haley actuó en nuestro modesto auditorio mientras cientos de personas se quedaron frustradas esperando en la calle Agustinas esquina Ahumada, para poder subir al décimo piso (Portales estaba en esos años en Agustinas 1022 décimo piso)”, señala en su autobiografía Raúl Tarud, dueño de la Radio Portales y productor de la gira nacional que dio Haley en nuestro país. Gira que, según el propio Tarud, solo trajo números rojos. Y es que en aquellos tiempos era difícil de creer que una verdadera estrella del rock and roll pisara estas tierras. 

Bill Haley y sus cometas dieron varios conciertos en Santiago (siendo el más exitoso uno en el Teatro Caupolicán en noviembre de 1960), en Concepción, donde daría hasta tres conciertos el mismo día, ya sea en recintos deportivos o en restoranes donde “la entrada” era la reserva de una mesa para una velada gastronómica y musical. También visitaría varias ciudades del sur, incluyendo Talca, donde tocó en el estadio Fiscal (y donde fue tomada una de las pocas fotografías que existen de la gira del músico por Chile). 

Otra plaza llamativa es Chillán, lugar donde muy pocas veces los músicos exitosos se han presentado en vivo, y donde tocó en la llamada Casa del Deporte.  El periodista Miguel Ángel San Martín recuerda cuando, con 17 años, fue junto a su pandilla a ver un Haley que aparecía en escena con una calvicie incipiente, un «chocho» pegado en la frente y una cara blanca, sin ningún atisbo de barba: «Fuimos a verlo, pero en ese tiempo era todo diferente, lo que hoy es la Casa del Deporte no tenía techo y sólo presentaba unos tablones para que la gente se sentara. Entremedio se metían los vendedores de sustancias, de maní y también los que ofrecían las Bidú (gaseosa de moda)».

La gira, como señalábamos, no generó ganancias. Haley, más que histeria, en Chile provocó curiosidad e incredulidad. El país no estaba acostumbrado a conciertos de estrellas de la música, no existía ni siquiera el concepto, y muchos ni siquiera creyeron que fuera cierto que el autor de “Rock around the clock” estuviera tocando en el país. Por lo demás, aún faltaban un par de años para que Chile organizara el Mundial de Fútbol de 1962 y los Ramblers masificaran definitivamente el género entre las juventudes de la época con su mítico “Rock del Mundial”. Hoy no existen registros audiovisuales de esta gira y solo un par de fotografías se pueden encontrar (con un poco de paciencia) en Internet. Una típica historia de fama, éxito y caída, que tuvo a su protagonista en nuestro país cuando aún el mundo entero se rendía a sus pies. 

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

 

 

Fotos por Guido Peric

 

Este miércoles 25 de noviembre conmemoramos el día internacional contra la violencia violencia de género. En el marco de esta fecha diversas actividades y concentraciones se llevarán a cabo durante la jornada, una de ellas, la intervención convocada por la colectiva feminista Las Tesis junto a Dadalú transmitida desde Galería Cima.

 

Daniela Saldías, Dadalú, es quizás una de las artistas y creadoras musicales más singulares de la música alternativa y underground hecha en Chile. Desde su primer trabajo editado en 2011 “Periodo”, su propuesta, siempre instintiva e inquieta, ha sido la experimentación y la disolución de los moldes estéticos y sonoros del pop y el hip hop, creando nuevas formas para lo que podríamos llamar canción anti-pop de líricas ácidas, cargadas de desparpajo y crítica aguda que se desenmarca de todo aquello que le impida libertad de movimiento. 

El pasado seis de noviembre fue lanzado a través de las plataformas digitales “El mapa de los días” su quinto disco desde “Gato Naranja” editado en 2014. Trabajo que reúne diez canciones provenientes de un prolífico periodo de composición con pie forzado en el que se propuso componer de manera sistemática y disciplinada, un extenso cancionero que hoy forma parte de este disco al que llama compilatorio. Sobre este nuevo álbum, sobre las distintas formas de violencia patriarcal y sobre su presentación abriendo la performance de Las Tesis, conversamos con Dadalú.

Acabas de editar “El mapa de los días” ¿ cómo fue el proceso compositivo y de producción de este disco?

El proceso creativo para “El Mapa de los días” comenzó a finales del 2018 donde me propuse el ejercicio de hacer una canción por día, poniéndome ciertas reglas, como por ejemplo, no podía tomarme más de tres horas en hacer la canción. Tenía que terminar la idea que empezaba aunque no me gustara personalmente y publicarla en Soundcloud de lunes a viernes hasta que llegara a treinta canciones. Y así hice treinta canciones y en octubre, imitando a los dibujantes que hacen InkTober, yo quise hacer un SongTober, donde compuse 28 canciones con el mismo método. Y después me propuse hacer canciones al despertar, al amanecer, a las cinco y media de la mañana y quería hacerlo durante un mes seguido pero duré una semana porque me daba sueño muy temprano. De todas formas logré hacer mucho material, muchas canciones, y ahí un amigo me invitó a trabajar con él, Martín Pérez Roa. Elegimos diez canciones para hacer un disco con una selección rap y re grabamos esas diez. Algunas crecieron, otras quedaron igual. Cuando una trabaja con alguien más como que se enriquece el trabajo. Así que ese fue el proceso. 

¿Cuáles son las principales ideas que cruzan este trabajo en términos artísticos, líricos y sonoros?

En lo creativo, este disco se trató sobre usar la primera gran idea que se te venga, sin darle tanta vuelta. Y sobre el paso de los días. Musicalmente siempre estoy experimentando, nunca tengo una idea tan clara, para mí se trata de experimentar y aprender, y si hago lo mismo siempre no voy a aprender. Me gusta curiosear. No sé, hice pistas con guitarra y otras solo con bajo, cosas así. 

Líricamente igual que en otros discos, hablo de las cosas que me afectan en el día a día. Desde querer escapar al campo a cuestionarse el rol de una haciendo un arte. Porque desde el primer momento que empecé a hacer música y puse una canción en internet, los únicos comentarios que recibía era “guatona fea, guatona fea”, y eso siempre ha sido un tema para mí, ese fue un momento en el que te das cuenta que ¿acaso hay que ser linda para hacer cualquier cosa que implique mostrarse?. Y en base a ese cuestionamiento identificar a cualquier persona que haya pasado por lo mismo. Trato de hablar desde mi experiencia y eso está presente en todo el disco.

Este miércoles conmemoramos el Día Internacional en contra de la violencia machista. Serás parte de la intervención masiva convocada por Las Tesis en Galería Cima. ¿Cómo surgió esta invitación y en qué consistirá tu presentación? 

Esta invitación surgió porque yo conozco a Las Tesis desde antes de su mega hit “El violador eres tú”, compartimos una tocata en Valparaíso. Y después también participé en la primera convocatoria que hicieron para intervención masiva. Y cuando pensaron en hacer este show conmemorativo pensaron en mí y me invitaron.

Mi show en Galería Cima va a ser un show bien sencillo,  no es un show presentando el disco ni nada porque esta presentación salió bien encima. Y la verdad, incluso en pandemia, siempre he estado tocando entonces para mí siempre es volver tocar. Quizás voy a tocar un par de temas del disco nuevo. Pero es una presentación sencilla, pista, voz y un adorno bailarín que estará acompañado de una arpillera hecha por mi que muestra una menstruación gigante. Así que será un show corto para abrir el streaming de Las Tesis.

 

¿En tu experiencia, cuáles han sido las situaciones de violencia de género más recurrentes que te ha tocado vivir haciendo música?

Violencia es que te exijan cumplir cierto estándar de imagen y de belleza física, eso lo encuentro super injusto porque responder a un estereotipo de imagen física es un trabajo. Beyoncé no se levanta como la vemos en el video. ¿Por qué todas tenemos que querer eso y tener que preocuparnos de las uñas  de ser  ser divas?. Está bien la que quiere hacer eso. El problema es que a todas se nos imponga eso. Por eso comentaba lo que me pasó al principio sobre la primera vez que puse una canción en internet, donde nadie comentó si mi canción era buena o mala, sino mi físico. Eso es violencia, que te impongan tener una imagen y una belleza. Como en una de mis canciones, “por qué hay que ser sexy? ”. Y el problema no es ser sexy, no es la sensualidad. El problema es que sea solo para un lado. Por ejemplo, en la música popular, en el reggaetón o el trap los hombres aparecen con buzo, tapados enteros y las mujeres con poto y tetas grandes y en traje de baño y ¿por qué?. Si vamos a ser sexuales seamos todos sexuales. Por qué Bud Bunny no sale en zunga y con el paquete para poder decir “oye tiene el paquete chico”,“tiene el paquete caído”. La cosificación es solo para un lado, y eso es machismo. Para mí, no es empoderamiento, es prolongar el machismo. 

¿Cuál es tu apreciación sobre el desarrollo y la incidencia del movimiento y la cuarta ola feminista en el ámbito de la música y la cultura a nivel local y mundial? 

Yo lo encuentro positivo, encuentro un avance estar hablando estos temas y que tengamos estas manifestaciones tan fuertes como lo de Las Tesis. Hablar de nosotras y nosotres, y no dejar que la narrativa siempre sea la del hombre hetero-cis, que es una narrativa que permea todo, las leyes, la educación, el entretenimiento. No es una narrativa ajena al rol del género. Entonces, es bueno hablar de eso y cuestionarlo. A mí, me gustaría que llegáramos a ser una sociedad post género donde no hayan roles de género determinados y que no importara tu género biológico o no biológico para hacer algo. Yo, cuando hago música, no hago música con las tetas o la vagina. Yo hago música con mis manos y con mi cerebro, igual que cualquier persona que tiene manos y cerebro. A mí, me carga eso de “la mujer en la música”, igual creo que es importante que esté pasando, igual es importante recalcarlo, pero espero que pronto pasemos a una nueva etapa donde el género ya no sea tema. Yo siento algo bien peyorativo en esto de festivales para mujeres, o cosas así. “Oh son mujeres, tocan, felicitemoslas”, “Oh son mujeres y producen. Felicitemoslas” como si fuera un logro. Somos personas con manos y cerebro como cualquier persona y lo único que ha impedido que eso se haga son los roles de género, y los que impiden ese cambio son las personas en posición de poder que están super cómodas donde están.  Para mí, una mujer que usa el estereotipo de la belleza y el físico para hombre hetero – cis y saca provecho de eso, no es una mujer empoderada. Nadie es bueno por ser. No se es buena solo por ser mujer. En eso tenemos que ser capaces de ser bien críticas.  Ojalá como sociedad lleguemos a superar los estereotipos de belleza como algo tan vacío y aburrido. La belleza no es una sola. 

MÚSICXS IMAGINANDO UNA NUEVA CONSTITUCIÓN

MÚSICXS IMAGINANDO UNA NUEVA CONSTITUCIÓN

Diversas voces de la música independiente local e históricos nombres de la música popular forman parte del quinto número de la Revista Estas Máquinas Matan Fascistas, editada por Crónica Sonora. Un coro divergente, en el que no solo se entonan el nuevo repertorio de los artistas sino que también se aborda el histórico proceso constituyente iniciado el 25 de octubre de 2020. A través de completas entrevistas, retrospectivas, reseñas musicales y textos narrativos, con la ayuda de la música recorremos los temas fundamentales para imaginar una nueva constitución.

Publicada dos días antes del Plebiscito en el que los ciudadanos de Chile decidieron aprobar la redacción de una nueva constitución, este quinto número de Estas máquinas matan fascistas. La música nuestra arma. Imaginando una nueva constitución, reúne un compendio de textos que, desde la música, reflexionan en torno a los temas que nos resultan urgentes para la conformación de un nuevo Estado.

 

The Who, Calamity Jane, Leni Alexander, She Devils, Vienna Teng son algunos de los protagonistas de este quinto número trimestral junto con completas entrevistas al músico y activista Camilo Antileo, a la cantautora urbana Araceli Cantora al cuarteto Derrumbando Defensas desde Temuco, y una retrospectiva a los 17 años de historia de Tsunamis y su nuevo disco titulado «Siete mares».

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTA N°5 NOV-DIC

COLUMNA: UNA CARRERA POR LA PARIDAD.

COLUMNA: UNA CARRERA POR LA PARIDAD.

REFLEXIONES EN TORNO AL PREMIO NACIONAL DE ARTES MUSICALES.

La carrera por el Premio Nacional de las Artes Musicales ha terminado. Este lunes 7 de septiembre fue dado a conocer el nombre de la soprano, productora y académica Miryam Singer como la cuarta mujer reconocida con el galardón en un total de 15 entregas, en medio del álgido debate en torno al sesgo socioeconómico y patriarcal del denominado mayor reconocimiento a las artes musicales del país.

Entregado en específico para el área de la música desde 1992,  bajo la Ley 19.169 mediante el Ministerio de Educación y desde 2003 por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, el emblemático, codiciado y criticado máximo reconocimiento para las artes musicales del país sigue siendo terreno de controversia y disconformidad al momento de revisar los criterios y lineamientos utilizados para poner en valor la trayectoria y obra musical de quienes son considerados en su postulación y consiguiente adjudicación. Las reiteradas críticas apuntan a la ausencia de diversidad de géneros musicales y a la falta de reconocimiento al aporte y desarrollo de la música popular, perpetuando una evidente inclinación hacia la llamada música escrita o música docta, principal área de aplicación del premio como también su fijación en exclusiva hacia la academia. Más escandalosa aún, ha sido su persistente negación de los méritos de mujeres en las artes musicales nacionales, cuyas candidaturas año a año han sido minoritarias y en muchos casos inexistentes. En la misma línea, el reconocimiento a quienes han logrado competir como únicas músicas mujeres entre músicos hombres, ha sido exponencialmente inferior, llegando solo a cuatro las mujeres músicas condecoradas por el premio a lo largo de 18 años de entrega. Hablamos de Margot Loyola en 1994, Elvira Savi Federicci en 1998, Carmen Luisa Letelier en 2010, y recientemente Miryam Singer.

Precisamente, este 2020, el debate en torno a la paridad de género y a la necesidad de abarcar el diverso espectro de las artes musicales cobró, una vez más, vital relevancia en medio de un contexto social y cultural que demanda transformaciones profundas, inclusión, diversidad y justicia. Y la urgencia de integrar perspectivas de género en todos los ámbitos de la cultura, y que las mismas, sean aplicadas en instancias de tal envergadura e impacto como un premio nacional, son la principal reformulación que se le está pidiendo a las instituciones y autoridades que dan vida a esta premiación.  

Haciendo caso omiso a los cuestionamientos ya planteados con antelación y sin querer leer el signo de los tiempos, las primeras candidaturas levantadas públicamente, respaldadas por reputadas instituciones académicas, demostraron la caducidad por la que atraviesa la instancia, presentando seis destacados, eximios y ya premiados músicos. Cuatro de ellos pertenecientes a la música docta y solo dos de ellos provenientes de la música popular, todo esto en una detallada fanfarria publicada en diario El Mercurio, reforzando de manera implícita aquella vieja idea en que las elevadas artes musicales provienen de la élite, la academia y en ellas no se cuenta con mujeres músicas de tamaña altura.

Con tales demostraciones de tradicionalismo y patriarcado institucional, la acción articulada de organizaciones y gremios de mujeres en la música y las artes como La Matria, la Agrupación Musical Las Primas, la Asociación Latinoamericana de Canto Coral Chile, y Covima Chile, resultó decisiva para promover, instalar y exigir paridad, levantando la candidatura de seis experimentadas músicas que durante décadas han desarrollado a nivel regional, nacional e internacional trayectorias que combinan de manera laboriosa y brillante la creación, la formación, la producción y divulgación musical. Pioneras y cultoras de sonidos, estilos y cánones en sus respectivos terrenos musicales. Ópera, folclor, música docta y música popular. Cantantes líricas, cantoras folclóricas, compositoras, directoras de orquesta y cantantes populares. Así emergieron ante la suspicacia, asombro y despiste de muchos, los nombres de Cecilia Pantoja, Nora López, Lucía Gana Espinosa, Mireya Alegría e Isabel Fuentes. Vaya, Chile tenía mujeres músicas con sendos curriculums.

A través de una contundente carta pública dada a conocer el 30 de julio, diez días antes del cierre de postulaciones, la Coordinadora por la Visibilización de Mujeres en las Artes COVIMA, puso sobre la mesa las distintas falencias que presenta la ley N°19.169 que rige al premio, exponiendo de forma detallada procedimientos desprolijos y poco rigurosos como también su disonancia con la Ley N° 20.285 – de transparencia, en la falta de conocimiento público sobre los criterios, puntajes y documentación de postulados, como también en la conformación y atributos del jurado “Entre otros aspectos relevantes es necesario destacar que el jurado es soberano en la selección de postulantes y no existe obligación de presentar un informe documentado de los méritos de los candidatos. (…)” (ley 19.169, art. 13)”. La misiva también expuso de forma clara el sesgo socioeconómico presente en la historia del premio “Por otra parte, considerando la deuda histórica que tiene Chile con artistas mujeres y disidencias toma un nuevo nivel de gravedad al entender que hay un gran sesgo de clase sociocultural dentro de este premio, cerrando desde aspectos como la conformación de jurados hasta los mismos ganadores a personajes mayoritariamente pertenecientes a la élite académica chilena, conformada por exponentes de la Universidad de Chile, Universidad Católica y la Academia Chilena de Bellas Artes. De esta forma COVIMA denunció las barreras estructurales que han permitido una prolongada política de invisibilización de mujeres en el premio nacional de artes musicales e instaló el gran desafío de modificar la ley que rige al cuestionado galardón como el primer paso de fondo para terminar con los sesgos que en él predominan. 

Por su parte, la acción del colectivo La Matria abordó las dos omisiones históricas del premio, mujeres y música popular, levantando una justa y aclamada campaña para Cecilia, la incomparable. Mediante una carta abierta al Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el colectivo postuló a la emblemática cantante de la nueva ola, llamando a sus seguidores a apoyar con su firma la moción. Pero ¿por qué una artista de la trayectoria, influencia y popularidad de Cecilia, no ha figurado antes como candidata al premio? ¿acaso por ser mujer y cantante popular? ¿Acaso por no formar parte de los círculos de formación musical tradicional? Quizás todas las anteriores. Probablemente la candidatura de Cecilia ha sido la más desafiante en la historia del premio. Un desafío que buscó remover los lineamientos más tradicionales de éste, no solo en lo artístico y lo musical debido a su estatus de intérprete de la canción popular, sino también como símbolo de transgresión y figura no convencional cuya imagen es la imagen de mujeres y disidencias sexuales, tal como lo señala La Matria en su carta: “Hoy en día con el auge de las demandas feministas, la figura de Cecilia se vuelve más potente, al haber cuestionado tempranamente y desde el arte musical, los estereotipos de género. Al haberse permitido la libertad de construir sobre sí, una imagen andrógina en la que su feminidad se vestía de pantalones y pelo corto, en una época en la que un ‘deber ser’ muy conservador sesgaba las vidas de las mujeres». Y aunque la campaña reunió más de 11 mil firmas, la ecuación mujer y transgresión probablemente causó espanto en la academia.

La experiencia nos sigue diciendo que las lógicas patriarcales y los sesgos de género están lejos de desaparecer o incluso disminuir sistemáticamente, y mientras tanto al primer descuido siguen reproduciéndose de forma estructural desde las instituciones hacia abajo, reflejándose en este caso en la industria y en la academia, dos lugares que siguen concentrando especial interés por mantener viejos vicios como la misoginia, la discriminación y el machismo como por ejemplo en la cuota de mujeres en los festivales de música o en paneles de expertos exclusivamente masculinos. Temas que fueron abordados desde IMUVA y su Comisión de Género en la reciente edición de VAM, 1er Encuentro en línea de la Industria Musical Chilena.

La carrera por el Premio Nacional de Artes Musicales 2020, ha terminado, dejando su prestigio en manos de una destacada académica y soprano, perpetuando su inclinación por cierta tradición, pero también respondiendo a la primera llamada de urgencia que decía “no se puede seguir invisibilizando el trabajo de mujeres en las artes musicales y en la misma academia”. La carrera por el premio Nacional de Artes Musicales 2020 ha terminado, estampando por cuarta vez el nombre de una música en su placa como primer pequeño gesto de diálogo en un largo camino por equiparar la cancha, diálogo que debiera continuar todo el año y que en su próxima entrega debiera profundizarse. La carrera por el Premio Nacional de Artes, sí, ha terminado pero la carrera por la paridad continúa. 

COLUMNA PARA LA COMISIÓN DE GÉNERO IMUVA PUBLICADA EL MES DE OCTUBRE EN EL SITIO WEB DEL OBSERVATORIO REDFEM 

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI (Ke Nunca Te Importe) es una interesante propuesta musical forjada en el más profundo underground santiaguino bajo la premisa del do it yourself- hazlo tú mismo. Formados en 2011, desde entonces se han dedicado a desarrollar un sonido nutrido de punk rock, electrónica, metal y música industrial, mezclando bases programadas, sintetizadores y guitarras estridentes, que han dado forma a una ajustada y sólida muestra de cyberpunk.

Su nombre surge de una curiosa anécdota relatada por la banda a la fotógrafa Karolina Guajardo, tras su participación en el libro de retratos “Poesía beats & rock and roll” (foto cabecera artículo) : “El nombre viene de la localidad de Quinquehua en la región de Ñuble. Un oriundo de aquella zona apodado “El tetera trabajaba con el guitarrista del grupo haciendo sonido en una productora, le pusieron ese nombre debido a su tartamudez, entonces le preguntaban muchas cosas para poner en evidencia su tartamudeo como respuesta refleja, decía de corrido -que nunca te importe… conchatumare-. Era algo así como para camuflar su timidez, por ejemplo: oye tetera ayer te comiste o no a la vieja de las humitas y el respondía – qué nunca te importe Gil cucuculiao-. La frase del tetera fue contagiado a todos en su pega, incluyendo a Manfred, que la empezó a usar con sus amistades incluyendo a la gente que conformaría su banda, entonces cuando se tuvo que bautizar el grupo era el nombre ideal sobre todo porque servía para responder de forma cortante -sobre todo cuando nos preguntan porque no usamos batería- y también funcionaba bien como sigla KNTI como las típicas bandas industriales que usaban siglas en su nombre«.

Con Santiago como el gran escenario urbano de su música, KNTI amplifica el discurso crítico y libertario retratando la vertiginosa vida moderna en una tierra precaria y violenta donde reinan el consumismo, el estrés, el individualismo y la saturación de la urbe. Mientras que musicalmente juegan con los matices, ni tan bailable y ni tan extremo, pero ciertamente, frenético y maquinal, y definen lo suyo como “punk con computadoras”. Desde sus primeros días como parte de ese mismo circuito, la banda destacó por su propuesta análoga-digital, algo que poco a poco los hizo diversificar los carteles a compartir y también los escenarios en los cuales participar siempre manteniendo firmemente su militancia under.

El ejercicio esmerado y serio de la autogestión como forma de vida y como principio básico al momento de concebir el arte y la música, ha brindado a KNTI un prolífico catálogo de hasta ahora cuatro discos completamente producidos por ellos y por su sello/productora Auka 47. Publicando en 2011 su primer Ep “Vecinos del tiempo”, seguido por “Perversa la life” de 2013. Continuando con su larga duración titulado “Carga frontal”, editado en 2015, y al año siguiente el cassette recopilatorio que reúnió su material registrado entre 2011 y 2016. En 2019 con el marco del estallido social, la música de KNTI no descansa sino que continúa su propia expansión como mensajeros de la distopía estrenando material audiovisual para el tema “1312”, otro adelanto de su quinto trabajo y un mensaje de repudio hacia los sirvientes armados de la burguesía.

Originalmente configurados como quinteto, Manfred y Martín en guitarras, Hernán en sintetizadores, Felipe en bajo y Rupa en voz, KNTI hoy se reformula luego que Manfred (guitarra fundador) emprendiera camino hacia nuevos proyectos. Cerca de cumplir 10 años de existencia, la banda presenta en medio del confinamiento impuesto por la pandemia del Covid 19, su quinto disco titulado “Desenlace”, Ep de cinco temas estrenado recientemente a través de sus plataformas digitales junto al vídeoclip para el tema “Felicidad”, un trabajo audiovisual realizado íntegramente de manera virtual y remota como parte de los nuevos formatos de colaboración determinados por la cuarentena. Sobre este trabajo y el actual momento de la banda conversamos con sus integrantes.

Hablemos de de “Felicidad” ¿Cómo describirían esta nueva forma de trabajar y la experiencia de haber realizado el vídeo bajo este formato ?
Se dio de forma espontánea como solución al aplazamiento de la realización del videoclip que veníamos postergando desde de Octubre del año pasado. Este videoclip originalmente incluía a un grupo de baile que ensayaba al lado del metro Santa Lucia. Este grupo había diseñado una coreografía para el vídeo, pero su grabación se debió posponer varias veces por la contingencia de las protestas y la represión policial. Como casi todos en el país estábamos más pendientes de las movilizaciones, el vídeo pasó a segundo plano. Sin embargo, ya contábamos con un gran equipo de amistades y personas que voluntariamente se querían sumar al videoclip cuándo y cómo fuera. Ya con el tema de la cuarentena encima decidimos hacer una dinámica centrada en que cada persona se grabara bailando desde su casa o lugar de cuarentena, como salida para publicar el videoclip tratando de mantener la idea original que se venía trabajando desde hace un año. A medida que comenzamos a coordinar y enviar invitaciones a amistades y cercanos al grupo que quisieran bailar, hacer performance, etc. fuimos viendo otras iniciativas similares de videoclips grabados colectivamente desde casa. En resumen, lo podríamos describir como una interesante variable creativa para coordinar trabajo colectivo y animarse a armar otras formas de cultura con lo que se tenga a mano y bueno, representar directamente en forma y contenido esta peculiar realidad que estamos viviendo, ya que es inédito el hecho de que se haya mezclado la hiperconectividad con una pandemia. El único reparo sería depender 100% de internet y las redes sociales, porque puede ser como una droga que los medios de control podrían quitar repentinamente.

¿Qué posibilidades encuentran como artistas y banda en el confinamiento de la pandemia?

Esta situación nos ha obligado a perfeccionar algunos aspectos técnicos respecto de nuestra metodología de trabajo. Hemos tenido que llevar a la práctica algo que veníamos haciendo a paso lento los últimos meses que es tener cada uno en su computador los programas necesarios tanto para crear bases como para mezclar. Se podría decir que la cuarentena nos ha empujado a tener una suerte de estudio de grabación en nuestras casas. Al parecer eso le está pasando a miles de proyectos musicales en todo el mundo.
Si bien esto nos funciona bastante bien al trabajar con bases programadas (ya que las podemos compartir y así generar una suerte de cadena en la que cada uno va haciendo arreglos a los temas desde su casa), las ganas de compartir en la sala de ensayo han ido aumentando con las semanas. Antes que una banda, KNTI es un grupo de amistades, que incluso exceden a los 4 integrantes de la banda propiamente tal, y echamos de menos a toda la comunidad con la que trabajamos. La banda la vemos ante todo como una herramienta social y política para generar redes, comunicar, protestar y apoyarnos sin tener que recurrir al Estado o a la caridad empresarial (si es que existe). Para nosotros el ensayo semanal es una institución, y nos pasamos a veces hasta 4 o 5 horas entre tocar, conversar, pasarnos el royo con proyectos, compartir bandas que hemos descubierto, etc. Somos un grupo muy apegado de amigos y ninguna dinámica de tele-ensayo puede reemplazar nuestras reuniones en carne y hueso.
De todas formas, ante la enorme incertidumbre respecto de cuándo podremos volver a hacer tocatas y eventos con público, no nos queda otra que ingeniarnosla para poder seguir creando y tocando desde la cuarentena. Seguramente en los próximos meses podrán vernos y escucharnos en formatos y lógicas que irán surgiendo en función de las restricciones impuestas por la cuarentena y a partir de lo que nos dicte nuestra imaginación.

Distopía y caos son parte del imaginario de la banda, sin embargo la pandemia sigue siendo una realidad nunca antes vivida por nuestra generación ¿cómo manejan esta realidad inmediata y cómo se canaliza eso actualmente en su música y estética?

Nuestra estética siempre ha estado de distintas formas vinculada a los imaginarios post-apocalípticos, desde una onda tipo Mad Max, como en nuestro primer videoclip, “La Santa Procesión” (2015), hasta rasgos más Cyberpunk, como en el videoclip de “Deseo Distopía” (2017). Trágicamente el mundo y nuestra estética coinciden cada vez más, y actualmente nos parece estar viviendo la profecía auto cumplida de la banda y de toda la ciencia ficción distópica de las últimas 5 o 6 décadas. Obviamente esto no nos alegra en lo más mínimo, nos mantiene muy atentos y preocupados al devenir de las cosas.

Sin duda estamos muy receptivos e inquietos con la contingencia, por lo que nuestras letras, composiciones y creaciones audiovisuales seguirán haciéndose cargo de la realidad en que vivimos: un capitalismo en permanente crisis y expansión, una avanzada tecnológica de control global por parte de las grandes potencias, una sociedad cimentada sobre el especismo y la explotación de miles de millones de animales no humanos, y sobre todo, de un planeta que se dirige aceleradamente a un colapso ecológico que probablemente acabará con miles de especies, incluyendo la nuestra. Todo esto sin que sea en lo más mínimo forzado, ya que es seguir la misma línea estética que hemos trazado desde el año 2011.

Su nuevo EP lleva por título “Desenlace”, un nombre de mucha carga en días de ansiedad e incertidumbre… ¿qué desenlace imaginan a esta realidad, cuál es el desenlace de KNTI y de su música ?

En nuestro EP reunimos una serie de canciones, que forman parte de un proceso creativo que anduvo por hartos caminos. Decidimos hacerlo bajo el nombre de “desenlace”, como si de una crónica roja se tratara. A todos esos caminos que anduvo el material le advinó una voluntad de cierre. Pero es difícil hablar de puntos finales, cierres, desenlaces. De hecho, qué más abierto que esta realidad, la del encierro sanitario que nos hace vivir en la incertidumbre, la de los informes epidemiológicos, la de la imposición de “nuevas normalidades”. Por esto mismo es difícil ver un desenlace para este mundo actual, todo es volátil y las certezas son fugaces. Lo que sí podemos ver es que el trasfondo de esta realidad es la catástrofe y el desastre. Hemos intentado siempre trabajar sobre esta constatación, desde lo cotidiano y local, antes y ahora. En concordancia con esta realidad abierta y volátil -como también catastrófica- nos hemos encontrado en la creación igualmente abierta, solo que esta vez el desenlace, para KNTI, no se ve como cierre sino como apertura a nuevas formas, a cosas que estamos probando, nuevos sonidos, etc. En la afirmación crítica de este escenario adverso se ubica el desenlace de la música que hacemos y que estamos construyendo.

Visita las plataformas de KNTI

Canal de Youtube de la banda

Spotify

 

ENTREVISTA PUBLICADA ORIGINALMENTE EL 19 DE MAYO DE 2020 EN ESTE SITIO WEB

FINAL GIRLS CHILE: MÚSICA DE CIENCIA FICCIÓN

FINAL GIRLS CHILE: MÚSICA DE CIENCIA FICCIÓN

Del 12 al 15 de noviembre se llevará a cabo la primera edición de Final Girls Chile, festival on line dedicado a celebrar a las mujeres en el cine fantástico (terror, suspenso, thriller, ciencia ficción, fantasía,entre otros), transmitido por www.cineartealameda.tv. Y el cual contará con la presentación de diversos proyectos musicales encabezados por mujeres.

Inspiradas por Final Girls Berlín y buscando destacar la presencia de mujeres y disidencias delante y detrás de cámara, el encuentro llega en su primera versión made en Chile con una contundente exhibición de cortos y largometrajes de ficción, animación y documental; seleccionados luego de una convocatoria abierta a todo el continente realizada a través de su plataforma. Cada jornada estará compuesta de conversatorios, charlas y talleres, entre otras actividades de formación. 

La noche del viernes 13 finalizará con un bloque de música en vivo protagonizado por diversos proyectos musicales encabezados por mujeres. Desde las 22 hrs se podrá ver y escuchar a través de las pantallas de Cine Arte Alameda TV las presentaciones de:

Human Distance, banda compuesta por Eddie Howl, Daphne Charmaine y Silke Furious, formada a partir de la pandemia, y cuyo concepto principal se centra en la distancia social como resultado de una generación disociada: marcada por el aislamiento y la exclusión, desde donde emergen los sonidos de Human Distance.

Otra de las presentaciones estará a cargo de Binzatina, trío de trip goth fundado en 2015, compuesto por Lya Roy,  José Ramorino y Patricio Bravo. Actualmente la banda se encuentra trabajando en su segundo disco titulado Camaleón.

 

 

También formarán parte de esta velada en el marco del Final Girls Festival, Reptila, el dúo compuesto por Belén Robledo y Maite Rojas, que fusiona los sonidos afrolatinos con bases y atmósferas electropunk. Finalmente, se completa el cartel con Rizoma Alzada, trío de manifestación sonora compuesto por Rosa Angelini, Jacksa Suazo y Carolina Ozaus, usualmente, interviniendo con su performance en las calles, en esta oportunidad estarán participando de una performance on line.

 

REVISA TODOS LOS DETALLES DE LA PROGRAMACIÓN

 

REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 5

REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 5

A dos días del Plebiscito en el que los ciudadanos de Chile saldrán a votar la aprobación de una nueva constitución, publicamos el quinto número de nuestra revista «Estas máquinas matan fascistas. La música nuestra arma», imaginando una nueva constitución con un compendio de textos que reflexionan desde la música en torno a los temas que nos resultan urgentes para la conformación de un nuevo Estado. Todo esto acompañado de completas entrevistas al músico y activista Camilo Antileo, a la cantautora urbana Araceli Cantora, desde Temuco Derrumbando Defensas, y una conversación en retrospectiva a los 17 años de historia de Tsunamis. 

¡DESCARGA GRATIS Y LEE!

REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MÁQUINAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 5- OCTUBRE 2020

 

 

RUTA MUSICAL: CONMEMORACIÓN DE LA REVUELTA.

RUTA MUSICAL: CONMEMORACIÓN DE LA REVUELTA.

A un año de la histórica revuelta que rearticuló el movimiento social en Chile, seguimos la ruta de las actividades musicales en conmoración de esta importante fecha:

MÚSICA EN CONMEMORACIÓN DE ESTALLIDO

Performance Sonora

Colectiva Chusca, integrado por destacados músicos como Sebastián Jatz y Goli Gaete, conmemora este 18 de octubre a los muertos de la revuelta una en performance que combina el sonido, la voz y el nombre de cada una de las victimas. Desde las 12 hrs en los alrededores de Torres de Tajamar.

Desde la 15: 30 la ya imprescindible Banda Dignidad, comenzará su habitual intervención musical en el epicentro de la Plaza Dignidad, bombos, tambores y vientos, interpretando un emblemático repertorio de revolución y protesta como Bella Ciao, Arauco tiene una pena y más.

El Pueblo Canta a Patricio Manns

Este domingo 18 de octubre a partir de las 16 hrs, la convocatoria es a reunirse en el frontis de la Biblioteca Nacional para interpretar el repertorio de Patricio Mans, en homenaje a su obra y a la conmemoración del estallido social. Actualmente Manns atraviesa un delicado estado de salud, generando preocupación en todo el circuito artístico.

Tocata a 1 año del estallido

A partir de las 17 hrs se estarán presentando en Plaza de la Dignidad, las bandas Escariote, Tan Lejano, Miguelitos, Solidarios, Vandalik, Rutina Sucia. Una actividad organizada por la Coordinadora Camilo Catrillanca.

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

Música, escritora y activista feminista. Vocalista y compositora en la banda de indie rock argentina Querida Daria, y editora del blog Ni groupies, ni musas. Jacqui Casais es una artista inquieta, una artesana de la palabra escrita, recitada y cantada. La cuarentena detuvo solo una parte de su permanente trabajo creativo y dio pie para terminar aquello pendiente entre su vida de docente y su vida artística. Sin tocatas en vivo la energía se ha volcado a la producción musical, los arreglos y a su primera novela gráfica «Martirio Hammer», editada recientemente. También se ha mantenido en línea, conectada y conectando desde su música y su poesía con transmisiones en vivo por Instagram en las que ha conversado con sus interlocutoras músicas y gestoras culturales. En medio de todo esto, ve la luz «Prospecto adjunto», su primer Ep como solista, un trabajo que si bien no fue compuesto en pandemia, guarda estrechos vínculos con el complejo contexto del encierro tanto en sus letras como en su sonido de loops otoñales, voz lánguida y sutiles aires retro. Un conjunto de canciones en el que Casais expone ese íntimo recoveco poco soleado y que al escucharse se presenta como una bocanada de electropop con el sello propio de una mente y un alma que habitan el mundo de los sonidos y los versos.

¿Cómo surge este trabajo? ¿A partir de qué necesidades artísticas y personales te planteas una faceta de cantante solista?

Hace unos años vengo trabajando en Ableton Live y experimentando vocalmente, y aprendiendo síntesis así que me enfoqué en eso y en la autonomía y posibilidades que me da poder crear en ese programa. Yo soy muy fan de bandas como Entre Ríos, Adicta, Isla de los estados, y en lo más cancionero pop Leo Garcia, Rosal, y la gran Rosario Bléfari entre otres a las que les vengo siguiendo hace años y me inspiran mucho. 

Me faltaba animarme a producir música yo misma en este formato. Hace mucho que tenía ganas y durante el verano comencé a producir los temas. En el pop independiente hay muy buenxs musicxs  por ejemplo Amor elefante que cada disco suena mejor, también me gusta Salvapantallas y más para el electropop Ignacia y Audia Valdez. Muches son músicas y también productoras musicales. También me gusta mucho Javiera Mena de Chile. Hay muchos proyectos pop independientes y electropop interesantes en América latina nuevos y no tan nuevos. Así que me estuve metiendo más en la producción musical en los últimos años y quería armar algo con un sonido que me identificara, un sonido que venía buscando.

¿Por qué decides llamarlo Prospecto Adjunto?

A nivel conceptual la idea original que le da nombre al título (esto surge pre pandemia) tiene que ver con mí experiencia con los ansiolíticos, que por motivos de exigencia/ explotación/ maltrato en el ámbito laboral tuve que hacer un tratamiento, por eso «Prospecto adjunto».

Es un trabajo que venías amasando mucho antes de la pandemia pero la idea de Prospecto Adjunto se conecta muy bien con el contexto de la cuarentena y esta realidad paralela…

Sí, cuando vino la pandemia, en los primeros meses de aislamiento el suicidio de un adolescente en mí familia me angustió mucho. Repasé la experiencia con los ansiolíticos. Y pensé en mi adolescencia y pre adolescencia, fueron años difíciles pero me ayudaba estar en la calle, ir a las marchas, andar en bici, ir a recitales, plazas, etc. y pensé en esto del arte y habitar en espacio público. Por eso pensé en Basquiat que me encanta (y el arte callejero). Pienso en la necesidad de les adolescentes y jóvenes de habitar el espacio público, embellecerlo, pintar, grafitear, andar en skate, rapear en la plaza vs este encierro necesario y que les adultes entendemos pero les niñes y adolescentes por más que se diga que nacieron con el celu en la mano muches no tienen celu ni internet ni acceso a la educación virtual. Les duele no ver a sus amigues, no ser abrazades por sus afectos. Pasaron meses sin contención, sin políticas públicas que les escuchen. 

Este relato de la pandemia refuerza la idea del título. Acaso el pop de autora que abordas en este disco ¿resulta de manera instintiva e intuitiva una receta antidepresiva?

SÍ, traté de contar cómo me sentía. Mis estados de ánimo que son consecuencias de la alienación del trabajo y de algunas medicaciones. A mí las canciones siempre me ayudaron a transitar y entender lo que me pasa.

La pulsión del electropop en este disco ¿fue para ti algo al servicio de esa experiencia que querías transmitir?

Acá en Argentina hay mucha historia de electropop o pop electrónico. Hubo y hay muchos proyectos interesantes y distintos. es un estilo que siempre me gustó y quise hacer. Cada vez hay más musicxs que producen su propia música y me resultan muy interesantes los proyectos del sello transfeminista Gema discos de la cuidad de La plata. Me gusta que la música electrónica esté aplicada a la canción, por ahora es la herramienta que uso.

Creo un poco que por el contexto cada vez va a haber más gente haciendo música así. Está complicada la escena y pienso que va ser una especia de poscromañón lo que va a pasar.

¿Qué es lo que más te gusta de tocar en una banda como frontwoman?

Tocar en una banda es hermoso porque en mí caso toco con amigues y eso no tiene precio. Aunque cueste tanto organizarse entre 5 personas(ni hablar de la crisis de los pocos lugares under para tocar que hubo prepandemia y que de ahora en adelante va a ser mucho más difícil) nos une más la amistad entonces eso es algo muy lindo.

¿Qué es lo que más te gusta de la experiencia solista?

De la experiencia solista creo que es similar porque si bien la creación es más intima, trabajé con gente que me acompañó y aprendí muchísimos y fue un honor contar con Natalia Perlerman que es una de las productoras más importantes y una agitadora musical transfeminista, es parte fundadora de Red multisonora (RSM)y moría por trabajar con ella, estuvo en la mezcla y máster. Valen Bonetto también parte de la red estuvo en la edición de las voces y Gastón Delicio en los arreglos junto conmigo. Así que un placer trabajar con todes elles. Es un trabajo solista pero al mismo tiempo grupal porque les amigues musiques que me dieron devolución durante el proceso también aportaron mucho.

Y luego la portada que hicimos junto a Marcelo Enriquez con quien trabaje en las ilustraciones de Martirio Hammer mí nuevo libro. El trabajo solista es parecido al trabajo de edición de un libro. Lo escribís, luego se lo pasas a amigues para pedirles opinión, luego pasa a corrección, edición, maqueta, y va tomando forma. Te juntas a pensar en la portada junto a otro artista que sabes que entiende la estética que buscas. Todo eso es un laburo de mucha gente. Al igual que un disco solista.

¿Cómo seguirá el 2020 para Jacqui Casais?

Por ahora presentando este EP «Prospecto adjunto» y ensayando para armar algún streaming. Y promocionando mí nuevo libro Martirio Hammer que es la primera vez que saco un libro con ilustraciones. Es mí primer libro dónde solo trabajo narrativa así que es algo nuevo para mí. Y Querida Daria en una pausa porque la pandemia nos complicó la rutina de la banda, y las personales también. No podemos ensayar y nos encontramos con problemáticas como las de la mayoría de las bandas. Nuestra manera de trabajar fue muy afectada con la pandemia y lamentablemente no pudimos adaptar el formato a lo virtual…es muy difícil proyectar a futuro la escena independiente ya que no hay políticas culturales que ayuden a qué la música este activa más allá de los grandes festivales y los artistas convocantes.

Los centros culturales dónde tocábamos están tratando de sobrevivir vendiendo comida y algunos haciendo streaming. Creo que es un momento muy duro para el arte en vivo y particularmente las bandas.

Shadia Mansour:  ¡no toques mi keffiyeh, carajo!

Shadia Mansour: ¡no toques mi keffiyeh, carajo!

Estaba en la media cuando me compré mi primera palestina. No sabía mucho de su origen ni de su historia, pero me gustaba ese aire de rebeldía que despedía cuando veía como se llevaba en las marchas de forma casi militante. La asociaba con resistencia, así que me compré una con los clásicos colores blanco y negro. Me la amarré al cuello y salí a protestar. 

Entonces no conocía del pueblo palestino más que su ubicación en el mapa, como algo recóndito y ajeno. El keffiyeh era un símbolo que incluso luego de haber sido arrancado de su contexto, retenía el aire indómito y de protesta de un pueblo en resistencia. Mi primera impresión no estaba lejos de la realidad, pero me faltaba mucho por conocer aún. 

Shadia Mansaour sabe de esto. Y no contenta con saberlo, lo canta. 

Su música llegó a los oídos de nuestro país gracias a la colaboración con Anita Tijoux en Somos Sur, canción lanzada el 2014. Sin embargo, con 35 años Shadia viene remeciendo la escena del hip-hop desde el 2003, teniendo público no solo en Medio Oriente, sino que también en Europa. 

Nacida en Inglaterra, sus padres son originarios de Haifa y Nazaerth, ascendencia que sale a flote en distintos elementos de su música y vestuario; un ejemplo de ello es el keffiyeh que lleva en conciertos, prenda a la que le dedicó un tema titulado “El Keffiyeh es árabe.” Esta canción surgió como respuesta a la apropiación cultural de la que fue testigo, cuando encontró en el comercio estadounidense un keffiyeh con los colores de la bandera de Israel, estrella de David incluida. A esto, la cantante comentó: Pueden llevarse mi falafel y mi hummus… ¡Pero no toquen mi keffiyen, carajo! 

Este es un ejemplo de las temáticas políticas que pueblan su música, fuertemente ligadas a la identidad palestina como un ejercicio de resistencia colectivo, pero no por esto exenta de cuestionamientos ya que, a pesar del orgullo de sus raíces, también mantiene una postura crítica frente a la desigualdad de género, negándose a presentarse en conciertos que separen el público por sexo. 

Elementos como el idioma, la sonoridad y las letras brindan a su trabajo musical de una particularidad discursiva fuertemente relacionada a la identidad palestina. Es, después de todo, una decisión política el cantar exclusivamente en árabe a pesar de dominar el inglés, idioma que permitiría a su música un alcance más comercial. Sin embargo, Shadia prefiere la riqueza del idioma de sus padres. 

Los elementos sonoros de su música también están repletos de sonidos y frases musicales que hacen referencia a la música tradicional árabe, haciendo de inmediato identificable su procedencia incluso antes de escuchar su voz. Esta musicalidad árabe se mezcla con los recursos característicos del hip-hop, dando así un sonido característico con una genealogía potentemente marcada. 

Como sucede comúnmente tanto como con la música de protesta, como con el hip-hop, las letras de Shadia son de carácter expositivo, con un mensaje claro que no busca esconderse tras un lenguaje innecesariamente embellecido, aludiendo a problemáticas actuales que aquejan a su pueblo. La canción anteriormente mencionada, “El Keffiyeh es árabe”, es un ejemplo claro de ello:

(…)

La ropa que usamos, ellos la quieren; nuestra cultura, ellos la quieren;

Nuestra dignidad, ellos la quieren; todo lo que es nuestro, lo quieren.

La mitad de tu país, la mitad de tu hogar; ¿por qué no? No, yo les diré.

Robar algo que no es de ellos, no puedo permitirlo.

Nos imitan con lo que vestimos; esta tierra no es suficiente para ellos. ¿Qué más quieres?

Sienten codicia por Jerusalem. Aprendan a decir “seres humanos”.

Antes de que todos usaran un kuffiye, estamos aquí para recordarles quienes somos.

Y les guste o no, este es nuestro estilo.

Por eso rockeamos el kuffiyeh, porque es patriótico.

El kuffiyeh, el kuffiyeh es árabe.

Por eso rockeamos el kuffiyeh, la esencia de nuestra identidad.

El kuffiyeh, el kuffiyeh es árabe.

Shadia abre esta canción exponiendo la problemática de la apropiación del kuffiyeh, señalándolo como una parte de algo mayor, una analogía al conflicto palestino y lo que este ha significado a nivel cultural e identitario. La asimilación de la estética palestina como una moda, despojada de su identidad, como un ejemplo de comercialización de la cultura es tan solo el principio. Aparte de esta descontextualización, existe una reapropiación por parte de quienes son los opresores del pueblo palestino, mostrando la tensión política existente en la disputa de esta prenda. 

En esta estrofa, Shada denuncia el hurto ¿No les basta con las tierras? ¿Qué más van a llevarse? Sin embargo, la identidad no es algo que esté dispuesta a transar. 

No hay nadie aún como el pueblo árabe

Muéstrame otra nación en el mundo que tenga más influencia

La pintura está clara; somos la cuna de la civilización.

Nuestra historia y patrimonio son testigo de nuestra existencia. 

Por eso rockeo el atuendo Palestino.

Desde Haifa, Jenin, Jabal al Nar hasta Ramallah.

Déjame ver el kuffiyeh, el blanco y el rojo.

Déjame arrójalo al cielo.

Soy árabe, mi lengua crea terremotos. 

Hago temblar los mundos de guerra.

Escuchen, soy Shadia Mansour y el atuendo que visto es mi identidad.

Desde el día en que nací, despertar la conciencia de las personas ha sido mi responsabilidad. 

Pero fue críada entre el miedo y la madad, entre dos áreas,

Entre el rencor y la pobreza, veo la vida desde ambos lados.

Dios bendiga el kuffiyeh, como sea que me rockees, donde sea que me veas,

Me mantengo leal a mis orígenes: Palestina. 

Ahora, se coloca al pueblo árabe en el centro, resaltando la importancia de su cultura a nivel mundial y la relevancia de su historia y patrimonio. De esta forma la identidad cultural arábica es señalada como algo imposible de borrar, cuya huella está tatuada en el mundo entero. El orgullo que nace de ello, le hace reafirmar más su posición y disputar el vestuario como parte de dicho patrimonio identitario.

Para finalizar la canción, Shadia se coloca como protagonista, rescatando su propia experiencia como un relato que habla por una generación que ha crecido viéndose envuelta en conflictos políticos de tal envergadura. Son estas vivencias las que le de una visión holística, pero pese a la cual mantiene su postura, reafirmando su identidad palestina. Finaliza el tema con una frase que engloba todo aquello, como una declaración de principios.

En una sociedad en donde el rol de la mujer está aún en debate, Shadia Mansour se abre paso con una voz potente, cuestionando los elementos más tradicionales de su cultura. Su aparición en escena genera de por sí controversia, pero también reposiciona la identidad palestina en los escenarios, con orgullo y una postura política de resistencia. Son estos elementos los que enriquecen su música, convirtiéndola en una infaltable para los amantes del hip-hop. 

PLAYLIST :  A.C.A.B. DIEZ CANCIONES PARA UN «FELIZ» 1312

PLAYLIST : A.C.A.B. DIEZ CANCIONES PARA UN «FELIZ» 1312

Probablemente es el acrónimo más reproducido en nuestros muros reales y virtuales desde que se inició la movilización social por la dignidad, una nueva constitución, y el final del modelo neoliberal, hace ya, mes y medio.

 

ALL COPS ARE BASTARDS, o «Todos los policías son bastardos», cuenta la literatura especializada, tuvo su origen en 1982 en Inglaterra, acuñado por el movimiento musical Oi, y una de sus bandas más representativas, THE 4 SKINS, quienes en su disco THE GOOD, THE BAD AND THE 4 SKINS, deciden incluir el tema A.C.A.B, retrato de la represión policial que se ejercía contra los jóvenes desempleados y marginales en los barrios obreros de la Inglaterra thatcheriana. Denuncia que se refleja en la portada del disco con la imagen de un policía bajo el titular THE BAD.

 

 

Hanging around with my mates one night
We got in a little fight
Geezer comes with a knife in his fist
I got cut along with the rest said
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
All cops are bastards
Copper come up say what’s the matter with you
Now they see what we can do
Next thing I know i was in a cell
All my mates were there as well said
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
I had a court date to plead my case
They had delight at the look in my face
They said we’re gonna put you away
I said all I had to say said
A.C.A.B
A.C.A.B

 

La sigla terminó por convertirse en una de las consignas más utilizadas por los movimientos anarquistas hasta nuestros días, permitiendo la divulgación del mensaje de repudio a las fuerzas policiales y a la violencia de Estado. El acrónimo hoy tapiza las calles de Chile, y su resonancia, y al mismo tiempo hermetismo, ha generado total curiosidad en los menos emparentados con la protesta callejera o el anarquismo. Sin embargo, con el correr de los días, A.C.A.B encuentra nuevos adherentes en medio de la sangrienta represión y violaciones a los derechos humanos que se han registrado durante todo el estallido social. Así mismo, la poderosa sigla, ha sido objeto de ingeniosas reformulaciones como : «Asamblea constituyente ahora, bebé» o «All cuicos are bastards».  Pero los mensajes encriptados no terminan ahí, 1312 es otra de las claves para comunicar el incendiario acrónimo haciendo alusión a la ubicación en el abecedario de las vocales y consonantes que lo conforman, A-1-C3- A1-B2 -1312.

 

 

En este viernes 13 de diciembre, en medio de una nueva convocatoria a machar bajo la consigna «feliz 1312», proponemos diez canciones que acompañen la movilización. Diez canciones de repudio a la represión policial, principalmente venidas desde la agudeza y crudeza de los discursos musicales y líricos del punk y el hip hop.

 

PLAYLIST

DERRUMBANDO DEFENSAS 12 AÑOS DE HARDCORE FEMINISTA

DERRUMBANDO DEFENSAS 12 AÑOS DE HARDCORE FEMINISTA

Derrumbando Defensas,la banda oriunda de Temuco, acaba de cumplir doce años de trayectoria, doce años de resistencia, hardcore y feminismo que, por estos días, festejan con distintas actividades virtuales en sus redes sociales, mientras se preparan para retomar la actividad en estudio y en vivo. Repasamos su historia y música en la siguiente entrevista.

Por Rossana Montalbán

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Formadas en 2009, en Temuco, región del Bío Bío, con Maritza en voz, Mónica en guitarra, Coty en betaría y Carolina en bajo, Derrumbando Defensas es, a día de hoy, una de las bandas integradas por mujeres más antiguas del circuito hardcore punk de la última década. Un camino en el que han cultivado su propia lectura del hardcore punk crossover tomando elementos del metalcore, el death, el thrash  junto con el desarrollo de líricas de corte existencial y descontento social en el que el antiespecismo y el feminismo son causas principales.

Tres discos componen hasta ahora su discografía, “En días de egoísmo y gritos de dolor” de 2010, seguido por “El mundo cerró sus ojos” de 2014, y finalmente “Confrontación” de 2017. Tres discos con los que la banda ha salido de gira por Brasil y Argentina para compartir escenario con emblemáticas agrupaciones sudamericanas como Ecocidio.

Su último show pre pandemia fue la apertura para los legendarios D.R.I en su última visita a Chile en marzo de 2020, año que cerraron formando parte, como la única banda liderada por mujeres, del disco tributo a Machuca “Qué viva Machuca para todos”, reversionando la canción “No quiero morir antes de haber vivido”. Sin duda, otro hito para una banda que, desde el underground, abrió una pequeña gran puerta para la permanente brecha de género existente en la música.

Fue a mitad del 2009 cuando Maritza y Coty se reunieron con la idea de iniciar un proyecto musical hecho exclusivamente por mujeres. Desde un principio, sus preferencias musicales las llevaron a habitar el circuito hardcore punk de la ciudad, lugar en el que evidenciaron la poca presencia de congéneres entre quienes asistían a las tocatas como también la nula participación de mujeres a nivel musical integrando alguna banda. Ese hecho fue determinante para lo que luego sería el nacimiento de Derrumbando Defensas, doce años atrás. «Maritza vocalista y Coty baterista respectivamente, fueron quienes siempre tuvieron la intención de formar una banda de mujeres. Después de varios intentos se completó la formación definitiva hasta el día de hoy, Carolina bajista, prima de Coty y yo como guitarrista fui la última en incorporarme. Para nosotras existía una necesidad de ver a mujeres tocando, porque si bien veíamos mujeres en las tocatas o participando en fanzines era muy escaso ver a mujeres músicas en este circuito musical. Y en el estilo de música que a nosotras nos gustaba no habían mujeres tocando por eso quisimos ser partícipes y tomar acción y ponernos a tocar. Queríamos consolidarnos en este género musical donde no había mucha participación femenina». Relata Mónica, guitarrista de la banda.

Los primeros años de la banda transcurrieron en el circuito underground temuquense, en casas okupas y centros culturales autogestionados. Espacios y momentos de los cuales la banda guarda gratos recuerdos sobre cómo las acogió el público. «Nuestras primeras actuaciones fueron en la Okupa Casa Roja ubicada en el centro de Temuco, lo mencionamos siempre porque fue un lugar muy icónico que mucha gente recuerda con cariño y que ya no existe. Ahí tuvimos muy buena recepción». Recuerda Mónica.

Desde sus orígenes, géneros musicales como el HxC o el punk han sido corrientes musicales que se han situado desde lo disruptivo y lo anti sistémico ejerciendo una mirada crítica y sobre todo de repudio hacia la sociedad postmoderna y capitalista desde posiciones profundamente radicales y divergentes en oposición a un sistema socioeconómico y sociopolítico opresor, violento y hegemónico. Sin embargo esta esencia contracultural no ha estado exenta de reproducir lógicas poco horizontales, discriminatorias o patriarcales que suelen atraviesar todos lo ámbitos de la sociedad, incluso, el underground. A día de hoy, aún resulta difícil hablar de un circuito under de no predominancia masculina. Pero al mismo tiempo, el aumento de proyectos musicales liderados por mujeres, ha ido pavimentando el camino hacia una posible equidad y diversidad en los espacios, así lo relata Mónica: «Llevamos doce años tocando y en general nuestra experiencia ha sido buena y positiva, hemos tenido buena recepción y acogida por parte del público en general y de los hombres sobre todo. Pero en nuestros primeros años sí se daban situaciones complejas cuando tocábamos en algunos shows en circuitos más metaleros en los que muchas veces nos empezaban a gritar supuestos piropos mientras tocábamos, dejando en segundo plano nuestra labor musical. En esos días se resaltaba mucho el hecho de que éramos una banda de mujeres como algo muy pintoresco, y como si fuéramos un objeto. Y solo se referían a lo estético. Con el paso del tiempo eso dejó de ocurrir, y hoy después de años tocando se refieren a nosotras como músicas y hablan de nuestra música no de nosotras cómo nos vemos o de cómo nos vestimos».

Otra problemática que no puede dejarse de lado al momento de conocer el trabajo de bandas como Derrumbando Defensas, es la centralización y la dificultad para dar a conocer la actividad existente en otras regiones del país, enfrentándose a mayores obstáculos de difusión, e incluso, de acceso a tecnología apropiada para lograr un trabajo musical de calidad y profesional. «Es interesante lo que dices porque no pude evitar recordar la experiencia con nuestro primer disco el cual se grabó, mezcló y masterizó en Santiago, y fundamentalmente se hizo así porque cuando hablábamos con otras bandas nos recomendaban solo gente y contactos de Santiago. Durante una época estuvimos de manera constante alternando entre Santiago y Temuco porque un par de nuestras integrantes de la banda, la bajista y baterista, se fueron a vivir a allí desde hace dos años y nos ha servido para mantenernos activas y vigentes y ha hecho que nos conozcan más personas y ayuda a la retroalimentación que pueda haber entre una ciudad y otra. Quizás desde el punto de vista geográfico se siente esa barrera pero a estas alturas las redes y los contactos se van dando en todos lados y el paso del tiempo y la tecnología ha hecho que las cosas se den de manera menos centralizada». recuerda y afirma Mónica.

En este mismo sentido, la experiencia de la centralización con sus distintas desventajas, paradójicamente logra generar otro fenómeno relevante, reforzando el sentido de lo local, contribuyendo de alguna forma al florecimiento y a la persistencia del underground. «Desde que partimos, en esos años en Temuco habían muchas actividades musicales con distintos estilos de música y muchas bandas activistas sacando discos y tocando. Siempre ha existido una identidad local y gente que asistía a esos shows a escuchar a esas bandas de sus ciudad. Creo que aún lo hay pero con la pandemia todo cambió y algunos locales cerraron, no sabemos como será todo después de eso y si esto generará un estancamiento en el circuito musical de la ciudad». Dice Mónica.

El sonido de Derrumbando Defensas el hardcore metal – metalcore crossover, al escucharlas encontramos los principales códigos del género, la estridencia, los quiebres, la velocidad, lo gutural y el desgarro de la voz. «Desde nuestro inicios lo primordial fue el sonido hardcore, y luego fue evolucionando con las influencias de cada una, fuimos fusionando distintos elementos, dando forma a este crossover con guiños notorios a cada uno de los géneros que mezclamos como el thrash, el death o el punk». Señala Coty, baterista de la banda.

Entre 2010 a 2017, el cuarteto ha editado tres discos, en los cuales se puede percibir como la banda ha ido puliendo su trabajo en estudio y cómo su sonido, siempre enraizado en la estridencia del hardcore y el metal,  junto con sus liricas se han ido reformulando con el paso del tiempo y la experiencia adquirida. «Bueno, en este primer disco no teníamos tanto conocimientos del trabajo profesional de grabar un disco a pesar de aunque todas ya habíamos tenido bandas. Grabamos en Santiago con el apoyo de bandas amigas conseguimos estudio e instrumentos para poder hacerlo. Me prestaron instrumentos en esa época y no tenía dinero para comprarme los propios. Fue una gran experiencia y muy entretenido. Estuvimos todo un día grabando voces, guitarras, baterías y bajos. Y lo masterizó uno de los integrantes de La Miseria de tu rostro.  Viajamos desde Temuco juntamos plata entre todas , vendimos cosas para poder lograrlo. Y a pesar de todo quedamos conformes y nos fue bien con el disco a pesar de que ahora podemos encontrarle falencias, nos dimos cuenta que esas cosas se mejoran con el tiempo». Agrega Coty.

“En días de egoísmo y gritos de dolor”, es el primer disco de la banda, editado en 2010, un disco donde las letras resultan más introspectivas y emocionales. Marcando lel pulso visceral de la música de Derrumbando Defensas. «Qué bonito lo que dices. La verdad es que a mí me hace cuestionar y en realidad volver once años atrás. Y la verdad es que efectivamente las letras son más emocionales e introspectivas por el periodo que estábamos viviendo cada una, personalmente yo estaba viviendo un momento muy malo donde todavía no era tan feminista, es decir no tenía suficiente amor propio como para entender que lo que nos merecemos las mujeres es el respeto. Ese disco me ayudó mucho a gritar para poder liberarme con la banda y para afrontar varios temas emocionales. Me ayudó a valorarme a mi misma, a seguir adelante y no dejar que me pasen a llevar. Otro aspecto relevante en nuestras letras desde nuestros inicios siempre ha sido la liberación animal. Todas somos vegetarianas, asistimos a marchas y a actividades de defensa animal. Es importante poder cantar por los que no tienen voz. Las letras tienen que ver con nuestras convicciones en todo sentido, en lo social y en lo personal. En el respeto entre los seres. Y queremos dar esos mensajes en nuestra música y cuando tocamos en vivo donde conversamos y hablamos en el escenario para reforzar lo que dicen nuestras canciones». Dice Coty.

Para su segundo disco, titulado “El mundo cerró sus ojos”, la banda continuó afinando su lectura del hardcore crossover como también fue adquiriendo nuevas influencias para nutrir ese sonido que ha logrado cuajar, de manera consistentex los códigos de cada subgénero. Un sonido que se ha forjando a punta de dedicación, optimizando los recursos disponibles tanto a nivel técnico como artístico, bajo la autogestión y el espíritu autodidacta de la banda. «En este segundo disco todavía no teníamos un productor que nos pudiera aportar más al trabajo. lo grabamos en diferentes lugares y eso nos demoró un poco para poder concretar el disco, estuvimos nosotras a cargo de la mezcla y lo masterizamos afuera. Un aspecto importante en nuestro sonido es la mezcla de influencias y corrientes que cada una escucha. En nosotras hay distintos estilos. Escuchamos metal extremo, metal clásico, punk, metalcore, deathcore, y así vamos uniendo todo eso y va surgiendo el sonido de Derrumbando Defensas. Siempre nos ha querido clasificar en un solo tipo de hardcore pero eso, la verdad, es que no es posible porque nosotras mezclamos todos esos sonidos y elementos», cuenta Coty.

Para Confrontación”, su último disco editado en 2017,  las cuatro músicas decidieron abordar con mayor crudeza los grandes temas que las convocan, y en él se puede escuchar una versión acabada de lo que la banda ya venía proponiendo en sus trabajos anteriores, una poderosa avanlancha de velocidad, estridencia y quiebres rítmicos sustentando el mensaje  directo y frontal de sus liricas. «En este disco ya queríamos entregar un trabajo más profesional y un sonido lo más logrado posible con mejores instrumentos y equipos. Lo grabamos con Brutal Records donde tuvimos un trabajo detallado de pulir los temas de tocar todo a tiempo. Quedamos muy conformes con este trabajo que es mucho más logrado que los dos anteriores»  cerró Coty.

Por estos días, el cuarteto compuesto por Mónica, Coty, Carolina y Maritza, ya se encuentra finalizando el proceso de composición de su cuarto disco, para en las próximas semanas, y tras una larga espera, iniciar su trabajo en estudio que espera ver la luz antes de fin de año, y asi continuar escribiendo y gritando esta historia de resistencia, hardcore y feminismo.

ENTRE EL POP Y EL FOLCLOR: PENSANDO LA OBRA DE JORGE GONZÁLEZ

ENTRE EL POP Y EL FOLCLOR: PENSANDO LA OBRA DE JORGE GONZÁLEZ

 

Este martes 3 de agosto en Alma Negra Librería parte el primer ciclo del taller “Jorge González: Síntesis de la canción popular chilena, entre el pop y el folclor”, una instancia de estudio crítico sobre la obra y las influencias del compositor sanmiguelino.

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Nietzche, Hegel y Adorno fueron pensadores que alguna vez se aventuraron a trabajar una reflexión teórica crítica en torno a la música ¿Pero qué hicieron ellos? En el caso de Adorno, uno de los filósofos del siglo XX que más escribió y teorizó sobre música, a lo largo de toda su producción intelectual, se ocupó de ligar la forma musical a elaborados conceptos filosóficos que contribuyeron a crear una filosofía de la música, aportando un marco conceptual que ha permitido desde entonces pensar la música por ejemplo desde el problema.

En sus primeros escritos Adorno problematizó en torno al jazz. Más tarde, en su escrito Filosofía de la nueva música, Adorno expuso el cambio de función experimentado en la música en la segunda mitad del siglo XX, señalando las modificaciones internas que los movimientos musicales sufren al quedar subordinados a la producción comercializada de masas, e indicando cómo ciertos desplazamientos antropológicos en la sociedad estandarizada penetran hasta la estructura de la audición musical. En ese trabajo Adorno, trata de mostrar cómo la violencia de la totalidad social se ejerce incluso en ámbitos aparentemente separados como el musical. Pero ¿qué ocurre en Chile? en el ámbito de la teoría crítica para la música más allá del trabajo musicológico y periodístico donde se cruzan las nociones biográficas y las perspectivas históricas y sociales. 

Tras la revuelta de octubre de 2019, el nombre de Jorge González como uno de los compositores y músicos más relevantes de nuestra historia reciente, adquirió nuevas y más profundas dimensiones que vinieron a reafirmar el aporte en diferentes niveles de su música como también vino a evidenciar la falta de sustento teórico crítico para aproximarse a su obra y en general hacía la música popular en Chile. 

Bajo esta premisa, a partir del mes de agosto, en Alma Negra Librería, se impartirá el taller “Jorge González: síntesis de la canción popular chilena, entre el pop y el folclor”, instancia coordinada por el Doctor en Filosofía, mención en Estética y Teoría del arte por la Universidad de Chile, Felipe Larrea, buscando abrir una ventana para el ejercicio teórico en torno a la música, y más precisamente, en torno al trabajo del compositor sanmiguelino, a partir de una sugerente hipótesis que nos propone a González como “una suerte de bisagra de la canción chilena, en el sentido de producir una síntesis entre la tradición que cimentó la Nueva canción chilena con el llamado pop, de consumo y de evasión, que en Chile tuvo un solo nombre antes de él: La nueva ola”, señala Larrea.

De alguna forma la obra de Jorge González y su valor como compositor ha llegado, por derecho propio, a ubicarse a la altura de un Víctor Jara e incluso una Violeta Parra, dejando entrever la latente herencia recogida por el líder de Los Prisioneros, como también su capacidad para reformular esa historia con las influencias de su propio tiempo tales como el punk, el new wave o el synth pop, y a su vez recoger el carácter puntual del fenómeno local que fue la nueva ola. “Luces de esto lo veremos en declaraciones del mismo González pero también en cómo La Voz de los 80’ constituye un disco que refleja dicha síntesis, así como también el disco Corazones, que pareciera ser cierta consumación entre una música pop con cierta aprobación crítica y un pop basura, estimado como menor y sin valoración estética (la llamada “música de mierda”)”. Afirma el coordinador del taller.

La ausencia de una tradición escritural o crítica para la música y sus cuestiones en nuestro país, contrasta con lo ocurrido en otras disciplinas como el cine o las artes visuales “No tenemos en nuestro país una tradición escritural o crítica que verse en torno a los motivos o fundamentos inherentes al despliegue mismo de la canción y su relación con las expresiones populares. A diferencia de las artes visuales que ha poseído a nivel nacional una cierta tradición de al menos treinta o cuarenta años; o en el caso del cine, donde se han establecido puentes entre la crítica y la teoría cinematográfica”. afirma el académico a cargo del taller.

Asimismo, las aproximaciones más recurrentes a la obra de González siguen siendo insuficientes en su carácter estrictamente musical “Dicha búsqueda no será desde los lugares comunes donde se le ha abordado, es decir, desde una mirada estrictamente periodística o biográfica, y que se ha focalizado mayormente en sus conflictos personales. Aunque está el reverso – y que también es un profundo lugar común – de cómo González “representa” la voz de una generación oprimida, ubicándolo solo como una “figura” o “personaje”, pero no como un verdadero artista o alguien que posee una obra que merecería una mayor detención, precisamente a través del ejercicio crítico, reflexivo y teórico” enfatiza Larrea.

Tal como señala Felipe Larrea, probablemente ya sea tiempo de aventurarse a nuevas y mayores aproximaciones hacia la obra y hacia la mente musical de Jorge González para sobre todo dejar de lado, su impronta como “icono” y comenzar a pensar más sobre el intelecto musical y sobre la pieza musical en sí misma, más allá de sus circunstancias, pero por sobre para reformular nuevas ideas y abrir nuevos campos de pensamiento respecto de su música.

 

El taller “Jorge González: Síntesis de la canción popular chilena, entre el pop y el folclor”  de Alma Negra Librería, comienza el martes 03 de agosto, a las 18:30 hrs, y tendrá una extensión de ocho sesiones vía Zoom, sesiones para la cuales también se propone una vasta bibliografía con libros de Pierre Bordeau, Simon Raynolds, Emiliano Aguayo y Marisol García, entre otros. Tres de las sesiones del taller contarán con invitados(as) que tengan otras aproximaciones a la obra de González como el crítico y académico, coeditor de un libro en torno al músico, Héctor Oyarzún. Ricardo Martínez, académico y autor del libro Canción A.M. Y la periodista Rossana Montalbán, editora de Crónica Sonora. Las inscripciones se encuentran abiertas en almanegralibreria@gmail.com

El valor total del taller es de $ 40.000 por persona + cupón de 15% de descuento «soci* talleres» en los libros utilizados en el taller que se encuentren disponibles.

REVISA TODOS LOS DETALLES EN www.almanegralibreria.com

DELUSIONAL EN VIVO: BBS PARANOICOS ESTRENA SHOW INÉDITO.

DELUSIONAL EN VIVO: BBS PARANOICOS ESTRENA SHOW INÉDITO.

Continuando con los festejos de sus treinta años de trayectoria, la emblemática banda de hardcore melódico BBS Paranoicos, estrena el show de lanzamiento de su noveno y premiado disco Delusional, realizado en septiembre de 2018 en Centro de Eventos Blondie.

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Probablemente, pocas bandas de rock subterráneo, en Chile, tengan una trayectoria tan articulada y creciente como la que ha logrado forjar a lo largo de tres décadas BBS Paranoicos. Tres décadas donde todo ha cambiado; el circuito underground, las formas de hacer y divulgar música, las comunicaciones, la tecnología, el mundo. Ese cambio el cuarteto lo ha sabido canalizar en una trabajosa y fructífera vida musical que los ha llevado a romper sus más inmediatos límites como banda surgida en la escena punk rock de principio de los 90s. Desde entonces, ese viaje no se ha detenido y los ha convertido en una de las bandas más longevas, prolíficas y consolidadas de su generación.

2018 fue el año en que BBS Paranoicos regresó en gloria y majestad tras un silencio discográfico de cuatro años luego de lanzar y promocionar Cruces (2014). Por esos días la banda había decidido tomarse las cosas con calma antes de volver al estudio, pero mientras tanto, las fechas en vivo seguían su curso programático, así fue como en 2016 la banda ofició como show de apertura para la primera y única visita de Descendents a Chile. Un encuentro seminal para lo que llegaría a ser su siguiente disco.

Corría el invierno de 2018 cuando el cuarteto anunciaba la presentación en vivo de su noveno disco de estudio, Delusional, uno de los más logrados y aplaudidos hasta la fecha, grabado en los estudios The Blasting Room, en Colorado, Estados Unidos, y producido por el legendario músico de Descendents, y experimentado productor de bandas como Rise Against y Lagwagon, Bill Stevenson, a quien, precisamente, habían conocido y asombrado la noche de su debut en Santiago.

Estrenado en julio de ese año y, más tarde, ganador del Premio Pulsar 2019 en la categoría Mejor Artista Rock, el disco tuvo su noche estelar el sábado primero de septiembre de 2018, en un abarrotado centro de eventos Blondie, ante un fervoroso y entusiasta público fiel que había agotado las entradas para el esperado show donde se presentaría la nueva apuesta sonora que la banda había logrado bajo la dirección y sabiduría de Stevenson. Una apuesta que nuevamente dejaba ver cómo la banda era capaz de alcanzar nuevos y acabados matices para un perfeccionado sonido BBS Paranoicos donde las guitarras, los juegos de rítmicos, las velocidades variantes y las líneas melódicas combinan en justa precisión y energía, energía que durante dos horas se pudo presenciar aquella noche de septiembre en el mítico recinto santiaguino, noche donde BBS Paranoicos desplegó su flamante nueva creación en una explosiva liturgia de sudor y coros a todo pulmón.

Registrado de manera íntegra capturando la fuerza del momento, y sumándose a su imparable calendario de celebraciones, hasta ahora, virtuales, “Revive Delusional” será transmitido este 24 de julio, disponible por 24 hrs, y las entradas para conectar con la presentación están disponibles a través de Ticketplus con un valor de $5.000 en Preventa, $7.000 General y $10.000 con el registro de audio para descarga. 

 

 

THE NEW YORK DOLLS: MEDIO SIGLO DE ROUGE, TACONES Y CRUDEZA

THE NEW YORK DOLLS: MEDIO SIGLO DE ROUGE, TACONES Y CRUDEZA

 

Si hay una palabra que resume de manera más o menos amplia a la banda New York Dolls, esa palabra es influyentes. Su aparición a comienzos de los años ’70 fue un verdadero mazazo a quienes vieron en ellos la inspiración para tomar los instrumentos y formar sus propias bandas.

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Herederos descarriados del rock and roll de los años ‘50, mezclados con una actitud desafiante, peligrosa – y no solo para la sesión de fotos -, con un sonido desprolijo clásico de garage y una facha de travestis pendencieros, New York Dolls fue una verdadera bofetada a los grupos empaquetados, una llama que devolvió al rock and roll a la calle y le entregó la posta a bandas como Ramones para que dieran forma a lo que posteriormente se conocería como punk. Pero su historia está llena de excesos y tragedias que tienen hoy solo a uno de los sus miembros, el cantante David Johansen, con vida. El hecho de que estemos cumpliendo cincuenta años desde su fundación, quizás sea una buena excusa para detenerse en su historia, tan breve y autodestructiva como alucinante.

El glitter-rock, rebautizado en la actualidad como glam-rock, nació de las posturas desprejuiciadas y provocadoras de un puñado de músicos que coqueteaban con la ambigüedad -fuera real o simple pose- a través de disfraces, el uso kitsch de lentejuelas y maquillaje femenino. Pero su sonido era más bien clásico, excepto en momentos de genialidad de Bowie o en piezas inspiradas de Marc Bolan de T-Rex. Los New York Dolls tomaron esa apariencia provocadora para adaptarla a su particular música, mucho más cercana a los riffs sucios de Keith Richards que a las melodías de glitter-stars como Elton John. Pero no solo eso, los Dolls se ponían tocones y llevaban navajas, se emborrachaban, eran yonquis y callejeros. Eran peligrosos. Su rock and roll esencial, inmediato, sin sobreproducción ni overdubs, más sus letras que hablaban de drogas y de la calle, los transformaron en cosa de semanas en la banda que había que ir a ver. Sus influencias musicales eran marcadamente cercanas al blues y al rock and roll primitivo -incluso grabaron un cover de Bo Diddley para su legendario álbum debut-, al sonido sucio de los primeros Rolling Stones, más la ejecución fiera de los Stooges y MC5, pero todo pasado por el filtro de las peligrosas calles de la Nueva York de los ‘70.

Los Dolls se formaron en 1971 y comenzaron tocando en algunos antros neoyorquinos. La primera formación que saltó al escenario estaba compuesta por el cantante David Johansen, los guitarristas Johnny Thunders y Sylvain Sylvain, el bajista Arthur Kane y el baterista Billy Murcia. Sus actuaciones eran tan salvajes que se corrió la voz por toda la escena neoyorquina y pronto estaban tocando en el Max’s Kansas City, local famoso por las exhibiciones de la Velvet Underground. Ya en 1972, The Faces, la banda de Rod Stewart y Ron Wood, los invitaron a ser sus teloneros en una serie de conciertos en Londres, incluyendo presentaciones multitudinarias en Wembley. Todos los miembros de los Dolls eran aficionados -aunque aficionados es decir poco- a las fiestas y el consumo de alcohol y drogas, lo que pronto comenzaría a marcar a fuego su trágica trayectoria. En una fiesta tras una de esas presentaciones en Londres, el baterista Billy falleció en la tina. Lo que ocurrió fue que Murcia se desmayó por una sobredosis accidental de Quaaludes o Mandrax mezclados con alcohol. En un esfuerzo por reanimarlo, fue puesto en la tina con agua caliente mientras le metían café frío, el cual se derramó por su garganta dando lugar a una asfixia que le provocó la muerte. La banda canceló los shows que le quedaban en Inglaterra y volvió a Nueva York, sin pensar en que su reputación de tipos peligrosos y salvajes se había acrecentado con la muerte absurda de su baterista, quien fue reemplazado por el legendario Jerry Nolan, dando así con la formación más clásica de New York Dolls: Johansen, Thunders, Sylvain, Kane, Nolan.  

Esta fue la formación que entró a grabar, con la producción del reputado Todd Rundgren, su primer disco de estudio bajo el sello Mercury y publicado en 1973. Este álbum fue una catarsis. Estaban allí todos los elementos que convirtieron a los Dolls en una de las bandas más influyentes del rock and roll y su evolución futura. Canciones rápidas y directas, un sonido difuso y ruidoso, letras muy lejanas del simbolismo o la poesía, sino que muy terrenales, que hablaban de la neurosis de la vida en una ciudad como Nueva York, de drogas, de problemas adolescentes y cortocircuitos sociales. Quizás el título de canciones como “Personality Crisis”, “Trash” o “Pills” nos den una pista de dónde iba la cosa. Otro aspecto impresionante es la portada, con los Dolls luciendo sus tacones y labios pintarrajeados, con cocteles y cigarrillos, y el logo de la banda escrito con lápiz labial. Una invitación real al lado salvaje. 

Guitarist Johnny Thunders (1952-1991) from American rock band the New York Dolls performs live on stage at the Wembley Festival of Music, at the Empire Pool, Wembley, London, 29th October 1972. (Photo by Michael Putland/Getty Images)

 

 

El álbum -titulado simplemente New York Dolls– abre con “Personality Crisis”, lo más cercano a un hit que llegaron a tener. El tema es sin duda uno de los comienzos más impresionantes en la historia del rock and roll. Un golpe de platillo, un riff, una escala en el piano al estilo Jerry Lee Lewis, y comenzamos a ser invadidos de puro rock and roll: tres acordes, energía y espíritu juvenil, notoriamente influido por los Rolling Stones, pero llevado al extremo salvaje en el que siempre se movieron. continúa el álbum con “Looking For A Kiss” y “Vietnamese Boy”, ambas piezas adrenalínicas que anticipan de manera clara al punk que estaba a punto de explotar. Otras canciones imperdibles son “Frankenstein” y “Trash”, piezas que esconden el poco virtuosismo de los músicos tras una dosis de fiereza y energía pocas veces escuchada hasta entonces.

Los Dolls en corto tiempo ganaron una corte de seguidores ilustres. Los futuros miembros de Ramones reconocieron en varias entrevistas que ver en vivo a los Dolls fue lo que los empujó a crear la banda, lo mismo que a la mayoría de los músicos que protagonizarían poco tiempo después el fenómeno del CBGB. El mismo David Bowie iba a verlos cada vez que su estadía en Estados Unidos coincidía con sus presentaciones y llegó a dedicar una canción al fallecido Billy Murcia, con quien Bowie hizo amistad en 1972, mientras seguía las presentaciones de la banda y se iba de fiesta con ellos. Incluso, al otro lado del Atlántico, un joven Morrissey se transformaba en el presidente de su club de fans en Inglaterra, absolutamente encandilado con la impostura e insolencia de la banda (en su biografía dedica páginas y páginas a la influencia de los New York Dolls en su carrera musical).

David Johansen and David Bowie during a Halloween Party at Max’s Kansas City, NYC. October 30, 1974. © Bob Gruen / www.bobgruen.com
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Como suele ocurrir con bandas como los Dolls, las críticas fueron increíbles, pero las ventas moderadas. Hubo más giras, presentaciones en televisión, más fiestas y drogas, fama y respeto, pero nunca hubo éxito comercial. Hubo también un segundo álbum que tampoco logró el éxito de ventas y ni siquiera el mismo efecto en el público que su debut, lo que los dejó sin sello y empujó a la banda a buscar ciertos cambios. Así fue como el célebre Malcolm McLaren pasó a tomar las riendas del grupo. El futuro “creador” de los Sex Pistols quería darle al grupo una onda más provocativa y se le ocurrió vestirles de rojo y hacerlos actuar con una bandera soviética de fondo, pensando que sería una buena forma de publicidad, aunque fuera provocando con un tema tan delicado para los estadounidenses en tiempos en que la Guerra Fría seguía latente. La cosa no funcionó ni de cerca. La percepción en el público era que los Dolls estaban acabados, buscando cualquier recurso para volver a salir a flote. Los excesos tampoco ayudaban y la banda pronto se disolvería. McLaren, sin embargo, volvería a Londres con muchas ideas que aplicar allá, desde una tienda de ropa donde vender atuendos tipo New York Dolls, hasta formar una nueva banda basada en la música de los neoyorquinos más la apariencia de otro joven que por entonces comenzaba a asomar en la escena underground de Nueva York: Richard Hell. Pero esa es otra historia.

Tras su disolución, Johnny Thunders y Jerry Nolan formaron los Heartbreakers -donde también tocó Richard Hell-, agigantando su leyenda con esta nueva banda pionera del punk, con temas como “Born to lose”, “Baby talk”, “I wanna be loved” y “Chinesse Rocks”. Sin embargo, los músicos nunca pudieron lidiar con los excesos y, en 1991, Thunders moriría de una sobredosis. Un año más tarde fue el turno de Nolan. 

El año 2004 se produjo una inesperada reunión de la banda. Fue Morrissey, su eterno fan, quien los alentó insistentemente -por teléfono y en persona- para que regresaran a los escenarios. El excantante de los Smiths fue quien les consiguió todo para el regreso, que contó también con la grabación de un disco en vivo (The return of the New York Dolls: Live from Royal Festival Hall, de 2004) y una película documental.

Sylvain, Kane y Johansen volvían a reunirse y esta vez bajo la chapa de leyendas vivientes. Ya no tenían nada que demostrar, sino que simplemente disfrutar y darles a sus fans más jóvenes el privilegio de escucharlos en directo. Pero la suerte no estuvo de su parte y meses después del glorioso regreso la banda sumó a otra nueva baja: Arthur Kane, que murió de leucemia.

Sylvain y Johansen siguieron adelante, consiguieron a otros músicos y grabaron un par de discos más. Si bien hay en estos trabajos algunos buenos momentos que nos recuerdan a los viejos Dolls (“Runnin’ around”, “Dance like a monkey”, “Punishing world”, “’Cause I sez so”), sus actuaciones en vivo habían bajado mucho su fuerza y calidad. Por otro lado, mucha agua había corrido bajo el puente, los Dolls ya no eran los travestis maleantes y rocanroleros de antaño, sino que tenía una edad respetable y sus canciones ya no sonaban a espíritu adolescente, sino más bien a nostalgia. Fue así como se produjo la nueva y definitiva separación de (lo que iba quedando de) los New York Dolls. Para colmo, a comienzos de 2021, en que conmemoramos los cincuenta años de su fundación, el guitarrista Sylvain Sylvain falleció de cáncer.

Muchas son las bandas y músicos que han rendido tributo a los Dolls, ya sea citándolos en entrevistas como una de sus máximas influencias, o directamente a través de covers, como Joan Jett, Scott Weiland, y Sonic Youth, que grabaron excelentes versiones de “Personality crisis”, o The Panic Buttons y Morrisey, que grabaron sus versiones de “Trash”. La influencia de esta banda es fundamental para que el rock and roll haya recuperado la fuerza y para que el punk pudiera surgir y llegar a ser exitoso. ¿Qué escuchar para comenzar? Sin duda, el New York Dolls, aquel disco homónimo del año ’73, ese de la foto de los cinco músicos sobre sus tacones, con sus caras poco amigables y el coctel en la mano. Por lejos, uno de los discos más influyentes en la historia del maldito rock and roll.  

LOS ANGELES – SEPTEMBER 8: Singer David Johansen, guitarist Johnny Thunders, drummer Jerry Nolan, bassist Arthur Kane, and guitarist Sylvain Sylvain of the rock and roll group ‘The New York Dolls’ pose for a portrait with host Don Steele on ‘The Real Don Steele Show’ on KHJ channel 9 on September 8, 1973 in Los Angeles, California. (Photo by Richard Creamer/Michael Ochs Archives/Getty Images)

LEE RANALDO & LOS DUST: EL FUEGO ELÉCTRICO

LEE RANALDO & LOS DUST: EL FUEGO ELÉCTRICO

La fría noche del 14 de julio de 2013, las dos cuartas partes de Sonic Youth, Lee Ranaldo y Steve Shelley, se presentaron bajo el nombre de Lee Ranaldo & Los Dust, en un electrificante y fogoso encuentro en el Centro de Eventos Ex OZ.

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La dos cuartas partes de aquella venerada institución sónica venida de Nueva York, se presentó la noche del domingo 14 de Julio, en una concurrida y precisa Ex Oz. El guitarrista sacudió su impronta finamente distorsionada que, durante décadas ha acuñado con el cuarteto y que ha seguido su corriente natural en diversas incursiones solistas, proyectos paralelos y en su faceta como productor.

Lee Ranaldo y Los Dust, la banda formada con su otrora gran compañero de ruta Steve Shelley, es la creación en tiempos de separación para Sonic Youth, tras el naufragio matrimonial entre Gordon y Moore.  Con la hecatombe vino el receso, y el receso le abrió espacio al proyecto que venía cocinándose hace rato en las últimas estaciones del recorrido de la juventud sónica.

LA GUITARRA MÁS SÓNICA DEL OESTE

Son las veinte y treinta de la noche cuando la ex Oz baja sus luces para iniciar el ritual sonoro y con ello abrir el desfile de guitarras,  dar el saludo a los presentes y tomar posiciones. En ese relajado y sobrio estilo que caracteriza a peliblanco Lee, nos introduce al primer tema de la noche “Tomorrow Never Comes”, track del último trabajo editado en 2012, “Between the times and the tides”.

La banda  no se mueve de su escritorio pero a la vez, derrocha una sutil y fresca energía, al escuchar y reconocer esa inconfundible base rítmica de certeros y rotundos golpes a cargo de Shelley, Alan Licht en guitarra y Tim Luntzel en bajo. Esto nos era tan familiar como refrescante.  Los newyorkers seguían abriendo el fuego eléctrico con “Angles” y el single promocional de “Between the times and the tides”, “Of the Wall”; mientras nuestro anfitrión no deja de comunicarse con nosotros, explicando que no logra hablar algo de español pero aún así no nos deja de relatar la historia de la mujer que inspira “Xtina as i knew her”, una pieza de cuerdas envolventes y finos arreglos.

La banda sigue aumentando el pulso del ruido blanco con “Hammer Blows”, donde nos entrega un nuevo momento de altura y sutileza sonora, Lee Ranaldo y The Dust en su máxima expresión, ritual de arco sónico y perfecta distorsión, guitarras al aire y uno de los grandes y extendidos momentos de la noche. “Keyhole”, “Lost” y la historia de protestas ciudadanas y jóvenes manifestándose en la calles de Nueva York en “Shouts” eran las próximas en el set list de la noche; para continuar con “Last night on Earth”, el adelanto exclusivo del nuevo disco que se editará en este segundo semestre.  

Ya transcurrida buena parte del show e inmersos en el mundo sonoro de rechines de cuerdas, pedales y arcos sónicos, cuando más de alguno pedía desde el público el sacrificio de una guitarra, Mr. Ranaldo nos regala su versión para el tema de David Crosby y The Birds, “Everybody ´s been burned”, probablemente la matriz de ese amor por la melodía y los detalles armónicos en medio del caos y de la distorsión sónica.  Pero el saludo a sus más enraizadas influencias no se detuvo ahí, y esta vez  se aventuraba a Talking Heads recordando sus primeros días en Nueva York a fines de los setentas con “Thank you for sending me an angel”, y cerraba el círculo con “Revolution Blues” del otro gran padre, Neil Young. “Lecce”, otra del próximo disco nos llevaba al cierre de la noche. 

Una pausa y nuevamente al escenario por un par más, “Home Courts” y “Waiting on a dream”, nos devolvían a la infecciosa rítmica distorsionada, y a todo lo que amamos de Ranaldo y Shelley, la guitarra ruidosa y la batería enérgica.  

Rechines de cuerda, quiebres y mezclas rítmicas, subidas y bajadas de intensidad, largos puentes y extensos solos en constante búsqueda sonora. Frescura a prueba del tiempo, en pocas palabras el sonido de toda una generación musical que hizo del pedal y la distorsión su bandera, porque no cabe duda que Mr Ranaldo, la guitarra más sónica del oeste, es uno de los grandes arquitectos de todo eso; así lo vuelve a dejar en claro gustosamente y para placer nuestro, en éste, su reciente show en Santiago de Chile.

UNA BALADA LIBERTARIA: JOAN BÁEZ Y ENNIO MORRICONE.

UNA BALADA LIBERTARIA: JOAN BÁEZ Y ENNIO MORRICONE.

 

EN 1971 EL COMPOSITOR DE MÚSICA INCIDENTAL MÁS IMPORTANTE DE SU TIEMPO, ENNIO MORRICONE, ACUDIÓ A LA CANTAUTORA EMBLEMA DE LA CANCIÓN PROTESTA NORTEAMERICANA, JOAN BÁEZ, PARA COESCRIBIR LA CÉLEBRE BALADA DE SACCO Y VANZETTI PARA LA PELCULA DEL MISMO NOMBRE.

Por Rossana Montalbán.

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La historia de Sacco y Vanzetti es la historia de persecución política y social del movimiento anarquista durante la agitada década del 20 en el Estados Unidos post Primera Guerra Mundial. Una historia en la que dos trabajadores, inmigrantes italianos de pensamiento libertario, fueron acusados de robo y asesinato en medio de confusos incidentes, y condenados a la pena capital máxima, a pesar de las evidencias de su inocencia. Un trágico episodio que sigue ilustrando el temor y la furia hacia los movimientos sociales anti hegemónicos y la consagración de la injusticia.

A través de su historia, la bella Italia no solo fue la tierra fértil del fascismo de Benito Mussolini, sino también el epicentro europeo de sólidos movimientos libertarios persistentes hasta el día de hoy. Los años posteriores a la primera guerra mundial dieron paso a un masivo éxodo de europeos hacia la prominente nueva potencia mundial, Estados Unidos. Ese éxodo también significó la llegada de nuevas ideas y esperanzas para la lucha social del movimiento obrero, una de ellas, el Anarquismo.

El cine italiano de la década de los 70s, fue en muchos aspectos un cine político y militante que reflejó las convulsionadas realidades de su tiempo y de su pasado como parte de una dorada era cinematográfica. Fue en 1971 cuando el director Giuliano Montaldo decidió rodar la película “Sacco e Vanzetti”, el docudrama que recrea la vida de Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti desde su llegada a esa tierra prometida que fue la América bendecida por Dios, hasta su feroz encarcelamiento, juicio y ejecución en Massachusetts, un 23 de agosto de 1927. Un filme que fue tras la reivindicación histórica de dos mártires del movimiento anarquista de principios de Siglo XX, musicalizado por el ya aplaudido, Ennio Morricone.

EL RELATO MUSICAL

Ennio Morricone fue, quizás, uno de los más grandes narradores musicales que el cine y el mundo hayan conocido. Trompetista, compositor y arreglista, Morricone fue por mucho tiempo compositor fantasma contratado para crear melodías entregadas a otros, hasta que en la década del 60, Sergio Leone, su amigo de infancia y prometedor cineasta de un incipiente subgénero cinematográfico llamado Spaghetti Western, le entregó la tarea de musicalizar el filme “Por un puñado de dólares”. Los cruces estéticos de la época, la electrificación proveniente del rock and roll, la inserción de sonidos recreados y efectos experimentales. La música italiana y los elementos clásicos de la música incidental, se combinaron en cada uno de los temas que acompañaron las escenas más memorables de “El bueno, el malo y el feo” o “Agáchate Maldito”. Bandas sonoras que trascendieron tanto o más que los filmes, y que adquirieron el estatus de clásicos, entre otras cosas, debido a grandiosas composiciones instrumentales poseedoras de sutiles y cuidadas cualidades pop.

Para 1971, Morricone ya era considerado uno de los grandes compositores de soundtracks de la industria, momento en que el director Giuliano Montaldo, conocido por su cine de crítica social y compromiso político, le propuso componer la banda sonora de “Sacco e Vanzetti”. Una vez más, Morricone escribió cada una de las notas y realizó cada uno de los arreglos que relataron a través del sonido y la música, la trágica historia de persecución política y coartación que Estados Unidos ejerció sobre el pescador y el zapatero, en un largo juicio de seis años que terminaría con los trabajadores ejecutados en la silla eléctrica.

El relato musical construido para “Sacco e Vanzetti”, buscó dignificar a los personajes en su calvario, otorgando al filme el sustento emocional y su carácter de denuncia. Una composición en formato de réquiem y hecha para coros, que recogió las influencias de la música de la época convocando a una de las voces emblema de la canción protesta surgida en Estados Unidos durante los 60s, Joan Báez, quien tomó la labor de interpretar y de escribir la letra para las composiciones “La ballata di Sacco e Vanzetti – part 1”, «La ballata di Sacco e Vanzetti – part 2», «La ballata di Sacco e Vanzetti – part 3», y la más resonante de una banda sonora compuesta por doce tracks, “Here´s to you”, conocida como “La balada de Sacco y Vanzetti”.


Épica como un himno de protesta. Conmovedora y liberadora como un réquiem, “Here’s to you”, fue grabada y popularizada en formato canción, y la letra escrita por Joan Báez se basó en una las tantas declaraciones de Vanzetti durante su encarcelamiento: Si no hubiera sido por estas cosas, podría haber vivido mi vida hablando en las esquinas de las calles con el desprecio de los hombres. Podría haber muerto, sin marcar, desconocido, un fracaso. Ahora no somos un fracaso. Esta es nuestra carrera y nuestro triunfo. Nunca en nuestra vida plena podríamos esperar hacer tal trabajo por la tolerancia, por la justicia, por la comprensión del hombre del hombre como lo hacemos ahora por accidente. Nuestras palabras, nuestras vidas, nuestros dolores, ¡nada! ¡Quitarnos la vida, la vida de un buen zapatero y un pobre vendedor de pescado, todo! Ese último momento nos pertenece, esa agonía es nuestro triunfo.”

Con solo cuatro versos y una sola estrofa repetida a lo largo de toda la melodía en un recorrido de menor a mayor intensidad, in crescendo en magnitud y conmoción como suelen hacerlo las composiciones colosales de Morricone, “Here’s to you” suena como una trágica y heroica balada, donde la letra y la interpretación de Báez, entregan, en su justa y necesaria medida, el dramatismo y desasosiego del desenlace: «Here’s to you, Nicolas and Bart, / Rest forever here in my heart, / The last and final moments is yours/ That agony is your triumph – Aquí está para ti, Nicola y Bart, / Descansa para siempre aquí en mi corazón, / El último y último momento es tuyo / Esa agonía es tu triunfo».

Un manifiesto del compromiso civil de los 70s. Un manifiesto del cine de esa era, interpretado por Joan Báez, quizás la única letrista y cantante posible para este conjunto de piezas compuestas por Ennio Morricone a inicios de esa década. Banda sonora con la que alcanzó el estadio de la música popular gracias a éste, un canto a la libertad y a la dignidad humana, con el cual abrió una nueva línea de tiempo en la historia de los soundtracks, a la cual más tarde se sumaron sus obras incidentales para «Erase una vez en América», «La misión», «Los Intocables» y «Cinema Paradiso». Hasta siempre Morricone.

DUSTY SPRINGFIELD: SOUL DISIDENTE

DUSTY SPRINGFIELD: SOUL DISIDENTE

De nombre real Mary O’Brien, Dusty Springfield fue una cantante de pop y soul que destacó no solo por su voz — es considerada por muchos como la mejor cantante de soul de piel blanca de la historia—, sino también por su forma de vivir su vida, intensa, aunque breve. Demasiado breve para una mujer tan talentosa como ella. 

Por Emilio Ramón

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Tras un paso por un par de agrupaciones, Dusty inició su carrera en solitario en 1963 con el single «I Only Want To Be With You», canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown o los producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, Dusty se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje. (Como dato curioso podemos citar el cover que hizo Luis Miguel de esta canción —llamado “Ahora te puedes marchar”—, donde mantuvo la música y el fraseo, pero cambió la letra totalmente).

 

Al igual que los Rolling Stones, Dusty era una admiradora genuina de los grupos de soul y de la Motown norteamericanos. Siempre quiso haber sido una cantante americana afrodescendiente, aunque, por supuesto, nunca pudo quitarse sus raíces blancas e inglesas de encima. Sin embargo, en su música sí podemos notar la influencia absoluta de estos grupos, transformándose en aquellos años en la embajadora y promotora del soul en Inglaterra, muchos, muchísimos años de que existieran artistas como Amy Winehouse.

El éxito le siguió acompañando durante los años siguientes con canciones como “I don´t Look for Love” —canción principal de la película Casino Royale de James Bond—, «I Just Don’t Know How to do with Myself» —versionada décadas más tarde por los White Stripes—, “Spooky» — versionada por Lydia Lunch— y “Son of a Preacher Man” —parte de la legendaria banda sonora de Pulp Fiction. Dusty, por entonces, comenzó a dar muestras de su fuerte personalidad y de sus convicciones. Por ejemplo, el sonado incidente internacional ocurrido en Sudáfrica, cuando se negó a actuar ante la audiencia racista sino permitían que cualquiera pudiera acudir a su concierto, fuesen negros o blancos. Con su manager, Vic Billings, demandó al gobierno sudafricano ante las presiones recibidas para actuar solamente ante la audiencia blanca. Dusty abandonó el país sin haber ofrecido el concierto.

Pero no solo en introducir el soul y la música negra a Inglaterra Dusty fue una pionera. También fue una de las primeras estrellas de la música en admitir públicamente que era homosexual. Durante muchos años su sexualidad había sido motivo de comentarios y especulaciones, en una época en que declarar en público que era lesbiana era prácticamente un suicidio artístico. Por eso lo escondió por tanto tiempo: por temor a que su carrera se fuera a pique. Sin embargo, el año 1970 declaró en una entrevista que era bisexual —aunque, en realidad, solo gustaba de mujeres—. Tras estas declaraciones se fue a vivir a Los Ángeles, donde permaneció durante 15 años. Grabó poco en los años siguientes y prefirió pasar su tiempo con su novia, la tenista Billie Jean King y haciendo campaña por los derechos de los animales. Su carrera, efectivamente, tuvo un declive vertiginoso y, durante años, permaneció casi en el anonimato. ¿Hasta dónde influyó el haber hecha pública su homosexualidad? No lo sabemos. Pero sí sabemos que estamos hablando de una época en que las lesbianas eran vistas casi con desprecio.

 

Dusty, sin embargo, no dio un paso atrás. Al contrario, hizo alusiones en defensa de la homosexualidad incluso frente a la monarquía. Durante un concierto en el Royal Albert Hall de Londres en 1979, notó que las primeras filas estaban ocupadas por gays y comentó que estaba “contenta de ver que la realeza no se había quedado confinada en el armario”. La princesa Margarita se sintió ofendida y Dusty recibió una carta para ser firmada pidiendo disculpas por haber insultado a la monarquía.  Fue así como, por su valentía y manera de vivir su sexualidad, comenzó a transformarse en símbolo y bandera del mundo gay. Por eso no es de sorprender que, a fines de los años ’80, los Pet Shop Boys —otros abanderados de la comunidad homosexual— la rescataran y trabajaran con ella en varias colaboraciones que volvieron a ponerla en la cima de la popularidad durante un tiempo.

Dusty Springfield siempre se arriesgó. Fue ícono de estilo, desafió al gobierno de Sudáfrica, se arriesgó musicalmente, buscando nuevos caminos y siendo pionera del soul en el Reino Unido. Y se arriesgó hablando de su sexualidad en una época conservadora y censuradora. Lamentablemente, y a pesar de un tratamiento intensivo de quimioterapia, en 1999 murió producto de un cáncer de mamas. Tenía solo 59 años. 

 

EN VIVO DESDE WAREHOUSE: KIEPJA Y THE FALLACY EN STREAMING

EN VIVO DESDE WAREHOUSE: KIEPJA Y THE FALLACY EN STREAMING

 

Con streaming en tiempo real las bandas Kiepja y The Fallacy se estarán presentando en vivo este sábado 10 de julio desde los estudios de Warehouse.

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Rock gótico y metal étnico serán lo sonidos que este sábado traspasarán las pantallas y parlantes desde los estudios de la sala Warehouse en una nueva sesión de streaming en tiempo real que reúne a dos interesantes proyectos del underground local Kiepja y The Fallacy.

Conformada por Marco Cusato y Angeline Bernini, The Fallacy es una de las bandas de rock gótico más activas del underground nacional con una trayectoria que se extiende desde el año 2006, y que ha cultivado lo más clásico e ineludible del género con matices más pesados y electrónicos que a ratos coquetean con el sonido insdustrial.

El trio compuesto por las músicas Graciela Rosanegra, Claudia Celis y Paulina Cádiz, toma su nombre de la última mujer selk´man llamada Lola Kiepja, cuya propuesta fusiona la pesadez y oscuridad del metal y del rock gótico con los sonidos de los pueblos originarios. Por estos días, la banda continúa trabajando en lo que será su disco debut con la producción del guitarrista y vocalista de The Fallacy, Marco Cusato. Uno de los adelantos que ya puedes escuchar es el single estrenado en el marco de We tripantu, año nuevo Mapuche, titulado «La luz del universo» y que formará parte de su presentación este sábado.

La cita es este sabado 10 de julio, a partir de las 17hrs, a través del canal de Warehouse.

Las entradas se encuentran disponibles a través de Eventrid con aporte voluntario desde los $2.000.

6 PM (ARG, BRA)

5 PM (CHI, BOL, VEN)

4 PM (COL, PER, MEX )

11 PM (ESP)

DE VUELTA A LA SIMPLEZA : LA FIESTA DEL DIABLO ESTRENA «A FLOTE»

DE VUELTA A LA SIMPLEZA : LA FIESTA DEL DIABLO ESTRENA «A FLOTE»

El sexteto que explora la fusión entre el folk, el punk y las raíces sonoras celtas, La Fiesta del Diablo, presenta su más reciente single llamado “A Flote”, una propuesta que regresa a la simpleza  del punk clásico.

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Después de participar durante el 2020 en el destacado tributo a Machuca con su propia versión de la canción “Sin Respuesta”, este año planifican una seguidilla de lanzamientos que anticipan su próximo EP; y es la canción “A Flote” la que da el puntapié inicial para este proceso, todo esto bajo el alero de su nuevo sello FolkRules.

La canción escrita y compuesta hace casi 2 años, presenta una mirada metafórica sobre la auto-superación, además de hacer un resiliente llamado para no decaer en los tiempos que se están viviendo, es esto lo que lleva a la banda a elegirla como single y, de esta manera, llevarle un mensaje de apoyo a todos quienes la escuchen.

“Cuando creamos esta canción varios integrantes de la banda estábamos pasando por nuestra propia pandemia: teníamos problemas personales que debíamos solucionar y que incluso fueron repercutiendo en el futuro de la banda. Es por esto que nos hace mucho sentido lanzarla ahora y que sientan que queremos continuar y verlos a todos en un futuro muy próximo” comenta Jimmy Attack, su vocalista.

Para el proceso de grabación los músicos se encerraron a registrar todo en los estudios de Fonógrafo Records, quienes ya poseen experiencia en su sonido. De esta manera resaltan instrumentos como el violín y el acordeón. En el arte del single encontramos al ilustrador y tatuador Alex Silva, quien colaboró con su propuesta de carátula.

En los planes futuros que anuncia La Fiesta del Diablo se viene un nuevo tributo: esta vez a Víctor Jara; así como también el videoclip de la canción “A Flote” además de un show streaming que están preparando para los próximos meses. Porque aún cuando la pandemia los ha retenido un tiempo, la inquietud y las ganas de seguir creando los ha llevado a que estos meses sean muy productivos.

TAMARA PARIS PRESENTA «CARNE DE CAÑÓN»

TAMARA PARIS PRESENTA «CARNE DE CAÑÓN»

«Carne de Cañón» es el primer adelanto del disco debut de la cantautora chilena Tamara Paris. El material fue grabado en Mutaller Estudios, bajo la dirección artística de Cris Jacar y la post-producción de Sergio Ulloa.

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Fue a finales de 2018 cuando Tamara Paris comenzó a dar sus primeros pasos en la música explorando sonidos rock, pop y folk. Desde entonces, ha participado en diversos eventos culturales y actualmente se encuentra trabajando en su álbum debut,  del cual adelanta como su primer single a la canción titulada «Carne de Cañón» .

«Me gusta mucho el folk y creo que mis primeras canciones nacieron desde esa vereda, de la chacarera que tanto me gusta. Pero con el pasar del tiempo mis creaciones fueron mutando y creo que actualmente están más
cargadas al pop, rock y folk.» señaló.

Carne de Cañón es una canción autobiográfica pero escrita en tercera persona y en masculino. «Principalmente porque en ese tiempo estaba buscando otras formas de poder escribir, que no fuera siempre en primera persona», señala.  En este primer adelanto, la compositora aborda el tópico del crecimiento persona y de los tropiezos en el camino hacia la madurez. «Habla de sobreponernos a las adversidades, seguir adelante y lucir con orgullo nuestras propias cicatrices. Es una invitación a reírse de uno mismo, a no tomarse las cosas tan en serio».

Tamara Paris considera al arte como una manifestación que nace del alma con un propósito mucho más grande que ser cool por tocar un instrumento o por cantar. Esa manifestación artística está cargada de emocionalidad, de humanidad buscando traspasar las barreras de lo individual para hacer que otras personas también conecten,
pretende abarcar un colectivo. «El arte es para sensibilizarnos, para hacernos más humanxs, ¡para remover conciencias! Entonces, desde esa perspectiva, me defino y me construyo como artista.» afirma Tamara.

El proceso de composición de carne de cañón se llevó a cabo a fines del 2019, y que pudo finalizar en 2002 tras estudiar producción musical, convirtiéndose en su proyecto final para el curso. El proceso de grabación fue lento y se realizó paso a paso ya que la cantautora tuvo que realizar distintas actividades de autogestión para poder financiar el trabajo. «Surgieron un montón de imprevistos, pero todo salió bien. El tema fue mezclado y masterizado a mediados de mayo y pudo ser lanzado los primeros días de junio».

El videoclip para «carne de cañón» será lanzado en las próximas semanas con un show de streaming donde la cantautora estará mostrando parte de su primer disco. me gustó mucho porque complementa visualmente ese toque infantil propio de la canción. «Todavía no están definidos los detalles, pero el concierto tendrá una duración de 45 minutos, aproximadamente, que tendrá por objetivo mostrar un adelanto de lo que será mi álbum debut. Ese compendio de canciones son una muestra del camino que he recorrido, con una propuesta sonora mucho más potente, distinta al formato acústico que acostumbro».