ENTREVISTAS

JOAN BÁEZ RECIBIRÁ EL PREMIO WOODY GUTHRIE

JOAN BÁEZ RECIBIRÁ EL PREMIO WOODY GUTHRIE

El 16 de agosto de 2020 Joan Baez recibirá el Premio Woody Guthrie en una ediciones virtual desde el Philadelphia Folk Festival, uno de los eventos de música folk más antiguos de Estados Unidos, en el que la cantautora ha actuado en distintos momentos de su larga carrera.


Cada año el Woody Guthrie Center otorga el reconocimiento a aquellos cantautores que han contribuido a dar voz a los sin voz y amplificar el mensaje de justicia social, poniendo en valor el rol de la música folk y de la creación musical en la historia de los pueblos, reconociendo la labor de artistas que utilizan su talento para la denuncia de los abusos y los conflictos sociales.
Joan Báez es la segunda mujer en recibir el Woody Guthrie Prize en toda su hisotoria luego de la cantante de soul, góspel y blues Mavis Staples. Entre otros músicos reconocidos con el premio son el rapero y productor musical Chuck D, el guitarrista y realizador John Mellencamp, el escritor y productor Norman Lear, el cantante y actor Kris Kristofferson, y el músico y cantante Pete Seeger, pionero junto con Woody Guthrie¹ de la música folk en Estados Unidos, fallecido en 2014 a los 95 años, fundador de la People’s Song Inc., sello de música militante, perseguida en los años del maccarthysmo y coautor, con Lee Hays, de la popularísima canción protesta «If I Had a Hammer».


Joan Baez, de 79 años, ha dedicado toda su creación musical a visibilizar los olvidados y los oprimidos, y recibirá el premio como «homenaje a su carrera revolucionaria y a su impacto sobre las causas humanitarias».
«Siempre he seguido el camino trazado por Woody Guthrie – ha dicho Joan Baez agradeciendo el premio- mi misión ha consistido en utilizar mi música como una voz de los que no pueden ser oídos, o se han visto reducidos al silencio por el miedo y la impotencia».
Hija de un médico mexicano y una profesora de literatura, Joan Baez nació en 1941 en Nueva York. A los trece años su tío la llevó a un recital de Pete Seeger y ese concierto marcó su vida. Sin más apoyo que una guitarra, los diecinueve años se convirtió en una de las voces de la canción protesta que en estados Unidos acompañó las marchas por los derechos civiles de la población afroamericana junto a Bob Dylan, Pete Seeger y el resto de músicos activistas.
El tema We shall overcome, extraído de Joan Baez in Concert, su tercer álbum, se convirtió rápidamente en la canción protesta paradigmática de la década de 1960. En 1968 grabó David’s Album, dedicado a su marido, David Harris, preso por insumisión al oponerse a ser reclutado para participar en la guerra de Vietnam.


En 1969 participó en el legendario Festival de Woodstock, el primero de los festivales de la «cultura hippie», que reunió más de medio millón de personas en tres días – del 15 al 18 de agosto- de «música, amor y paz», en los que actuaron 32 solistas y grupos de rock, folk, soul y blues.
Joan Baez ha mantenido una importante sintonía con el cancionero de protesta iberoamericano, reversionando temas de García Lorca, Violeta Parra y Paco Ibañez.
Hace un año, en julio de 2019, sesenta años después de sus primeras actuaciones, Joan Baez se despidió de los escenarios manifestando su rechazo a Trump como presidente de los E.E U.U : «Jamás imaginé esto que nos está pasando. A la gente no le importa si Trump tiene razón o no, si dice la verdad o no. Son felices con la mentira. Trump es un poco como Hitler pero menos inteligente».

EL MANIFIESTO SONORO DE CARMEN LIENQUEO

EL MANIFIESTO SONORO DE CARMEN LIENQUEO

“Canto para siempre” es el debut en solitario de la compositora, charanguista, percusionista y cantante Carmen Lienqueo. El disco presentado a inicios de 2020 y disponible en las plataformas digitales desde el mes de julio, fue grabado en los estudios móviles de La Viseca Records entre Santiago y Valparaíso, registrando el manifiesto sonoro de una voz en busca de sus ancestros y de la autodeterminación artística y musical.

Luego de haber sido la voz principal de la banda Mákina Kándela durante diez años, y luego de colaborar en reconocidos proyectos musicales como Juana Fé, El Bloque depresivo o Akinetón Retard entre otros, Carmen Gloria Vilches Lienqueo decidió emprender su camino en solitario llevando con ella una serie de influencias y ritmos recogidos en este grueso andar donde se cruzan los sonidos del folklore sudamericano con elementos extraídos de la electrónica y la fusión. Sin embargo, este trayecto a cuestas no bastaría para saciar su hambre por configurar una identidad musical propiamente mestiza sino hasta el encuentro con su origen más profundo, el origen de sus ancestros, el origen Mapuche.
Así fue como Carmen Vilches pasó a llamarse Carmen Lienqueo, nombre que más que un nombre es la reconciliación y enaltecimiento de su linaje feminino y de su herencia. Adoptando el apellido materno, Carmen ha emprendido el viaje por su propia genealogía yendo en busca de todo aquello que su abuela preservó y le transmitió verano tras verano en sus visitas a Carahue y La Unión, temporadas enteras que estuvieron repletas de sonidos, imágenes, palabras y sabiduría que años más tarde alimentarían su trabajo musical.
Escuchar la voz de Carmen Lienqueo, es en cierta forma escuchar un pedazo de esa tierra aguerrida y milenaria de la que provienen sus ancestros. En su canto se oye al Wallmapu pero también al altiplano, a la amazonia y a la ciudad. El sur y el norte de Chile. Creando un nuevo repertorio de seis tracks donde lo íntimo y lo universal se unen, Canto para siemprees, como ella lo recalca, la expresión de su ser y de las culturas absorbidas por su mente, cuerpo y espíritu, dando forma a un paisaje sonoro con distintos matices y relieves, donde ancestralidad y modernidad se encuentran.

Hablemos de “Canto para siempre”, tu debut solista al que defines como tu manifiesto sonoro. ¿Cómo nace este disco y qué te llevó a esta búsqueda?

“Sí, este es mi primer manifiesto sonoro como compositora. Es como mi tótem. Fue un viaje hacia mis raíces, el disco es una fotografía de un momento en el que fui a buscar mi propio ser al sur para poder entender de dónde vengo y comprender la carga histórica de eso. El hecho de ser una habitante de esta ciudad tercermundista en condiciones adversas, y saber que las generaciones que me anteceden son generaciones de campesinos y obreros que fueron desplazados, que tuvieron que viajar a la capital y dejar su territorio para poder vivir mejor. Esa historia de tres generaciones en las que han habido muertes, desplazamientos, persecuciones, dictadura, mujeres acalladas, es una carga enorme que decidí que debía conocer. Consideré que era una deuda conmigo misma como persona, cantora y artista”.

¿Cómo fuiste asimilando tu ancestralidad y tomando conciencia de la herencia mapuche?

“Mi ancestralidad es algo que estoy aprendiendo a dimensionar aún con mi más de 40 años. Tengo recuerdos de muy niña de haber viajado al sur con mi abuela, ella me cuidaba. Tengo recuerdos de haber ido todos los veranos a Carahue, a Imperial, a Temuco. De tener familiares en La Unión, de ir a trillas, a carneo de animales, entierros y celebraciones. Yo entendía que era parte de ese mundo pero que yo vivía en la ciudad, y observaba como ocurría eso pero no como alguien de esa comunidad porque siempre me consideré una visita hasta hace poco. Hasta que entendí de qué se trataba todo esto”.

En medio de este reencuentro con tus ancestros y con tu linaje femenino, además de adquirir el apellido de tu madre como gesto reivindicativo ¿qué fue lo que se volvió más urgente para ti como compositora y música?

Sí, adquirir el apellido de mi madre fue una forma de reconciliarme con mi linaje femenino y una forma de defender una bandera, una historia y hacerme cargo de esa historia y de esa cosmovisión Mapuche y su cultura. Nadie es Mapuche hasta que no cumpla cuatro condiciones fundamentales que tienen que ver con ser en tu vida una persona noble, recta, sabia y espiritual y solo en tu lecho de muerte tú misma puedes decir si fuiste un buen mapuche, y yo elegí buscar ser una buena Mapuche, no sé si lo logre pero no dejaré de luchar por eso, es lo menos que puedo hacer, y es lo que todos estamos buscando en la realidad que nos tocó vivir. Entonces con toda esta información y bagaje yo debía hacer un registro a través del lenguaje que me tocó manejar y conocer, y ese lenguaje es la música, entonces esto se convirtió en un tributo musical a mis ancestros”

¿Te identificas a ti misma como una música y cantora mapuche? ¿O te ves a ti misma como mestiza?

«Me identifico a mi misma como cantora de oficio mestiza con mucha sangre mapuche. Soy la primera generación con apellido español y mapuche antes de mi madre. Ella tenía apellido mapuche materno y paterno, así también mi abuela y bisabuela. Por eso siempre hago hincapié en eso de haberme considerado por mucho tiempo una visita porque mi abuela era de esa comunidad, mi madre ya no lo era. Mi madre nació en Santiago y yo también, entonces en estas dos generaciones de alguna forma se perdió esto de pertenecer y cuidar la comunidad y eso tiene un sentido para el mundo mapuche. Ahora, ya grande, entiendo que soy una nueva especie de mapuche que no creció en su tierra sino que tuvo que desplazarse a la fuerza y esa carga histórica es bien profunda y fuerte. Y la ancestralidad la trato de defender contra viento y marea en toda circunstancia.”

Sabemos que tu música se nutre de diversos sonidos y colores. En este abanico ¿qué rol juega la música mapuche y qué elementos son para ti los más potentes de ella.?

«Si bien mi música ha sido siempre influenciada por el folclore como el referente más importante que tengo, también lo ha sido la poesía y la tradición oral. Hay muchas cantoras campesinas en Chile y otros países de Sudamérica que tuve la oportunidad de conocer. Señoras que se casaron muy jóvenes a los 14 años, que no saben leer, ni escribir, sin embargo tienen una memoria tremenda y guardan unos versos de tiempos inmemoriales. La oralidad de lo que contaba cada una, los secretos de abuela, de las hierbas, de las recetas, todo eso. Por eso la forma en la que trato de amalgamar mi bagaje musical con las distintas influencias que he acomulado es lo que más hace relación con el mundo Mapuche. La sonoridad mapuche es compleja. Mi música no es mapuche pero sí ocupo recursos de la cosmovisión mapuche para incorporarlos en mi propio imaginario.”

¿Qué sensaciones y pensamientos te deja todo lo que está ocurriendo en Araucanía por estos días?

«Los acontecimientos ocurridos me dejan una tristeza muy grande y una impotencia infinita. Una tristeza enorme porque el chileno no es capaz de abrazar a su indio, ni a su negro, ni a su pobre, ni a su marica. Eso me da mucha tristeza porque habla de una falta de visión gigantesca que es precisamente lo que está haciendo que el planeta explote y se esté yendo todo a la mierda y que quede todo expuesto. Eso ya lo estamos viendo.»

ESCUCHA «EL FUTURO», LO NUEVO DE TSUNAMIS

ESCUCHA «EL FUTURO», LO NUEVO DE TSUNAMIS

La banda integrada por Goli Gaete (composición, voz, guitarra) Francisco Fernández (guitarra), Sebastián Arce (batería), Patricio Larraín (bajo), Cristóbal Rawlins en (piano y synthe), Tan Vargas (lap steels y guitarras) y Sebastián García Huidobro (saxo tenor y alto), acaba de estrenar el segundo single adelanto de su próximo álbum titulado «7 mares»

Comunicado de la banda

“EL FUTURO” EL SINGLE MÁS POP DE TSUNAMIS

Con una estructura más tradicional y vinculada a los sonidos del pop rock, “El Futuro”, fue la primera canción compuesta por Goli Gaete para este nuevo álbum larga duración que ya tiene nombre: “7 Mares”. Un trabajo que mezcla colores y géneros musicales que van desde lo más experimental, psicodélico y el heavy rock que caracteriza a la banda hasta el folk/latinoamericano y el pop. Como este segundo y rítmico single que se mueve en un juego de voces; y que nos habla de un paraíso que quizás no existe, al preguntarnos por ese amor (o al devenir, al futuro mismo) que nos enfrenta al coro central “creí que me amabas”.

“La letra es “emo” y alegórica y me gusta cantar esa frase que me expone y me “avergüenza” a la vez, con esa pregunta que habla de lo que finalmente es el amor para uno, que pone en el estrado todo lo que al final queremos o creemos querer. Esta temática, la de desenterrar emociones sepultadas, es una de las ideas conductoras de todo el cuerpo de obra de Tsunamis. Eso es muy auténtico en este track, que sintetiza el concepto del disco, porque trae un formato de canción “muy” tradicional y también una intro de más de 30 segundos de un trabajo con cintas y efectos, el lado experimental al que el disco entero también tiende”. Goli Gaete compositor, voz y guitarra.

“El Futuro” también va de la mano con la portada protagonizada por un Pez Globo ilustrado, similar en su aspecto al virus covid. El arte fue realizado entre Tan Vargas, Pancho Fernández y Goli Gaete quienes vienen desarrollando el imaginario de este séptimo álbum. “Estamos viendo diferentes técnicas y referencias, y nos quedamos con una tipografía que es clásica, pero tiene caractéres más crípticos y antiguos. Ha sido entretenido darle un arte a cada single y nutrirnos artísticamente entre los tres, sobretodo con Tan que es tremendo artista”.
Pancho Fernández, guitarrista y diseñador gráfico.

El track producido por Ignacio «Nes» Rodríguez y Goli Gaete en los Estudios de BYM Records, fue inspirado por los masters setenteros de T. Rex y por las canciones conducidas por guitarras de Elliott Smith; y contempla guitarras ruidosas, efectos delay y un solo de cuerdas entre Fernández y Vargas casi a la mitad de la canción, muy cercano al mood de “Es suicide” del disco Corre el río (2006).

“Creo que por primera vez compongo un solo desde un tarareo inmediato en mi cabeza a la guitarra. Esta fue de las primeras canciones que me mostró Goli para el nuevo disco, tenía muchas ganas y ansiedad de grabarla, aportar con gestos y arreglos claros. Por otro lado la microfonía de Nes fue determinante porque le dio un peso más cálido, y el cruce entre las guitarras con el slide de Tan, que es una gran novedad en este disco”. Pancho Fernández.

ESCUCHA «EL FUTURO» VÍA SPOTIFY

Running Up That Hill: La historia de Kate Bush

Running Up That Hill: La historia de Kate Bush

La maestría artística de Kate Bush quedó al descubierto en 1978 con la publicación de su disco debut «The Kick inside», una ópera prima en la cual ya era palpable el multitalento creativo de quien se convirtió en una de las mujeres más relevantes del art pop de los últimos 42 años.

Titulado a partir de una de sus canciones más populares de la década de los 80s, «Running up that hill: la historia de Kate Bush», es el documental realizado por la BBC de Londres, en el que se explora la carrera de la influyente artista desde la publicación del single «Wuthering Heights» en 1978, hasta su álbum «50 Words for Snow,» editado en 2011.

Estrenado en 2014, el documental fue parte del breve retorno a las actuaciones en vivo que Bush emprendió en otoño de 2014, tras 35 años de ausencia, con 22 conciertos consecutivos en el Hammersmith Apollo de Londres, bajo el título «Before the Dawn», interpretando lo más sobresaliente y selecto de su producción desde los discos «The kick inside» y «Lionheart» (1978) hasta Aerial y el célebre «Ninth wave», cara B de su obra maestra: «Hounds of love» (1985).

A través de una serie de entrevistas a reconocidos músicos, colaboradores y admiradores confesos de su obra, entre los que se encuentran John Lydon, Elton John, St. Vincent , Tricky , Suede’s Brett Anderson , Viv Albertine de The Slits, Peter Gabriel, entre otros, el documental es uno de los pocos registros oficiales existentes sobre su destellante trayectoria e ingenio, recopilando importante cantidad de conversaciones y actuaciones que la artista ofrecía con frecuencia para promocionar sus discos. Material de archivo que se ha vuelto de considerable valor con el paso de los años, luego de que la cantante entrara en largos silencios y retiro de los escenarios.

Como parte de nuestra videoteca, te invitamos a revisar este material de estudio para aproximarse a la figura y obra de Catherine Bush, nacida un 30 de julio de 1958, Bexleyheath,Reino Unido.

https://youtu.be/c4sLwt8mhZs

ENCIERRO, DECONSTRUCCIÓN Y RECONSTRUCCIÓN: Diavol Strâin presenta “El Reflejo de mi muerte”.

ENCIERRO, DECONSTRUCCIÓN Y RECONSTRUCCIÓN: Diavol Strâin presenta “El Reflejo de mi muerte”.

En el marco del mes de la visibilidad lésbica, el dúo dark wave lesbofeminista Diavol Strâin presenta en show vía streaming, «El reflejo de mi muerte”, nuevo single adelanto de su próximo disco “Elegía del olvido / Elegía del horror”.
Generar un imaginario musical que visibilice a lesbianas y personas no binarias y sus universos ha sido hasta hace poco otro vacío por llenar en la música chilena. Pero esta labor está siendo abordada por artistas que experimentan la invisivilización cotidiana desde la homosexualidad, la lesbiandad y la transexualidad. Y la creación musical, una vez más, está sirviendo para albergar estas realidades y miradas disidentes a través de proyectos que emergen desde el underground y la contracultura.

Diavol Strain no solo se aventura en proponer un dark wave militante y crítico, donde su propuesta estética y sonora es también una propuesta política y social. Sino que también se embarca en asumir la ardua y trascendental tarea de ir tras la construcción de un imaginario artístico y sobre todo musical que visualice la lesbiandad y la existencia no binaria, buscando plasmar su universo íntimo y las problemáticas a las que se enfrentan en una opresiva sociedad heteropratriarcal.
Sin mirar hacia el lado y en coherencia con un discurso que apela a la toma de acción, el dúo lesbofeminista compuesto por Ignacia Bórquez, guitarra y sintetizador, y Laura M. Molina, bajo y voz, materializa una de sus reflexiones más urgentes al componer “El reflejo de mi muerte”, primer adelanto de su próximo disco “Elegía del olvido / Elegía del horror”, canción inspirada en el cuento de la autora argentina Silvina Ocampo “Cornelia frente al espejo”, su último trabajo publicado en vida en 1988, y uno de sus cuentos menos reseñados por la crítica literaria. Ocampo, instaló a través de este relato la libertad literaria al incluir recursos como el nosense y combinar prosa/verso, alejándose de tradicionales y perfectas prosas como las de Borges o Bioy Cáceres, y reforzando las perspectivas de género y feminista que ya se encontraban presentes en toda su obra, subvirtiendo estereotipos femeninos y cuestionando la identidad al plantear su alteridad y abordar la relación del Yo y la otredad, principalmente a través de “personajes mujeres complejas y ambiguas; planteando la duplicidad de lo femenino a través de recursos como el artificio y de la máscara, construyendo una múltiple representación femenina que busca anular la visión unidimensional del personaje femenino». Es este encuentro entre la literatura de Ocampo y el desasosiego surgido en medio de esa existencia que desafía cada mandato heteronormal, lo que da forma a “El reflejo de mi muerte”, composición que ve la luz en medio del claustro generado por la pandemia, una canción que nace como un acto político y artístico para conmemorar julio, el mes de la visibilidad lésbica.“El reflejo de mi muerte” nace a partir de dos grandes temas que en este último año nos han hecho reflexionar. Uno de ellos fue el cuento “Cornelia frente al Espejo”, de la escritora argentina y lesbiana Silvina Ocampo. En este relato la protagonista recorre su antigua casa dialogando con viejos fantasmas, con su Yo de la infancia, y sus estigmas. El cuento habla sobre el vacío existencial y sobre no poder ser lo que verdaderamente quisiste, al ser completamente rechazada por la sociedad.” comenta Ignacia.


Impulsadas por el apetito de configurar un imaginario de discurso lesbofeminista se abre paso este cruce literario musical como la vía para expresar en lírica, sonido e imagen el conflicto latente de quienes no encajan en la identidad sexual bidimensional, tomando la idea de la desconstrucción y reconstrucción de la identidad y el género.“Todo esto lo relacionamos inmediatamente con el hecho de ser lesbianas y con que muchas veces en tu vida pasas por momentos en que no puedes existir como tal porque está mal. Eres lo peor, te pueden matar, y va en contra de la cultura falocentrista donde tu cuerpa se construye solo en base a lo que la sociedad te deja ser. Esto resulta tan extremo que te terminas penando a ti misma por la imposibilidad de ser. Te vuelves un recuerdo de algo que no llegaste a ser por esas imposiciones. Por lo que debes acabar con eso y reconstruirte a ti misma para salir de ahí”. Afirma la guitarrista. “Por eso nuestra canción “El reflejo de mi muerte”, narra este dolor, esta rabia y esta necesidad de liberarse. En el cuento la protagonista se rinde y termina suicidándose pero nuestra canción quiere tiene un giro de liberación para visibilizar nuestra lesbiandad y ayudar a construir un imaginario lésbico feminista. Y para eso también estamos trabajando en un videoclip para la canción.”

REDEFINIENDO EL ENCIERRO

Luego de estrenar durante el mes de junio, su versión para el tema “Sonrisas fabricadas” de los pioneros del dark wave argentino Euroshima, banda a la que reconocen como una importante influencia en sus letras, Diavol Strâin ha continuado un arduo trabajo de composición y registro desde el encierro, sobrellevando de manera creativa el incierto panorama económico que la pandemia ha evidenciado para todo el sector de la música. Cuentan que no ha sido tan malo después de todo. Sino que se ha presentado como una especie de periodo para lograr concentrarse en trabajar de manera reposada en su nuevo disco, en contraste a la experiencia vivida en la realización de “Todo el caos habita aquí”, cuyo tiempo de trabajo solo abarcó apretados tres meses. Para las musicas el encierro se ha traducido en tiempo disponible para realizar mejores arreglos, perfeccionar el material concebido y aprender técnicas de registro y producción musical que les entreguen autonomía para continuar desarrollando su proyecto cuando no es posible financiar la participación de otros colaboradores. “Este año teníamos programado componer nuestro nuevo álbum, y sabíamos que teníamos que dedicar tiempo a ello, a diferencia de nuestro disco anterior “Todo el caos que habita aquí”, donde solo tuvimos tres meses para hacerlo y fue muy duro y estresante. En este disco queremos darle más vuelta a todo. La cuarentena nos ayudó en ese aspecto, nos dio tiempo para poder estar más concentradas en él. Existencialmente nos ayudó a sobrevivir, la música nos hace cariño en estos momentos, es una vía de escape, desahogo y reflexión. Con Lau conversamos mucho sobre lo lindo de haber creado Diavol porque ha sido lo más lindo que hemos hecho juntas y nos ha ayudado a enfrentar este periodo, unidas y trabajando.” nos cuenta Bórquez.
Aún cuando la banda ha logrado sacar reflexiones y acciones constructivas a pesar del escenario que las rodea, dejan en claro que esa concentración ha sido posible, en gran parte, gracias al apoyo permanente de sus seguidores y colaboradores quienes de distintas formas han contribuido a que el dúo reúna fondos en sus presentaciones vía streaming bajo conceptos de entrada virtual o compra de archivos para descarga, entre otros. “En paralelo el estrés generado por la falta de ingreso ha sido super fuerte y la ayuda y apoyo que hemos recibido de parte de amigues y seguidores interesados en nuestra música y en que nuestro proyecto continúe ha sido super importante, ya que nos ha hecho saber que contamos con cierto apoyo y con gente que cree en nosotras”. Otro aspecto que destacan sobre este periodo es el espacio para reencontrarse con antiguo material, recuperándolo para volver a trabajar sobre él: “El encierro nos ha ayudado harto al ámbito creativo, dándonos el tiempo de experimentar con más cosas, de hurgar en nuestro material y viejos archivos, retomando maquetas abandonadas que hicimos en 2017, y volver a trabajarlas y mejorarlas con mayor conocimiento que antes”.

Llevadas por el ímpetu de la creación musical, la banda sigue encontrando la vuelta de tuerca a la vida en cuarentena, aprovechando su ecosistema más íntimo en el que comparten su cotidianidad con otras compañeras artistas de distintas disciplinas como la danza, la fotografía y la realización audiovisual, convivencia que les ha permitido generar el material de promoción para este nuevo single y el próximo disco, con Fernanda González a cargo las sesiones de fotos y de realizar el videoclip para “El Reflejo de mi muerte”. Y Paloma Mujica como colaboradora de producción, actriz y protagonista del clip.

“Nos sentimos afortunadas de estar encerradas con amigas y colegas artistas con las cuales hemos podido producir material de promoción como fotografías y videos. Vivir estas condiciones de encierro con gente que aprecias y con las cuales compartes el trabajo creativo, fue lo mejor que nos ha ocurrido”. Enfatiza Ignacia

Diavol Strâin estrenará “El Reflejo de mi muerte” este viernes 31 de julio, cerrando el mes de conmemoración para la visibilidad lésbica, en un show vía streaming desde las 17:30 hrs Chile. Sesión en vivo que contará con un set list especial dedicado a tocar aquellos tracks que no formaron parte de su anterior streaming. Como ya es habitual en las presentaciones de la banda, la transmisión también contará con el dj set de Post-Everything desde Texas. El lanzamiento virtual es otra oportunidad para continuar aportando donaciones a la banda escribiendo a diavolstrain@gmail.com, y de manera permanente, adquiriendo discos físicos y digitales en su página de Bandcamp. EVENTO FB

// SHOW ORDER //

– DJ Posteverything

– Diavol Strain Live Show

– Diavol Strain Dj. Set

HORARIOS / TIMING

– 17:30 h >>> Santiago CL / Washington D.C / New York

– 16:30 >>> Bogotá COL / CDMX / Lima, PE

– 18:30 h >>> Buenos Aires, ARG / Rio de Janeiro, BR

– 14:30 h >>> USA West Coast / Vancouver CA / Tijuana MX

– 23:30 h >>> Barcelona ES / Berlín DE / Wroclaw PL

FOTO CABECERA: FERNANDA GONZÁLEZ
FOTO EN VIVO: ALEJANDRO HIDALGO

POP MELANCÓLICO: NESSA PRESENTA SU EP «TO LOSE IT ALL»

POP MELANCÓLICO: NESSA PRESENTA SU EP «TO LOSE IT ALL»

Publicado el pasado 21 de junio, To Lose it All es el reciente EP de Nessa, cantautora local cuyo inicio musical se remonta al año 2011, periodo en que su voz comenzó a resonar en distintos escenarios para el pop de autora. Más tarde, su nombre continuó ganando terreno gracias a su participación en distintos compilados y discos tributos que reunieron a jóvenes voces del pop rock. Uno de ellos, el disco tributo a Jorge González, «Generación de Mierda», homenaje indie al músico chileno y su banda Los Prisioneros, álbum producido por el sitio web RockAlternativo.cl, y publicado en 2013. En este compilado Nessa aportó su versión para la canción «Carita de Gato».

Tras siete años en silencio, Nessa regresa con «To Lose It All», grabado y producido por Ricardo Pacheco en Hombre Pájaro Home Studio. Un trabajo intimista, donde la compositora nos lleva por un viaje de múltiples influencias y sonidos, conjugando elementos tradicionales y elementos experimentales. Las cinco canciones que conforman To lose it all, están unidas en sonido y lírica por la idea de la fragilidad: “Busco transmitir desde el sentimientos de estar viviendo una tormenta pero miando hacia el futuro porque sabes que la tristeza va a asar», comenta Nessa, quien con este nuevo material propone resiliencia sonora y emocional.

TE INVITAMOS A CONOCER LO NUEVO DE NESSA AQUÍ

PETER GREEN: EL FINAL DEL JUEGO

PETER GREEN: EL FINAL DEL JUEGO

Por Pedro Ogrodnik

Le tocó vivir el papel de «leyenda maldita» del blues rock inglés de los 60. Desde sus orígenes reemplazando a Eric Clapton en los Bluesbreakers, los años dorados de los iniciales Fleetwood Mac mucho antes de Stevie Nicks, y el limbo que debió atravesar tras dejar a la banda por problemas de salud mental y abuso de drogas. 

 

 

Nos ha dejado Peter Green. A los 73 años y por causas naturales trascendió este plano existencial un músico quizás no muy conocido acá, más allá de la erudita feligresía blusera. Esto es quizás un poco injusto, ya que el tipo es legendario, y considerado como un par por lumbreras tales como Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page o Mick Taylor, y como una influencia fundamental por otros como Carlos Santana (cuya versión de ‘Black Magic Woman’ es uno de sus mayores clásicos y mucho más conocida que la original), Gary Moore, Billy Gibbons, David Coverdale, Joe Perry o Pappo, por nombrar algunos. Como guitarrista, su lenguaje fue más bien económico (sin mucha floritura, directo al punto) pero con un grado de feeling y onda que siempre lograba transmitir su mensaje musical, y con un tono rotundo y preciso. Además, como compositor fue prolífico y logró cumbres desgarradoras y también muy dinámicas e interesantes durante su breve pero muy influyente etapa al frente de Fleetwood Mac, banda de la que fue fundador, entre 1967 y 1970.

Peter Allen Greenbaum comenzó a hacerse de un nombre en la escena del blues británico reemplazando al propio Eric Clapton en los Bluesbreakers de John Mayall durante 1966, cuando Slowhand se lanzó a la aventura de Cream, el primer power trio y primer supergrupo de la historia del rock. Clapton era Dios en el naciente blues británico, y para Green en un comienzo fue difícil reemplazarlo, siendo a menudo maltratado por uno que otro espectador en los conciertos de los Bluesbreakers, pero a punta de música logró dar vuelta el panorama llegando a ser considerado como «The Green God». El disco «A Hard Road» es el registro que compendia esa etapa, siendo el instrumental ‘The Supernatural’, con la firma de Green y un notable aprovechamiento del sustain de su Gibson Les Paul (guitarra que ayudó a popularizar en esa época), tal vez el track más sobresaliente del álbum. Ese año Mayall obsequió a Green como regalo de cumpleaños unas cuantas horas de tiempo de estudio, en las que Green (que ya pensaba en formar su propia banda) fue secundado por su compañero en los Bluesbreakers, John McVie en el bajo, y un joven y larguirucho baterista que había «parchado» en los Bluesbreakers y buscaba hacerse un nombre en la escena: Mick Fleetwood. Una de las jams que grabaron fue nombrada como ‘Fleetwood Mac’ por Green en homenaje a la base rítmica del bajista y el batero, y es el big bang donde comienza la historia de esta banda.

Sin poder contar con McVie en un inicio por compromisos con los Bluesbreakers, fue convocado Bob Brunning para el puesto de bajista y fue incorporado Jeremy Spencer como segunda guitarra y cantante, ya que Green nunca se sintió del todo cómodo estando tan al frente de los reflectores. A los pocos meses McVie pudo integrarse a la banda y fue grabado el disco debut homónimo que apareció a comienzos del 68, llegando al número 4 en la lista de álbumes más vendidos en Gran Bretaña. Su combinación de blues y rock and roll primigenio comenzaba a sonar algo purista y anticuada en un momento en que la psicodelia ganaba mucho terreno, pero fue efectiva y dio su primer gran golpe con la publicación de los singles ‘Need Your Love So Bad’ y ‘Black Magic Woman’ durante 1968. El segundo álbum de Fleetwood Mac llegaría poco después: «Mr. Wonderful» fue un intento por lograr un sonido aún más crudo y reminiscente del blues de Chicago, que se quedó entrampado en cierta mediocridad en parte por el abuso algo cansador del riff característico de Elmore James en más de cinco canciones del álbum. Fue el primer trabajo del grupo donde colaboró en el piano Christine Perfect, quién se  incorporaría como integrante oficial a Fleetwood Mac en 1971, tras casarse con el bajista John McVie.

En la encrucijada por el resultado más agridulce de «Mr. Wonderful», Green apostó por enriquecer y diversificar el sonido de la banda, y es así como integra al grupo a un muchacho de 17 años, Danny Kirwan, como tercer guitarrista y cantante. Se inicia la etapa dorada de Fleetwood Mac como un quinteto con tres guitarristas, con los singles ‘Albatross’, un plácido y hermoso instrumental que llegó al número 1 de las listas UK, y ‘Man Of The World’, un tema desgarrador que en retrospectiva puede interpretarse perfectamente como un llamado por ayuda de un Green crecientemente desencantado de la fama y la vida itinerante de una banda de rock.

Guitarist Peter Green (right) and bassist John McVie, of British rock group Fleetwood Mac, rehearsing at the Royal Albert Hall, London, 22nd April 1969. (Photo by Michael Putland/Getty Images)

El éxito los había posicionado como la banda británica más rentable durante 1969, superando a los Beatles y Rolling Stones en ventas de discos, los estaba llevando en continuos tours por Norteamérica (donde conocen el LSD de la mano de los Grateful Dead) y Europa: para 1969 el álbum «Then Play On»,  quizás el mejor de la etapa inicial del grupo, muestra a los Fleetwood Mac más variados y ambiciosos hasta el momento, incorporando matices de psicodelia, jam rock, folk, vodevil y rock progresivo a su sonido establecido de blues rock, y se anota otro hit masivo con el single ‘Oh Well’, y con él, más conciertos, giras, compromisos y desgaste interno para un Green que cada vez se refugiaba más en el consumo de drogas.

Acá es cuando las cosas comienzan a ponerse turbias, cuando en un incidente en una comuna hippie en Munich, Peter Green se sobrepasó en el consumo de LSD, experimentando una suerte de viaje sin retorno muy similar al que apartó a Syd Barrett de Pink Floyd. Su comportamiento se tornó progresivamente más errático y alienado, pero a la vez más místico y desapegado de lo material: se dejó crecer la barba y comenzó a vestirse de blanco y a usar crucifijos en escena, y les propuso a sus compañeros donar sus ganancias a las personas necesitadas, sin ser escuchado. Poco después y ya en 1970, sale el último single de Fleetwood Mac con Peter Green: ‘The Green Manalishi’ es un tema tenebroso, pesadillesco y escalofriante que por un lado prefigura muchos aspectos estilísticos relevantes del heavy metal (si no pregúntenle a Judas Priest, que para 1979 hicieron su propia versión del tema y lo transformaron en uno de los inamovibles de su repertorio en directo hasta hoy) y por el otro instaló interrogantes sobre la salud mental de su autor, que finalmente deja a la banda durante 1970. 

Tras Fleetwood Mac, Peter Green grabó su primer disco solista «The End Of The Game», se reunió brevemente con la banda para cumplir con compromisos contractuales en EEUU durante 1971 y participó como invitado en varias grabaciones de otros músicos hasta 1973, cuando ingresó en una de las etapas más oscuras de su vida tras ser diagnosticado con esquizofrenia: pasó el resto de los 70 entre hospitales psiquiátricos siendo más de una vez sometido a electroshock, mientras al mismo tiempo los Fleetwood Mac, tras un lustro de inestabilidad con varios cambios de formación y discos irregulares, experimentaban un espectacular resurgimiento con un gran éxito comercial en EEUU. Ya más recuperado, inició otro período de actividad a principios de los 80, grabando tres discos solistas antes de retirarse a una vida como ermitaño. En 1991 inició otro proceso de recuperación (que la afamada marca de amplificadores Matamp celebró lanzando la icónica línea Green, que transformaría en equipo de culto el trío de stoner rock Sleep) y para 1995 su carrera musical volvió a la actividad, liderando al Splinter Group, grupo con el que grabaría varios discos y daría más de mil conciertos, hasta que decidió dejarlos en 2004 para establecerse en Suecia. Desde ahí sus apariciones públicas se hicieron cada vez más esporádicas, haciendo la última de estas el año 2010.

 

Durante la última década el perfil de Peter Green fue reivindicado por parte de la prensa musical, y en febrero de este año, Mick Fleetwood brindó un concierto en homenaje al originador de su banda en el London Palladium, con la participación de varios ilustres, como Billy Gibbons, Steven Tyler, Kirk Hammett (poseedor actual de la mítica Les Paul «Greeny»), Zak Starkey, Jonny Lang y David Gilmour, celebrando el legado musical de los primeros años de Fleetwood Mac. 

El legado de Peter Green al rock y el blues es sumamente significativo, mucho más allá del papel de «leyenda maldita» que le tocó vivir. Sin dudas cuando te expones a su música de una u otra forma no puedes quedar indiferente, porque se siente la pasión y entrega en cada nota. Recomiendo si pueden pillar el documental de la BBC «Man of The World» (2009), donde con sabrosos relatos de varios protagonistas incluyendo al mismo Green, el guitarrista repasa su vida. Una copa en su nombre y a dejarse seducir por el hipnótico hechizo de su música.

 

UN ADIÓS PARA IL MAESTRO

UN ADIÓS PARA IL MAESTRO

Cuando comencé con Sonido de Película siempre quise hacer una columna dedicada a la vida y obra de Ennio Morricone, il Maestro, pero nunca imaginé que tendría que escribirla a pocos días de su muerte.

Tengo la costumbre de desconectar la WiFi durante la noche y así desconectarme de todo mientras duermo. Al despertar y encender todo, tenía mensajes de muchos amigos avisándome que Morricone había muerto. Eso refleja lo importante que era y es Ennio y su influencia en mi vida y mis amigos lo saben bien. Lo primero que se me cruzó por la mente fue un OK, ahora es cuando debes escribir, es hora de homenajear a un grande la música, un ícono que marcó a generaciones y es por eso que Sonido de Película quiere despedir con los máximos honores al Maestro Ennio Morricone.

El 10 de noviembre de 1928 nacía en Roma Ennio Morricone, hijo de Libera Ridolfi, una empresaria, y Mario Morricone, un conocido trompetista. La influencia musical se manifestó por medio de su padre quien le enseñó a tocar de trompeta, pero su talento musical se manifestaría a sus cortos seis años cuando junto con su padre crearía su primera composición musical.

Sus dotes innatos para la música lo llevaron a terminar un programa de cuatro años en tan sólo seis meses en la “Academia Nazionalle di Santa Cicilia” El joven prodigio continuaría con estudios composición para finalmente graduarse del conservatorio en 1954 con diplomas en trompeta, composición e instrumentación.

A pesar de que para el año 46 Ennio ya trabajaba haciendo pequeños arreglos musicales y escribiendo piezas musicales para pequeños proyectos. No fue hasta el año 61 cuando hizo su debut escribiendo la música para la película “El Fascista” de Luciano Salce con quien haría dupla por mucho tiempo. En esa misma época el amor tocó la puerta del Maestro, y en 1956 se casaría con María Travia con quién tendría cuatro hijos, Marco, Alessandra, Andrea (que también es compositora) y Giovanni.

Entrando los años 60 fue cuando el nombre de Ennio Morricone alcanzaría fama mundial. Sergio Leone recluta a Morricone para componer no solo el soundtrack sino que también los efectos de sonido de las películas más icónicas del “espagueti western”- La infame trilogía del dólar (“A Fistful of Dollars” (1964); “For a Few Dollars More” (1965) y “The Good, the Bad, and the Ugly” (1966))

Ennio fue capaz de plasmar de manera magistral la visión de Leone sobre lo que era el lejano oeste. Con un trabajo increíble, lleno de detalles vibrantes, uno se siente sumergido en la época donde si no sabías usar un revolver o una escopeta estabas perdido. El nivel de las composiciones de Morricone llegaron a lograr un nivel de trascendencia tal que hasta la fecha siguen siendo reutilizadas para otras películas, series de TV o incluso en dibujos animados. Incluso por muchos años The Ramones utilizaba la épica “The Ecstasy of Gold” para finalizar sus shows. Mientras que Metallica a principio de los 80 la usaba para abrir sus conciertos.

El Maestro, fiel a su estilo, se le preguntó de por qué el creía que “A Fistful of Dollars” había tenido tanto impacto, a lo que simplemente dijo que no tenía idea pues era la peor película que Leone había hecho y la peor banda sonora que él había realizado.

No cabe duda que el éxito de las cintas protagonizadas por Clint Eastwood le abrió la puerta a muchos proyectos, pero Ennio prefirió continuar trabajando con cineastas Italianos como Sergio Corbucci, Sergio Sollima, Édouard Molinaro, Marco Bellocchio, Mauro Bolognini (con quien trabajó en 15 películas), Bernardo Bertolucci, Dario Argento, etc.

Muchas de sus composiciones pasaban a transformarse obras maestras casi de inmediato y los directores valoraban una característica que es difícil de encontrar en muchos músicos – la versatilidad y prolificidad. Ennio era capaz de crear melodías románticas, sutiles, suaves y delicadas. Era capaz de pasar a la comedia con rimbombantes melodías a producir terror o suspenso y si además le sumamos los westerns y cintas de época tenemos a un artista completísimo que llegó a componer 20 soundtracks al año.

Estamos hablando de un genio que realizó más de 500 piezas musicales para el cine y más de 100 obras clásicas. Pocos pueden contar eso a sus nietos. Pero a pesar de los reconocimientos, los premios de la academia siempre le fueron esquivos. Podríamos pensar o imaginar muchas cosas, podríamos cuestionar por qué Ennio nunca quiso partir a Hollywood. Lo cierto es que Morricone, en buen chileno, no estaba ni ahí con ir a Estados Unidos.

Morricone jamás quiso aprender inglés, por ejemplo. Por muchos años rechazó invitaciones o simplemente volar hasta allá. Algunos le atribuyen esto a su pensamiento político y por pertenecer al partido democrático (PD) de orientación centro-izquierda. Quizá nunca lo sabremos, pero cuando hay talento, no importa donde estés, las ofertas llegan solas.

Fue así como durante los años 70, 80, 90 y 2000s continuó trabajando activamente con directores tanto en Estados Unidos como en Italia. Ennio compuso música para directores como Don Siegel, Brian De Palma, Barry Levinson, Warren Beatty, Oliver Stone, John Carpenter, Roland Joffé y Quentin Tarantino por nombrar algunos.

En una entrevista se le consultó si le gustaría trabajar solo con un estilo musical. El Maestro contestó “no soy de aferrarme a un estilo u otro. Me gusta cambiar, así no hay riesgo de aburrirse. Disfruto todo tipo de películas, no soy fan del terror aunque sí me gustan mucho las películas de Dario Argento y John Carpenter”

Se imaginan si Ennio Morricone hubiese hecho el soundtrack para “A Clockwork Orange” (1971). Esto estuvo a punto de suceder y la historia es bien sabrosa. Se cuenta que Kubrick estaba loco por trabajar con Ennio y lo quería para su Naranja Mecánica, incluso intentó contactarlo por medio de Sergio Leone quien le dijo que Morricone no estaba disponible a pesar de no ser verdad. Ennio quedó muy triste y lamentaría mucho no haber trabajado en esa cinta. Pero Kubrick no se quedaría de brazos cruzado y nuevamente intentó contratar a Ennio, esta vez para su filme de época “Barry Lyndon” (1975) Sin embargo, todo quedó en nada.

El Maestro odiaba volar y nunca quiso vivir en Estados Unidos, incluso le ofrecieron una casa en Hollywood con un estudio completo para él, pero se mantuvo firme y nunca cambió su amada Italia. Por lo tanto, ¿cómo lo hacía para trabajar con directores americanos? La respuesta es otra de las virtudes de Ennio. Él era capaz de visualizar la música de una manera inexplicable – “la música simplemente llega a mi cabeza y debo escribirla en algún papel”

Los irectores simplemente le enviaban el guión de las películas y con eso era suficiente para que la creatividad y su talente hicieran la magia. “Ser compositor es un trabajo difícil” declararía Ennio en entrevista a la BBC, “me preocupo por cada película, no hay película de la que no me haya preocupado” palabras que demuestran su dedicación con cada trabajo. Sin importar si se trata de una mega producción o un pequeño filme local.

Hizo música por más de 60 años. Creando bandas sonoras inmortales, reconocido en todas partes, admirado por miles de artistas pasando por Paul Anka hasta Radiohead y sin embargo sólo ganó 2 premios Oscar. Ni siquiera eso, porque el primero fue un premio honorífico a su trayectoria y contribución. Recién el 2015 con “The Hateful Eight” de Tarantino obtuvo su primera estatuilla por mejor banda sonora original. Suena bastante inexplicable para un hombre de la talla de Ennio.

En 1984 Sergio Leone dirigió “Once Upon a Time in America” una tremenda película con Robert De Niro y Elizabeth McGovern. En la música, obviamente el Maestro, con una composición que ha sido clasificada como una de sus mejores de todos los tiempos. Todos daban a Morricone como seguro ganador. Sin embargo, algo muy extraño ocurrió y los distribuidores de la cinta en américa no cumplieron con el papeleo a tiempo para incluirlo entre los nominados. Todo muy sospechoso y de lo cual nunca se dio mayor explicación.

En 1986 nuevamente Morricone la rompe con una composición magistral. “The Mission” dirigida por Roland Joffé se perfilaba como ganadora y la bella “Gabriel’s Oboe” se alzaba como pieza clave que haría a Ennio acreedor de su primer oscar. Sin embargo, en la noche de la premiación la ganadora fue “’Round Midnight”

El Maestro no dudó en mostrar su disgusto y manifestó que “’Round Midnight” tenía buenos arreglos, pero utilizaba piezas ya existentes por lo que no se podía comparar con “The Mission” que era totalmente original. Injusto o no, lo cierto es que Ennio se quedaba sin estatuilla nuevamente.

Resulta muy particular que un compositor alcance tal nivel de influencia cultural a lo largo del mundo. Más aún cuando resulta ser un tipo reservado, serio y muy dedicado a su trabajo. Pero su gracia yace precisamente en la capacidad de llevar la música más allá de la cinta misma. Darle sonido a lo que no tiene sonido es de algún modo darle vida. Por lo mismo tantas figuras no solo del cine, sino que también músicos y artistas de otras ramas lamentan tanto su partida y sin duda que nosotros también.

Hay muchos datos que se nos quedan en el tintero, muchas películas sin mencionar (dijimos que trabajó en más de 500) por ejemplo, sus trabajos experimentales de los 60, o las canciones escritas para artistas como Paul Anka, Mina, Zucchero y Andrea Bocelli. Otros temas co-escritos con Pet Shop Boys, y como dato freak Ennio compuso el himno para el mundial de fútbol del ’78.

Ennio nos deja un legado enorme por explorar, un catálogo de sonidos y melodías que perdurarán por siempre, despedimos así a uno de los compositores más brillantes que hemos conocido. ¡Hasta siempre Maestro!

NUEVA EDICIÓN DE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS. LA MÚSICA NUESTRA ARMA»

NUEVA EDICIÓN DE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS. LA MÚSICA NUESTRA ARMA»

Ya se encuentra disponible el cuarto número de la revista de Crónica Sonora «Estas Máquinas matan fascistas. La música nuestra arma». Especial pandemia «La música como antídoto».

«Estas Máquinas matan fascistas.La música nuestra arma», en su cuarto número escrito desde el encierro y en plena cuarentena bajo el nombre «La música como antídoto» y en cuyas páginas no solo podrán leerse textos donde se cruzan la música y la realidad social para hablar sobre el poder sanador del blues, sobre el jazz en tiempos de Covid, sobre la creación desde el encierro, sobre la música de emblemáticas bandas del under como Políticos Muertos o para repasar discos como «Superficies de Placer» de la banda argentina Virus. Sino también entrevistas a colectivas como Músicas en Red, a bandas independientes como The Polvos, y a músicas como la baterista Jacksa Suazo, entre otres.

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 4 CS- JULIO 10-2020

NATALIA CORVETTO: REPARANDO OBJETOS ROTOS

NATALIA CORVETTO: REPARANDO OBJETOS ROTOS

La cantante y compositora Natalia Corvetto, presenta «Parte de ti», una canción inspirada en el milenario arte japonés de reparar objetos rotos con oro, conocido como Kintsugi.

 

 

«Parte de ti» es el adelanto de su nuevo disco próximo a editarse, producción discográfica que cuenta con el apoyo del Fondo de la Música.  Este adelanto es una canción de amor inspirada en la técnica japonesa del Kintsugi, conocido como el arte de reparar objetos rotos con oro. Una suerte de homenaje a aquellos amores que logran sanar sus heridas y encontrar en sus cicatrices una fuente de luz. 

Acompañada de su banda compuesta por los músicos Mauricio Pérez en las percusiones, Gonzalo Gómez en el contrabajo y Daniel Miranda en la guitarra y producción musical, la cantautora nos entrega una composición acústica con influencias del folk pop actual en la que se destaca el sello distintivo de su voz melodiosa, y en la que es posible percibirse su formación en el canto jazzístico.

 

 

“Parte de ti” estará disponible en todas las plataformas digitales a partir de este 10 de julio, junto al video lyric realizado por la artista del collage, la mexicana Giovanna Tommasi, quien ha realizado videos para los músicxs Silvana Estrada y para el dúo Daniel me estás matando, entre otros.

 

TE INVITAMOS A CONOCER EL TRABAJO DE NATALIA CORVETTO

HERE´S TO YOU: LA BALADA DE MORRICONE Y BÁEZ

HERE´S TO YOU: LA BALADA DE MORRICONE Y BÁEZ

La historia de Sacco y Vanzetti es la historia de persecución política y social del movimiento anarquista durante la agitada década del 20 en el Estados Unidos post Primera Guerra Mundial. Una historia en la que dos trabajadores, inmigrantes italianos de pensamiento libertario, fueron acusados de robo y asesinato en medio de confusos incidentes, y condenados a la pena capital máxima, a pesar de las evidencias de su inocencia. Un trágico episodio que sigue ilustrando el temor y la furia hacia los movimientos sociales anti hegemónicos y la consagración de la injusticia.

A través de su historia, la bella Italia no solo fue la tierra fértil del facsismo de Benito Mussolini, sino también el epicentro europeo de sólidos movimientos libertarios persistentes hasta el día de hoy. Los años posteriores a la primera guerra mundial dieron paso a un masivo éxodo de europeos hacia la prominente nueva potencia mundial, Estados Unidos. Ese éxodo también significó la llegada de nuevas ideas y esperanzas para la lucha social del movimiento obrero, una de ellas, el Anarquismo.

El cine italiano de la década de los 70s, fue en muchos aspectos un cine político y militante que reflejó las convulsionadas realidades de su tiempo y de su pasado como parte de una dorada era cinematográfica. Fue en 1971 cuando el director Giuliano Montaldo decidió rodar la película “Sacco e Vanzetti”, el docudrama que recrea la vida de Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti desde su llegada a esa tierra prometida que fue la América bendecida por Dios, hasta su feroz encarcelamiento, juicio y ejecución en Massachusetts, un 23 de agosto de 1927. Un filme que fue tras la reivindicación histórica de dos mártires del movimiento anarquista de principios de Siglo XX, musicalizado por el ya aplaudido, Ennio Morricone.

EL RELATO MUSICAL

Ennio Morricone fue, quizás, uno de los más grandes narradores musicales que el cine y el mundo hayan conocido. Trompetista, compositor y arreglista, Morricone fue por mucho tiempo compositor fantasma contratado para crear melodías entregadas a otros, hasta que en la década del 60, Sergio Leone, su amigo de infancia y prometedor cineasta de un incipiente subgénero cinematográfico llamado Spaghetti Western, le entregó la tarea de musicalizar el filme “Por un puñado de dólares”. Los cruces estéticos de la época, la electrificación proveniente del rock and roll, la inserción de sonidos recreados y efectos experimentales. La música italiana y los elementos clásicos de la música incidental, se combinaron en cada uno de los temas que acompañaron las escenas más memorables de “El bueno, el malo y el feo” o “Agáchate Maldito”. Bandas sonoras que trascendieron tanto o más que los filmes, y que adquirieron el estatus de clásicos, entre otras cosas, debido a grandiosas composiciones instrumentales poseedoras de sutiles y cuidadas cualidades pop.

 

Para 1971, Morricone ya era considerado uno de los grandes compositores de soundtracks de la industria, momento en que el director Giuliano Montaldo, conocido por su cine de crítica social y compromiso político, le propuso componer la banda sonora de “Sacco e Vanzetti”. Una vez más, Morricone escribió cada una de las notas y realizó cada uno de los arreglos que relataron a través del sonido y la música, la trágica historia de persecución política y coartación que Estados Unidos ejerció sobre el pescador y el zapatero, en un largo juicio de seis años que terminaría con los trabajadores ejecutados en la silla eléctrica.

El relato musical construido para “Sacco e Vanzetti”, buscó dignificar a los personajes en su calvario, otorgando al filme el sustento emocional y su carácter de denuncia. Una composición en formato de réquiem y hecha para coros, que recogió las influencias de la música de la época convocando a una de las voces emblema de la canción protesta surgida en Estados Unidos durante los 60s, Joan Báez, quien tomó la labor de interpretar y de escribir la letra para las composiciones “La ballata di Sacco e Vanzetti – part 1”, «La ballata di Sacco e Vanzetti – part 2», «La ballata di Sacco e Vanzetti – part 3», y la más resonante de una banda sonora compuesta por doce tracks, “Here´s to you”, conocida como “La balada de Sacco y Vanzetti”.


Épica como un himno de protesta. Conmovedora y liberadora como un réquiem, “Here’s to you”, fue grabada y popularizada en formato canción, y la letra escrita por Joan Báez se basó en una las tantas declaraciones de Vanzetti durante su encarcelamiento:Si no hubiera sido por estas cosas, podría haber vivido mi vida hablando en las esquinas de las calles con el desprecio de los hombres. Podría haber muerto, sin marcar, desconocido, un fracaso. Ahora no somos un fracaso. Esta es nuestra carrera y nuestro triunfo. Nunca en nuestra vida plena podríamos esperar hacer tal trabajo por la tolerancia, por la justicia, por la comprensión del hombre del hombre como lo hacemos ahora por accidente. Nuestras palabras, nuestras vidas, nuestros dolores, ¡nada! ¡Quitarnos la vida, la vida de un buen zapatero y un pobre vendedor de pescado, todo! Ese último momento nos pertenece, esa agonía es nuestro triunfo.”
Con solo cuatro versos y una sola estrofa repetida a lo largo de toda la melodía en un recorrido de menor a mayor intensidad, in crescendo en magnitud y conmoción como suelen hacerlo las composiciones colosales de Morricone, “Here’s to you” suena como una trágica y heroica balada, donde la letra y la interpretación de Báez, entregan, en su justa y necesaria medida, el dramatismo y desasosiego del desenlace: «Here’s to you, Nicolas and Bart, / Rest forever here in my heart, / The last and final moments is yours/ That agony is your triumph – Aquí está para ti, Nicola y Bart, / Descansa para siempre aquí en mi corazón, / El último y último momento es tuyo / Esa agonía es tu triunfo».

Un manifiesto del compromiso civil de los 70s. Un manifiesto del cine de esa era, interpretado por Joan Báez, quizás la única letrista y cantante posible para este conjunto de piezas compuestas por Ennio Morricone a inicios de esa década. Banda sonora con la que alcanzó el estadio de la música popular gracias a éste, un canto a la libertad y a la dignidad humana, con el cual abrió una nueva línea de tiempo en la historia de los soundtracks, a la cual más tarde se sumaron sus obras incidentales para «Erase una vez en América», «La misión», «Los Intocables» y «Cinema Paradiso». Hasta siempre Morricone.

«Speranze di libertà»

«La ballata di Sacco e Vanzetti – part 1» (vocals by Joan Baez)

«Nel carcere»

«La ballata di Sacco e Vanzetti – part 2» (vocals by Joan Baez)

«Sacco e il figlio»

«La ballata di Sacco e Vanzetti – part 3» (vocals by Joan Baez)

«Libertà nella speranza»

«E dover morire»

«La sedia elettrica»

«Here’s to you» (vocals by Joan Baez)

FINAL DEL VIAJE: ROSARIO BLÉFARI

FINAL DEL VIAJE: ROSARIO BLÉFARI

 “Mi vida del rock no se parece para nada a la de las películas de rock, tal vez porque yo estoy ahí, y soy una mujer y soy la líder de mis bandas. En todo caso soy la prueba de que hay otro mundo del rock que existe hace rato y tiene menos prensa porque no pertenece al imaginario conservador del rock”.

 

Luego de afrontar un largo tratamiento contra el cáncer, falleció a los 54 años de edad, la música, escritora y actriz argentina, Rosario Bléfari, 1965- 2020.

 

 

Rosario Bléfari debutó con Suárez en 1989 en el viejo bar Bolivia del emblemático barrio de San Telmo en Buenos Aires, cuentan las notas de la prensa argentina. Desde entonces fue considerada una de las mujeres más destacadas del rock independiente nacido en Argentina en la década de los 90s.

Durante diez años, Bléfari lideró una de las bandas insignes del indie trasandino, Suárez, con la cual grabó cuatro discos hasta 2001, año en que la banda dio sus últimos shows. A fines de ese mismo año, Rosario decidió dar inicio a su viaje en solitario durante el cual editó cinco álbumes bajo su impronta de cantautora y artista versátil grabando los discos EstacionesMisterio Relámpago y el acústico Calendario. Pero su camino musical continuó con nuevos proyectos que la devolvieron al trabajo colectivo con las bandas Sué Mon Mont y Los mundos posibles.

 

 

 

El viaje artístico de Rosario Bléfari también recorrió los senderos de la actuación y la escritura. Esa misma escritura que ya ejercitaba como prolífica letrista y que la condujo a editar los título Poemas en prosa (2001, La Música Equivocada (2009), Antes del Río (2016 ), Mis Ejemplos (2016 ), y el más reciente publicado en 2018, titulado Las reuniones (2018) sobre el cual Bléfari comentó: “Los personajes o situaciones de mis canciones son más celebrados, hay cierta exaltación, aún cuando haya zonas sombrías. En cambio, en los cuentos hay más distancia, los personajes van por su cuenta de alguna forma, es como si al tener más tiempo que en una canción pudiera dejarlos vivir un poco, y no solamente tomar lo instantáneo”.

 

 

TRANSPUNK: CONTRA TODA AUTORIDAD Y HETERONORMALIDAD

TRANSPUNK: CONTRA TODA AUTORIDAD Y HETERONORMALIDAD

Históricamente, el punk ha sido refugio y hogar de los marginados. Sus orígenes contestatarios y su look hecho en casa hablaban de jóvenes de barrios obreros, aburridos de un mundo en donde otros les decían como vivir, como vestir y como pensar. El corte intrínsicamente underground de este género hizo que se mantuvieran en los márgenes como una decisión política, sin interés en ser parte de una industria alienadora que a cambio de un par de hits en la radio les pedía desprenderse de su identidad, de todo aquello que les daba autenticidad. 

Con esta premisa no es de extrañar que sea en el punk donde encontremos gran cantidad de artistas queer, cuyo discurso político recae en el simple hecho de pararse sobre los escenarios y hacer música, en un mundo donde su sola existencia desafía a la norma.  Artistas transexuales y no binarios llegaron al punk para quedarse, creando con ello una nueva escena libre de misoginia, hegemonía y heteronorma. 


HIRS (2011): QUEER AS FUCK 

Más que una banda, HIRS prefieren ser llamadas un colectivo. Uno del cual todos pueden ser parte, cualquiera que haya estado involucrado, quien sea que lo desee. HIRS está compuesta por dos personas, pero siguiendo el espíritu colectivo del punk, señalan que la música ocurre gracias a muchos otros, otras y otres. 

“Somos infinitxs y sin fin. Un colectivo de raros y maricas que nunca dejará de existir,” así señalan en su página web. Activas desde el 2011, este colectivo musical de Filadelfia adopta lo queer dentro de su propuesta estética. Con una mujer transexual como vocalista, el apoyo hacia la comunidad queer y trans no es solo un accesorio, es parte de la identidad del colectivo. 

 

Canciones cortas, muchas de no más de treinta segundos, con la saturación característica del punk que se toca en casas okupas, con parlantes acoplados que no parecen poder llevar el ritmo frenético y furioso de la música. HIRS ocupa baterías de redobles rápidos y repetitivos, riffs de guitarra que acompañan una voz cantada a gritos que hacen casi imposible entender la letra. Rápido, certero, agresivo y furioso. 

Sus letras acompañan esta estética sin adornos, libres de metáforas o analogías, dicen lo que sienten, describen piernas peludas que usan tacón o hablan de cómo no habrían sobrevivido en prisión, todo esto gritado contra el micrófono. El punk de HIRS es solo para valientes. 

 

 

Life of Agony (1989): Queer & Metal.   

Alejándonos del punk más clásico, nos encontramos con Life of Agony, una banda que mezcla el metal alternativo con el hard punk. Originaria de New York y activa desde 1989, aunque con una historia accidentada e interrumpida, hoy y luego de la transición de su vocalista dicen estar más unidos que nunca. 

Mina Caputo, una mujer transexual, es la vocalista de una banda que se instaló en una escena masculinizada en una época en que temas como la transexualidad aún no eran discutidos por los medios. En el video de ‘Scars’ podemos ver al arquetipo de hombre metalero, rudo y tatuado, moviendo la cabeza al son de la música. Fue en este circuito, durante los años noventa, que Mina se atrevió a mostrar una vulnerabilidad poco vista en este género musical. En sus letras pedía ayuda, compasión y amor, expresando un lado íntimo y emocional disonante con la estética de la música más heavy de aquella época. 

 

A pesar de ello, Life of Agony hace gala de una estética queer en sus videos y presentaciones, con Mina a la cabeza, sus ojos delineados y la polera enseñando de forma coqueta sus hombros, hoy se considera una mujer feliz. Si bien las letras de la banda no hacen alusión de forma directa a la transición de su vocalista, sí hablan de dificultades de ser uno mismo en esta sociedad, en busca de un lugar al que pertenecer, pero finalmente encontrando luz. 

De arreglos progresivos, con bases rítmicas donde el bajo y la batería se lucen para potenciar la voz potente y de timbre característico metal, Life of Agony es una banda que mezcla lo mejor de dos mundos, con la cohesión y solidaridad de sus integrantes. 

 

 

Jayne Couty (1970):  El proto punk queer. 

De un punk más moderno, pero de raíces clásicas, pasando por las influencias alternativas y metal, ahora nos encontramos con una leyenda en sí misma, porque Jayne Couty con sus 72 años en el cuerpo no solo fue parte de la escena proto-punk, si no que además se vio en el centro neurálgico de la escena disidente de aquellos años, involucrándose en las protestas de Stonewall que darían comienzo al mes del orgullo. 

Su personalidad sobre el escenario es la esencia misma del punk. Con elementos drag, enormemente teatrales y performativos, su maquillaje recargado y peinado voluminoso hacen juego con performances tales como lanzarle agua a su audiencia con una pistola en forma de dildo, o interpretar canciones sentada en un inodoro. 

 

 

Canciones como Fuck Off (1993) fueron sacadas de las estaciones de radio en Estados Unidos por su lenguaje soez. Su contenido directo, al igual que HEIRS, no hace uso de metáforas para embellecer lo que se quiere decir.  Sobre el escenario Jayne canta sus letras con la voz rasposa y el riff repetitivo de la guitarra clásica punk, aquella que todos pueden aprender a tocar, acompañando el motivo de canciones que se quedan en la memoria, se aprenden rápido para que el público se una al coro mientras la vocalista salta y agita su melena. 

La música alcanza su punto máximo cuando es vivida en comunión con el público, la tocata punk es la instancia ideal para poder disfrutar en su totalidad un estilo que es tanto musical como performativo. Es sobre el escenario que Jayne se tira al suelo y abre de piernas mientras repite ¡Jódete! Un coro al que es fácil acoplarse y el público no duda en hacerlo, usando la instancia como una catarsis colectiva de pura energía.

 

Estos son tan solo algunos ejemplos del panorama de la música punk respecto a lo trans, desde hoy hasta los años 70’s. La existencia de artistas disconformes con los cánones cisgénero no es ninguna novedad, sin embargo, su presencia siempre ha estado supeditada al circuito gay. Hoy podemos hablar de una escena transexual con sus propias demandas, problemáticas y estrategias de resistencia que recogen los referentes de décadas pasadas, haciendo referencia a ellos mediante la puesta en escena. La influencia de Jayne Couty. así como sus fanáticos que abarcan distintas generaciones y nacionalidades, son prueba de ello. 

No faltará quien diga; da igual el género si la música es buena ¿No? Para aquellos que nunca han podido verse reflejados en las grandes estrellas, sin referentes en los medios que expongan sus sentires y pesares, claro que importa. Es lo que hace la diferencia.  Artistas transexuales tienen una representación mínima en la música comercial, y para las personas trans es sumamente alienante el no verse a sí mismos en las distintas esferas de producción cultural. 

Ya que una parte intrínseca del punk es estar fuera de la norma, parece el lugar perfecto en donde empezar a buscar artistas cuya sola existencia es un acto de resistencia y rebeldía. 

 

MÚSICA Y MEMORIA:»YO SOY RODRIGO ROJAS, CARNE Y MADERA»

MÚSICA Y MEMORIA:»YO SOY RODRIGO ROJAS, CARNE Y MADERA»

El 02 de julio de 1986 era una de las jornadas de protestas más multitudinarias y decisivas en oposición a la dictadura militar. El paro nacional convocado para esos días estaba concebido como unas de las acciones claves para derrocar a Pinochet. Fue ese 02 de julio de 1986 en que la estudiante Carmen Gloria Quintana de 18, y el joven fotógrafo de 19 años, Rodrigo Rojas, junto a un grupo de vecinos de la población Los Nogales de Estación Central, fueron interceptados y detenidos por una camioneta militar. En medio de la detención, el grupo se dispersó y escapó en diferentes direcciones, ella y Rodrigo se dirigieron por el mismo callejón, perseguidos por la patrulla no lograron escabullirse y finalmente fueron detenidos, maniatados y roceados con bencina para luego encenderles fuego y ser quemados vivos. Sus cuerpos inconscientes fueron lanzados al otro extremo de Santiago, en un sitio eriazo de Quilicura donde más tarde serían encontrados. Rodrigo murió y Carmen sobrevivió con el 64 % de su cuerpo quemado.

En 1989, Quelentaro, el dúo compuesto por los hermanos Eduardo y Gastón Guzmán, edita «Después de la tormenta», disco que contiene entre sus composiciones el tributo al joven fotógrafo Rodrigo Rojas de Negri.

Este trabajo de corte emblemático para la historia de la banda, con Eduardo aún en el exilio, y Chile aún bajo Pinochet, es a su vez, el último disco con la casa discográfica EMI. En él se encuentran las primeras incursiones en sonidos de sintetizadores y los arreglos musicales a cargo de Sergio Tilo González de la banda Congreso. Entre las composiciones destacan las variaciones para la tonada «El Martirio», melodía que cuenta con innumerables versiones y cuyo origen y propagación por el cancionero latinoamericano es desconocida. «Después de la tormenta» es un disco que trae consigo la marca del exilio, la marca de la tortura y la marca de Rodrigo y Carmen Gloria ardiendo en el callejón de Los Nogales, la marca de la memoria insurrecta, así lo describe Eduardo en la furiosa e imperecedera copla compuesta al fallecido Rojas de Negri:
«Y esa patria…
Que patria esa que nombras!!
La patria colectiva que me decías,
nací en la misma tierra que ahora es otra
por nacer prisionero, busco la puerta
Y eso del Pueblo Unido
y ese otro verso que decía sobre la vida
y aquella gente que se creía la gente nueva
fui a decir mi opinión con una piedra
y fui la barricada allá en La Legua
y fui la hoguera ingenua contra las fieras
y conocí el garrote, y las tinieblas.
Soy el tisón humano que no se quema!!
Yo, yo soy Rodrigo Rojas, carne y madera!!
vuelto incendio en la lucha
vuelvo a la vida
y alumbrar de esperanza la noche ciega
y soy Manuel Parada, el Degollado!!
vertiente pura…
estoy vivo en Lonquén
y ando en la marcha
voy en la lista negra
Soy el destierro
Estoy preso en Rodríguez… y soy la vida
soy los que van muriendo… y los que llegan…
soy el viejo y el niño
soy la parte de Chile que anda en la ausencia
soy el aro y abrazo que anda en la cueca.
y soy mucho más cosas…
soy, soy mi pueblo en la calle que no se entrega!!
Yo, yo soy Rodrigo Rojas, carne y madera!!
Si la mano enguantada quemó la espiga,
que las manos desnuda, plurarles, siembren la vida…
Yo, yo soy Rodrigo Rojas, carne y madera!!»

«Álbum de estudio publicado por el sello EMI Odeón en 1989. El último disco oficial que Quelentaro editó bajo esta casa discográfica, el cual sólo apareció en cassette. Como en trabajos anteriores, los arreglos y la dirección musical estuvieron a cargo de Sergio “Tilo” González, director del grupo Congreso. César Lucero acompañó a Gastón Guzmán en la guitarra,»

«Todas las canciones pertenecen en letra y música a Eduardo y Gastón Guzmán, excepto Sobre el martirio, que es una variación hecha por Eduardo Guzmán sobre un tema tomado del folklore». (Fuente: Perrerac.org)
VIDEÓGRAFAS: NAT PLACENCIA. EL VIDEOCLIP DE BAJO PRESUPUESTO ES POSIBLE

VIDEÓGRAFAS: NAT PLACENCIA. EL VIDEOCLIP DE BAJO PRESUPUESTO ES POSIBLE

La realizadora audiovisual Natalia Placencia pertenece a una nueva generación de videógrafas cuya labor va más allá de la producción audiovisual, generando iniciativas con sentido político y educativo para brindar herramientas técnicas y alternativas en medio de la pandemia y del fuerte apagón laboral que vive el sector de la música, la cultura y las artes. Dicha iniciativa consiste en un ciclo de talleres on line diseñados para llevar a cabo videoclips de bajo presupuesto.


Nat Placencia es una realizadora audiovisual con conciencia crítica y militancia. Como parte de la comunidad lésbica, su trabajo es profundamente comprometido y activista en la visibilización de la realidad y el universo LGTB. Su trabajo habla por ella, no solo por su permanente colaboración con proyectos musicales cien por ciento independientes, emergentes y contraculturales, sino también por proponer formas de trabajo colaborativas. Reconocida por trabajar con la banda Playa Gótica, también es directora de la productora 4 Patas con la cual brinda diversos servicios para clips, lyrics, fotografía, visuales y registro de conciertos para bandas. Al mismo tiempo, en este andar, la videógrafa está generando un material audiovisual que registra la actual participación de las disidencias en la música, trabajando con talentosxs exponentes como la cantante y música lesbiana Yelenoz en el video para su canción “Lesbolución”, y con la cantante y performer trans Kamon Kamon Kamon para el clip del tema “Profundidad”, entre otres.

Recientemente se ha embarcado en crear una nueva plataforma cultural para promover la culturalgtbmás, y durante junio ha comenzado a impartir el taller virtual “Cómo hacer un videoclip de bajo presupuesto y no morir en el intento”. Un taller que nace a partir de su inquietud por aportar nuevas perspectivas al oficio compartiendo su experiencia, como también una forma de generar un espacio con sentido en el contexto actual, que pudiera brindarle a otres, nuevas alternativas, y a ella, algún tipo de remuneración económica a través de un aporte mínimo, luego del cese de todas las actividades de su rubro.

El curso compuesto por cuatro sesiones, consideradas por la videógrafa, básicas para generar contenidos, son guión, iluminación, dirección de arte y montaje. En ellas, se han abordado aspectos fundamentales a la hora de realizar un trabajo audiovisual como la luz y la fotografía. En qué consiste la labor del director de foto. Qué luces usar cuando no tienes recursos. Y cómo generar una propuesta de bajo presupuesto.

Entendemos que esto nace del contexto actual ¿Habías realizado algo así antes?

Nat: En realidad a lo largo de los tres años que llevo trabajando con bandas ya sea haciendo vídeoclips con mi productora 4 patas, independiente o trabajo en vivo, me he tenido que enfrentar cara a cara con la precarización laboral, en contextos donde tienes amigues que no tienen plata pero te gustan sus proyectos y te las tienes que arreglar para poder entregarles un trabajo que te deje contente a ti y a elles. Al entrar en periodo de pandemia me quedé absolutamente cesante, no tenía proyectos para realizar y en la red de trabajadoras de la música (TRAMUS) se abrió la posibilidad de hacer talleres y me quise atrever a enseñar lo que sé hacer ya que me di cuenta que en contextos de pandemia no podemos tener a une audiovisual a la mano y tenemos que crear nuestros propios trabajos y me pareció interesante expandir mi conocimiento a estas personas que tienen ganas pero muchas veces creen que el dinero es lo más importante al momento de crear y le bajan la importancia a la realización en sí. en la escuela en algún momento hice algunos talleres de nivelación y en una toma una vez me ofrecí a dar una clase de lenguaje audiovisual así que esas ganas de enseñar siempre han estado de mi parte y luego del taller que impartí de manera on line por la cuenta de Tramus pude atreverme a dar el paso a gestionar mis propias clases de manera particular.

Reconocida en la categoría a Mejor Vídeoclip en la edición 2019 del emblemático Festival de Cine de Lebu, por la realización de “Mi Chica Favorita”, otro clip que aporta a la visibilidad lésbica y que forma parte del debut solista de Fanny Leona, vocalista de Playa Gótica. Según nos cuenta, este hito fue determinante para continuar abordando su carrera desde una perspectiva independiente y austera, buscando desprenderse de las imposiciones económicas del rubro audiovisual y de los grandes presupuesto, esquivos en el mundo de la contracultura.

¿Crees que hoy en día les realizadores audiovisuales y les artistas en general deben ser capaces de crear este tipo de estrategias de bajo costo?
Nat: Al menos, bajo mi punto de vista, puedes ser el mejor director del mundo, realizar producciones de millones de pesos, pero si no sabes usar la cámara de tu celular y las luces de la casa para poder llegar a un resultado similar, entonces sabes solo la forma pero no el fondo, y un artista debe aprender que lo importante es el fondo porque muchas veces no querrán pagar por tu arte y no puedes caer en depresión por no poder llegar a ser parte de esa superproducción.
Muchas veces yo misma tuve depresión por no poder hacer algo como Wood Producciones o como grandes productoras pero cuando gané el premio a Mejor Videoclip en el Festival de Lebu, con un vídeo de 200 mil pesos compitiendo contra videos de un millón, me di cuenta que mi camino no tenía que estar ligado a mi bolsillo sino que generar de forma creativa los productos que me lleven a tener de a poco mayor visibilidad hasta llegar a tener el sustento económico o postular algún proyecto, a marcas con un camino detrás ya hecho, y no podemos quedarnos con el curriculum a medias por no tener una cámara carísima o actores de primer nivel.

Recientemente realizaste el videoclip de la canción “Poco y nada” de Sofía Oportot, un trabajo realizado bajo la misma política de bajo costo. ¿Cómo fue el proceso creativo y cuánto tiempo tomó?
Nat: Este vídeo fue completamente autogestionado, cuando trabajas desde la mismísima autogestión todo se atrasa, porque hay que pagar cuentas y si algo no te sale no puedes demorarte todo el día en ese proyecto para poder entregarlo lo antes posible. En el video “poco y nada” nos demoramos casi un año en sacarlo, más que nada porque lo grabamos en junio del 2019. Fueron cinco jornadas, ahí Sofía Oportot se lució con el arte porque ella misma lo realizó y fue con elementos muy básicos como papel de regalo para los fondos. Usamos luces de su casa, más dos luces que teníamos en la productora que eran un poco más pro. Usamos todo lo que teníamos a mano, pedimos ayuda a nuestres amigues que pudieran hacer foto, maquillaje y nos conseguimos la ropa por canje con Chic and Modern. Al final, fue un proyecto donde supimos usar los encuadres correctos en espacios públicos y privados muy delimitados, y además mucho trabajo de postproducción de color para que todo tomará una forma completamente profesional.

Entonces, desde tu experiencia ¿se puede realizar un trabajo audiovisual de bajo costo y salir airosa?
Nat: Completamente, y el vídeo “Poco y nada” de Sofía Oportot es una clara muestra de ello.

Para quienes nos leen, ¿hay un límite de cupos para el taller, qué contenidos quedan por repasar?
Nat: Todos los cursos se pueden tomar por separado dependiendo de lo que quieran aprender, si quieren tomarlos todos juntos pueden pagar el valor completo de lo que queda del curso. Estoy recibiendo máximo 20 personas pero estoy trabajando con la experiencia de este taller para abrir nuevos ciclos y también un posible curso de edición de video en general para el próximo mes.
El miércoles 01 de julio sobre dirección de arte. Y el miércoles 8 de julio será el último día del taller donde hablaremos de montaje, edición de video, utilización básica de Adobe Premiere Pro, pero también les daré herramientas para que puedan utilizar cualquier programa de edición, además de explicar teoría del montaje, cómo realizar un montaje rítmico y aprender a elegir material como un montajista profesional.

PARA CONOCER EL TRABAJO DE NATALIA PLACENCIA

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DERRIBANDO MURALLAS: MÚSICA DISIDENTE

DERRIBANDO MURALLAS: MÚSICA DISIDENTE

Conmemoramos el mes del Orgullo a través de la música con una recopilación de seis de nuestros artículos más recientes dedicados a músicxs que han aportado desde sus obras y su trayectoria a abrir puertas a la comunidad LGTB en la industria musical a lo largo de la historia de la música popular. Una revisión a aquellos hitos musicales que instalaron nuevas estéticas de liberación, ambigüedad y diversidad.

Una recopilación de artículos y columnas en primera persona de músicxs que han vivido en carne propia la lucha disidente. Textos sobre discos, bandas, sonidos creados por individuxs que han derribado prejuicios, censuras, discriminación, invisibilización, y han luchado por la diversidad sexual y derechos humanos. Aquí, una mirada a su música y a su rol como disidencias.

ESPECIAL MÚSICA DISIDENTE

LEE DUSTY SPINGFIELD: SOUL DISIDENTE

 

LEE DIAVOL STRAIN UNDERGROUND Y HETEROPATRIARCADO

 

LEE SEXO, RAZA Y ROCK AND ROLL: LITTLE RICHARD INICIANDO LA REVOLUCIÓN

LEE LITTLE RICHARD : ENTRE EL CIELO Y EL INFIERNO

LEE DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

LEE CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: JUDAS PRIEST SIN AFTER SIN

DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

El extravagante código de vestuario del Glam Rock quedó grabado en las memorias de la escena musical; maquillaje recargado, colores brillantes y pantalones apretados. ¿Lo más importante? Eran hombres quienes vestían estos atuendos, marcando un antes y un después en la percepción de la sexualidad masculina en occidente.    

Las cambiantes representaciones de la masculinidad que ocurrieron en la escena musical a finales de los 60’s y principio de los 70’s fueron parte de una serie de repercusiones culturales de un mundo que vestía nuevos colores: La legalización de la homosexualidad y el crecimiento en los movimientos de la liberación de la mujer tuvieron un efecto en cómo se exploraba la representación masculina en las esferas culturales. La música siempre ha sido pionera en ejemplificar, bajo las luces del escenario, dichos cambios. 

El caso del Glam Rock tiene entre sus ejemplos rostros tan reconocidos como lo es el de David Bowie. Adoptando un vestuario unisex que jugaba con elementos andróginos, la feminización de la figura masculina era mostrada como algo erótico, culminando con el travestismo performativo sobre el escenario.

Muchas veces el valor simbólico de la vestimenta ha sido mirado en menos en favor de los discursos. Sin embargo, algo no tiene que ser necesariamente textual para ser político y contestatario. La forma en la que se utilizan los recursos visuales tiene también la capacidad de desafiar las estructuras dominantes, cuestionando lo que se entiende por normal. El Glam Rock desafió directamente a la hegemonía heterosexual masculina de la época. 

Algunas de las principales características del estilo visual del Glam eran el uso de glitter, telas brillantes y suaves como el satín y el terciopelo acompañadas de pantalones de látex o cuero. Colores llamativos, patrones de aspecto psicodélico e incluso uso de prendas socialmente entendidas como ‘de mujer’. Un ejemplo de esto es la carátula del LP The Man Who Sold the World, de David Bowie en 1970, en donde luce un vestido de satín crema con patrones de flores azules, el cabello largo y una pose que destila elegancia y seducción, no hay nada de ambiguo en la imagen, su mensaje directo. 

Musicalmente el Glam Rock hacía uso de toda esta parafernalia para dar lugar a un sonido dramático lleno de artificios, con vocalistas que hacían uso de vibratos y notas altas (Como Bowie y Mercury), además de arreglos complejos de carácter progresivo. Lo glamoroso y femenino no tenía por qué significar carente de técnica o contenido.  

La extensión de su influencia llegó a los rincones más inesperados del globo, como lo podemos ver en los elementos Glam que recogió el rock japonés de finales de los 80’s hasta principio de los 2000’s.  Del otro lado del océano, Japón estaba cultivando su propia estética visual que desafiaba los cánones de masculinidad, con importantes similitudes al Glam, pero también con su propia identidad performativa.

 

El Visual Kei fue la rama del rock japonés que adoptó parte de la iconografía visual del Glam, como los atuendos extravagantes, el maquillaje exagerado y los peinados con volumen. El Visual Kei incluyó también dentro de sus características sonoras elementos electrónicos, punks y góticos, apuntando a una completa libertad de expresión artística.

Para este movimiento la expresión visual del estilo significó también la no conformidad con los patrones rígidos de una sociedad prohibitiva. Asociado con una generación rebelde, el Visual Kei ganó arrastre no solo con los jóvenes japoneses, si no que también la idea de la rebelión por medio de la extravagancia y de jugar con los elementos andróginos en el vestuario llegó hasta países como Chile, donde durante mediados del 2000’s se pudo observar como jóvenes adoptaban estos elementos como parte de su identidad. 

Bandas como Malice Mizer representaron esta corriente. De sonido con claras influencias góticas, de arreglos complejos que mezclaban los efectos de la guitarra con los sintetizadores, lo más distintivo era la particularidad de su vestimenta. Los colores fuertes se mezclaban con el negro en vestimentas góticas de rostros pálidos y prendas femeninas. Los integrantes de la banda usualmente se travestían tanto para las carátulas de los discos como para los conciertos, la extravagancia colorida del Glam se mezclaba con trajes de corte aristocrático que hacían parecer a los artistas como salidos de una novela de vampiros, utilizando incluso elementos circenses.  

 

Esto no solo presentó una nueva forma de masculinidad no heterosexual, si no que también se transformó en una nueva idea de lo que era atractivo para las mujeres, quienes muchas veces eran público objetivo de las bandas. De la misma forma en que el Glam llegó de la mano de movimientos de liberación femeninos, el Visual Kei se transformó en un vehículo para que las mujeres pudiesen explorar su propia sexualidad sin que ellas fueran el objeto de deseo.

Un ejemplo de esta nueva construcción de la sexualidad por medio del homoerotismo es Gackt, quien fue vocalista de Malice Mizer y comenzó su carrera solista a finales de los 90s. Siempre jugando con lo andrógino, el estilo de Gackt en aquella época se caracterizaba por la ropa ajustada que dejaba ver una figura delgada, maquillaje tan dramático como su actuación sobre el escenario, en donde sus canciones llenas de vibrato lo dejaban de rodillas. Plataformas, patrones de animal print y tres o más cambios de vestuario durante sus presentaciones son solo algunos elementos que hacen referencia a la influencia del Glam en su estilo. 

Sin embargo, uno de los aspectos más recordados de los inicios de su carrera es el alto contenido homoerótico de sus conciertos. En una sociedad conservadora como lo es la japonesa, Gackt no tiene reparos en mover su pelvis de forma sugerente, los pantalones apretados con textura de piel de serpiente ayudando con la imagen. 

En sus conciertos, durante una de sus canciones más populares -y cuya letra tiene alto contenido sexual’ Vanilla de 1999, Gackt seduce a su guitarrista con movimientos sugestivos, caricias e incluso besos, lo cual marca el punto álgido de la canción con un público mayoritariamente femenino que grita hasta el cansancio. Al igual que David Bowie, acá se da un paso más allá de lo ambiguo, cruzando hacia un erotismo que ya no es estrictamente heterosexual. 

Gackt demuestra un importante rango vocal, alcanzando altos característicos del Glam Rock para luego adoptar un tono grave y profundo con arreglos con redobles y pausas que le dan un tono grandilocuente a sus canciones. Su música no es una broma, la feminización y el homoerotismo no son usados como un recurso cómico, sino que, como otra forma de expresión de una identidad diferente, y también como una herramienta para una generación que no se conformaban con los cánones establecidos. 

 

 

La carrera de Gackt, al igual que la de muchos artistas japoneses, ha evolucionado desde el Visual Kei de aquella época, aun así mantiene elementos que conservan la idea central del movimiento: La libertad en la expresión corporal y visual para resignificar las distintas formas de ser hombre (o no serlo), abarcando un espectro que va más allá del binarismo de género, dándole además mayor libertad tanto a mujeres como a disidencias sexuales de descubrir y construir sus identidades con referentes de la cultura pop.  

Tanto como resulta importante revisar el Glam Rock con una nueva mirada que reconceptualiza valores marcados por la heteronorma, es también un ejercicio interesante el echarles un vistazo a otros estilos más alejados del canon de occidente pero que comparten los mismos principios rebeldes y disidentes. Por supuesto, el mejor lugar para comenzar son los conciertos, instancia ideal para poder entender la importancia de las corrientes marcadas por un estilo visual transgresor. Gackt y Malice Mizer son buenos lugares para comenzar. 

LA MÚSICA NUESTRA ARMA: DESCARGA Y LEE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS»

LA MÚSICA NUESTRA ARMA: DESCARGA Y LEE «ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS»

En noviembre de 2019 Crónica Sonora editó el primer número de su revista “Estas máquinas matan fascistas”, una extensión de su plataforma web, surgida a partir del estallido social chileno, iniciado el 18 de octubre de ese mismo año.

Tomando el lema escrito en la caja de una guitarra por el cantautor estadounidense, padre de la canción protesta, Woody Guthrie “These machines kills fascists”, se quiso dar título a un conjunto de textos inicialmente publicados en formato de dossier, dedicados al poder crítico de la música en el contexto de la movilización social iniciada en Chile el 18 de octubre de 2019. Así nace “Estás Máquinas matan fascistas” la revista del sitio web www.cronicasonora.cl, un espacio de reflexión y crítica desde la escritura musical, que reúne a distintas voces ligadas al oficio de la música y su divulgación, entre los que se encuentran musicólogos, escritorxs, antropólogxs, editores literarios, músicxs y periodistas, dando forma a un proyecto coral de sonidos y ritmos divergentes, en el que se cruzan la música y la realidad social.

Con tres extensos números publicados hasta la fecha, desarrollados en plena revuelta, el más reciente de ellos enmarcado en la histórica conmemoración del 8M2020. En cada una de sus ediciones a lo largo de más de 50 páginas se pueden leer textos sobre políticas de la música, himnos de protesta. Feminismos y enfoque de género. Entrevistas a activistas musicales, a emblemáticas bandas, a bandas emergentes, y a musicólogas. Columnas de opinión, reseñas cinematográficas, y relatos que cruzan la ficción y las melodías, entre otros contenidos.

 

Con la música como arma principal en medio de los agitados tiempos que vivimos, post estallido social, en plena pandemia mundial y actual cuarentena, “Estas Máquinas Matan Fascistas”, es una revista hecha a pulso, en contracorriente, lejos de las explosiones y demandas comerciales de la actual industria local y global. Una publicación que llega para quedarse y expandir el ruido que nos hizo pensar, que nos hizo sacudir, patear y gritar. El mismo ruido que nos ayudó a resistir y a sacar la voz. El mismo ruido que hoy desenfundamos como el arma más letal contra lo que nos adormece y nos oprime. «Estas Máquinas Matan Fascistas. La Música nuestra arma» desde Santiago, Chile en cuarentena con oídos abiertos recibiendo las ondas sonoras de todo lo que nos mantenga despiertos.

 

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REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N°3 – 8M 2020

REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTS N°2 -DICIEMBRE 2019

REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MAQUINAS MATAN FASCISTAS N°1-NOV 2019

CANCIÓN DE AMOR Y VENGANZA: HORREGIAS Y SU NUEVO SINGLE

CANCIÓN DE AMOR Y VENGANZA: HORREGIAS Y SU NUEVO SINGLE

Un 25 de junio de 2016 Nicole Saavedra Bahamondes de 24 años fue encontrada muerta, con las manos atadas y con señales de tortura en un sitio eriazo de Limache. Desde entonces, su muerte ha sido símbolo de la violencia lesbofóbica en Chile y de la ausencia total de justicia y mecanismos legales que condenen los crímenes de esta índole. Hoy, en el marco de la Semana de agitación #JusticiaParaNicole, su muerte y su recuerdo se hacen canción gracias al nuevo single de Horregias titulado «Nicole Saavedra Bahamondes».

Cuatro años han pasado desde que Nicole Saavedra fue encontrada muerta. Cuatro años de largo y enlentecido proceso judicial en el cual ni siquiera se han establecido sospechosos, dejando en evidencia, una vez más, la indiferencia de las instituciones hacia la comunidad lésbica/lgtb y sus familiares. Sin embargo, pese al dificultoso camino en la búsqueda de responsables y de un proceso judicial respetuoso y justo, la figura y memoria de Nicole están más presentes que nunca gracias a diversas acciones de protesta y reinvindicación por parte de organizaciones sociales y activistas, entre ellas el trío de punk rock oriundo de Renca, HORREGIAS, compuesto por Horridia Parra Urrutia, Feocia Casto, y Mari-Crimen Kraken, como se hacen llamar, quienes han sido voz permanente en la visibilización de ésta y otras realidades que afectan a la comunidad lésbica.

Así nace «Nicole Saavedra Bahamondes», una canción que es un tributo a su vida como también un grito de protesta y venganza contra su muerte, recordándonos la atrocidad cometida contra Nicole y tantxs otrxs. Una canción grabada por la productora musical, guitarrista y voz del proyecto Círculo Polar, Victoria Cordero en Estudio Lautaro de Santiago durante el mes de marzo, a días del inicio de la cuarentena. Una grabación que cuenta con el apoyo del sello independiente Vacaciones, lanzada a través de sus plataformas digitales este 19 de junio en el marco de la Semana de Agitación por Nicole, una iniciativa que a través de distintas acciones a lo largo del territorio busca mantener en tiempo presente el crimen contra Nicole y la necesidad de justicia para ella y su familia.

Junto con el estreno del single, la banda estará presentándose en vivo y en directo a través de su cuenta de IG Live el mismo 19 de junio, a las 21 hrs, oportunidad en la cual conversarán con su productora musical sobre el trabajo realizado en esta composición y sobre el mensaje reivindicativo en ella. El tributo a Nicole se completa con el estreno del vídeo para la canción realizado por Johanna Ovalle, programado para el 25 de junio. Actualmente, la banda se encuentra trabajando en su tercer álbum, y ha iniciado una campaña de recolección de fondos para mantener su sitio web, con la venta de descarga de su álbum «Lo normal» de 2016. Puedes colaborar con la banda AQUÍ

INSTANTÁNEAS DE RUIDO Y PUNK: UN RECUERDO DE HUEVO OLEA

INSTANTÁNEAS DE RUIDO Y PUNK: UN RECUERDO DE HUEVO OLEA

En memoria del guitarrista, miembro fundador de DTH y Enfermos Terminales, César Huevo Olea, fallecido la madrugada del 17 de junio 2020, a causa de Covid 19, indagamos en los recuerdos de su vital paso por el underground local a través del testimonio de Cristóbal Durán, bajista y fundador de Alternocidio entre los años 1995 – 1997, banda integrante de la seminal escena hardcore de finales de los 90s.

 

 

Hace un par de días falleció el Huevo, César Olea. Se lo llevó el COVID-19, ese virus infame que todavía parece un fantasma. Compartí más de una vez con él, junto a lo que fue su banda más longeva, Enfermos Terminales. Si mi memoria no me engaña, la primera vez que los vi fue en 1996. Debe haber sido probablemente su primera (o a lo sumo, segunda) tocata. Fue en alguna parte de La Florida o en Gran Avenida, si mal no recuerdo. Pero de eso ya van cerca de 25 años. Sólo puedo recordar la potencia que transmitían en esos primeros días, una banda que sin duda fue fiel a esos primeros gestos, luego de pasadas más de dos décadas. El Huevo era un puntal en eso, qué duda cabe. Si bien Patán y Mery, los vocales de Enfermos, le daban el primer plano a ese sello inconfundible con su dupla de voces, tal como en tantas bandas de crust o del anarcopunk que escuchaba por ese entonces (Extreme Noise Terror o Nausea, las primeras que se me vienen a la cabeza…), todo el basamento de Enfermos se sostenía en las seis cuerdas. Y eso era tremendo. Tuve la suerte de compartir escenario con ellos muchas veces en esos primeros años, en distintos lugares y en ocasiones diversas, junto a tantos otros como Silencio Absoluto, Disturbio Menor, Donfango, Nada de Público, o Redención 9-11. Pero para mí Enfermos fue, desde la primera vez que los vi, algo así como el epítome del hardcore-punk por estas latitudes. Era difícil no escuchar en ellos a Circle Jerks, Black Flag de los primeros días, o incluso algún dejo al GI de Germs. Y me atrevería a decir que en buena parte esa era la mano del Huevo.

 

Archivo banda

Yo ya sabía que ese sonido venía de alguna parte. A principios de los 90 había caído en mis manos, como a tantos y tantas, esa joya infame de D.T.H., Vómito Social. Con su horrible carátula fotocopiada, y 6 temas en unos 10 minutos, era el primer ataque grindthrash que escuché en Chile, y ahí era la voz del Huevo la que arreciaba, con total violencia. Fue como si se tratara de la primera impresión que me produjo el From Ensalvement to Obliteration, ese pedazo de extremidad que curiosamente Napalm Death había arrojado ese mismo 1988. Digo todo esto para recordar, y recordarme a mí mismo, que el Huevo fue uno de esos pocos eslabones entre esas camadas del Hardcore y del punk de la generación de los 90, y los cultores de los sonidos extremos en esta parte del mundo en esos oscuros años 80. El Huevo fue eso, sin duda, y eso me producía verlo en el escenario con una polera de Agnostic Front o de Corrosion of Conformity. Era como traer el Rock Shop del último tramo de los 80 en medio de una tocata de 1998, era mantener esa fuerza y ese amor por los tarros.

Esa es la instantánea que quisiera conservar del Huevo, en el escenario, como un gran conector entre los 80 y los 90, y mucho más acá, cuando supo seguir dándole a Enfermos Terminales una modulación y un sello distinto, manteniendo esa furia que vi en él y en el modo en que sentía la música. Esa instantánea es la que muchxs de nosotrxs podremos revisitar una y otra vez, para volver a sentir esa pasión que veíamos en él y que queríamos reconocer como nuestra. 

 

Formación 2018  – Foto por Karolina Guajardo. Poesía Beats y rock and roll.
CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: SIN AFTER SIN DE JUDAS PRIEST

CUERO, HEAVY METAL Y QUEERNESS: SIN AFTER SIN DE JUDAS PRIEST

Dentro de la comunidad LGTBQ+ hay un dicho que fue acuñado rápida e ingeniosamente por Juan Gabriel para responder al retirado cuestionamiento sobre su sexualidad: Lo qué se ve no se pregunta. Corría el año 1998 cuando el vocalista de Judas Priest, Rob Halford, habló por primera vez de manera pública sobre su homosexualidad; “Creo que la mayoría de la gente sabe que he sido un hombre gay toda mi vida”. 

Lo que se ve no se pregunta, aunque en este caso es valioso mencionarlo. ¿Qué veíamos en Judas Priest antes de dicha confesión? ¿Qué escuchábamos? ¿Qué cambió?

No es que de pronto los temas de la banda se volvieran gays, o que luego de aquella confesión (¿Confesión para quienes? ¿Para los medios?) empezaran a serlo. Hay quienes creen que solo cuando algo se enuncia en voz alta es que se vuelve verdadero, como una suerte de confirmación que torna reales los hechos. Pero lo queer en la escena heavy metal y en la banda existía desde mucho antes del 98’. 

«Sin After Sin» es el tercer disco de Judas Priest, lanzado el año 1977. Un álbum sólido con redobles rápidos y que incluso incluye un cover de Joan Baez. Este disco consolidaría su triunfo en la industria, sirviendo como un puente para convertirse en uno de los pilares fundantes del heavy metal. 

Dentro del disco hay un tema que Rob Halford dice es una canción heavy metal sobre los derechos homosexuales: «Raw Deal» es descriptivamente homoerótica, evocando la conocida localidad gay de Fire Island para ubicarnos entre cuerpos de hombres fornidos, en una escena con olor a alcohol y transpiración; All the heavy bodies ducking, stealing eager for some action (todos esos cuerpos pesados agachándose, robando ansiosos por algo de acción). 

Sin embargo, la letra no solo describe un instante dentro del a escena gay, protagonizado por Rob. “The true free expression I demand is human rights – right” (La verdadera libre expresión que demando son derechos humanos – cierto). Con esta línea la canción no se reduce a un rol descriptivo, es también una declaración de principios más allá de una confesión.  Con esta frase liga los derechos humanos a la libertad de expresión, una expresión de carácter performativo, por medio del cuerpo, ubicándose en un espacio determinado como lo es un bar gay

La expresión de una sexualidad disidente por medio de accesorios o vestuario alcanzó un punto álgido de mano de la subcultura del cuero, estética adoptada por Judas Priest en sus correas con tachas y pantalones de cuero ajustados, estableciendo un vínculo visual con una parte aún más marginada de la contracultura del heavy metal. Fue Judas Priest la banda que popularizó la forma de vestir que definiría el look metal, tomada directamente de los sectores gay frecuentados por su vocalista. 

 

Gracias a su narración descriptiva acompañada de la referencia a lugares icónicos para la comunidad gay como lo es Fire Island en New York, «Raw Deal» es la canción más explícita del disco. Sin embargo, el elemento queer de la banda no está contenido en un solo tema.  

Baladas como «Last Rose of Summer» o «Here Come the Tears» cuentan con la particularidad de no utilizar pronombres que delaten al objeto de los afectos del narrados como una ‘ella’, dejando la posibilidad abierta a interpretación. La utilización de la segunda persona singular no solo evita especificar a quien dirige sus palabras, sino que además genera un vínculo de intimidad con el auditor. Toda canción de amor puede ser una canción de amor gay

«Starbreaker» nos habla de un hombre llegado del espacio, un amante excepcional de esos con los cuales una agradece su suerte si llega a ser la elegida—excepto que «Starbreaker» se roba todos los corazones de la ciudad, sin importar si el dueño es hombre o mujer. “Let’s hope maybe this time/ He picks me and you” «(Esperemos que esta vez/ él me elija a mí y a ti).” Rob no tiene reparos en admitir que él también quiere un momento con este amante espacial. 

 

 

 

Discos como «Defenders of Fatih», lanzado en 1984, evidencian aún más el elemento queer no solo en la estética de la banda, sino que también en el contenido de sus letras. Pero el elemento disidente siempre estuvo allí, desde el primer momento en que un músico gay tomó el micrófono y cantó. 

El mundo del metal ha sido vinculado a la imagen ruda del hombre mujeriego de características híper masculinas asociadas a la heterosexualidad. Con un panorama así, debemos procurar ver bien antes de preguntar, porque allí mismo es donde habita lo queer, vestido de cuero y bailando en clubes nocturnos junto a otros cuerpos de hombros anchos, siempre expectantes. 

 

 

 

EL SECRETO DE LA MÚSICA URBANA : OLIVIA MORTIS PRESENTA SU NUEVO TRABAJO

EL SECRETO DE LA MÚSICA URBANA : OLIVIA MORTIS PRESENTA SU NUEVO TRABAJO

Olivia Mortis es una artista versátil, que se define como: feminista, costurera, poetisa y cantante. Luego de publicar su primer libro de poesía “El invierno de los anticristos” en 2019, este año se sumerge en la música, en especial en los ritmos urbanos mezclados con los elementos del trip hop, el globalbass, el trap y el flamenco, dando forma a un disco de lírica potente, enfoque feminista y político, titulado «Fatal Orgullo».

«Fatal Orgullo», es un viaje onírico, íntimo y personal en donde destacan canciones como “Incriminación artificial”, un trance musical en el cual la compositora transmite su pasión por el flamenco y la poesía. “Other Way” sorprende con una exquisita base trip hop recordándonos los mejores tiempos de la escena de Bristol. Luego de 28 minutos de música, llegamos a su primer single “Lo personal es político”, cuyo vídeoclip grabado en bar “Tattoo Rockers» de Barrio Italia, transmite su postura como mujer y artista en lo sociedad actual.

Para dar vida al disco, Olivia decidió buscar la colaboración de algunos Djs y beatmakers de la región metropolitana, entre ellos, Otra creencia, Apolo Negro, Zerh Beat y FraInstrumentos, quienes decidieron formar parte del proyecto y producir el nuevo disco, dando forma a una variada selección de samplers con le uso de instrumentos virtuales y beats, que hacen del disco una sólida muestra de música urbana, conservando y potenciando la idea e inspiración original de la cantautora.

 

ESCUCHA «FATAL ORGULLO» EN SPOTIFY

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RECOMENDADO: LEJOS DE LA MULTITUD

RECOMENDADO: LEJOS DE LA MULTITUD

«Lejos de la multitud», es un espacio radial en formato podcast dedicado a la difusión de artefactos culturales en tiempos de pandemia, donde podrán encontrar novedades y joyas perdidas de música punk, post punk, jazz y soul, junto con recomendaciones de libros, cómics, series y películas.

La idea del show surgió del reportaje “Lejos De La Multitud: Figuras Clave En La Difusión De Rock Underground En Chile (1980-2000)” (http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/173128) y busca continuar la tradición de quienes se dedicaron a través de programas de radio, revistas y fanzines a revelar expresiones artísticas desconocidas por el público local e ignoradas por los medios tradicionales. En medio de la crisis sanitaria global y frente a la avalancha de información hoy resulta más necesaria que nunca una curatoría que organice y exhiba las nuevas tendencias procedentes del underground y la escena independiente.

Producido y conducido por el periodista Carlos Aliaga, “Lejos De La Multitud” se estrena cada viernes a las 13:00 hrs. en el sitio pinchadiscos.cl y luego puedes revivirlo en https://www.mixcloud.com/carlos-aliaga4/.

LA UNIÓN HACE LA FUERZA: ENCUENTRO INTERNACIONAL «MÚSICAS EN RED»

LA UNIÓN HACE LA FUERZA: ENCUENTRO INTERNACIONAL «MÚSICAS EN RED»

El movimiento internacional «Músicas en Red, trabajadoras de la música y el sonido» tendrá su primer encuentro on line este sábado 13 de junio, a las 16 hrs Chile. La jornada virtual estará dedicada a debatir la actual situación del sector en medio de la emergencia mundial y será transmitida a través de las plataformas digitales de las organizaciones convocantes @musicasenred y @gestorasencuentro. Las colectivas encargadas de exponer serán :

  • Músicas en red internacional y Chile.
  • X Más músicas en vivo Argentina (Ley de cuota)
  • Más músicas Uruguay
  • Energía Nuclear México
  • Coordinadora Femfest Chile.
  • Red de mujeres en el sonido, Argentina.
  • Frente Música nacional, Chile.

“Músicas en red, movimiento internacional trabajadoras de la música y el sonido” surge como una necesidad a partir de diagnósticos y asambleas realizadas en encuentros convocados por Gestoras en red entre 2017 y 2019 en Chile y Uruguay, respectivamente, llamados: “Gestoras en red, encuentro internacional de trabajadoras de las artes” y en “Músicas en red, encuentros nacionales de trabajadoras de la Música” realizados en Chile el 2018. En esos encuentros se generó un plan internacional y movimiento de trabajadoras de la música y el sonido, compartiendo proyectos de incidencia que cada país ha levantado hasta ese momento, así como otras iniciativas de trabajo, colaboración y creación en red.

En estos encuentros se creó una alianza entre las colectivas Gestoras en red, Más Músicas Argentina, Más Músicas Uy y Músicas en red Chile, creando un primer cordón sudamericano para abrir las fronteras de una realidad compartida entre países hermanos. Más tarde Energía Nuclear: Mujeres en la música, se unió a la iniciativa desde México.

Uno de los principales objetivos de Músicas en red es fomentar la visibilidad y promoción de todas las músicas y artistas vinculadas a lo sonoro, enfocándose en quienes no tienen espacio en las programaciones actuales de la industria capitalista y patriarcal de la música. Así como también promover un elemento que las distingue: conformar un gremio de la música compuesto por mujeres y disidencias de diversas expresiones feministas no partidistas con acuerdos de base como la solidaridad, colaboración, autogestión, buena convivencia y buenas prácticas, lejos de las lógicas del mercado.

«Estar en red es estar unidas, informadas y potenciadas. La oportunidad de unas es la oportunidad de todas (…) Estamos en red para ayudar a que así sea. No soluciona toda la histórica desigualdad que padecemos en el ámbito de la música, pero construirá escenarios más igualitarios y representativos de los géneros y las sexualidades. Desde esos escenarios se construye sentido, identidad y ciudadanía. Es un buen comienzo», reflexiona Celsa Mel Gowland, representando a la colectiva X Más Músicas Mujeres En Vivo (Argentina).

“Somos músicas críticas frente al sistema mercantil, neoliberal, patriarcal y contaminante, que promueve la competitividad y usurpación de nuestros trabajos frente al capital. Y es por ello que hemos decidido estrechar aún más nuestros lazos con la idea de fortalecernos, apoyarnos y continuar generando puentes y circuitos alternativos que validen la multiplicidad de expresiones musicales, sonoras y discursivas, así como acciones de incidencia que promuevan la equidad de género en las distintas esferas de nuestro sector musical y cultural” profundiza Rosa Angelini, co fundadora de Músicas en red.

Desde «Más Músicas Uruguay» explican su motivación de compartir experiencias y estrategias en red: “Adherimos a Músicas en Red Internacional porque queremos unirnos a la fuerza de los colectivas de mujeres y disidencias músicas que están luchando por la misma causa en nuestra región y el mundo. Compartimos las problemáticas y tenemos la certeza que de ellas salimos juntxs, porque apoyándonos nos fortalecemos y sostenemos mejor la lucha.Creemos importante colaborar y compartir entre los colectivas de países hermanos las experiencias, aprendizajes y saberes obtenidos, para potenciarnos hacia la equidad de género en la música”.

Mientras que «Energía Nuclear de México» se define como “un colectivo de mujeres dedicadas a la música con más de 200 integrantes comprometidas con dar visibilidad y sentido de pertenencia para navegar en la industria de la música e incidir sustancialmente en la construcción de un tejido social que visualice el arte como camino y respuesta. Nuestro movimiento es inclusivo, pacifico y sin inclinaciones políticas o religiosas”.

Revisa la programación del encuentro digital “Música en red”, movimiento internacional de trabajadoras de la música y el sonido frente a la pandemia“ AQUÍ

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Horarios Sábado 13 de junio

16:00 a 18:00 hrs Chile

15:00 a 17:00 hrs México

17:00 a 19:00 hrs Argentina, Uruguay

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Pertenecen a Músicas en Red Internacional:
X MÁS MÚSICAS MUJERES EN VIVO (Ley de Cupo), Argentina
GESTORAS EN RED, RED INTERNACIONAL TRABAJADORAS DE LAS ARTES
COORDINADORA FEMFEST, Chile.
MÁS MÚSICAS UY, Uruguay
FMN CHILE, FRENTE MÚSICA NACIONAL, Chile
ENERGÍA NUCLEAR, México
ELECTROMAGNÉTICA, Chile
UDARA, MUJERES Y ROCK, Chile
RMS RED DE MUJERES EN EL SONIDO, Argentina.
FEMROCK, Ecuador
CHICAS ROCK, Chile
RED NEKOE, Chile.
MÚSICA VIAJERA, Chile.
BOCA FLOJA, Argentina
MAR ALZAMORA, Panama.
COLECTIVA DE MÚSICAS DE SAN JUAN, Argentina
PLATAFORMA EN TIEMPO REAL, Colombia
TODOPODEROSX, Colombia
NÓTT Movimiento Electrónico Femenino de Latinoamérica

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INCHE: MÚSICA PARA LA LUCHA ANCESTRAL

INCHE: MÚSICA PARA LA LUCHA ANCESTRAL

Inche presenta el Ep “Inche en Lof el Tume», su segundo trabajo discográfico recientemente estrenado a través de sus plataformas digitales con «Berta y Nicolosa» y «Pichikeche», dos canciones que continúan repasando y reforzando la identidad cultural de pueblo originario y el sonido de raíz folclórica y ancestral.

Formados en Temuco el año 2017, Inche del Mapudungún «Yo soy», es la banda de música fusión ancestral que recupera los elementos estéticos y sonoros del pueblo Mapuche, colocando en valor su legado cultural, y retratando la histórica lucha territorial en la Araucanía.

Su primer trabajo «Sonidos de la Tierra», publicado en 2019, fue un trabajo que apostó por piezas musicales basadas en la cosmovisión de los pueblos originarios, asociadas al valor de la madre tierra. Este 2020, la banda compuesta por Paola Linconao (voz, guitarra electroacústica e instrumentos mapuches), Oscar Jarpa bajo eléctrico y coros, Eduardo Cerda, guitarra eléctrica, Javier Huiliñir batería, Constanza Medina y Marcelo Gonzalez, Sonidista, acaba de estrenar en sus plataformas digitales el trabajo titulado “Inche en Lof el Tume», EP del cual se desprenden dos composiciones que retratan la historia reciente de la Araucanía y del pueblo Mapuche. La primera de ellas, «Berta y Nicolasa», en honor a Berta y Nicolasa Quintreman, mujeres claves en el movimiento de resistencia del Alto Bío Bío, en la larga batalla contra la hidroeléctrica Endesa, conflicto que devolvió a la primera plana la ursurpación de las tierras de los puebloa originarios del sur de Chile, en pleno regreso a la democracia.

Una composición que por sobre todo busca transmitir el legado de conexión con los espíritus de la naturaleza y la defensa de la memoria de los ancestros.

La segunda composición desprendida de “Inche en Lof el Tume», es la canción “Pichikeche”, inspirada en las niñas y niños mapuches, sobre la cual la banda comenta: “vemos la proyección de lo que esperanzamos para nuestro pueblo: el orgullo de ser mapuche, que nunca más en la historia debe ser aplacado”.

Te invitamos a conocer el trabajo de INCHE

INSPIRADOS EN GABRIELA MISTRAL, CALANDRIA PRESENTA «RIQUEZA»

INSPIRADOS EN GABRIELA MISTRAL, CALANDRIA PRESENTA «RIQUEZA»

Inspirados en los textos de la Premio Nobel de Literatura, Calandria presenta este jueves 11 de junio, su segunda producción discográfica y el vídeoclip del mismo nombre.

En formato EP, vía streaming, la banda integrada por Pauline Shorter (voz, guitarra, teclados), Andrés Martínez (guitarra y sintetizador), Fernando León (batería y programaciones) y José Domínguez (bajo) presenta “Riqueza”, álbum compuesto por cuatro tracks dentro de los cuales se encuentra la versión para “Wuthering heights” de Kate Bush, “Falso amor” del disco debut de 2018, junto a las versiones en vivo para ambas canciones. También son parte de este disco “Constante y fastidiosa”, inspirada en los dilemas existenciales de Violeta Parra, y finalmente, el single “Riqueza”, tema basado en el texto de Mistral, que da nombre a la producción :

“Este poema es la fuente de inspiración del segundo trabajo de Calandria. La musicalización de la naturaleza penitencial de las palabras de Mistral y la voz en esta canción se alzan como un pregón que tantas veces hemos escuchado en las calles, un espíritu popular que en formato eléctrico y rock en poco de menos de dos minutos brindamos un homenaje a la poetisa chilena”. Comenta Pauline Shorter sobre este nuevo trabajo.

Con cinco años de existencia y con influencias del rock, synth pop, sunshine pop y la música anglo, la banda presenta su segundo trabajo discográfico, un material producido por sus integrantes y grabado en 2019 por Fernando León (baterista de Calandria) íntegramente en los estudios Ana Frank.

“El poder de la palabra y la expresividad de los arreglos musicales son parte de este proceso de exploración en las complejidades de la mente humana donde temas como el amor, la muerte, la naturaleza y el existencialismo se mezclan”.

Agrega José Domínguez, bajista de la banda y ex integrante de Solar y Tsunamis.

VÍDEOCLIP

La coproducción y edición de este nuevo trabajo audiovisual para el single «Riqueza», estuvo a cargo de la videasta palestina Carolina Saleh, quien comenta al respecto:

«La locación era una librería, pero con la contingencia quisimos seguir adelante y cambiarla a una vista “zoom”. Eso fue un gran desafío y aprendizaje como realizadora, por un lado dirigir a distancia, y por otro aterrizar que no siempre se necesitan grandes formatos o equipos para contar la historia, ya que aquí se mezclaron GoPro y cámaras de computadores y se logró el objetivo. Quedé muy contenta con el resultado y con que hayan tomado Riqueza de Gabriela Mistral. Desde mi visión como mujer y feminista, quise plasmar eso, dándole un rol más principal a Pauline”.

El estreno del vídeoclip será este 11 de junio, a las 12 hrs. Mientras que el streaming del EP comenzará a partir de las 21 hrs, en los canales de Youtube e Instagram.

La cita virtual se completa con live streaming junto a la realizadora Carolina Saleh y la presentación en vivo de Pauline Shorter, vocalista de Calandria, interpretando parte del tracklist del nuevo disco.

«FUCK THA POLICE» DE N.W.A IRRUMPE EN LA SEÑAL POLICIAL DE CHICAGO

«FUCK THA POLICE» DE N.W.A IRRUMPE EN LA SEÑAL POLICIAL DE CHICAGO

La indignación del pueblo estadounidense tras el asesinato de George Floyd en manos de la policía local, en Minneapolis, continúa firme y en ascenso. Este domingo 31 de mayo, la agrupación de hackers Anonymous, intervino la señal de radios policiales de Chicago con el himno hip hop de repudio a la violencia policial»Fuck tha Police», de la disuelta banda N.W.A.

Las intensas manifestaciones y enfrentamientos con la policía en pleno estado de sitio y toque de queda en más de 30 ciudades a lo largo de todo el país, no se detienen, mientras que el movimiento por los derechos civiles y humanos de la ciudadanía afroamericana Black Lives Matters, no claudica en su histórica lucha en contra de la violencia racista.

En este contexto, el colectivo de hackers ha hecho su esperada reaparición en las redes sociales declarando: “Nosotros solidarizamos con los manifestantes y revolucionarios que luchan contra la oligarquía estadounidense, luchando contra la injusticia de un sistema racista masivamente corrupto que ha continuado por generaciones. #BlackLivesMatter «.

En los últimos días Anonymous ha realizado distintas acciones buscando reforzar el movimiento social, liberando información y documentos comprometedores sobre Donald Trump y otros personajes del mundo empresarial y político. A ello se suma, la intervención de la frecuencia radial del Departamento de Policía de Chicago, impidiendo la comunicación entre central y patrullas, con el incendiario tema ‘Fuck tha Police’, de N.W.A, una de las agrupaciones más reconocidas del gansta rap surgido en la costa oeste (California), principales divulgadores y figuras controvertidas del subgénero, considerados hasta hoy como uno de los exponente más relevantes e influyentes de la música hip-hop.

Incluida en su disco de 1988 Straight Outta Compton, N.W.A lanzó el single «Fuck tha police» en el auge del gansta rap y de los enfrentamientos entre bandas rivales, retratando con una lírica cruda e incisiva la marginalidad y abuso policial contra los jóvenes negros, lanzando con ello, un furioso grito de protesta en un momento en que la música hip hop atravesaba su fase más controvertida reflejando la violencia histórica contra el pueblo afroamericano y los peligrosos mecanismos para sobrevivir a la opresiva marginalidad impuesta por un Estado racista.

Desde entonces, «Fuck tha police» ha sido uno de los himnos de repudio a la violencia policial -racial más reproducidos de su generación y de la historia del hip hop. Himno de rebelión y sublevación reconocida como una de las mejores 500 canciones en la historia según revista Rolling Stone, y cuya furia ha sido replicada en distintas versiones, entre ellas, la realizada por Rage Against the Machine en sus shows en vivo.


Compuesta por los reconocidos DJ Yella, Dr. Dre, Eazy-E, Ice Cube, MC Ren y Arabian Prince, N.W.A (Niggas With Attitud) removió el panorama de la música hip hop entre los años 1986 y 1991, antes de sucumbir a los conflictos legales y pugnas de poder entre sus integrantes, dejando un listado de nuevos y exitosos solistas para el subgénero que ellos mismos iniciaron bajo el nombre de West Coast Rap.

HERRAMIENTAS PARA MUJERES EN LA INDUSTRIA MUSICAL

HERRAMIENTAS PARA MUJERES EN LA INDUSTRIA MUSICAL

En el marco del Seminario de Gestión y Sustentabilidad, impartido por la primera Escuela para Trabajadoras de las Artes, el próximo 15 de junio se llevará a cabo la charla «Circulación, comercialización y exportación de productos o servicios artísticos» para la internacionalización de músicas chilenas, enfocada a distintas agentes de la industria musical, y dirigida por la especialista en management, Claudia Pereira.

Este lunes 01 de junio, inicia sus actividades la primera Escuela de Trabajadoras de las artes, proyecto acuñado por las colectividades Gestoras en Red, Red Internacional Trabajadoras de Las Artes, Red Trabajadoras de las Artes, FMN Chile, Nekoe, FemFest, Musap y Musicas en red, que agrupa a músicas, productoras, artistas visuales, gestoras culturales, realizadoras audiovisuales, entre otras, con el fin de fortalecer y perfeccionar la labor de mujeres en las distintas áreas del quehacer cultural.

La primera Escuela de Trabajadoras de las Artes, es un proyecto de formación libre y feminista. Diseñada para desarrollar planes de estudio para la profesionalización de mujeres y disidencias trabajadoras de las artes, a través plataformas digitales y en instancias presenciales, cuyo objetivo es entregar herramientas que sean un aporte directo a la economía y a la sustentabilidad del sector, buscando generar el desarrollo óptimo de las propias integrantes de la red, así como del público que participa de sus actividades.

Luego de inaugurar sus actividades este 01 de junio, la escuela continuará con el programa del seminario Gestión y Sustentabilidad, compuesto por cuatro módulos entre los que se encuentran, módulo 1, gestión de proyectos culturales. Módulo 2, comunicación, marketing y difusión, módulo 3 legalidad y propiedad intelectual. Y finalmente, el módulo 4, compuesto por tres charlas , sobre mercado; comercialización, circulación, distribución y exportación de productos o servicios artísticos, y realización audiovisual, los cuales se extenderán entre los días 04,05,08,11 y 18 de junio.

Una vez finalizados los primeros módulos, se abrirá la convocatoria para el “Seminario para las artes del espectáculo”, que estará a cargo de Andrea Gana de Delight lab, taller de Arte Lumínico; Romina Nuñez en sonido para audiovisual; la uruguaya Ana Micenmacher en la dirección de fotografía; Jacksa Suazo en sonido para espectáculos y Tamara Figueroa en iluminación para artes escénicas.

REVISA AQUÍ LOS HORARIOS Y CHARLAS DEL SEMINARIO Y CONÉCTATE

ESTRENO: CAMISA DE ESTRELLAS, LO NUEVO DE TSUNAMIS

ESTRENO: CAMISA DE ESTRELLAS, LO NUEVO DE TSUNAMIS

Tsunamis continúa su trabajo promocional adelantando parte de su esperado regreso discográfico programado para este 2020, y lo hace estrenando el nuevo vídeo para la canción «Camisa de estrellas», primer single del nuevo álbum, próximo a publicarse bajo el sello BYM Records.

El vídeo para la canción «Camisa de estrellas», estuvo bajo la dirección de Pepe Alarcón junto a la productora Quijote films. Mientras que la dirección de arte estuvo a cargo del destacado artista visual Tan Vargas, actual integrante de la banda.  Te invitamos a ver este trabajo.

 

DESTACAMOS: MIRADAS DE GÉNERO EN EL JAZZ LOCAL

DESTACAMOS: MIRADAS DE GÉNERO EN EL JAZZ LOCAL

Te invitamos a sintonizar Holo Jazz Podcast y TV cada noche de miércoles, 22:00 hrs, a través de sus plataformas digitales FB, Youtube e Instagram, y a revivir sus capítulos en nuestra plataforma.

Cada semana Holo Jazz radio y tv conversa con diversas voces del ámbito cultural y musical. Compositoras, artistas, investigadoras y gestoras culturales, aportan el enfoque de género y la mirada feminista necesaria y requerida para abordar la realidad actual, cuyas participaciones dan forma a un espacio comunicacional de equidad de género en el dial y en la red.

Los invitamos a repasar los recientes capítulos de Holo Jazz con entrevistas a Paulina Abufhele, Sandriuska Theremin, Claudia Acuña, y Rossana Saavedra. 

 

 

 

 

HOLO JAZZ EN RADIO Y TV ON LINE

HOLO JAZZ EN RADIO Y TV ON LINE

El actual escenario generado por la pandemia del virus Covid-19, ha obligado a artistas, musicxs y comunicadores a integrar nuevos formatos para la continuidad de sus labores y espacios.

Holo Jazz ahora también es Hola Jazz TV. El emblemático espacio dedicado a la divulgación del jazz local, conducido por el musicólogo Miguel Vera Cifras y producido por el comunicador radial Arturo Pozo, transmitido cada miércoles por Radio Universidad de Chile, ha estrenado durante el mes de abril, su nuevo formato para Youtube y redes sociales bajo el nombre de Holo Jazz TV,  extensión audiovisual que se enmarca en la celebración de los 20 años como uno de los programas radiales de más larga data y mirada crítica sobre la escena, abordando políticas de la música, enfoque de género y gestión de los musicxs en el circuito.

En sus hasta ahora siete emisiones, Holo Jazz TV continúa abordando las diversas realidades de  músicas, músicos, artistas, poetas y gestores culturales que hoy se enfrentan al complejo escenario del confinamiento y de la indefinida suspensión de la actividad cultural.

 

 

Te invitamos a sintonizar Holo Jazz TV cada noche de miércoles, 22:00 hrs, a través de sus plataformas digitales FB, Youtube e Instagram, y a revivirla en nuestra sección vídeoteca.

 

EL CANTO DE LA CRIATURA

EL CANTO DE LA CRIATURA

Londres 1976, el punk ha explotado y la capital británica es el epicentro del movimiento. Susan Janet Ballion es una reconocida Bromley Contingent, término acuñado a mitad de esa década por la periodista Caroline Coon para referirse a un selecto grupo de discípulos de los Sex Pistols. Un séquito de fanáticos – amigos- colaboradores que acompañaban a la banda en cada aparición pública, en cada concierto, y que se encargaban de exaltar todo lo que la banda representaba culturalmente.

La furiosa y nihilista escena punk de Londres, es provocadora y extrañamente glamurosa gracias a las maquinaciones creativas de personajes como Malcom McClaren y la diseñadora de vestuario Vivian Westwood. El contingente de los Pistols ( Bromley contingent) además de hombres, lo componen un buen número de mujeres cuyas performances ponen en primera línea sus cuerpos como agentes de provocación. Senos al desnudo rodeados de cadenas y cuero. Poleras con swastikas, son parte de una rebelión que busca ir en contra de todo lo establecido y de lo políticamente correcto. Susan es parte activa de todo aquello y quizás la Bromley contingent más reconocida por esos días, luego de que fuera objeto de los comentarios sexistas del conductor Bill Grundy, mientras acompañaba a los Pistols en una famosa entrevista televisada: «Me gustan las situaciones en las que las personas no saben cómo reaccionar». «En aquel entonces me gustó el hecho de que la gente me miraba y se preguntaba «¿Habla en serio o es graciosa?’ Para mí, disfrazarse era una forma natural de expresión, pero también era una armadura útil. Creo que también vi mi imagen como una forma de encubrir mi falta de belleza real. No quería que la gente viera mi verdadero yo».

Susan creció admirando a su madre, cabeza de un hogar monoparental que la crió a ella y a sus hermanos sin ayuda. Por esos días idolatraba la música de David Bowie y Marc Bolan. Mientras que imitaba el glamour poco convencional de Bette Davis. Inspirada fuertemente por los Pistols, junto a Steven Severin al bajo, Marco Pirroni a la guitarra y un muy joven Sid Vicious en la batería, ese mismo año decidieron subirse al escenario del Club 100 de Londres en uno de los primeros festivales punks de la época, bajo el nombre de Siouxsie and the Banshees. Vistiendo una camiseta cortada, la chaqueta a rayas de su hermana y una estrella negra pintada sobre un ojo, Susan fue desde ese día Siouxsie Sioux. Influenciada en parte por la escena neoyorquina y por Patti Smith, esa primera actuación de 20 minutos incluyó un recital de poesía y la exclamación de plegarias, con el micrófono cayendo al suelo y con ella bajando del escenario en el cierre. Un comienzo aparentemente sin pretensiones pero que sería la partida de una banda seminal por la que pasaron el mismo Sid Vicious y luego un inquieto Robert Smith, y guía de las siguientes direcciones de la movida post punk londinense .

Siouxsie and the Banshees prospera y se convierten en teloneros de Johnny Thunders and The Heartbreakers, y en una de las bandas registradas por el respetado John Peel. En 1978, un disco pirata suyo ya circula de mano en mano, comprobándose el interés que despertaban. Ese mismo año y con la incorporación de John McKay a la guitarra y Kenny Morris a la batería, graban su primer single, el tema “Hong Kong garden” al que le seguirá su álbum de debut, “The scream”, producido por Steve Lillywhite en el sello Polydor. El sonido del grupo transmite energía punk y densidad oscura que continuarán desarrollando en su segundo trabajo “Join hands”, publicado en 1979. Pero la banda continúa en plena configuración atravesando nuevos cambios de formación que dan paso a la llegada de Budgie, ex integrante de The Slits, quien se convertirá en integrante definitivo y el compañero artístico y sentimental de Siouxsie hasta finalizar el proyecto.

 

 

Para 1980 el sonido de los Banshees se desplaza hacia los elementos oscuros que ya marcaban sus dos primeros trabajos y que en “Kaleidoscope”, su tercer álbum, serán puestos en relieve gracias a la integración de cajas de sonido y sintetizadores, construyendo una sonoridad de resonancias sombrías y variaciones de pulso que se entienden en temas como en “Happy House» o “Red light”. Para entonces, Siouxsie es una vocalista y una letrista aventajada. Su capacidad vocal, forma de cantar, color de voz y registro contralto le entregan posibilidades de interpretación poco usuales para el post punk. El canto de Siouxsie es penetrante, atmosférico y salvaje. En ella viven cientos de referentes tanto femeninos como masculinos que han dado forma a una criatura fuera de lo común. La presencia escénica de una belleza estrambótica resultado del cruce entre Cleopatra y Tallulah Bankhead o de Bowie y Johnny Rotten. Yendo más allá de lo meramente gótico y post punk. Su performance sobre el escenario es apabullante, se presenta imperturbable, como en trance y altiva como una diva de antaño: “Siouxsie simplemente apareció, en total control, con confianza en sí misma. Me dejó atónita. Allí estaba ella haciendo algo que yo no me atrevía ni en sueños. Simplemente lo hizo y barrió todo el resto del festival, eso era lo más. La verdad es que ni me acuerdo del resto, excepto esa única actuación”, Viv Albertine del grupo The Slits.

 

El inicio de la consolidación de los Banshees fue también el inicio de una nueva búsqueda para la cantante y su socio creativo. El momento de su cuarto trabajo titulado “Ju ju”, publicado en 1981, fue el momento para echar andar el proyecto paralelo The Creatures, dúo voz y percusión que le ofreció a los músicos el escape de las exigencias contractuales y la libertad de la experimentación musical. Grabando un disco por año ( “A kiss in the dreamhouse” 1982, “Nocturne” 1983, “Hyaena” 1984) y girando por Europa y Estados Unidos permanentemente, la dupla encuentra en The Creatures el oxígeno necesario para continuar encantados con su primera banda: “Supongo que hay que hacer comparaciones. La diferencia con The Creatures es que siempre se ha tratado de la batería y la voz. No se trata solo de guitarras squally y grandes sonidos machos. Es mucho más sutil de esa manera», comentó en entrevista para el diario inglés The Independent .

Banshees y Creatures permitieron el contraste necesario para las posibilidades vocales de Susie. Con el paso de los años, los Banshees continuaron acercándose a su faceta de estilizado pop oscuro con discos como «Tinderbox» 1986, «Peepshow» 1988 y «Superstition» 1991, con canciones de significativa popularidad como «Peek a boo», «Kiss them for me» o la insuperable versión para “The passenger” de Iggy Pop.  En The Creatures, Siouxsie se aventura a continuar explorando su voz al desnudo y como instrumento principal de una sonido minimalista y tribal. Capturando el ritmo primitivo en una performance de aullidos, gemidos y emulaciones de animales, acompañadas por los golpes del baterista Budgie. Una exploración vocal y sonora que los llevó a trabajar con John Cale y a editar cuatro discos: «Feast» en 1983, «Boomerang» en 1989, «Anima Animus» en 1999 y «Hái!» en 2003.

 

Después de un trayecto de treinta años como integrante de The Banshees y The Creatures, Siouxsie lanzó en 2007 su primer disco en solitario, titulado “Mantaray”. Un trabajo que pareció combinar gran parte de sus registros musicales adaptados al nuevo milenio con la acertada producción de Steve Evans y Charlie Jones de Goldfrapp, y la participación de Clive Deamer barista de Portishead.

Cada periodo musical trae consigo una generación de mujeres atrevidas y esencialmente singulares en cada una de sus formas de influir y abrir puertas. La década que transcurrió entre 1975 y 1985, coincidentemente con la tercera histórica ola feminista a nivel mundial, fue un periodo en que la música se pobló de figuras femeninas de vital trascendencia. Con ese telón de fondo, Siouxsie Sioux se constituyó como una vocalista y compositora feroz, ejecutante de guitarra, melódica y crótalos, cuya estética y estilo vocal han sido sobresalientes desde el primer momento, influyendo tanto entre sus contemporáneas como en las siguientes generaciones, así lo han expresado más de una vez músicas como PJ Harvey o Shirley Manson.

El instinto de la individualidad artística y creativa de generar una identidad única y distintiva suele vivir en pocos y suele vivir en los artistas más inspiradores y en las expresiones más genuinas de una generación. Los Banshees crecieron tanto en ventas e influencia, que Siouxsie se consternó al ver a los fanáticos copiando su estilo: «Pensé: ‘Estúpidos idiotas. ¿No tienen nada de eso?’ Quería que las personas fueran ellas mismas, no que me copiaran». En sus últimas entrevistas todavía se niega a aceptar su estatus como la principal inspiración para una generación de góticos aplastados por el terciopelo y enamorados de vampiros.«No quiero ser una figura decorativa para algún movimiento triste».»Me parece ofensivo que me hayan mirado desde cierto tiempo y lo hayan convertido en un uniforme. Cuando tenía 18 años, si todos usaban una cosa, me gustaba usar algo completamente diferente. Recuerdo cómo me sentí cuando el punk se volvió masivo y la gente comenzó a usar impermeables con adornos. Lo convirtieron en una caricatura. Nunca nos habíamos vestido así, para nosotros nunca se trataba de ser parte de algún ejército. Se trataba de esforzarse por ser originales».

 

STEVIE NICKS : UNA MUJER LLEVADA POR EL VIENTO

STEVIE NICKS : UNA MUJER LLEVADA POR EL VIENTO

Una bruja, un hada, una gitana. Con frecuencia cierta imaginería tanto fantástica como popular ha sido utilizada permanentemente como forma de representación femenina en las arenas movedizas del arte, la poesía y por supuesto del rock and roll. Estas representaciones y sus connotaciones por siglos han servido para entregar determinados roles a las mujeres. Primero como musas y luego como creadoras de mundos misteriosos y peligrosos para el hombre, esta imaginería se ha reproducido especialmente desde una mirada masculina en el cancionero de géneros como el rock clásico, el hard rock o el heavy metal.

Pero fue a mitad de los 70s, que Stevie Nicks combinó parte de estas representaciones femeninas al frente de una renombrada banda de blues rock, personificando sobre el escenario a la bruja, el hada y la gitana más inolvidable e icónica de su generación, en una década de total predominancia masculina en el género. Con Janis Joplin muerta, Grace Slick de Jefferson Airplane alejada de la música tras un accidente automovilístico, y con Joni Mitchell en su destellante viaje por el carril de la canción de autor, fue gracias a la aparición de Nicks que la figura femenina recobró fuerza en el rock de corriente principal, entregándole un sitio de reconocimiento y poderío en la creación musical como resultado de haber sido una de las responsables de la exitosa renovación de Fleetwood Mac a partir de 1975, y cuya impronta utilizó y realzó aquellos elementos que por largo tiempo sirvieron para delimitar, estigmatizar y caricaturizar el rol de la mujer en el arte y en la sociedad.

Stephanie Lynn, Stevie Nicks, nace un 26 de mayo de 1948 en Phoenix, Arizona. Tempranamente comienza a cultivar su voz gracias a una conocida cantante de la zona quien le enseña el tradicional repertorio folk americano, con el cual se destaca su particular vibrato. A finales de los 60s, Stephanie parte a San Francisco donde se reencontrará con su viejo amigo de secundaria y también compositor Lindsay Buckingham, de quien no se separará por un largo tiempo luego de formar su primer proyecto musical, llamado Fritz. La dupla no tardará en tomar vuelo creativo y amoroso, y finalmente debutarán como dúo musical Buckingham-Nicks con la publicación de su disco homónimo en 1973. Pero los planes del dúo experimentan un vuelco cuando el reconocido músico inglés Mick Fleetwood, se detiene en Lindsay Buckingham como posible candidato a nuevo guitarrista para su banda. La propuesta es oficial pero para aceptarla Buckingham solo pide una condición, que Stevie también se integre. Así comienza a escribirse el ciclo más memorable de Fleetwood Mac y también el más exitoso comercialmente.

La llegada de Stevie Nicks renueva por completo la imagen de la banda, y su participación se ve potenciada por la presencia de la tecladista, vocalista y compositora Christine McVie. Ciertamente, la formación de Fleetwood Mac es particular para la época, en ella dos compositoras se destacan como piezas determinantes en el nuevo sonido de la banda, un sonido que quedará plasmado en el disco homónimo de 1975, consolidándose posteriormente con “Rumours” de 1977, el gran trabajo de aquella era. Y finalmente, con la publicación de “Tusk” en 1978, trilogía donde McVie y Nicks junto a Buckingham son autoras de las canciones más destacadas de la banda –«Todas no la van a tener tan fácil como yo. No viví las cosas que muchas mujeres han enfrentado. Tuve mucha suerte. Christine [McVie] y yo hicimos un pacto el día que me uní a Fleetwood Mac. Nos prometimos mutuamente que haríamos todo lo que pudiéramos hacer por las mujeres, luchar por todo lo que queríamos y conseguirlo. Que nuestras canciones y nuestra música sean tan buenas como todos los hombres que nos rodean. Y fué”.

Los aportes compositivos de Stevie Nicks a la banda fueron inmediatos y determinantes.“Rhiannon” y “Landslide”, fueron dos de las canciones más representativas de ese periodo. Y lo siguen siendo hoy cuatro décadas después. Ambas composiciones pusieron en primera fila el universo femenino y lírico de Nicks, un universo compuesto de muchos otros. Por un lado, el intimismo emocional y reflexivo de “Landslide” versus las visiones mitológicas de origen literario de “Rhiannon”, composición que, a su vez, es en buena parte la consagración de todo lo que nutre su performance y estética, especialmente para este tema en cuyas interpretaciones Nicks solía vestir envolventes vestidos negros que debió abandonar tras ser acusada de bruja y practicante de magia negra, evidenciando una vez más la carga histórica y la connotación negativa de dicha representación femenina, que no es más que la de una mujer sin cadenas, en control de sí misma y de su poder de autodeterminación. Dueña de su propia imagen, Nicks construyó una estética neogótica, etérea, que le otorgaron a su talento como cantante contralto y compositora, el magnetismo inimitable de una de las frontwoman de mayor influencia en la historia del rock and roll, reconocida por ser inspiración de intérpretes tan diversas como Sarah Mclachlan, Courtney Love o Sheryl Crow: «Cuando estaba en la escuela secundaria -recuerda Sheryl Crow, que coprodujo e interpretó cinco temas para el álbum- lo que se escuchaba por radio era más del tipo Foreigner y Boston, esa especie de bandas de rock colectivas. Stevie era una de las pocas mujeres que salía a hacer lo suyo y su presencia acaso haya sido mayor que la de cualquier otra, salvo la de Pat Benatar. Stevie ejerció una gran influencia sobre mí. Pensé que era la única mujer joven del rock con la que podía identificarme ya que hasta ese momento sólo tenía a Mick Jagger como referente. Con Stevie, fue como si una campana sonara en mi interior».

Para fines de la década del 70, Stevie Nicks es como en una de sus canciones, una diosa. Una diosa de la música rock y esclava de los excesos, pero al mismo tiempo modelo de las siguientes generaciones de vocalistas y compositoras, cuyo vibrato «resuena en la noche» con “dreams”, la oscura “gold dust woman”, «Sarah» y más adelante en el hit radial “Gypsy”. Entrando en los 80´s Fleetwood Mac se detiene, pero ella continúa al siguiente nivel con su debut solista, “Bella Donna” de 1981, disco que incluye «Edge of the Seventeen» y “Stop draggin my heart around” en colaboración con Tom Petty. Trabajo que la reafirma como un referente musical femenino y cuyo estatus estelar le permite desplazarse al rock pop de la época, fuertemente inspirada – como ella misma ha contado – en Prince, particularmente por “Little red corvette” que sirvió como fuente para su single “Stand back» de su suguiente disco del mismo nombre editado en 1983. Con Bella Donna, Nicks inició un catálogo de siete discos en solitario. El más reciente “24 Karat gold. Songs from the vault” publicado en 2014. A día de hoy, a sus 72, Stevie Nicks se mantiene en plena actividad en medio del confinamiento obligado a causa del covid-19. Lo hace preparando un libro y una película inspirados en “Rhiannon” y en su importancia en la historia de ella y de la banda.


Haber reintroducido el imaginario femenino al rock, haber jugado con ciertas personificaciones y haberlas hecho parecer como un elemento meramente estilistico son quizás algunas de las muchas hazañas de Stevie Nicks en el salvaje y masculino mundo del rock de los 70s. Ser la única mujer ingresada dos veces al amado y odiado Salón de la fama del Rock and roll, es desde luego, otra de ellas. Primero lo hizo con Fleetwood Mac en 1998 y luego por su trayectoria solista en 2019, recordándonos una histórica y vigente inequidad de género en el mundo de la música: Son 22 hombres los que ingresaron dos veces, versus cero mujeres. ¡Eric Clapton probablemente ya está allí 22 veces! Así que tal vez esto abra las puertas para que las mujeres luchen para hacer su propia música».

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI (Ke Nunca Te Importe) es una interesante propuesta musical forjada en el más profundo underground santiaguino bajo la premisa del do it yourself- hazlo tú mismo. Formados en 2011, desde entonces se han dedicado a desarrollar un sonido nutrido de punk rock, electrónica, metal y música industrial, mezclando bases programadas, sintetizadores y guitarras estridentes, que han dado forma a una ajustada y sólida muestra de cyberpunk.

Su nombre surge de una curiosa anécdota relatada por la banda a la fotógrafa Karolina Guajardo, tras su participación en el libro de retratos “Poesía beats & rock and roll” (foto cabecera artículo) : “El nombre viene de la localidad de Quinquehua en la región de Ñuble. Un oriundo de aquella zona apodado “El tetera trabajaba con el guitarrista del grupo haciendo sonido en una productora, le pusieron ese nombre debido a su tartamudez, entonces le preguntaban muchas cosas para poner en evidencia su tartamudeo como respuesta refleja, decía de corrido -que nunca te importe… conchatumare-. Era algo así como para camuflar su timidez, por ejemplo: oye tetera ayer te comiste o no a la vieja de las humitas y el respondía – qué nunca te importe Gil cucuculiao-. La frase del tetera fue contagiado a todos en su pega, incluyendo a Manfred, que la empezó a usar con sus amistades incluyendo a la gente que conformaría su banda, entonces cuando se tuvo que bautizar el grupo era el nombre ideal sobre todo porque servía para responder de forma cortante -sobre todo cuando nos preguntan porque no usamos batería- y también funcionaba bien como sigla KNTI como las típicas bandas industriales que usaban siglas en su nombre«.

Con Santiago como el gran escenario urbano de su música, KNTI amplifica el discurso crítico y libertario retratando la vertiginosa vida moderna en una tierra precaria y violenta donde reinan el consumismo, el estrés, el individualismo y la saturación de la urbe. Mientras que musicalmente juegan con los matices, ni tan bailable y ni tan extremo, pero ciertamente, frenético y maquinal, y definen lo suyo como “punk con computadoras”. Desde sus primeros días como parte de ese mismo circuito, la banda destacó por su propuesta análoga-digital, algo que poco a poco los hizo diversificar los carteles a compartir y también los escenarios en los cuales participar siempre manteniendo firmemente su militancia under.

El ejercicio esmerado y serio de la autogestión como forma de vida y como principio básico al momento de concebir el arte y la música, ha brindado a KNTI un prolífico catálogo de hasta ahora cuatro discos completamente producidos por ellos y por su sello/productora Auka 47. Publicando en 2011 su primer Ep “Vecinos del tiempo”, seguido por “Perversa la life” de 2013. Continuando con su larga duración titulado “Carga frontal”, editado en 2015, y al año siguiente el cassette recopilatorio que reúnió su material registrado entre 2011 y 2016. En 2019 con el marco del estallido social, la música de KNTI no descansa sino que continúa su propia expansión como mensajeros de la distopía estrenando material audiovisual para el tema “1312”, otro adelanto de su quinto trabajo y un mensaje de repudio hacia los sirvientes armados de la burguesía.

Originalmente configurados como quinteto, Manfred y Martín en guitarras, Hernán en sintetizadores, Felipe en bajo y Rupa en voz, KNTI hoy se reformula luego que Manfred (guitarra fundador) emprendiera camino hacia nuevos proyectos. Cerca de cumplir 10 años de existencia, la banda presenta en medio del confinamiento impuesto por la pandemia del Covid 19, su quinto disco titulado “Desenlace”, Ep de cinco temas estrenado recientemente a través de sus plataformas digitales junto al vídeoclip para el tema “Felicidad”, un trabajo audiovisual realizado íntegramente de manera virtual y remota como parte de los nuevos formatos de colaboración determinados por la cuarentena. Sobre este trabajo y el actual momento de la banda conversamos con sus integrantes.

Hablemos de de “Felicidad” ¿Cómo describirían esta nueva forma de trabajar y la experiencia de haber realizado el vídeo bajo este formato ?
Se dio de forma espontánea como solución al aplazamiento de la realización del videoclip que veníamos postergando desde de Octubre del año pasado. Este videoclip originalmente incluía a un grupo de baile que ensayaba al lado del metro Santa Lucia. Este grupo había diseñado una coreografía para el vídeo, pero su grabación se debió posponer varias veces por la contingencia de las protestas y la represión policial. Como casi todos en el país estábamos más pendientes de las movilizaciones, el vídeo pasó a segundo plano. Sin embargo, ya contábamos con un gran equipo de amistades y personas que voluntariamente se querían sumar al videoclip cuándo y cómo fuera. Ya con el tema de la cuarentena encima decidimos hacer una dinámica centrada en que cada persona se grabara bailando desde su casa o lugar de cuarentena, como salida para publicar el videoclip tratando de mantener la idea original que se venía trabajando desde hace un año. A medida que comenzamos a coordinar y enviar invitaciones a amistades y cercanos al grupo que quisieran bailar, hacer performance, etc. fuimos viendo otras iniciativas similares de videoclips grabados colectivamente desde casa. En resumen, lo podríamos describir como una interesante variable creativa para coordinar trabajo colectivo y animarse a armar otras formas de cultura con lo que se tenga a mano y bueno, representar directamente en forma y contenido esta peculiar realidad que estamos viviendo, ya que es inédito el hecho de que se haya mezclado la hiperconectividad con una pandemia. El único reparo sería depender 100% de internet y las redes sociales, porque puede ser como una droga que los medios de control podrían quitar repentinamente.

¿Qué posibilidades encuentran como artistas y banda en el confinamiento de la pandemia?

Esta situación nos ha obligado a perfeccionar algunos aspectos técnicos respecto de nuestra metodología de trabajo. Hemos tenido que llevar a la práctica algo que veníamos haciendo a paso lento los últimos meses que es tener cada uno en su computador los programas necesarios tanto para crear bases como para mezclar. Se podría decir que la cuarentena nos ha empujado a tener una suerte de estudio de grabación en nuestras casas. Al parecer eso le está pasando a miles de proyectos musicales en todo el mundo.
Si bien esto nos funciona bastante bien al trabajar con bases programadas (ya que las podemos compartir y así generar una suerte de cadena en la que cada uno va haciendo arreglos a los temas desde su casa), las ganas de compartir en la sala de ensayo han ido aumentando con las semanas. Antes que una banda, KNTI es un grupo de amistades, que incluso exceden a los 4 integrantes de la banda propiamente tal, y echamos de menos a toda la comunidad con la que trabajamos. La banda la vemos ante todo como una herramienta social y política para generar redes, comunicar, protestar y apoyarnos sin tener que recurrir al Estado o a la caridad empresarial (si es que existe). Para nosotros el ensayo semanal es una institución, y nos pasamos a veces hasta 4 o 5 horas entre tocar, conversar, pasarnos el royo con proyectos, compartir bandas que hemos descubierto, etc. Somos un grupo muy apegado de amigos y ninguna dinámica de tele-ensayo puede reemplazar nuestras reuniones en carne y hueso.
De todas formas, ante la enorme incertidumbre respecto de cuándo podremos volver a hacer tocatas y eventos con público, no nos queda otra que ingeniarnosla para poder seguir creando y tocando desde la cuarentena. Seguramente en los próximos meses podrán vernos y escucharnos en formatos y lógicas que irán surgiendo en función de las restricciones impuestas por la cuarentena y a partir de lo que nos dicte nuestra imaginación.

Distopía y caos son parte del imaginario de la banda, sin embargo la pandemia sigue siendo una realidad nunca antes vivida por nuestra generación ¿cómo manejan esta realidad inmediata y cómo se canaliza eso actualmente en su música y estética?

Nuestra estética siempre ha estado de distintas formas vinculada a los imaginarios post-apocalípticos, desde una onda tipo Mad Max, como en nuestro primer videoclip, “La Santa Procesión” (2015), hasta rasgos más Cyberpunk, como en el videoclip de “Deseo Distopía” (2017). Trágicamente el mundo y nuestra estética coinciden cada vez más, y actualmente nos parece estar viviendo la profecía auto cumplida de la banda y de toda la ciencia ficción distópica de las últimas 5 o 6 décadas. Obviamente esto no nos alegra en lo más mínimo, nos mantiene muy atentos y preocupados al devenir de las cosas.

Sin duda estamos muy receptivos e inquietos con la contingencia, por lo que nuestras letras, composiciones y creaciones audiovisuales seguirán haciéndose cargo de la realidad en que vivimos: un capitalismo en permanente crisis y expansión, una avanzada tecnológica de control global por parte de las grandes potencias, una sociedad cimentada sobre el especismo y la explotación de miles de millones de animales no humanos, y sobre todo, de un planeta que se dirige aceleradamente a un colapso ecológico que probablemente acabará con miles de especies, incluyendo la nuestra. Todo esto sin que sea en lo más mínimo forzado, ya que es seguir la misma línea estética que hemos trazado desde el año 2011.

Su nuevo EP lleva por título “Desenlace”, un nombre de mucha carga en días de ansiedad e incertidumbre… ¿qué desenlace imaginan a esta realidad, cuál es el desenlace de KNTI y de su música ?

En nuestro EP reunimos una serie de canciones, que forman parte de un proceso creativo que anduvo por hartos caminos. Decidimos hacerlo bajo el nombre de “desenlace”, como si de una crónica roja se tratara. A todos esos caminos que anduvo el material le advinó una voluntad de cierre. Pero es difícil hablar de puntos finales, cierres, desenlaces. De hecho, qué más abierto que esta realidad, la del encierro sanitario que nos hace vivir en la incertidumbre, la de los informes epidemiológicos, la de la imposición de “nuevas normalidades”. Por esto mismo es difícil ver un desenlace para este mundo actual, todo es volátil y las certezas son fugaces. Lo que sí podemos ver es que el trasfondo de esta realidad es la catástrofe y el desastre. Hemos intentado siempre trabajar sobre esta constatación, desde lo cotidiano y local, antes y ahora. En concordancia con esta realidad abierta y volátil -como también catastrófica- nos hemos encontrado en la creación igualmente abierta, solo que esta vez el desenlace, para KNTI, no se ve como cierre sino como apertura a nuevas formas, a cosas que estamos probando, nuevos sonidos, etc. En la afirmación crítica de este escenario adverso se ubica el desenlace de la música que hacemos y que estamos construyendo.

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BETTY WRIGHT: MATRIARCA SOUL

BETTY WRIGHT: MATRIARCA SOUL

Una de las exponentes del soul más laboriosas de su generación. Recordada por su altísimo registro vocal, inspiradora de divas actuales como Beyonce o Mariah Carey. Betty Wright fue de esas intérpretes contundentes en trayectoria, influyente para las generaciones posteriores y cuyo estilo aportó elementos renovadores al soul de su época y a la nutrida escena de la cual formó parte en el Miami de los 70s y 80s.

Considerada una pionera en abrir nuevos espacios para las mujeres en la industria musical, fue la primera artista femenina en conseguir un disco de oro con su propio sello discográfico, gracias al tema «No Pain, No Gain» que compuso, cantó y publicó bajo Miss B Records. Pero la nutrida carrera de Betty Wright, recogió su primer gran éxito cuando en 1971 lanzó «Clean Up Woman», una canción que combinaba elementos de funk, soul y R&B. La canción registra también varios hitos tales como alcanzar el número dos en las listas de R&B, donde permaneció durante ocho semanas. Vender más de un millón de copias y haber sido disco de oro el 30 de diciembre de 1971. A nivel de resonancia, sigue siendo hasta el día de hoy una de las canciones más sampleadas del cancionero R&B/Soul, formando parte de hits tan reconocibles como «Real Love» de Mary J. Blige, producida por P.Diddy.

Betty Wright editó su primer álbum a la edad de 14 años, mientras cursaba la secundaria. Titulado «My First Time Around», el disco contiene otra de sus canciones más importantes “Girls Can’t Do What the Guys Do», un directo mensaje feminista en una época de importantes avances para los derechos de la mujer. En pleno 1968, la equidad de género era tema primordial para cierto R&B. Ese sería el comienzo de una trayectoria musical tan impecable como consecuente. Desde entonces, Betty fue forjando un estilo único como cantante y su música fue adquiriendo la categoría de género en sí misma, plasmando su visión de mundo y su carácter como artista.

La joven Betty destacaba por su mirada como mujer en la música y también por su asombrosa y versátil voz. Desde un susurro profundo y arrastrado hasta el tono de un agudo silbato eran parte de su amplio registro vocal, lo que la instaló como una las cantantes más increíbles que hayan aparecido en la música negra durante los últimos 50 años. Así de versátil fue también su capacidad interpretativa entregada por su herramienta vocal que le permitió interpretar soul, r&b, reggae, jazz, y rock.

Ya consolidada como una de las figuras más relevantes de la música afroamericana de los años 70, Wright continuó nutriendo su trabajo con diferentes colaboraciones, tanto como cantante, compositora y arreglista. En 1977, Wright descubrió a Peter Brown y cantó “You Should Do It” y “Dance With Me” en el exitoso LP “A Fantasy Love Affair”. En 1978 interpretó un dúo con Alice Cooper en la canción “No Tricks” y un año después, abrió para Bob Marley en el Survival Tour.

En los ochenta continuó su imparable trabajo grabando canciones como“What Are You Gonna Do With It” de Stevie Wonder. En 1983 lanzó el álbum “Wright Back at You” con temas de Marlon Jackson de los Jackson 5. En 1985 formó su propio sello discográfico, Miss B Records, publicando el álbum “Sevens” en 1986. En 1988 fue la primera artista femenina negra en obtener un álbum de oro para su propio sello, con el disco “Mother Wit” de 1987.

Paralelamente a su permanente trabajo como cantante estelar y productora musical de su sello, Wright participó a lo largo de su carrera como vocalista de apoyo junto a un amplio abanico de destacados músicos como David Byrne, Peter Tosh, Gloria Estefan, Jimmy Cliff, Stephen Stills, entre muchos otros.
El nuevo milenio la encuentró más activa que nunca manteniendo su incesante conexión con las nuevas generaciones de músicas mujeres. Una de ellas, la talentosa e innovadora Erykah Badu, probablemente una de sus más fervientes admiradoras y discípulas, y a la cual acompañó en su disco del año 2000, Mama’s Gun.

Tal como lo fue desde sus primeros días, su voz también se convirtió en un elemento primodial y recurrente en el mundo del hip-hop. Nuevamente en plena sintonía con el panorama musical, Betty hizo apariciones en los registros de Diddy, Nas, y Rick Ross. También cantó la melodía de los Rolling Stones «Playing With Fire» en la canción Tha Carter III de Lil Wayne. En 2016, colaboró con Kendrick Lamar y Big Sean en la canción «Holy Key». Finalmente, su último trabajo no haría más que confirmar tanto su legado, influencia y vigencia como artista mayor, colaborando con The Roots en lo que llevo por nombre «Betty Wright: The Movie» publicado en 2011.

Betty Wright ha dejado una huella imborrable en generaciones que aprendieron con ella y con su trabajo no solo a cantar o componer, sino a ser esa artista autodeterminada por su propio talento y control del mismo, sobre todo reformulando el lugar de la diva esclava de sus propios éxitos y fracasos y en vez de eso ser voz, imagen, música, creadora y colaboradora con otros, abrazando la vida musical como un espacio de acogida, intercambio y herencia que hicieron de ella, una auténtica matriarca del soul.

IN FLAMES, EL HITO VIDEOGRÁFICO DE TSUNAMIS

IN FLAMES, EL HITO VIDEOGRÁFICO DE TSUNAMIS

TSUNAMIS RELANZA «IN FLAMES»

Tsunamis revive un hito videográfico de sus primeros años con el relanzamiento de «In flames», single promocional de su debut homónino, y single puntal de la nueva camada de rock independiente que, entre los años 2003 y 2004, revitalizó la escena local a punta de guitarras.

Una historia que nos hace mirar en retrospectiva el largo viaje de la banda, de su sonido y de cómo fueron los años formativos para una refrescante nueva escena musical.

LA HISTORIA DE UN PEQUEÑO GRAN HITO

En tiempos de aislamiento social llega a las redes un buen material donde aferrarse a la nostalgia de los años 2004-2005. Se trata del relanzamiento del video «In flames», single del debut de Tsunamis que hoy a 15 años de su estreno, se presenta con una nueva remasterización a cargo de BYM Records, su actual sello de distribución.

El panorama a mediados del 2000 en Chile para las bandas independientes comenzaba a experimentar una ola de sonidos vinculados al rock, garage y rock and roll con una identidad más fresca a lo que estábamos acostumbrados a escuchar en los noventa. El movimiento «házlo tú mismo» más el quiebre y fusión de sellos multinacionales (BMG, EMI, Sony, Universal, Warner) con el recorte en sus grandes presupuestos ya empezaba notarse, sin embargo, estar en la cadena de música MTV (US 1981) sin pertenecer al mainstream aún no era tarea fácil. Dentro de ese contexto y en 2004 la banda integrada por Goli, Pancho Fernández, José Domínguez y Alejandro Gatta decide lanzar su primer álbum homónimo, Tsunamis, masterizado por Chalo González y grabado por Rodrigo Salvatierra quien recuerda: «Era música con harta rabia, pero con una cierta elegancia. Quería emular la crudeza, por eso saturé todo por los preamplificadores de micrófonos y esa distorsión ayudó a transmitir la energía. Aprendí mucho». El disco fue publicado por el sello origen argentino (DBN), GmbH, que al poco tiempo de lanzarlo oficialmente, desapareció del país dejando en abandono y con deudas al grupo junto a Guiso, Ramires!,Fiskales Ad-Hok, Weichafe, De Saloon,Tronic, Lulu Jam, entre otras bandas que pertenecían a este catálogo.

A partir de ese momento Tsunamis comenzaría por un lado una nueva ruta con Algo Records, sello independiente y estudio de grabación que este año cumple 18 años de vigencia; y por otro, la realización de su segundo video «In flames», filmado en una desarmaduría camino al sur por la productora TV Piratas en formato Mini Dv. «No había nadie haciendo ese tipo de música, el sonido que sacaron era increíble y su video refleja muy bien el contexto de la banda y su energía explosiva, un gran referente para muchas bandas de rock ya sea de Chile o de otro lado del mundo». Comenta Perrosky (Alejandro Gómez), director y co-fundador de Algo Records.

DE LA DESARMADURÍA A MTV

Latino La locación, los colores y los integrantes de la banda caminando a pleno sol entre neumáticos, buses, chatarras, vacas y destruyendo parte de ese set, es inolvidable. «Es bien impresionante relacionar ese clip con el Chile de ahora, porque es post apocalíptico, surrealista, distópico y actual, y su elaboración creo que envejeció bien a 15 años de su primera exhibición en MTV. Cuando esta cadena era «el» medio que te conectaba con la música actual y la imagen de otros países. Creo que fue un gran hito para la banda». Opina Goli Gaete, guitarra y voz de Tsunamis.

Sobre la realización del vídeo, Álvaro Guerra director del vídeo comenta: «Tsunamis era una fuerza única y envidiable. Intenté desglosar e individualizar cada elemento de esa energía, en un trayecto espiral que siempre terminaba desbordado, y mientras más extraña la escena mejor se desenvolvían. Tenía pensado hacerlos recorrer el camino que quería como director, pero desde el primer plano tomaron el control y mi aporte fue no haber luchado con eso y registrarlos en su hábitat».

Rodrigo Astaburuaga cámara de «In flames» recuerda que «la idea era hacer algo en formato digital con bajo presupuesto, entonces verlo en MTV creo que fue el mayor reconocimiento que logramos como productora independiente. En esos años para realizar un video y tener vitrina necesitabas un gran equipo de personas y ser del mainstream para llegar a una cadena tan importante como esa». Sobre cómo llegó el video a MTV en 2005 la respuesta cae en Juan Domínguez, productor del clip. «En esos años trabajaba para el programa Caiga quien Caiga de la productora argentina Cuatro Cabezas que tenían acceso directo a MTV, entonces por ahí yo les iba pasando los videos que hacíamos como TV Piratas y así llegó In flames, una de las primeras cintas con las que hice nexo».

RUTA BYM

El relanzamiento del vídeo de «In flames», ya publicado en la cuenta de Instagram y YouTube de la banda, también considera la versión Radio-Edit con una nueva remasterización para la duración del clip por el ingeniero en sonido Ignacio «Nes» Rodríguez. «El vídeo tenía una narración psicodélica y punk al mismo tiempo. Me acuerdo que con esta canción descubrí la otra cara del rock chileno que hasta ese minuto no había escuchado en radio porque no era masivo, y no respondía a un formato estándar de duración. Ahora en relación a mi aporte en esta nueva versión, fue darle un poco más a las frecuencias graves con cuerpo y calidez a la versión original».

Estamos en 2020 en medio de una cuarentena global que tiene al mundo de la cultura y la música paralizada, sin embargo, Tsunamis continúa con su trayectoria al pie del cañón bajo una nueva formación y en camino hacia su séptimo álbum con BYM Records. Su actual sello con quien ya adelantaron en algo en enero, «Camisa de estrellas», single perteneciente a este trabajo de larga duración que indaga en lo acústico y el rock experimental con synthes, arreglos corales y espacios solistas.

SEXO, RAZA Y ROCK AND ROLL: LITTLE RICHARD INCIANDO LA REVOLUCIÓN

SEXO, RAZA Y ROCK AND ROLL: LITTLE RICHARD INCIANDO LA REVOLUCIÓN

SE APAGA EL GRITO PRIMARIO DEL ROCK AND ROLL

 

Autor de la más sensacional onomatopeya que la historia de la música popular haya registrado. Con su muerte se da inicio al repaso de la más grandiosa y provocadora contraparte de un relato blanqueado. Musicalmente innovador y explosivo, hijo del ritmo y del blues, Little Richard fue, entre muchas cosas, la encarnación de la disidencia sexual en una nación segregada, profundamente racista y conservadora, que sacudió los valores de una sociedad reprimida, exclamando liberación y goce a través de un afiebrado y efervescente nuevo sonido llamado rock and roll.

 

Nacido en Macon, Georgia, el 5 de diciembre de 1932, Richard Penniman fue un precoz y desinhibido joven enamorado del piano y miembro del coro de la iglesia en el que se inició cantando y tocando gospel. La adolescencia se presentó como un tiempo de revelaciones y autoconfirmaciones que poco a poco lo alejaron de su vida religiosa a pesar de su profunda fe. Así, sus primeras incursiones musicales lejos de dios lo conducirán a clubes nocturnos donde desatará su lado salvaje pero sobre todo donde dará rienda suelta a su ingenio y a su desenfadada performance.

 

En 1951, luego de ganar un concurso de talentos, a la edad de 18 años, firma su primer contrato discográfico con la RCA, iniciando sus primeros pasos en una segregadora industria musical donde el joven Ricardito no lograba entrar, no solo por ser negro y pobre, sino por su ya marcada androginia, extravagancia y declarada bisexualidad que ya le había costado años antes ser expulsado del hogar. En ese entonces la RCA se llamaba para los negros y solo para ellos Camden Records. Fue bajo esa etiqueta que Little Richard haría sus primeras grabaciones, antes que lo hiciera el rey blanco, Elvis. Su camino por la prehistoria del rock and roll continuará con la formación de su primera banda bautizada como The Upstters, una banda fugaz que no logra mayor visibilidad como parte del sello Peacock. Aún instalado en Macon, Giorgia, Little Richard busca nuevos horizontes mirando hacia la meca de la industria, Los Ángeles, en particular a Specialty Records, sello fundado en los años 40 por Art Rupe, quien lo comprará por 500 dólares a Peacock y le solicitará que abandone a su banda para comenzar a grabar nuevos temas en la musical New Orleans. Será en esa ciudad donde logrará parir la grabación más escandalosa y revolucionaria de la época y de su propia historia que, también, es la historia de la gran revolución cultural del siglo XX, el rock and roll.

 

«A-Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom»,  «Tutti Frutti, aw Rudi», originalmente titulada «Tutti Frutti, Good Booty», canción que Little Richard ya tocaba en vivo pero que hasta ese momento no había registrado. La canción sonó tan pegajosa, original y alocada que los productores de Specialty Records supieron de inmediato que funcionaría. Pero no fueron solo los atributos musicales de la canción como iniciadora de cierto sonido lo que la convertiría en una sensación, sino su atrevida energía proveniente de su letra original sobre sodomía y homosexualidad, «Tutti Frutti, good, booty / If it don’t fit, don’t force it / You can grease it, make it easy» («Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo, para facilitarlo») líneas principales que finalmente serían reemplazadas por «Tutti frutti, all rooty, a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom». A pesar de haber sido modificada y registrada en una versión soft de sí misma, la canción logró conservar a través de su melodía y ritmo, su esencia revolucionaria. A eso, se sumaba la carismática y pícara actitud de Richard como intérprete. Todo eso haría de Tutti frutti, la composición paradigmática de lo que se llamó rock and roll a partir de 1956, año en que fue editada. Paradigmática porque en ella se mezclaron los principales elementos del género, casi como una especie de fórmula tanto estética como sonora compuesta por desparpajo, sexualidad y ritmo explosivo. El piano, el saxo y el compás juguetón articulados en una rítmica desenfrenada nunca antes escuchada. A continuación en el mismo nivel, la lírica, su estilo vocal y los alaridos. Y finalmente, su presencia escénica, su forma de vestir, su forma de moverse. Maquillaje, cejas depiladas, peinado acentuado, bigote casi delineado, colores extravagantes. Probablemente bastaba con observar un poco más allá de lo evidente para entender que la chispa no solo respondía a su talento artístico sino principalmente a su individualidad como persona. Si bien, parte de ese contenido incontenible se había intentado camuflar desde un principio al intervenir la sucia letra de Richard, su carga permaneció, pues bien, el intérprete y creador de esa magia era uno solo.

 

 

Rompiendo con el canon masculino de la música popular de aquel entonces, repleta de galanes y machos que ostentaban el lugar de románticos mujeriegos y chicos malos, Little Richard llegó con la ambigüedad sexual por delante, colocando la sexualidad reprimida en cada tocadiscos del país y del mundo. Hablando sucio, instalando lo nasty antes de ser nasty, utilizando la expresión artística como una vía de expresión sexual no tradicional, y haciendo de la provocación el ingrediente esencial del incipiente rock and roll. Mientras Elvis, el chico blanco de Memphis, en 1957 cantaba «Heartbreak hotel», Little Richard se había aventurado de manera natural a utilizar con su doble sentido y tono insinuante la expresión «Tutti frutti» cuyo significado en la jerga callejera era «gay».
A diferencia de la sexualidad expresada en el seminal blues, la sexualidad ambigua y anti-masculina de Little Richard, expresada a través de su estilo como intérprete y en su estética, tendrán un eco de tal magnitud que será tomada en décadas posteriores por músicos como Jimmy Hendrix o The Rolling Stones, quienes además del sonido salvaje, tomarán la crudeza de sus palabras, los gestos, los movimientos y formas de vestir. David Bowie por su parte se apoderó de la androginia para llevarla a un plano de mayor elaboración conceptual. Luego, será el surgimiento del Glam rock, con su sonido insinuante enraizado en esa primera camada de rock and roll original, otro eco de la influencia de Little Richard, utilizando el brillo, los abrigos, los peinados y el maquillaje, buscando borrar los límites entre lo masculino y lo femenino, así lo hicieron bandas como Roxy Music y T- Rex. Luego, llegará Prince, quizás su más grande discípulo y reencarnación.

 

El travestismo que practicada desde su adolescencia inspirado por Bing Crosby y Ella Fitzgerald, la única música que su madre le permitía escuchar en casa, nutrieron sus primeras actuaciones de vestido rojo y tacones. Más tarde, en su nueva y definitiva faceta como Little Richard, dejaría atrás el travestismo tradicional para adoptar la estética del exceso que el pianista showman Liberace, había exhibido en la década de los 30. Capas brillantes, blusas, trajes cubiertos de lentejuelas, maquillaje de cara completa, lápiz labial, pestañas largas y falsas y un copete de seis pulgadas. Exhibición kitsch que sirvió tanto para Little Richard como para el olvidado Esquerita años antes, como forma de burla a la heterosexualidad, la raza y la pobreza, escandalizando a blancos racistas, rechazando el rol de «negros subordinados», y abriendo un nuevo campo de juego para la cultura queer que más tarde sería adoptada por Elton John o Boy George, entre otres: «Se acuerdan la forma en que Liberace vestía en el escenario? Yo me vestía así todo el tiempo, muy extravagante. Y usaba una base de maquillaje bien densa. Muchos otros artistas de ese tiempo usaban maquillaje también, Los Cadillacs, Los Coasters, Los Dritfters, pero no tenían un kit de maquillaje. Tenía un esponja y un polvito compacto en su bolsillo. Yo si tenia un kit. Todos empezaron a decirme gay.»

 

Sobre Little Richard caía el peso de la raza y la homosexualidad de manera doble. Primero como el renegado del rock and roll que se rehusó a proclamarlo como rey, diciendo con ello «el rock and roll es blanco y es de hombres». La precariedad a la que la industria musical lo sometió en su periodo más productivo fue permanente. Grabaciones sin pagar, canciones sin derechos de autor, presentaciones en vivo sin cobrar y giras por el país sin hoteles donde alojar eran la cotidianidad del músico negro. Pero el robo de dignidad era mayor cuando se trataba de su obra. Censurado en radios para blancos, buena parte de sus composiciones eran entregadas sin autorización a músicos blancos, entre ellos, el más recordado Pat Boone, la antítesis de Ricardito, encarnando los valores de la respetable y blanca sociedad estadounidense, quien popularizó una deslavada «Tutti Frutti», llevándose grandes regalías de todo tipo. A todo eso, se sumó el rechazo que provenía también de su comunidad afroamericana, cristiana y fuertemente identificada con la masculinidad tradicional. Un conflicto que acompañó a Richard hasta el final de sus días. «En esa época el racismo era tan fuerte que no podíamos entrar a los hoteles, así que la mayoría dormíamos en nuestros propios autos. Comías dentro él. Llegabas a la actuación y te vestías dentro él. Tampoco me pagaban en la mayoría de las presentaciones. Nunca recibí dinero por la mayoría de mis discos… y yo hice esos discos! En el estudio, ellos me pasaban un puñado de palabras, y yo hacía una canción! El ritmo y todo. ¡»Good Golly Miss Molly»! ¡y no recibí ni un centavo por eso!». Revista Rolling Stone, julio 2004.

 

 

La búsqueda artística, intuitiva y espontánea de toda una generación en una época temprana, en la posguerra, se expresó, como suele ocurrir, a través de distintas formas que, a su vez, suelen ser las mismas generación tras generación. Ahí están, el despertar sexual, la búsqueda de identidad, el ansia de libertad y la necesidad acabar con lo vetusto. La década de los cincuentas en Estados Unidos fue de muchas formas así. La nueva sensación musical desprendida del blues, por ese entonces llamada música del diablo, fue la base de un cambio cultural que transformó la mentalidad de millones de jóvenes atravesados por el conflicto sexual y racial de toda una sociedad, desafiando la cultura adulta heterosexual blanca dominante, y abriendo el pasadizo a la subcultura musical negra de R&B de los años 40 y 50: «La gente le llamaba música africana, música vudú, decían que iba a volver locos a los chicos, decían que era solo un fogonozo, lo mismo que dijeron en su momento del hip hop. Fui el primer artista negro cuyos discos fueron comprados por chicos blancos. Y los padres me odiaban. Tocábamos en lugares donde nos pedían que no volviéramos más, porque los chicos se ponían loquísimos. Rompían las calles, tiraban botellas y saltaban de las galerías del teatro durante el concierto. En ese momento los chicos blancos tenían que estar en la galería de arriba, eran «espectadores blancos», pero se tiraban para ir abajo donde estaban los chicos negros». L.R, revista Rolling Stones, julio 2004.

 

El rock and roll no podría haberse llamado así mismo revolución cultural si no hubiese enrostrado de una u otra forma los tabús de la sociedad que lo vio nacer. Para ello, la figura de Little Richard fue determinante en tanto nuevas formas de cantar, tocar y vestir fueron entregadas por su música en la segunda mitad de los cincuentas, como por reflejar y vivenciar el lado salvaje de una sociedad mojigata, machista y racista que quiso negar a su hijo queer, el incitador de generaciones completas. El iniciador de esa revolución.

DISPARA USTED: MARÍA LORETO PLAZA

DISPARA USTED: MARÍA LORETO PLAZA

María Loreto Plaza estudio Comunicación Audiovisual para televisión pero por cosas del destino y gustos llegó a desempeñarse como fotógrafa de conciertos principalmente ligados a la cumbia. Lleva cuatro años en el rubro y trabaja para productoras o bandas con las cuales también se va de gira con los músicos. También hace fotografías de matrimonios y fotos de comida de restaurantes. Actualmente trabaja con la banda “Sondelvalle”, conjunto chileno de rap guachaca y cumbia. 

 

 

¿En qué se basa tu trabajo de fotógrafa?

Hago trabajos principalmente de 3 cosas: Prensa, es aquí donde empecé, es una pega que no es remunerada y es lo que uno hace por amor al arte. Productora, para shows o festivales y con bandas. Las 3 son completamente distinta. 

En prensa es para cobertura de medios digitales, revistas de música, portales de música, en general. Aquí son contados con el dedo de una mano los que le pagan a los fotógrafos por estas coberturas, lo bueno de esto es que casi todos partimos por el tema de tener la oportunidad de tener la acreditación que al final es la que nos permite estar en el evento. Por lo general “barricada” que es el espacio que esta adelante en el escenario nos permiten hacer 3 temas, entonces como escuela es muy bueno y además uno se va haciendo el portafolio de músicos relativamente conocidos. Como escuela trabajar de prensa es súper bueno.  En lucas no lo es porque no tienes ingreso, solo gastas en pasajes, si estás recién empezando gastas en equipos pero para aprender, conocer a los compañeros y conocer el rubro es muy bueno. Yo creo que casi todos los fotógrafos de música partieron así. En ese sentido es súper positivo, la mayoría de los fotógrafos de música son de prensa.  Los que trabajan con músicos son grupos totalmente aparte. Y los de prensa son millones porque es la escuela. 

¿Con cuáles bandas trabajas? 

He trabajado más con el estilo de la cumbia o tropical, ahora trabajo con “Sondelvalle” con “Chumbeque” he trabajado harto que también es cumbia “Thiago Lyra”, “Jordan” y también con bandas pero por shows específico, por ejemplo a uno le escriben pero busca también entonces he cachado que si hay algún show y entonces pregunto si necesitan fotógrafo, he trabajado más en ese rubro del tropical. Pero también me a pasado que si admiro mucho a una banda o músico le he pedido cubrir su show, cubrir el backstage, ahí tampoco hay lucas igual hay que ir cerrando etapas, ahora ya me ofrezco netamente trabajemos juntos.