ENTREVISTAS

LIBRO PUNK CHILENO 1986-1996 SERÁ LANZADO EN EL MÍTICO TALLER SOL

LIBRO PUNK CHILENO 1986-1996 SERÁ LANZADO EN EL MÍTICO TALLER SOL

«PUNK Chileno 1986-1996 – 10 años de autogestión« libro del musicólogo Jorge Canales estudia las herramientas, recursos y espacios que permitieron dar sustento a una escena musical de resistencia, surgida en el contexto de la posdictadura.

Un acucioso trabajo de investigación y articulación que recopila material audiovisual (con acceso a registros en libro) y un compilado de 13 bandas (CD incluido) que tuvieron una significativa presencia durante esta década.  Una coedición a cargo de los sellos NoPatria Editorial y Editorial Camino en colaboración con la Corporación Fonográfica Autónoma – CFA,  encargados de producir el disco compilatorio que acompaña al libro.

La presentación estará a cargo de tres nombres involucrados en la publicación: el periodista Emiliano Aguayo, autor del prólogo del libro, el gestor cultural, director de CFA Dennis Dañobeitía, y el editor Jonathan Lukinovic.

 

 

Domingo 29 de Septiembre a las 18:00 hrs en Parque Portales (Portales #2615 esquina Cueto) a las afueras del mítico Tallersol de Santiago.

La jornada, contará con la presencia de las bandas Raja Pelá y Vino y Muerte -quienes forman parte del compilado, y stands con muestras discográficas e editoriales.

 

AMOR POR EL JAZZ:  CRISTÓBAL MASIS PRESENTA SU NUEVO DISCO.

AMOR POR EL JAZZ: CRISTÓBAL MASIS PRESENTA SU NUEVO DISCO.

Cristóbal Massis estrena su nuevo disco inspirado en la amistad y el amor por el jazz

“Canciones de Mis Amigos” es una mezcla homogénea de creatividad, improvisación y admiración a jazzistas chilenos, la que puede palparse en cada nota y canción del álbum.

 

 

Lo que en abril inició como una idea relámpago camino a dar clases, hoy es una realidad para el baterista nacional Cristóbal Massis, quien presentará a trío el disco “Canciones de Mis Amigos”, con un concierto en vivo el 26 de septiembre a las 23:00 horas, en Thelonious Lugar de Jazz (Bombero Núñez #336).

Todas las canciones fueron grabadas durante un fin de semana de junio en el Estudio Palo Quemado, de Nicolás Ríos, junto al saxofonista estadounidense Rob Haight y el destacado contrabajista nacional Milton Russell.  

En ausencia de Rob Haight, quien está en el extranjero, las partes de saxo serán interpretadas por Claudio Rubio, reconocido saxofonista nacional y uno de los amigos compositores de las “Canciones”.

 

 

LOS AMIGOS

Siete canciones son las que forman este disco, compuestas por los saxofonistas Claudio Rubio y Cristián Gallardo; los guitarristas Cristóbal Menares, Nicolás Reyes y Diego Riedemann; el pianista Felipe Riveros y el contrabajista Juan Villarroel. 

En paralelo comenzó un trabajo artístico visual de mano de la diseñadora nacional Abril Bustamante, quien ha captado la esencia de Massis y el trabajo del disco desde un principio. 

 

CONCIERTOS

El 26 de septiembre, también será el lanzamiento oficial en las plataformas digitales.

Además, para quienes sigan con ganas de buena música, el 25 de octubre habrá un segundo concierto en Thelonious Lugar de Jazz a las 21:00 horas y a fines de noviembre el disco se presentará de forma íntegra en el Festival de Jazz de Recoleta, comuna natal del baterista. 

 

DISPARA USTED: CARLOS MÜLLER

DISPARA USTED: CARLOS MÜLLER

Abrimos este telón de entrevistas con el destacado fotógrafo musical oriundo de San Pedro de La Paz, Concepción, Carlos Müller Cáceres, quien fuera elegido por la banda The Rolling Stones en su último paso por Chile para retratarlos en su show, de aquel concierto destaca una foto, en la que sale Mick Jagger y Keith Richards abrazados, retrato que nueve meses después del concierto es elegida para la portada de la revista Rolling Stone del año 2016, para las ediciones de US, Japón, Australia, India y Brasil. 

Autodidacta de formación ha trabajado con las bandas nacionales como: Los Tres, Los Jaivas, Quilapayún, Illapu, Los Bunkers, Francisca Valenzuela, Nicole, entre otros. Internacionalmente ha trabajado para The Rolling Stones, Cat Stevens, Fito Páez, Pedro Aznar y Kevin Johansen. 

Sus imágenes han sido publicadas en El Clarín (Argentina), El País (España) y The New York Time (US), en los libros «La última canción» (biografía de Los Tres), “Maldito Sudaca” (conversaciones con Jorge González), ”Exijo ser un héroe» (biografía del grupo musical Los Prisioneros). “La Vida Mágica de Los Jaivas” (biografía del Los Jaivas), “Cancionero Ilustrado” (Los Jaivas), “Los Jaivas Medio Siglo”, “Canciones del Fin del Mundo”, “La Diversidad es Tuya” (biografía visual del Teatro Nescafé de las Artes). 

 

 

 

KJ ¿Cómo y por qué comenzaste en la foto musical?

CM: En la adolescencia, en primero medio me tocó ir a un concierto de una banda que me gustaba mucho, entonces pasó que la primera parte del concierto lo pase muy bien disfrutando y la segunda parte empecé a sufrir porque sabía que iba a terminar luego, uno de mis hermanos que estudiaba arte, en su carrera tenía un ramo de fotografía y por ese tiempo estaba practicando con fotografía blanco y negro, entonces empecé a descubrir un poco que la solución para que el concierto continuará, era registrarlo, pero como una cosa mía, al tiempo tuve una cámara de foto y empecé a hacer fotos, recuerdo que el primer rollo me duraba 1 mes y ese rollo tenía muchas cosas distintas había una parte de ese primer rollo que tenía un concierto eran unas 6 fotos, entonces empecé a ir a conciertos en esa época. 

 

KJ: ¿De qué año estamos hablando?

CM: Del año 89-90. 

 

KJ: ¿Estudiaste Fotografía?

CM: Para nada, empecé a hacer fotos en enseñanza media, lo principal que hice en esos años era que el colegio tenia un festival de la voz el 15 de agosto para el aniversario de los Salesianos de Concepción y siempre llevaban una banda para el cierre del festival, han estado Illapu, Los Prisioneros, Los Tres, el concierto que alcance a ver dentro del aniversario del colegio fue Illapu y esa fue la primera vez que fui con la cámara análoga que me prestó mi hermano, llevaba un juego de lentes, quedó bastante aceptable el resultado del rollo que tome esa vez, también fui por primera vez a un concierto de Los Prisioneros, por esa época era la gira de promoción del disco Corazones y ahí ya tomé fotos con la cámara de “la familia”, era una cámara súper chica, cuadradita el rollo quedaba casi justo, súper práctica y tome una mierda de fotos, quedaron todas movidas no sabía como regular la cámara pero tuve ese impulso de estar entremedio del público, avanzar y tomar fotos, cuando estaba en la Universidad del Bío-Bío estudiando ingeniería había una actividad extra programática de fotografía y me metí ahí. 

 

                                                             Jorge González

 

CM: Por esa época comencé a ir cuanto concierto había en Concepción, de público, no tenía idea que iban fotógrafos a hacer fotos a los shows.  Me acuerdo de Illapu, Inti Illimani o Congreso en ese tiempo estaba escuchando ese tipo de música, me conseguía la entrada o concursaba en la radio, lo que pasa que es muy predecible concepción hay como dos o tres radios que cuando hay conciertos siempre en esas radio promocionan los shows y ya cachaba que por ejemplo si esa tarde había un concierto de Inti Illimani sabía que en la mañana o a mediodía iba a estar la banda en esa radio y que la iban a entrevistar y hacían concursos para regalar entradas, estaba preparado para concursar, y siempre me ganaba las entradas, iba a los conciertos con mi cámara, en esa época no te decían nada por entrar con la cámara o de repente pasaba que iba a un concierto solo con la cámara y llegaba donde la gente que estaba cortando los tickets, pasaba con la cámara y decía que era fotógrafo de prensa y pasaba, era otra época. 

Igual era raro, los fotógrafos de diario que habían en esa época eran de 50 años para arriba entonces un cabro de 20 metido ahí con una cámara grande era extraño no era lo cotidiano, hoy está llena la calle de muchachos con cámara. 

A poco tiempo de ir a tantos conciertos empecé a conocer gente y conocí a gente del diario entonces quise meterme a trabajar al diario porque sabía que tenía muchas trabas para entrar a los concierto, pero cuando decías que eras de prensa se te habrían todas las puertas, era el interés de tener en la espalda un medio. Entonces me metí un verano a trabajar, estuve como dos meses y medio gratis, obviamente me daban de pega “lo que boto la ola” como dicen, las fotos que nadie quería hacer, fotos que no necesitan mucha técnica. Al tiempo tenía todas las puertas abiertas para hacer lo que quisiera desde ir a los conciertos o fotografiar a músicos. Y paso que cubrir conciertos para los fotógrafos del diario era muy complejo, ellos entraban a las 8 de la mañana a hacer su turno y terminan hecho bolsa a las 6 de la tarde entonces ningún fotógrafo quería ir al concierto a las 9 de la noche a esa hora ya estaban reventados, me convertí en el que cubría todos los grandes conciertos que pasaban en Concepción en esa época, como por 5 o 6 años. 

 

 

 

KJ: ¿De qué diario estamos hablando?

CM: En ese tiempo se llamaba Crónica que era una especie como la cuarta en cuanto a formato y público objetivo y El Sur que es como la copia de El Mercurio o trata de copiarlo, para esos dos trabajaba, hasta el día de hoy soy muy amigo de los dos editores de espectáculo de los dos diarios y tenía la chance de hacer fotos donde quisiera tanto de entrevista y de artistas de conciertos. 

KJ: ¿Por qué crees que las bandas te eligen como fotógrafo?

CM: Eso habría que preguntárselo a las bandas, no sé en realidad hasta hace poco había pocos fotógrafos haciendo esa pega, a veces no podía cubrir un concierto importante y después me daba cuenta que nadie fotografío ese show y cuando no sé hay como 6 escuelas para estudiar fotografía, está la gente autodidacta igual que yo, quizás es falta de interés, claro que hay cosas que le interesan a uno, hay cosas interesante de registrar por el carácter histórico que tiene un concierto y pasan como si nada, no hay registros. 

 

KJ: ¿Cuál fue tu primer encargo fotográfico?

CM: No recuerdo mucho, pero desde que empecé a fotografiar bandas no partí en circuito chico para llegar a un circuito grande, sino que partí en un circuito grande al tiro, yendo a fotografiar a los grandes conciertos de concepción, lo primero que me paso fue el año 2002, la revista Rolling Stone tenía una versión chilena, la revista venía cocinada como en 40% de estados unidos, el otro 40 se hacía en argentina y el otro 20% se hacía en Chile, en diciembre la revista llevaba el personaje del año en la tapa, ese año en que había edición chilena porque duró muy poco, la tapa fue de Los Búnkers y ese reportaje lo hizo la Marisol García que viajó a Concepción, estuvo con la banda varios días y consiguieron material inédito, igual era una banda nueva así que no fue difícil conseguir material antiguo o de los inicios pero ella también necesitaba tener material en vivo de buena calidad, la banda se acordaba de mi y ese fue como el primer encargo, no me pagaron pero ya tenía una capacidad de negociación, les dije yo compro la revista todos los meses por último si no tienen para pagar denme una suscripción, me llegó por un año gratis. 

 

 

KJ: ¿Con que bandas trabajas?

CM: En este momento no es que sea el fotógrafo de cabecera de nadie, he trabajado con muchas bandas y músicos no hay una banda o artista que necesite fotógrafo constantemente por ejemplo Los Jaivas me llaman cuando hay algún concierto grande igual ellos tocan harto y a veces no hay mucho atractivo en ir a registrar un concierto a alguna ciudad, pero si hablamos de un libro de Los Jaivas quizás en esos hitos ellos tienen perfectamente claro que tienen que tener buenos registros y me llaman, Los Jaivas tienen muchos amigos por todos lados y siempre hubo alguien que les tomo foto sin ellos planearlos o había un amigo que tenía una cámara de cine y los filmó. 

 

Algunas bandas con las que has trabajo son: Los Tres, Los Jaivas, Inti-illimani, Quilapayún, Illapu, Los Bunkers, Francisca Valenzuela, Manuel García, Los Pettinellis, Angel Parra Trio, Lucybell, Nicole, Astro, Alex Anwandter. Internacionalmente he trabajado para The Rolling Stones, Cat Stevens, Fito Páez, Pedro Aznar y Kevin Johansen. 

 

 

Manuel García (29 julio 2016) / Teatro Nescafe de las Artes – Santiago, CHILE.

 

KJ: ¿Qué papel cumple la fotografía en la industria de la música?

 

CM: Siempre ha tenido un papel importante porque la música suena pero no se ve, entonces una forma de que se vea la música es a través de la fotografía o del arte gráfico, pero en lo que respecta a nosotros la foto cumple un papel importante porque mostramos al artista, no hay que olvidar que en una época la gente solo tenía la tapa para saber quién era el artista y no había ni siquiera la posibilidad de ver al artista en televisión como para saber como era, estaba leyendo la biografía de The Beatles y en la época que ellos recién estaban partiendo y se estaban consiguiendo discos de las bandas que a ellos les gustaba, cuentan en la biografía que habían muchos artistas que tocaban temas de otros artistas y se hacían pasar por la banda, porque la gente no los conocía de cara, para que veas lo importante que es hoy en día ver quien esta cantando la canción, ese el papel importante de ver como se ve y como suena, ahí está el rol de la fotografía de mostrar al artista y también como elemento del marketing, hay gente que va a llegar a escuchar la música porque le gustó la foto o le intrigo la banda de como miraban estos tipos en la foto, hoy en día el valor que tiene el hecho de tener buenos registros de cuando toca una banda, si ese show no está registrado o si no publican fotos o vídeos en las redes sociales este show nunca existió o si ese show lo vieron 30 personas y lo registras lo subes a tus redes ese show lo va ver mas gente. 

 

 

 

KJ: Hablemos de The Rolling Stones 

CM: La banda hizo la gira latinoamericana y no trajo a su fotógrafo, lo que hace normalmente una banda es que viaja con su fotógrafo, ellos contrataron a un fotógrafo en cada una de las ciudades de la gira, en el caso de Chile solicitaron a la productora local entre todas las cosas que pidieron, un fotógrafo en Santiago, pidieron el book de tres fotógrafos para ellos decidir, a mi me avisaron de la productora que me iban a proponer un trabajo con una banda grande no me dijeron que banda era, esto fue 4 meses antes del concierto y me eligieron e hice las fotos. 

 

 

KJ: Eres el único fotógrafo chileno en llegar con una foto a la portada de la revista Rolling Stone

CM: Ni yo esperaba que una de esas fotos llegara a la portada de la edición de diciembre de revista Rolling Stone. Un amigo me avisó que estaba apareciendo la foto en la portada, pero yo no tenía idea. La hice para la banda, e imagino que está en el stock de fotos que ellos distribuyen de forma promocional. 

 

 

 

 

 

KJ: Explícame tus 3 formas de trabajar 

 

CM: La primera es ir acreditado por un medio de prensa ya sea para una página web o una radio, esta es el tipo de registro que es menos profundo por lo general, tiene muchas restricciones, la norma es que te dejan fotografiar los 3 primeros temas de un concierto, ellos designan una ubicación que tiene que ver con logística de ese momento, tiene que ver con que tan arrugado este el artista o que tan violento puede ser el público de la primera fila para ponerte ahí, a mi y a mis colegas nos han escupido, nos han tironeado, por lo bajo me han llegado palmetazos en la cabeza, entonces hay un montón de cosas que se analizan para ver dónde ubicar a los fotógrafos de los medios.

 

 

CM: Esto únicamente lo decide el artista, hay artistas que han dejado fotografiar un solo tema pero hay artistas que por ejemplo dicen los vamos a dejar fotografiar el tema 13, 14 y 15, recuerdo un concierto de Regina Spektor nos dejaron fotografiar el primer tema después del primer minuto, un minuto del tema, nos pusieron en una tarima super lejos, Regina Spektor gran parte del concierto lo hace sentada en el piano, nos pusieron al lado de la mesa de sonido todos con las cámaras para abajo dos personas con cronómetro a cada lado de la tarima, parte el primer tema y ellos parten con el cronómetro cuando el show va en el primer minuto se pueden levantar las cámaras y cuando se termina ese minuto tenemos que bajar la cámara y salir con guardias. Me gustaría saber la lógica de eso, por ejemplo, esa vez que nos dejaron fotografiar el tema 13,14 y 15, era un concierto de Charly García y tenía que ver con que Charly pasa mucho tiempo en el piano en los primeros temas e íbamos a tener siempre una foto estática de él en el piano, en cambio, en el tema demoliendo hoteles toca una parte en piano y en un momento se para, va al medio, aplaude con el público, y después se va a sentar al piano, entonces ahí tenemos la variedad,  y eso tiene una lógica. Lo otro no sé que lógica tiene. En el fondo es algo que elige la banda y tu registro va a ser bien limitado. 

 

 

La segunda opción es cuando eres fotógrafo de la productora, trabajo para Lottus la que hace el Lollapalooza y tiene varios conciertos durante el año, es un poco más flexible a mi como fotógrafo de la productora me permiten hacer fotos en otras partes del concierto, a las productoras les interesa obviamente mostrar que el concierto fue un éxito. 

Y la opción tres es cuando eres contratado por el artista, entonces ahí puedes hacer lo que quieras, te dejan fotografiar el camarín, camino al escenario, en la prueba de sonido, el concierto mismo de todo el ángulo que quieras, es lo que más me gusta a mi, el libre control. 

 

KJ: ¿Vas de gira con las bandas? 

CM: Ahora último no tanto, anoche estaba revisando unas cosas de Los Bunkers y me dí cuenta que un año la banda entre enero y marzo tuvo 47 shows, obviamente no los hice todos pero es cansador, es interesante mantener ese ritmo de gira de equipo humano viajando, de convivir con otras personas, conocí Chile con Los Bunkers. 

 

 

 

KJ: ¿Qué lentes ocupas?

CM: Tengo un conjunto de 3 lentes son los que más me acomodan, es un 50, un 16-35 y el 70- 200 mm. 

 

KJ: ¿Ocupas flash?

CM: El flash lo meto a mi mochila muy pocas veces, en una época empecé a hacer tocatas punk y ahí no tenía ninguna posibilidad porque a veces ni siquiera había luz y ahí si tenía que ocuparlo y ese mismo flashazo le daba toda una onda estética a la foto, en los conciertos por lo general no permiten usar flash por la molestia que provoca al público y al artista.  

 

 

KJ: ¿Has pensado en hacer videoclips, salir de la imagen estática?

CM: Lo he hecho en partes, he grabado trozos de vídeos que han terminado en videoclips, por ejemplo hay imágenes mías en un vídeo de Nicole (Nuestro Tiempo) otro de Gepe (Platina) que es corte documental y de Los Bunkers, hice una edición de un vídeo de esta gira larga de 47 fechas (Tour verano 2014 »La Velocidad de la Luz’’), gira que no sabía que terminaba con el receso de la banda hice un corto de formato documental. Me acomoda más el formato de vídeo clips documental más que de vídeo clips. 

 

 

 

KJ: ¿Por qué crees que en Chile hay pocos libros sobre foto de música?

CM: Porque siempre es más caro hacer un libro de fotos que un libro de texto, debieran haber más libros de foto musical, soy un fanático de los libros los colecciono. 

 

KJ: Solo has hecho una exposición en toda tu carrera ¿por qué?

CM: Nunca me interesó hacer exposición de fotos, estaba cerrado en una idea “que hoy en día no es necesario que la gente salga de su casa o vaya a algún lugar a ver la foto a un lugar en particular porque hoy está a un solo click en la web”, me lograron convencer que es muy distinto verlo en una pantalla a verla en papel detenida frente a ti el tiempo que quieras y lo hice fue una invitación de la gente de La Casa de la Cultura de Quilicura, me pareció interesante tuve el auspicio de canon que hizo las impresiones de las fotos y me lance no mas, me gusto mucho el resultado. 

 

 

 

KJ: Huawei te invitó junto a otro fotógrafo para recorrer Chile y probar la cámara de su último teléfono 

CM: Claro, segunda vez que una marca de teléfono de alta gama se acerca para que pruebe la cámara del teléfono, más allá de tener aplicaciones, hoy en día la máxima competencia que tiene un teléfono es la cámara, entonces cada vez tienen cámaras más sofisticada y para sacarle el máximo partido a las cámaras las marcas necesitan a alguien que les saque el jugo y demostrar que es buena cámara, pasa mucho que las marcas se acerquen a los fotógrafos para que prueben sus cámaras. 

Me tocó viajar a Chiloé estuve 3 días en el Parque Tantauco y 3 días en San Pedro de Atacama, éramos dos fotógrafos fuimos con Darwin Vera que es un fotógrafo de naturaleza y en el viaje al sur fue Pedro Astorga, el hace kayac y al norte fuimos con la actriz María José Bello, este fue un programa de Discovery Chanel, un comercial que duraba 1 minuto estuvo apareciendo entre abril y mayo, el slogan es “redefine las reglas de la fotografía con esta cámara”, por el zoom, la resolución y por la forma que tiene de captar los colores. 

 

KJ: ¿En qué estás ahora? 

CM: Estoy digitalizando todo mi archivo análogo que hice en mi primera época, yo creo que fueron como 10 años y estoy viendo fotos que nunca vi, en esa época tomaba un rollo cuando iba a conciertos, por ese entonces trabajaba en el diario y revelaba ahí, pasaba a papel un par de fotos, pero casi nunca las pasaba por completo a papel, me compre un escáner de negativos y estoy descubriendo cosas que estaban ahí, está apareciendo toda esa época de conciertos de Los Tres originales, de Los Bunkers cuando eran muchachos, Los Jaivas con Gato Alquinta, toda esa época donde no me perdí ningún concierto de esas tres bandas cuando pasaban por Concepción, lo estoy digitalizando un poco también para ordenarme en lo que tengo y bueno quien sabe lo que sale de ese material. 

 

KJ: ¿Qué música escuchas?

CMPor lo general escucho bandas que me tocan fotografiar y siempre estoy al tanto de lo que está sonando, ahora estoy escuchando a una banda de noruega que está cantado en inglés, se llama Boy Pablo hacen un indie pop, su vocalista es hijo de un chileno, también estoy escuchando a un músico inglés que es de padres senegaleses que se llama Michael Kiwanuka hace una mezcla de soul pero se le mete por los poros el folclore africano. 

KJ: ¿Tienes referentes fotográficos?

Me gustan los fotógrafos que trabajan con las bandas que me gustan, como: Bob Gruen o Annie Leibovitz, el fotógrafo de Los Beatles, Terence Spencer. En Chile, Jorge Gronemeyer, conozco su etapa ligada a la música, hizo todas las fotos promocionales y la tapa del disco Pateando Piedras de Los Prisioneros, me gusta harto su trabajo a pesar de que pareciera que hizo algo puntual en relación a la música, su trabajo va por otro lado, por la misma época está Cristián Galaz tuvo una época que pasó por la fotografía y después derivó en el cine hizo varios videoclips, también hizo las fotos promocionales de La voz de los ’80 y otras que son en diferentes lugares no sé si en el persa o en la vega, me gusta harto esa época de sesión de bandas ochenteras, también me gusta harto las fotos de un fotógrafo El Mercurio, cuando estaba chico en mi casa compraban el Wikén los viernes, y era esperar esa tapa porque siempre tenía que ver con algo actual. Un fotógrafo que aún trabaja ahí, se llama José Francisco Somalo, recuerdo muy buenas fotos de él de música, fue invitado para hacer las fotos del backstage del videoclip Tren al Sur, publicaron en el diario una foto muy bonita a Jorge González sentado en el tren apoyado con el codo en la ventana y frente a él a un camarógrafo grabando el clip. 

 

KJ: ¿Cuántos años llevas en la foto musical?

CM: Desde que tengo 14 unos 30 años. Profesional con boleta y todo 20 años. 

 

KJ ¿Qué opinas con que varios medios no acostumbren a poner el nombre del fotógrafo al lado de la foto (crédito) ?

CM: Lo primero es que esta muy mal pagado y muy mal acostumbrados los medios o quien contrata, en la sociedad chilena hay muy mala valorización del arte y para que hablar de la fotografía, la gente a veces peca de falta de conocimiento o falta de trato. Me escribe gente y me dice: «oye, me puedes mandar esa foto que subiste a Instagram, me la puedes mandar en alta por favor la quiero tener pero solo para usarla yo», piensan que es gratis no cachan que es un trabajo que tiene precio. 

El tema del crédito es algo que yo siempre he peleado, pero en realidad estamos hablando de algo que es ley, está contemplado dentro de la ley de propiedad intelectualidad, una vez tuve una discusión con un editor que me decía que él no ponía los créditos porque en realidad esa foto ya me la había pagado la productora, y esta ocupando la foto de la productora y que no tienen porque poner crédito si la foto ya estaba pagada, y hay un error de concepto grave porque la ley 17.336, indica que por más allá que te han pagado una foto o te hayan comprado una foto o hayas vendido los derechos de uso comercial.

 

Álvaro López

 

CM: El fotógrafo tiene el derecho de que tu nombre este puesto al costado de la foto, eso se llama derecho patrimonial, el derecho de autor tiene dos derechos, el derecho de autor es el que te pueden comprar y pagar y el derecho patrimonial es el que indica que tu nombre siempre tiene que estar asociado a tu foto de autor, te hayan pagado o no, y ese nombre al lado de la foto no es de quien te haya pagado la foto, del sello de la productora o del diario, la ley dice que va el nombre del autor, no puede decir Copesa, no puede decir cedida.

Ayer salió una foto de Gepe en La Tercera y decía Gepe. La foto era bien buena y quería saber de quién era, la foto decía como que la había tomado el mismo Gepe, pero la foto la tomó un fotógrafo. La ley dice que tiene que tener el nombre del autor y hay un desconocimiento en esto. Lo que más molesta de todo el tema, es que me ha pasado que mi foto va a dos páginas en una revista, el periodista va con su crédito y el fotógrafo no. Esa es una injusticia, es una falta de respeto. Lo que le decía a un periodista la otra vez , es que en un momento nos vamos a dar cuenta que por mucho tiempo se pasaron por el culo los derechos de los fotógrafos, ahora está normalizado que a nadie le importe, pero es sentido común ¿por qué el periodista pone su nombre y el del fotógrafo no? esto paso mucho en regiones. 

 

 

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THE STOOGES:  A CINCUENTA AÑOS DE LA EXPLOSIÓN.

THE STOOGES: A CINCUENTA AÑOS DE LA EXPLOSIÓN.

Acerca de Danny Fields se podría hacer un documental completo y, de hecho, ya se hizo. Mientras este publicista, periodista y empresario musical trabajó en el sello discográfico Elektra como buscatalentos, quedó impactado con la fuerza del show en vivo de la banda, hasta entonces desconocida, MC5. Se acercó a ellos para ofrecerles un contrato con el sello. “Si nosotros llamamos tu atención, espera a ver a los Stooges”, le respondieron. Así, Danny Fields asistió esa misma noche a ver un show en vivo de los Stooges, quedando absolutamente impresionado. Era increíble lo ruidosa y violenta que sonaba la banda liderada por Iggy Pop, un extravagante frontman que se arrojaba sobre el público, se esparcía crema de maní sobre el cuerpo y sangraba por las heridas que se autoinfligía con trozos de vidrio en el pecho desnudo. Fue así como, de una pasada por la ciudad de Detroit, Danny Fields fichó para Elektra Records a MC5 y a los Stooges. Meses más tarde, en agosto de 1969, y hace exactos cincuenta años, salió a la luz el disco debut de Iggy Pop y sus secuaces, el homónimo The Stooges.

 

 

 

Antes de firmar para Elektra y viajar a Nueva York para grabar el álbum, la banda se hacía llamar The Psychodelic Stooges y solían hacer shows con cinco temas, que llevaban una primera parte como canción convencional, más una segunda parte improvisada que solía durar varios minutos. Por eso, al momento de grabar el álbum, y bajo expresa exigencia de los ejecutivos de Elektra, tuvieron que componer en el hotel Chelsea —el día antes de entrar al estudio— cuatro canciones más y limitar las composiciones antiguas a una duración más convencional, a excepción de la hipnótica y siniestra “We Will Fall”, que registra una duración superior a los diez minutos. Así fue como quedaron inmortalizadas las hoy clásicas “1969”, “No fun” o la impagable “I Wanna be Your Dog”. Estructuras que se repiten una y otra vez, progresiones simples, como si se tratara de blues acelerados e hiper ruidosos, pero todo manchado con la fuerza de un sonido alucinante, heredero del garage sesentero y la psicodelia menos comercial.

 

El disco, a pesar de sus bajas ventas y de no ser realmente valorado al momento de su publicación, hoy en día es considerado un clásico, un disco de culto. El sonido de la banda quedó definido de una vez y para siempre, con esas bases rítmicas simples soportando el peso de una guitarra atronadora, pesada, distorsionada, todo esto sumado a la voz inconfundible de Iggy Pop como guinda del pastel. Escucharlo es sumergirse en una explosión de ruido, actitud y psicodelia.

 

 

La influencia de los Stooges, y de este disco en particular, en la música posterior es innegable. Es difícil pensar que el punk podría haber existido si este disco jamás hubiera salido a la luz. El atrevimiento y desfachatez de Iggy Pop sobre el escenario, el ruido, la suciedad, el peligro, son marcas que toda una generación tomó como punto de partida. Por algo los mismos Sex Pistols (“No fun”) y Joey Ramone (“1969”) versionaron sus canciones. Para qué hablar de “I Wanna be Your Dog”, canción fundamental que ha sido versionada por bandas tan reconocidas como los Red Hot Chili Peppers, Sonic Youth o Joan Jett, hasta por innumerables bandas punk y underground como El último ke Zierre, Parálisis Permanente y Las Vulpess (estas últimas cambiando el título por “Me Gusta ser una Zorra”). Pero no solo el punk rock ha sido influenciado por este álbum, sino también bandas de distintos estilos. Sin ir más lejos, Queens of the Stone Age son herederos directos del sonido de Stooges. Basta fijarse en el sonido de la guitarra en “I Wanna be Your Dog” para comprender de qué estoy hablando.

 

 

Si bien una de las mayores virtudes del disco es que presentaron un sonido que no tenía precedentes directos, la influencia de ciertas bandas no se puede desconocer. Me refiero a MC5, The Doors y la Velvet Underground.

De MC5, los Stooges rescataron el peso y la distorsión de la guitarra (destaca el uso insistente del efecto popularmente conocido como Wah-Wah); de los Doors tomaron la agresividad en el escenario de Jim Morrison —aunque llevada al extremo por Iggy Pop— además de beber de la misma fuente blusera como columna vertebral. Y no solo eso, pues recordemos que Elektra es el mismo sello que publicó el monumental disco debut de The Doors (1967) e incluso la portada de ambos discos debut tiene similitudes evidentes. Y, en tercer lugar, tenemos a la Velvet Underground. La banda del futuro amigo del alma de Iggy, Lou Reed, sembró una sonoridad intencionalmente cruda y desprolija que los Stooges supieron plasmar en este álbum. No por casualidad John Cale, miembro y segundo hombre al mando de la Velvet, fue el productor del álbum de Iggy y los suyos.

 

 

Lo que vino después fueron dos álbumes geniales: Fun House y Raw Power, discos que tal vez superaron en calidad al debut, pero la explosión en la cara del mundo fue este álbum, el primero de una trilogía brillante, fundamental para el nacimiento del punk e influencia absoluta para el hard rock y músicos de todas las tendencias. También vinieron las drogas, los excesos, la heroína, hasta que la banda —que en cierto momento pasó a llamarse Iggy and The Stooges— vio su fin en 1974. En el nuevo siglo los Stooges tuvieron su reunión, dando giras, tocando en festivales y lanzando álbumes, hasta su nueva y definitiva separación. Pero los discos siguen aquí, listos para explotar en la cara de quien los ponga a girar.

 

Joey Ramone and Danny Fields at a Lou Reed after show party at Jerry’s Restaurant in New York City on October 17, 1984. (Photo by Ebet Roberts/Redferns)
BLACK NEEDLE NOISE AGENDA FECHA EN SANTIAGO

BLACK NEEDLE NOISE AGENDA FECHA EN SANTIAGO

BLACK NEEDLE NOISE proyecto musical de John Fryer, debuta en Chile el próximo 14 de diciembre en CLUB SUBTERRÁNEO. 

JOHN FRYER, el músico y productor del sello 4AD, llega a Chile  por primera vez para presentar su actual proyecto musical BLACK NEEDLE NOISE, la progresión de THIS MORTAL COIL, el grupo all stars que incluyó a artistas como Robin Guthrie, Lisa Gerard, Liz Fraser, entre otros. Continuando el espíritu de This Mortal Coil, Black Needle Noise propone una experiencia en vivo que contempla varias voces en escena, buscando reforzar el sonido dream pop de avanzada con matices post industrial.

Desde 2016, BLACK NEEDLE NOISE ha trabajado con diversos músicos como Zialand, Jarboe. (Swans, Neurosis), Patas, Andreas Elevens, Antic Clay, Attasalina, Elena Alice Fossi (Cámara Kirlian), Betsy Martin (Caterwaul, Purr Machine), Spectra Paris, Bill Leeb (Front Line Assembly, Delirium), Mimi Page (Delirium ), Jennie Vee (Hole), Ana Breton (Dead Leaf Echo), Omniflux (Puscifer), Kendra Frost (Kite Base), Andrea Kerr (Colt), Sivert Hoyem, Tara Busch (I Speak Machine), Chris Connelly (Ministry, Revolting Cocks, Sons of the Silent Age), entre otros.

John Fryer es uno de los forjadores del sonido del dark y post punk a través de su permanente colaboración con bandas como Cocteau Twins, Dead Can Dance, Dif Juz, Lush, Clan of Xymox, etc. Además fue el productor tras el sonido de Depeche Mode, Erasure, Yazoo, Nietzer Ebb, etc.

 

 

EL PROYECTO

 

Black Needle Noise comenzó en 2016 cuando Fryer invita a trabajar a artistas como, Zialand, Jarboe. (Swans, Neurosis), Patas, Andreas Elevens, Antic Clay, Attasalina, Elena Alice Fossi (Kirlian Camera), Betsy Martin. Este mes de septiembre, la banda editará su segundo disco, Lost in Reflections, el cual cuenta con las voces de las artista Zialand (Noruega), Kendra Frost (Kite Base), Andrea Kerr (Colt), Jennie Vee (Pixies, Hole, Eagles of Death Metal), entre otros.

 

 

Su carrera comienza en  Blackwing Studios en el sur de Londres, como parte de los sellos discográficos 4AD, Mute, Rough Trade y Beggars Banquet, cuyos catálogos incluían a bandas como Fad Gadget y Cocteau Twins. Fue su trabajo con esta última banda en el desarrollo del sonido etéreo y ambiental, lo que llevó a Watts-Russell a poner los ojos  sobre  Fryer como su socio musical y productor para This Mortal Coil.

Fryer también es conocido por su trabajo de producción en el género de rock industrial, trabajando con Nine Inch Nails, Stabbing Westward y Gravity Kills.  Paralelamente también produjo, diseñó y mezcló Spellemannspris de The Schools, trabajo que recibió un Grammy noruego. Y mezcló el innovador álbum de Jesus Jones, Doubt.

Fryer es uno de los productores más importantes en el ámbito del desarrollo sonoro en las últimas cuatro décadas por el trabajo realizado con los ya mencionados Depeche Mode, Cocteau Twins, Nine In Nails (Pretty Hate Machine), Love and Rockets, HIM (Razorblade Romance) entre docenas de otras. Su canción «Song to the Siren» (interpretada por Liz Fraser de Cocteau Twins) fue descrita por David Lynch como una de las mejores en su «lista de las canciones más hermosas de todos los tiempos».

 

OBTENER ENTRADAS EVENTRID

 

FUENTE: COMUNICADO OFICIAL URI MARKA PRODUCCIONES

 

 

MÚSICA Y MEMORIA : FAM VÍCTOR JARA PROMUEVE PRECIOS POPULARES

MÚSICA Y MEMORIA : FAM VÍCTOR JARA PROMUEVE PRECIOS POPULARES

EL FESTIVAL DE ARTE Y MEMORIA, FAM VÍCTOR JARA, ORGANIZADO POR LA FUNDACIÓN QUE RESGUARDA LA MEMORIA Y LEGADO DE UNO DE LOS ARTISTAS MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO XX EN CHILE, BUSCA FOMENTAR LA PARTICIPACIÓN DE ORGANIZACIONES CULTURALES Y SOCIALES GRACIAS A PRECIOS POPULARES EN SUS ENTRADAS.

DE ESTA FORMA LA GRAN PARRILLA QUE REÚNE UN AMPLIO ESPECTRO DE MÚSICOS, ESTILOS, SONIDOS Y PROPUESTAS, TIENE COMO PRINCIPAL FINALIDAD PERMITIR QUE LA MAYOR CANTIDAD DE PÚBLICO TENGA ACCESO A UNA JORNADA MUSICAL DE ESTAS CARACTERÍSTICAS POCO FRECUENTES EN LOS ESCENARIOS LOCALES.

 

 

 

1. Las entradas se podrán comprar a mitad de precio. Esto es: en caso de galería la entrada queda en $ 3.500 y en caso de cancha a $ 5.000.

2. Las entradas son válidas para los días 22, 23 y 24 de septiembre (ver programa en www.famvictorjara.cl).

3. Programa a los que se aplica el beneficio:

a. Día Domingo 22 de Septiembre: 1. OBRA DE TEATRO PATEANDO PIEDRAS 2. JORGE ALIS y 3. PASCUALA ILABACA. b. Día Lunes 23 de Septiembre: 1. Cantata Víctor Jara de HOSKEN 2. BANDA LOS CELESTINOS y 3. LOS JAIVAS. c. Día Martes 24 de Septiembre: 1. TRIO MEMORIAL. 2. BANDA CADIMA Y 3. MANUEL GARCIA Y SU BANDA d. Día Viernes 27 de septiembre: 1. FISCALES AD HOK. 2. LOS MISERABLES. 3. MAURICIO REDOLÉS. 4. FDE 5. HORREGIAS.

4. Las entradas solo se podrán comprar en nuestra casa fundación ubicada en Almirante Riveros 067 a pasos de Metro estación Santa Isabel, en los siguientes horarios: de Martes a Viernes de 11 a 20 hrs. y sábado de 10 a 14 hrs. Solo se pueden comprar con dinero en efectivo.

5. Se pueden adquirir un mínimo de 10 entradas por organización y un máximo de 40.

6. Los cupos de entradas son limitados.

7. Una vez enviado el formulario será contactado por la producción del Festival para concretar la adquisición de las entradas.

 

MAS INFORMACIÓN  WWW.FAMVICTORJARA.CL

DÍAS DE NEGRO :  CLAN OF XYMOX EN CONCIERTO.

DÍAS DE NEGRO : CLAN OF XYMOX EN CONCIERTO.

Ciclo Aniversario Blondie Presenta:

«Clan Of Xymox Days of Black»

Viernes 27 Septiembre, 21:00 Hrs.

 

Luego de 4 años, Clan of Xymox vuelve al mítico club nocturno que vio nacer y crecer la movida dark gótica en Santiago, Blondie, que el próximo 27 de septiembre celebrará su aniversario 26 con la banda de Ronny Mooring, presentándose en el marco de su gira promocional para«Days of Black».

La larga trayectoria Clan of Xymox  posee un repertorio donde melodías de color negro han predominado y definido su sonido.  Su reciente trabajo de estudio “Days of Black” no es la excepción.  Si «Matters Of Mind, Body And Soul» (2014) bajaba los tonos oscuros, este nuevo trabajo los recupera con temas bailables como «Loneliness» y «I Need to be Alone»,  en contrapunto con composiciones emo-tivas como «Set you Free» «Your Kiis«, y los densos «Leave Me Be» o «I Couldn’t Save You». La envolvente y profunda voz de Ronny Moorings sigue siendo uno de los elementos claves en la ecuación sonora que la banda patentó.

Parte importante del repertorio que se escuchará el 27 de septiembre, proviene de DAYS OF BLACK,  sin embargo este nuevo encuentro con la banda, no dejará de lado el repertorio de discos tan importantes como MEDUSA TWIST OF SHADOWS,  y un recorrido por sus «grandes éxitos»

 

 

Venta de Entradas

 

Preventa 2: $10.000
Preventa General: $13.000
Puerta: $15.000
Ubicación Preferencia $20.000 (Solo 40 Cupos)

Venta Sin cargo y Pago en Efectivo:

Sonar: Paseo Las Palmas 017, Metro Los Leones.
Disqueria Indie Records, Eurocentro Local 0118

Fuente: comunicado oficial evento.

EL SUEÑO DE PATTI SMITH

EL SUEÑO DE PATTI SMITH

El próximo 18 de noviembre el Teatro Caupolicán recibirá a Patti Smith, una de las figuras más reconocidas de la antigua escena punk de NUEVA YORK, concretando, luego de años de gestiones, la esperada visita de la cantante y poeta.

 

 

 

Su nombre es referente de generaciones tanto por sus primeros días en CBGB, como por ser una de esas figuras que han formado parte de un imaginario cultural que traspasa lo musical.  Desde sus inicios ligada a la actividad artística a través de la poesía, la fotografía, la pintura, y la narrativa, PATTI SMITH,  ha sido, ante todo, un icono de la cultura alternativa en su país como en el resto del planeta.  Su aplaudido álbum debut Horses (1975), sigue siendo discografía fundamental en la crónica sobre quienes forjaron el camino de las mujeres en la música rock.

 

 

Su visita ha dejado de ser un sueño para sus admiradores, después de años de rumores y esperanzas alimentadas por entrevistas en medios nacionales sobre su gusto por las obras de Bolaño y Nicanor Parra, todo esto en el contexto de bulladas visitas a México que parecían acercarla a algo que aún era lejano.

Sin embargo, después de todos los intentos,  2019 es el año en que el sueño de Patti Smith tocando en Chile se materializa, al menos, el próximo 18 de noviembre cuando Patricia suba al escenario del ya mítico Caupolicán.

PATTI SMITH PARTICIPARÁ EN CATÉDRA BOLAÑO

 

La casa de estudios anunció esta semana la participación de SMITH en la célebre cátedra dedicada a la obra y figura del escritor Roberto Bolaño.   La declarada admiración de la artista hacia Bolaño, y la influencia que su literatura ha tenido en el trabajo de la también escritora, ha adquirido notoriedad en los últimos años a través de diferentes instancias mediáticas y artísticas en que la cantante ha dado a conocer su obsesión por el autor.

Cátedra Abierta, de la Universidad Diego Portales (UDP) nació como homenaje al autor de obras como 2666 y Los detectives salvajes y en reconocimiento como uno de los creadores latinoamericanos más relevantes del siglo pasado.

El encuentro aún sin fecha de realización, se suma a la agenda de actividades de la cantante en su priemera visita al país.

 

 

 

La venta de Entradas contara con dos etapas Preventa exclusiva para clientes de una compañía telefónica desde martes 6 de agosto del 2019 desde las 11:00 Horas y los precios irán entre $32.300 y $104.500.

Entrada general desde el jueves 8 de agosto 2019, con precios entre $39.100 y $126.500

EL ESPERADO REGRESO DEL ROCK GÓTICO: SISTERS OF MERCY EN CHILE

EL ESPERADO REGRESO DEL ROCK GÓTICO: SISTERS OF MERCY EN CHILE

Spider Prod y Atenea Producciones, traen a Chile a una de las agrupaciones más importantes del rock gótico, THE SISTERS OF MERCY, quienes llegan a nuestro país el jueves 14 de noviembre al Club Blondie de Santiago.

 

 

La banda inglesa nace en plena época del post-punk, convirtiéndose en la más destacada de la segunda oleada de bandas de rock gótico. Con el tiempo han sido influencias para bandas de la altura de Leonard Cohen, The Stooges o Motörhead.

Las entradas se encuentran a la venta a través de EVENTRID, y sin recargo en tiendas The Knife, Rockmusic y House Tatto Rock (Eurocentro y Portal Lyon), pagando en efectivo.

 

 

 

JUEVES 14 DE NOVIEMBRE – BLONDIE -22 HORAS

Confirma tu asistencia en The Sisters Of Mercy en Chile 2019

Valores:
$25.000 Preventa 1
$30.000 Preventa 2
$35.000 General

Venta on line: https://www.eventrid.cl/…/spi…/the-sisters-of-mercy-en-chile

CICLO CRÓNICA SONORA CONVERSACIONES

CICLO CRÓNICA SONORA CONVERSACIONES

Durante agosto, septiembre y octubre,Crónica Sonora invita al ciclo de conversaciones sobre cultura musical, en Librería Kalimera de Barrio Italia. Un ciclo dedicado al encuentro con diferentes actores del quehacer en torno a la música.

Las primeras sesiones del ciclo estarán dedicadas al oficio editorial en torno a la música bajo la premisa «Editar libros de música en Chile», y contará con la participación de los sellos editoriales PEZ ESPIRAL, SANTIAGO ANDER, EDITORIAL CAMINO y NO PATRIA EDITORIAL.

 

VIERNES 30 DE AGOSTO

La primera fecha de CRÓNICA SONORA CONVERSACIONES SOBRE CULTURA MUSICAL: EDITAR LIBROS DE MÚSICA EN CHILE,  tendrá como protagonista al sello independiente LIBROS DEL PEZ ESPIRAL, con la participación de su fundador y director Daniel Madrid junto al director de la Colección CARNADA – Música Chilena, el periodista y músico Gonzalo Planet, quienes conversarán con la periodista Rossana Montalbán, directora de Crónica sonora, para revisar el trabajo realizado en este ámbito a través de la publicación de destacados títulos de investigación como FICCIONES – LOS MIL DÍAS DE LOS VIDRIOS QUEBRADOS o SOL Y LLUVIA VOCES DE LA RESISTENCIA, e innovadores formatos como el tour book del emblemático disco FOME de Los Tres, entre otros trabajos.

 

 

El encuentro  se llevará a cabo el próximo 30 de agosto a las 19:00 horas, en el nuevo espacio de BARRIO ITALIA, KALIMERA TIENDA DE LIBROS, librería inmersa en la actividad cultural, patrimonial y turística del emblemático sector. Un espacio atendido por sus dueños y cuyos estantes reúnen lo más destacado de las editoriales y microeditoriales locales.

Cada charla contará con degustación de cerveza artesanal, cortesía de Delibeer.cl.

 

 

VIERNES 27 DE SEPTIEMBRE 

 

Crónica Sonora, conversaciones sobre cultura musical, «Editar libros de música en Chile»,  tendrá como protagonistas de su siguiente sesión al sello independiente SANTIAGO ANDER EDITORIAL, con la presencia de sus fundadores y editores EMILIO RAMÓN y PABLO BENAVIDES, quienes conversarán con la periodista Rossana Montalbán directora de Crónica Sonora para repasar su propuesta dedicada a la narrativa y a la cultura underground donde la publicación de libros autobiográficos sobre emblemáticas bandas como Políticos Muertos en Rock Paria y lo que en él se dice o El Peor libro de Chile, y de ensayos como Joy Division: El fuego helado, han renovado el catastro de lecturas musicales.

 

 

El encuentro se llevará a cabo el viernes 27 de septiembre, 2019 a las 19:00 horas en el nuevo espacio de BARRIO ITALIAKALIMERA TIENDA DE LIBROS, librería inmersa en la actividad cultural, patrimonial y turística del emblemático sector.  Un espacio atendido por sus dueños y cuyos estantes reúnen lo más destacado de las editoriales y microeditoriales locales.

Cada charla contará con degustación de cerveza artesanal cortesía de Delibeer.cl 

 

 

 

JUEVES 24 DE OCTUBRE 

 

La tercera fecha del CICLO CRÓNICA SONORA CONVERSACIONES SOBRE CULTURA MUSICAL: EDITAR LIBROS DE MÚSICA EN CHILE, está dedicada al trabajo realizado por EDITORIAL CAMINO,  sesión en la que se abordarán la reciente publicación de la edición ampliada del libro LA CANCIÓN PUNK DE LOS 80 EN CHILE, y el lanzamiento de PUNK CHILENO 10 AÑOS DE AUTOGESTIÓN, ambos títulos coeditados con NOPATRIA EDITORIAL. De ésto y más, el autor y editor Jonathan Lukinovic, y el autor y musicológo Jorge Canales, conversarán con Rossana Montalbán, directora de Crónica Sonora.

 

 

EVENTO EN FB 

 

EN ESTADO DE GRACIA

EN ESTADO DE GRACIA

 

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En ese mismo sendero, el blues es su gran influencia, palpitando en todo su trabajo. Jeff Buckley es un músico que lo practica con todas sus letras al momento de componer, cantar y tocar la guitarra, pues comprende cada uno de sus códigos, y posee su sentimentalismo y crudeza. Su lenguaje es poético, su estilo personal, canta y escribe con las penas del diablo; exorciza, y crea belleza. Grace es su máxima, huele a música del alma.

En Grace lo de Buckley es implícitamente ambicioso y perfeccionista. Toma referentes estilísticos clásicos para reconfigurarlos a su medida, casi siempre desde lo eléctrico. Mostrando credenciales, su voz tenor lo lleva a elegir tres diversas canciones ajenas para interpretar, porque Buckley es muchas veces un cantor cuya voz y Telecaster son capaces de hacer a Cohen o a Holiday; hombre o mujer, jazz o rock; blues o folk; amor, soledad; lo sagrado, lo pagano; la vida y la muerte; así es el imaginario y el repertorio del que canta, solo determinado por el acto en sí.

 

 

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MOJO PIN: La primera afirmación de todo lo que esbozamos al inicio; acordes emergiendo desde el silencio, la voz de Buckley evocando recuerdos y sensaciones: reconstruyendo una escena, una cama, un tacto. Su canto comienza a entrar en la ensoñación propia del delirio de quien necesita a alguien que, sólo puede ser sustituido, de forma pasajera, por ese “Mojo pin”, al que alude: “if only you’d come back to me, if you laid at my side, wouldn’t need no mojo pin, to keep me satisfied. Y regresamos a la realidad, en un estallido de guitarras y el coro: “Don’t wanna weep for you, don’t wanna know, i’m blind and tortured, the white horses flow, the memories fire, the rhythms fall slow, black beauty i love you so”. Su canto siempre en el lamento, un fraseo ligero que se suelta de su boca para ir más alto donde su registro vocal agudo y emotivo sube y baja una y otra vez. Jeff nos está cantando un blues todo el tiempo, entendiendo el blues como el canto del alma y nos está hablando de la esencia de todo esto al decir: “born again from the rhythm screaming down from heaven”, una idea que ronda en otras canciones.

 

 

 

GRACE: Remece desde los primeros acordes, describiendo un encuentro, la muerte, el amor, el renacer a algo. Quién sabe. Un tiempo ha llegado. Así lo describen los versos : “There’s the moon asking to stay / Long enough for the clouds to fly me away / Well it’s my time coming, i’m not afraid to die”. Mientras que en el siguiente verso, nuevamente la impronta de quien entiende el hecho de cantar, de portar la voz: “My fading voice sings of love, But she cries to the clicking of time, Of time”. Potente melodía electroacústica, configurando a su manera el rock y el folk. El medio tiempo siempre balanceándose hasta cierto punto, de ida y de vuelta en medio de los juegos y contraposiciones de cuerdas y arcos, vitales en el sonido translúcido de la canción, jugando con la intensidad y un coro en segunda línea en el último puente, apoyando a la voz de nuestro Buckley. Es ahí cuando el tiempo del que nos habla se detiene y el sonido de un “tic tac” contando el compás, va y viene,  como cuando nos dice “wait in the fire”, para luego volver a zarpar y terminar arriba en guitarras y voz. Su letra, inseparable de lo que su voz y la sonoridad transmiten, es intensa y redentora como la naturaleza de lo que se está manifestando en la vida de quien canta: “Oh my love, And the rain is falling and i relieve My time has come / It reminds me of the pain I might leave, Leave behind”.

 

LAST GOODBYE: Probablemente la más groovie del disco, un juego de slide y una línea de bajo súper marcada y pegajosa en su comienzo. Una clásica balada de medio tiempo y delicados arreglos que le dan el dramatismo de la despedida: Kiss me, please, kiss me / But kiss me out of desire, babe, and not consolation, You know, it makes me so angry ’cause I know that in time / I’ll only make you cry, this is our last goodbye”.

 

LILAC WINE: Es en este momento cuando el músico, el cantautor, nos dio una clave vital para entenderlo, y que evidentemente, una vez fallecido, con las publicaciones póstumas, quedó aún más claro. En esta lista Lilac Wine es la primera apropiación de un tema ajeno, que más adelante volveremos a encontrar. Si bien “Hallelujah” de Leonard Cohen es por antonomasia uno de los mejores covers, al menos, de los noventas, uno de los mejores covers a Cohen, y uno de los mejores covers que hizo Jeff en vida,  ya sabemos, que sólo es uno de muchos.

 

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Lilac Wine, originalmente cantada por Eartha Mae Kitt y Nina Simone, dos de las bellezas negras que Buckley adoró y tributó cuanto pudo, nos lleva a todo lo que nutre su música y que por sobre todo define su manera de cantar e interpretar: la melancolía propia del blues. Siempre desde el desgarro, la elegancia y armonía del jazz, precisamente, en este momento, donde su prodigiosa voz se pone al servicio de una pieza jazzística para cantar sobre la borrachera interminable de quien pierde a su amor:i lost myself on a cool damp night, gave myself in that misty Light / was hypnotized by a strange delight under a lilac tree”/ “i made wine from the lilac tree, put my heart in its recipe/ it makes me see what i want to see, and be what i want to be/ when i think more than i want to think, do things i never should do/ i drink much more that i ought to drink, because i brings me back you”, / “Lilac wine, is sweet and heady / like my love, lilac wine, / i feel unsteady, like my love”.  De manifiesto su fascinación por las voces femeninas y su afición al travestismo vocal, algo que pocos y talentosos cantantes masculinos pueden hacer de manera tan fluida.

 

SO REAL: Vertiginosa y confesional, Buckley parece empeñado en sacar todos los tormentos afuera. Un crudo y suelto riff en aparente calma, marca todo el tema, junto a las divagaciones que la letra describe de manera más bien críptica: “Love, let me sleep tonight on you couch, and remember the smell of the fabricof your simple city dress, oh… that was so real” / we walked around til the moon got full like a plate / the wind blew an invocation and i fell asleep at the gate”La guitarra va subiendo a medida que se intensifica la confesión, hasta explotar en una suerte de mareos sónicos. Porque lo que se presenta como íntima afirmación es el retrato de las emociones ambivalentes y el vértigo ante el más poderoso de los sentimientos que experimentamos los seres humanos: “i love you, but i’m afraid to love you, i love you, but i’m afraid to love you, i’m afraid / oh… that was so real”.

 

HALLELUJAH: En este recorrido por Grace, una segunda y profunda aproximación a lo que Jeff Buckley es como intérprete, y cómo toma lo que de cierta forma pareciera pertenecerle, porque Buckley inicia un diálogo cuando toma a Cohen, a Simone, a Piaf o a The Smiths. Si Leonard Cohen había ido lejos al tomar este mito católico sobre el Rey David como recitan sus primeras líneas “I heard there was a secret chord, That David played and it pleased the lord”para iniciar toda una metáfora sobre lo trascendental de la vida en cada una de sus expresiones más mínimas, reales y salvajes: “Baby I’ve been here before, I’ve seen this room and I’ve walked this floor / I used to live alone before I knew you / I’ve seen your flag on the marble arch / But love is not a victory march / It’s a cold and it’s a broken hallelujah”. Porque Hallelujah es metáfora, incluso ironía, cuando se está haciendo referencia en tono “sagrado” o “místico” a las enseñanzas que la vida con sus diferentes ribetes puede dejar: Well, maybe there’s a god above / But all I’ve ever learned from love / Was how to shoot somebody who outdrew you / It’s not a cry that you hear at night / It’s not somebody who’s seen the Light / It’s a cold and it’s a broken hallelujah” En clave gospel y canto religioso, como parte de esta metáfora construida por Cohen al componer la canción. Buckley toma, probablemente, como modelo la versión hecha por JOHN CALE en 1991, incluso con cierta solemnidad, y quizá, abrumado cuando nos deja escuchar ese suspiro antes de comenzar a interpretar casi a capela, sólo acompañado de la guitarra. Nuevamente su voz, el principal instrumento en todo esto, su color, su altísimo registro y su intensidad estremecen hasta los huesos.

 

 

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LOVER YOU SHOULD´ VE COME OVER: Enfrentados ya con todo lo que nos conmueve desde lo más profundo, Lover you should´ve come over” es la poesía que nace de la ausencia, el deseo y el desconsuelo. Órgano y guitarra acústica; con los clásicos códigos del folk rock, describe entre metáforas y palabras sencillas, la miseria y la procesión que dejan los amores perdidos, los amores rotos: Looking out the door I see the rain fall upon the funeral mourners / Parading in a wake of sad relations as their shoes fill up with water” / “I’m broken down and hungry for your love / With no way to feed it  / Where are you tonight? Child, you know how much I need it”. Porque en estos términos nos movemos en el universo de un compositor que está exponiendo el alma con su música, reflexiones y dudas que penan, la ambivalencia nuevamente“And maybe I’m too young, To keep good love from going wrong, But tonight you’re on my mind so (you’ll never know)” / “Too young to hold on and too old to just break free and run”. Jeff Buckley nos lleva en sus letras al sentido trágico de las cosas: So I’ll wait for you… And I’ll burn, Will I ever see your sweet return, oh, or will I ever learn”Acompañado de un sutil coro de apoyo, lleno de aires soul y gospel en los términos de Buckley“Caus It’s never over, my kingdom for a kiss upon her shoulder  /  It’s never over, all my riches for her smiles when I sleep so soft against her… / It’s never over, all my blood for the sweetness of her laughter / It’s never over, she is the tear that hangs inside my soul forever”Es este mismo sentido trágico en el que se mezclan la pérdida, el requerimiento y la espera. Aunque todo esté perdido, cantando con devoción a quien aún se ama con devoción: Sweet lover, you should´ve come over / Oh, love well I’m waiting for you / Lover, you should’ve come over… Cause it’s not too late”. 

 

Grace

 

CORPUS CHRISTI CAROL: Buckley elige al enorme Benjamin Britten, pianista inglés, compositor y director de orquesta. Britten, a quien reconocemos entre los grandes nombres de la música clásica del Siglo XX, debía tener una cualidad específica que llevará a Buckley a invocarlo de esta forma, entendiendo el diálogo del músico con la interpretación vocal; palabra clave, además del oscuro sentido de la pieza escogida. Precisamente, la obra de Britten está enfocada a la música vocal y a las emociones transmitidas por los tonos y armonías de la voz. Buckley no se equivoca, y como el cantor que es, se desdobla vocal y emocionalmente para meterse en la piel de lo que está interpretando. Celestial, majestuoso, ya ni siquiera es Buckley; un espíritu ha emergido de su garganta para cantar los versos: “Lu li lu lay lu li lu lay / The falcon hath born my mate away / And on this bed there lieth a Knight / His wound is bleeding day and night / By his bedside kneeleth a maid / And she weepeth both night and day”.

 

 

ETERNAL LIFE:  Quizá, sin saberlo nuestro hombre escribe su propio epílogo: “Eternal Life is now on my trail, Got my red glitter coffin, man, just need one last nail, While all these ugly gentlemen play out their foolish games. There’s a flaming red horizon that screams our names”El decibel es alto y la rabia marca la pulsión; quemando puentes, Buckley se alinea con el sentido maldito del rock n roll.

DREAM BROTHER: El adn de ésta última dice entre otras cosas: Led Zeppelin. Cadenciosa, exótica y lisérgica; su sonido parece alimentado por los grandes momentos del Physical Graffiti. Tenemos claro que Jeff Buckley aprendió muchísimo de Zeppelin, desde el travestismo vocal que Plant ya practicaba en los sesenta y en la relectura del blues en la voz y la guitarra. Dream brother oscura y misteriosa: “That dark angel he is shuffling in, Watching over them, with his black feather wings unfurled”/ Dream Brother with your tears, scattered round the World”Se hacen presentes los demonios del abandono de su padre Tim Buckley: “Don’t be like the one who made me so old, Don’t be like the one, who left behind his name, ‘Cause they’re waiting for you like I waited for mine….And nobody ever came”.

Un cantautor, por ese entonces, en pleno ascenso, encaminado a ser el favorito de la industria, encaminado, quizás, a ser estrujado por ella, ya alabado por pares y predecesores, y cuya abrupta muerte deja todas esas interrogantes de siempre ¿qué hubiese pasado si estuviera vivo?  ¿ su música sería tan valorada si él aún estuviera grabando discos? ¿Qué música estaría haciendo hoy?. ¿Y si hubiese hecho otro disco tanto o más bello que Grace, quién sabe? Resulta inevitable pensar que, probablemente con vida, su obra y su impronta hubieran caminado menos estelares como un buen secreto a voces, respetado, citado pero sin ese exceso de «gloria» que la muerte, muchas veces entrega. Quizá, la muerte lo embellece todo.

ÁLBUM 5: POBLACIÓN CRIMSON – PARTE II

ÁLBUM 5: POBLACIÓN CRIMSON – PARTE II

La Paz (un comienzo)

 

La verdad, es impensable que King Crimson sea una expresión artística de consumo masivo en Chile y en otros lugares de Latinoamérica, tanto o más que en Inglaterra, Australia, Estados Unidos u otros países de cultura primariamente anglosajona. Y sin embargo lo es. La verdad, se trata de un fenómeno de colonización, de economía social, claro, y más que eso, ¿pero qué es la verdad?

La verdad es que no fui a La Paz con mis amistades del colegio. Me tomé un bus hacia Iquique desde Cochabamba con mi camarada Quisco tras el carnaval de Cotoca, pero el resto del grupo sí siguió hacia la capital.

La verdad es que no estoy escribiendo esto en el barrio Yungay, sino en el silencio inquietante de una biblioteca privada en Brooklyn, el Center for Fiction —inquietante porque ahora mismo este país vive una emergencia de terrorismo de Estado nazi-capitalista, antimigratorio, clasista, racializador, contraindígena, misógino, deténganse: deténgase por un momento la complejidad enorme de cada uno de los males enlistados, la rapidez con que esos términos abren y cierran mundos enteros, sistemas, cosmos, con solo enunciarlos: paz. Ahora volvamos a la lucha, pero la verdad es que no estamos en ningún campo de batalla y sí lo estamos a cada momento, en cada lugar y situación de Estados Unidos.

La verdad es hay una belleza devastadora en las canciones lentas de King Crimson, y que también sus temas rápidos y exactos tienen también una fuerza devastadora; devastadora es la palabra clave. Es devastador también el índice de femicidios en Latinoamérica, pero también lo es en comparación con estos otros países que se piensan avanzados y donde los Crimson son considerados dinosaurios.

La verdad es que no he ido todavía a La Paz. Y que en la fiesta del barrio Yungay me doy cuenta de que habría que escribirle un epitafio al hombre viejo, a esa masculinidad excluyente del letrista original de los Crimson, Peter Sinfield.

 

 

¿Cómo empezar a vivir de nuevo, cómo salirse del epitafio y del archivo y de la memoria de la desaparición y de la dictadura de la muerte sin perder la raíz, el vínculo y el respeto por quienes dieron su cuerpo, su trabajo y su comunidad para que pudiera yo o cualquier otra persona imaginar una perdurabilidad y un goce más acá de eso que quiso extinguirles? ¿Con qué forma relacionarme conmigo mismo sin ejercer el imperio del hombre, aunque mi biología apunte, siempre apunte a continuarlo?

      Una voz canta con eco al comienzo del tema.

 

 

Dice que no soy El Último Hombre ni el Primero, ese que quiere renovar su nombre al tomar el de la montaña, el del fuego, el del viento, y que además reclama un lugar fundacional en un cuento, en la historia, y que a través de narrarse, dice, nunca morirá. La balada Peace (A Beginning) de King Crimson es una figura musical que repite su melodía una y tres veces a lo largo del universo de su disco, sobre el silencio inquietante del Center for Fiction, entre la bulla de la fiesta en Yungay. Es lo que en composición se llama el tema musical, y su centralidad provee un soporte fijo —una certeza, una expectativa— sobre la cual cantar variaciones históricas, innumerables cuentos que siempre terminan, sin embargo, de la misma manera: “I am. I never end”.

¿A costa de qué, de quiénes nace este whitmaniano, nerudiano hombre de identidad instantánea, firme y eterna? ¿Acaso la historia existe a costa de la montaña, del fuego, del río y del viento?

Aun así, esta versión del tema termina con tres lentas notas discordantes en guitarra, fuera de la lógica de la melodía. La verdad: cuerda y cordis —el corazón— son frágiles al extremo de su tensión, cuando recién han nacido y en su ancianidad. Todas las personas somos en el mejor de los casos individualidades precarias, alguien que necesita ayuda: una Cría y una Deidad.

       Ese es un comienzo. 

 

 

 

 

Criatura alunada

Al pulsar la cuerda de una guitarra, la nota se extinguirá en unos segundos. Es la naturaleza del metal tensado, de su vibración. Hasta que se le enchufa la corriente, cuando se extiende por el tiempo y sin embargo no ocupa más espacio que los dedos humanos que la pulsan, el oído de quienes la reciben y la electricidad que la sostiene.

No. Tal vez no puedo estar en la fiesta de Yungay, en Oruro, en el Center for Fiction, en Santiago y en Lima al mismo tiempo; eso consumiría bastantes cantidades de espacio simultáneo, lo cual es una de las condicionantes de la energía. Para que la guitarra de Robert Fripp adquiera su sonido característico, ese sustain que la vuelve parecida al melotrón —y que chupa lo que cinco refrigeradores y que suena como una sección completa de cuerdas de orquesta— debe convertirse en la montaña —su agua que cae—, en el fuego —su chispa—, en el río —su represa—, en el viento —sus molinos—; es decir, necesita aprovechar junto a la electricidad de su entorno la totalidad de la amplitud de onda de quienes escuchamos.

En la Teoría del Último Hombre, el sujeto en cuestión es un consumidor de la Tierra, se expande a través de ella, se apropia y la utiliza a sus anchas, reclama el nombre del planeta como el suyo y asegura que nunca se acabará. La guitarra de Fripp al comienzo de Heroes, de David Bowie, se sostiene en el tiempo, en el espacio, en los delfines, en el océano donde éstos nadan, para crear la ilusión de que podemos ser reina, rey, Rey Carmesí, héroes de la guitarra, por un día que sea, sólo porque amamos algo. Eso está bien. Elijo quedarme con la melodía, con el efecto exquisito de la melodía y el timbre eléctrico sostenido en el cuerpo, en la cosquilla de lo potencial, de poder realizar algo que se extiende para siempre y más allá. Me quedo con la ilusión de esa voz que grita de tanta la emoción, no con la letra amusical, desencarnada de esta otra, Moonchild, canción fundadora de la discografía de los King.

 

Pues para un nuevo tipo de hombre sacrifico el consumo de todas las otredades a la Cría y Deidad que nace.

 

            Call her moonchild

            Dancing in the shallows of a river

            Lovely moonchild

            Dreaming in the shadow

            Of the willow.

 

 

Nuestra energía no dependerá más del consumo y del pago. No seremos ya eléctricos, vanguardistas, modernos, y sin embargo sostendremos la nota desafiante: seremos heroína, ese golpe de euforia y esa liberación de toda una masa reprimida —pero “not just for one day”, sino para toda la vida. Seremos las crías, las crianças, no los hijos —no los de la dictadura, no los descendientes de la electricidad para todos los chilenos, sino las del proyecto setentero de una sociedad igualitaria en el fin del mundo o en la luna, la utopía de Salvador Allende y la de Ursula K. Le Guin fusionadas.

Así que los siguientes 6 minutos de esta canción progresiva en que mi Teoría se está convirtiendo por escrito, como en Moonchild, serán de silencio relativo, porque de repente viene un camión traqueteando suelto por la calle y rompe la fantasía acústica de esta biblioteca privada brooklyniana.

        Escuchemos de esta forma la armonía, Criatura y Deidad. 

 

 

 

 Preludio (canción de las gaviotas)

Escuchémosla directamente desde el instrumento al aire y del aire a la piel y el oído. Si no hay electricidad, ¿cómo construirá el mundo la nueva criatura humana?

Todas las partes, de igual forma, tendrán que ser reunidas por alguna mano. Ya no estoy en muchas partes a la vez, sino ahora frente a un ensamblaje de violines, violas, chelos, contrabajos, cuerdas, cuerdas, cuerdas, arcos, arcos; tensión, resolución; tejido denso de nada más que la madera y el metal.

Leía la otra vez de cómo el disco Islands fue la disolución del grupo de músicos sesenteros que rondaban por King Crimson, esos idealistas, esos que andaban a sus anchas por los espacios naturales mientras tuvieran a su disposición la electricidad suficiente para enchufar sus aparatos. El guitarrista Fripp registró el grupo como suyo y despidió al letrista, quien convenció al vocalista y al bajista de seguirlo a donde pudieran seguir hablando de la paz entre los hombres del mítico reino encarmenado de Inglaterra.

        Entonces, si no hay electricidad, ¿quién serás tú, Cría y Deidad?

 

 

 

Un conjunto de instrumentos antiguos, clásicos para el hombre ese que se extingue, recibe una composición crepuscular del ahora guitarrista solitario. El sentimiento que provocan sus entramados crea de verdad una realidad: estoy sentado únicamente frente al océano, ya no en Yungay ni en La Paz ni en Lima ni en Machalí ni en un estudio de grabación en London, ni en un mesón silencioso y rodeado por el ruido de un refrigerador en el Center for Fiction. A la orilla del mar —a costa de qué—, ya no hay aves rapaces, no hay ruiseñores ni blackbirds ni gorriones, solo gaviotas.

 

            ¿Qué es lo que preludia una bandada de gaviotas?

            Una embarcación repleta.

            Un cardumen.

            Una muchedumbre.

            Y que habrá alimento, satisfacción, para todas las partes del conjunto.

 

Islas

El piano, ¿cómo nos llevaremos de aquí el piano sin que se llene de agua?

 

            El chelo, ¿cómo nos llevaremos el chelo sin que se llene de agua?

            La flauta, ¿cómo nos llevaremos la flauta sin que se llene de agua?

            El saxo, ¿cómo nos llevaremos el saxo sin que se llene de agua?

            Tal vez el melotrón se hundirá irremediablemente.

            El bajo, ¿cómo nos llevaremos el bajo?

            La batería, ¿cómo nos llevaremos todas sus partes?

            La guitarra, ¿cómo nos la llevaremos?

            La voz masculina, ¿cómo?

 

 

Tal vez tienen nomás que llenarse de agua. Sólo así flotarán apenas, caóticamente, en un extendido solo final. Para que salgamos de una vez de las islas y lleguemos a un continente sin invasión, de mutuo acuerdo, ofreciendo únicamente un pulso y un timbre a quien quiera sumarse.

 

Un trío

Porque hay una erótica diferente y radical en el rock progresivo, que es lo último que puede ofrecer y sí, quizá por eso King Crimson, Pink Floyd, Rush, Genesis, Yes, tantos otros sean expresiones artísticas de consumo casi masivo entre los hombres de Chile y otras poblaciones de Latinoamérica. Es la erótica del goce compartido sólo si se basa en lo experimental informado, en lo sensorialmente insaciable.

Pido a la Cría y a la Deidad que metamos eso dentro de esos instrumentos flotantes rumbo al lugar nuevo donde llegaremos a ser instrumentistas secundarios, voluntariamente la base rítmica y no ya la voz cantante —que hace rato la mujer es la que la lleva en la construcción de la utopía.

Se hunde, eso sí, la homosocialidad excluyente en la erótica de King Crimson.

Sólo llega a las nuevas costas, entre gaviotas y redes olorosas, el sexo instrumental, armonizador y creativo entre sus integrantes.

¿Cuántos orgasmos por tocata tuvieron el violinista, el guitarrista y el bajista durante su Trio?

 

 

 

Epitafio (La Paz)

 

Y cada orgasmo que pido conservar en los dormitorios cerrados al final de esta fiesta en el barrio Yungay, en los baños termales donde paramos a tomar una noche rumbo a Cotoca en Bolivia, en el genderless restroom de esta biblioteca privada con posterioridad a los lanzamientos de libros de tapa dura, te prometo, Cría y Deidad, que no se extinguirá con la huella del paso del tiempo en los cuerpos de los instrumentistas, ni con la represión del deseo propia de los grupos de hombres viejos, no.

              Será amplificado por una nueva electricidad.

 

 

Una electricidad generada exclusivamente por los encuentros físicos intensos, donde los cuerpos realizan variaciones de velocidad y de ritmo que se coordinan a voluntad cuando es necesario, cuya velocidad pulsatoria se hace sublime y arrebatadora, en los cuales la batería y el bajo y lo que queda del melotrón, ahora conectado a nuestra propia fuente de energía, desmienten las letras miopes, falsamente fatalistas, misóginas, los llantos sin fluido de ese Peter Sinfield, quien dejó a su enamorado Robert Fripp porque éste ahora quería hablar de plata y de poder, y su lírica escapista no lo resistía —así puede llegar a ser el sexo en el capitalismo agonizante: grandioso, elegíaco, final, el epitafio del epitafio, la tautología del lamento. Lágrimas secas.

       Esta instrumentación fluida, en cambio, jamás se extinguirá.

 

Así también el viento en la playa de las gaviotas donde llegamos navegando encima de nuestros instrumentos flotantes, con la huella del orgasmo viva; con la paz de haberla incorporado a un cuerpo nuevo, Cría y Deidad.

 

Bajo este cielo sin estrellas

 

Entonces se entiende que el resto del melotrón, la firme batería apaciguadora, el bajo paciente, dan la bienvenida a una guitarra sostenida y bien entrelazada al saxo de Starless, ya no un lamento, sino un canto de amor entre compañeros, colegas, camaradas, vecindad. Es el amor de quienes viven apretados, en las buenas y en las malas, al borde de la legalidad de los hombres, sin identidades masculinas tradicionales ni reglas de propiedad, sólo el virtuosismo de crear riqueza donde no parece que pueda brotar, belleza donde nada más hay sitios eriazos y carreteras, energía eléctrica sin cableado; el amor de quienes ocupan el espacio en virtud del cohabitar obligatorio, pese a sus súbitos temas violentos buscan siempre llenarlo con una canción que los mueva, traficando lo que haya que traficar para conseguir que el grupo asegure su existencia, pasando de lo sublime a la dureza de un bajo seco con una guitarra en acorde a la espera de algo que puede caérsenos encima de un momento a otro aunque no lo vemos, porque no hay estrellas en la pobla, en la chabola, en el cante, en la champa, en el barracón, en la villa, en la favela, en la colonia, en la barriada, en los projects de Latinoamérica donde escuchamos y escuchamos al Rey Rojo Sangre, donde la única religión es la biblia negra del narco y la muerte posible a manos de quienes quieren tu dominación y tu territorio, la invasión de otro imperio consecutivo más, y entra en este momento la batería dura, el fierro, el acorde se vuelve distorsión, un riff tenso que sube y sube y hallamos también luz en la carne cuando ésta es abierta por una cuerda afilada, vuelan lejos las gaviotas de ciudad, de río, de alcantarilla, y los golpes percusivos son objetos contundentes que caen, una espera de efectos sonoros y una suma de gritos de saxo, saxo, saxo, una liberación de free jazz o de raggatón con la melodía tranquila de vientos antes del ataque final de la electricidad de los cuerpos en esta fiesta, y ya no estoy en otra parte sino en la balada final, en la despedida del enorme melotrón que se hunde por el canal y cierra la ruta a la isla del viejo hombre sin estrella.

 

 

 

¿DE QUÉ HABLAMOS CUANDO HABLAMOS DE DISCOS? :  MALDIGO LO PERFUMOSO

¿DE QUÉ HABLAMOS CUANDO HABLAMOS DE DISCOS? : MALDIGO LO PERFUMOSO

Cuando pensé en escribir para Crónica Sonora una columna de música, lo primero que se me ocurrió fue agarrar un árbol genealógico y dejarlo sin agua, mirarlo de afuera y verlo disecarse y que se pareciera a esos mapas antiguos con manchas de café desde el bisabuelo hasta ese pelotudo anti aborto que existe siempre en una familia y habla de los que aún no nacen.

Mi idea era empezar con Nick Cave y llegué a escribir de casi todos sus discos, desde Boys Next Door a los Birthday Party a los Bad Seeds y todo cambió cuando llegué al Let Love In, cambié de opinión.

 

 

Hacer una columna que se trate de discografías completas es algo que me parece muy necesario pero es algo que hoy no me interesa. Obvio que es bacán leer a esa gente obsesiva que te escriba de todo y de todo y de absolutamente todo y aunque algunos crean que la adultez se trata de escribir cada vez más o que dejar de reincidir, es como jugar mejor al scrabble, hoy partiremos con una nueva columna. Esto para mí es respeto, para otros se llama narcisismo.

Suele suceder en demasiada gente esa cosa rara de que tratar de explicar cómo chucha llegaste a algo, es una especie de sinónimo del narcisismo. Y yo ya estoy tan pero tan cansado de explicar estupideces que me pondré a escribir de nuevo. Esta columna se va a tratar de discos que para mí, han cortado en 2 pedazos la historia de una banda o mejor dicho, que han reescrito la historia de una banda. Vamos a partir con el Let love In.

 

 

 

 

Nick mirando al cielo, 2 pezones en rojo y Let Love In tatuado en su pecho. ¿Por qué poner el Let Love In para empezar una columna llamada maldigo lo perfumoso?

 

 

 

Bueno. No me interesa hablarles de toda la época berliniana de Cave porque para eso existe Wikipedia pero en Berlín saca sus primeros cuatro discos y entre medio se separa de Anita Lane y empieza a escribir su primera novela, y deja Berlín y se muda a Sao Paulo y entre el 90 y el 91 graba The Good Son y nace Luke, el hijo que tuvo con Viviane Carneiroque y aún ni llegamos a hablar del Let Love In.

 

 

 

Saca el Henry´s Dream en el 92 y se va de Brasil y se muda a Londres y se la pasa todo el 93 con la gira del Henry y en el 94 nace el Let Love In.

Hablemos de la importancia del Let Love In, descontando que mil años después las campanitas de «Red right hand» se hicieron famosas por Peaky Blinders. Lo primero que podemos decir de esta nueva dirección que toman las obsesiones de Cave, es que no es casual que el disco parta preguntando en la canción uno «Do you love me?» y termine en la 10 con la misma pregunta. Let Love In parte en la 1 con “Do you love me?” y el final del disco termina con «Do you love me?» part 2. Es como pensar que George Michael cuando le llamó al Listen without prejudice vol 1, sabía que no habría un vol 2.

 

 

Si Lacan decía que una carta ya llegó a destino al ser escrita, o que toda verdadera pregunta debe contener en sí misma el hecho de no ser respondida, el Let Love In es esa pelea entre Eros y Thánatos y Sisifo haciendo de cupido. Si alguna vez Jarvis Cocker deletreó el «Feeling called love»  para hablar de “eso” llamado amor es porque deletrear es demostrar el límite de la metáfora y lo real de la letra. De la misma forma, Nick Cave deletrea «Loverman».

 

L is for LOVE baby

O is for ONLY you that I do

V is for loving VIRTUALLY everything you are

E is for loving almost EVERYTHING that you do

R is for RAPE me

M is for MURDER me

A is for ANSWERING all of my pryers

N is…

 

 

«A is for answering» dice Nick Cave mientras se reinventa a sí mismo, se calza la sotana de crooner y le pregunta a los astros, a los sabios, a los libros sagrados y a los analistas lo que tampoco respondió Carver: ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor?

 

 

 

 

 

 

Tres notas sobre King Crimson: Un primer día en la corte  (I)

Tres notas sobre King Crimson: Un primer día en la corte (I)

En algunos meses se cumple medio siglo de la publicación de In the Court of the Crimson King. Con ese disco se iniciaba una historia que todavía parece seguir abriéndose, con bifurcaciones, detenciones, senderos de aparente continuidad y tramos discontinuos que la interrumpen. Su tan esperada visita a nuestro país, programada para octubre de este año, parece hacer indispensable trazar unas notas, dar un vistazo a una discografía irregular, rigurosamente irregular, como pocas que hemos tenido la oportunidad de apreciar en esta última cincuentena de años. Discos extraños, en extremo singulares, que inician una jornada con un vistazo –o más bien, una escucha– de golpe, a esa corte del Rey Carmesí.

 

 

 

Su primera formación empezó ensayando en enero de 1969, para debutar en abril de ese mismo año. In the Court of the Crimson King, que vio la luz el 10 de octubre de 1969, nos depara una primera escucha impactante, en varios sentidos. Es un disco muy duro, imantado por esa extraña mezcla de blues, cuyos extremos podrían ser los primeros trabajos, de esa misma época, de unos Blue Cheer o unos Family. Pero la pesadez de los riffs que definen el tema que abre el disco –“21st Century Schizoid Man”– y los rasgos de psicodelia, completamente inesperables, que se extienden hasta llegar al broche final con “In the Court of the Crimson King, conviven sin mediaciones con la dulzura y con la desolación entremezcladas en “I talk to the Wind” o en “Epitaph”. No es raro que la hermosa balada “I talk to the Wind pueda parecer un primer quiebre, una primera marca de esa coexistencia que deja sus huellas en In the Court…Una vuelta de tuerca a un tema aparecido en el primer y único álbum de Giles, Giles and Fripp, The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp, publicado por Deram Records un año antes de la formación de King Crimson, posee un aire casi bucólico, plagado de muchas voces y marcado fuertemente por los vientos – que anticipa esa atmósfera de las primeras placas de los canterburianos de Richard Sinclair, Caravan.

 

 

Un preámbulo de hard rock lento, pesado y machacón da paso entonces a un aire de folk, que con la dulzura de sus vientos nos puede decir al oído, desorientándonos: “Le hablo al viento / Todas mis palabras se las ha llevado / Le hablo al viento / El viento no oye / El viento no puede oír”. Si todavía hay dulzura, ella está crecientemente teñida con “confusión, desolación”, como quien “está afuera mirando hacia adentro”. Al dar el paso siguiente, el tono irá cambiando, introduciendo más desconcierto para un disco que nos hace transitar de un extremo a otro, y que quizá nos muestra ya las modulaciones que darán forma a esta historia de sonoridades irregulares, que no dejan de ser la construcción misma de una sonoridad extraordinariamente singular. “Epitaph”, el tercer corte de este primer disco, da una de las claves más conocidas para esta oscilación anímica, para la verdadera ciclotimia que anima al larga duración. “La confusión será mi epitafio / Mientras me arrastro por un camino agrietado y roto / Si lo hacemos, todos podemos sentarnos / Y reír / Pero me temo que mañana estaré llorando / Sí, me temo que mañana estaré llorando / Sí, me temo que mañana lloraré”.

In the Court of the Crimson King es un disco irregular, incluso una seña para toda una posteridad. Pero es un disco redondo, globalmente irregular. Y ese quizá sea su fuerte. Grandes masas sonoras, donde los momentos casi al unísono entre las cuerdas y el mellotrón, solo permiten discernir las diferencias tímbricas, se entrelazan con inesperados asomos de tranquilidad o de calma espacial, que incluso podrían ser cercanas a la desolación del espacio que habría inquietado a un H.P. Lovecraft bajo el nombre de “horror cósmico” ( podemos pensar en el cuarto tema del disco, “Moonchild” ). Un disco fuerte, pero tenue a la vez, como si estuviera lleno de ira, pero como si no fuera más que tristeza. Como el mismo arte de la portada del disco, una pintura de Barry Godber, que quizá podría decir mucho. El rostro de la portada (¿de afuera?) es el del Hombre Esquizoide, en el interior (¿el adentro?) vemos al Rey Carmesí. Robert Fripp nos recuerda sobre esa primera portada: “si cubres la cara sonriente, los ojos revelan una increíble tristeza. ¿Qué más se puede agregar? Refleja la música”.  

 

 

¿Quién es King Crimson? En este primer intento: Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald. Un quinto miembro, Peter Sinfield, será el encargado de las líricas, del diseño y la iluminación de la banda en escena y en un sentido estricto, del concepto mismo de las más tempranas encarnaciones de esta banda de gitanos, de este pueblo nómade. Fue él quien acuñó el nombre para este Rey de extraña cabeza; no es muy claro si se trata del príncipe de las tinieblas o de un monarca cuyo calificativo vendría de un reinado sangriento. Lo cierto es que como sucede cuando se marcan lugares inciertos lo mejor es dejar la puerta abierta a la imaginación. Extraña cabeza del rey. Si salimos de su primer disco y nos acercamos a su segundo larga duración, In the Wake of Poseidon (1970) encontraremos varias similitudes con su predecesor. También hace gala de un ánimo maníaco-depresivo, contrastando momentos serenos que revelan no ser más una especie de ánimo contenido en medio de la explosión. La formación ya no es la misma, pese a que Greg Lake ha mantenido las voces sin ser ya parte de la banda, y Giles y McDonald también han dejado a Fripp. Empezará una rotación habitual y acelerada de miembros, lo que llevará a considerar muchas veces a Fripp como el líder o incluso a identificar su nombre con el de la banda.

 

 

Con una nutrida sucesión de formaciones –por ejemplo, una primera que duró un año, una segunda que no durará dos años, una tercera que durará poco más de dos años, solo por mencionar el primer y corto tramo de su recorrido–, e incluyendo modificaciones internas en cada una de ellas, todo nos haría pensar que Robert Fripp es el amo y señor, el verdadero Rey en la corte. Sin embargo, en más de una ocasión Fripp ha podido decir que Crimson es algo que lo supera con creces, a lo cual debe responder y que lo convierte en un instrumento más. ¿ Fripp, un caballero más en la Corte? Cuando Greg Lake dejó la banda, poco después de la aparición de su primer disco, y tentado por el lugar que le deparaba la naciente Emerson, Lake & Palmer, lo hacía justamente por su impresión de que Crimson se descomponía. Y si miramos la historia, podríamos decir que no deja de hacerlo en cierto sentido. Para Fripp siempre es algo más poderoso, “demasiado importante como para dejarlo morir”. Fripp quisiera creer que se trata de descubrir qué es lo que hace sobrevivir a Crimson.King Crimson tiene una vida propia, pese a lo que sus miembros digan y hagan”. Incluso, el enorme interés que suscitó desde su perentoria disolución de 1974, que mantuvo a la banda inactiva durante cerca de seis años, hace creer que hay una energía potencial disponible, que alimenta a la banda manteniéndose en un extraño estado de suspensión.

La irregularidad de King Crimson sólo puede ser entendida en un sentido positivo: hacer de cierta deformación de las reglas un atributo y una forma de rigor. Si se puede escuchar un hard rock en estado naciente, un aire de folk nostálgico con las comedidas dosis de ironía sorpresiva gracias al revestimiento psicodélico, no por ello dejamos de sentir en su primer disco ciertos arreglos armónicos como los de los Beatles, ese sonido con que se calificó como rock sinfónico (algún Procol Harum o incluso los Moody Blues – hay que culpar al sustain del mellotrón, pero ya hablaremos de ello…), pero sumándole a todo ello dosis de distorsión, saturación, y una extraña y ya notoria orientación por la improvisación hecha a imagen y semejanza de la improvisación jazzística. Este primer disco prefigura una serie de dificultades para quien escucha, y sobre todo para quien intenta escribir sobre esa escucha. Quizá sea mejor pretender no saber nada de antemano al hablar de King Crimson. Y ese sería, quizá sin excepciones, un enunciado que tendría que valer para cualquier banda o para cualquier tipo de música. ¿Rock? ¿Rock progresivo? ¿Progresivo respecto a qué? ¿variante progresiva del rock? ¿Rock experimental? ¿Ni siquiera rock? ¿Estamos en presencia de qué?.

 

 

 

Varias veces se ha hecho alusión a los primeros shows británicos y estadounidenses de la banda, unánimemente calificados por quienes asistieron y los reseñaron, como un increíble muro sónico, al punto de eclipsar a los actos de las bandas a quienes teloneaban. En julio de 1969 telonearon a Rolling Stones frente a un público que se estima alrededor de las 500 mil personas en el famoso concierto gratuito del Hyde Park. Alan Lewis pudo reseñar en el Melody Maker, en ese mismo año, a propósito de un recital junto a The Nice, que Crimson era “increíblemente pesado”, y que en escena creaban “una atmósfera casi abrumadora de poder y maldad”. Ed Ochs, de Billboard, reseñó así una de sus noches en el Fillmore East compartiendo cartel con Fleetwood Mac y Joe Cocker: King Crimson, pariente real y compañero pesado de Deep Purple, superó a Joe Cocker y Fleetwood Mac por 10 toneladas a dos …cuando el nuevo grupo de Atlantic hizo chocar un volumen desgarrador con un jazz bien integrado, produciendo una explosión sinfónica que hacía que la escucha fuera compulsiva, si no acaso peligrosa. King Crimson solo puede ser descrito como una pesantez monumental con toda la majestuosidad y tragedia del infierno. King Crimson nos hizo entender el punto de su filosofía musical con el volumen tan alto en sus amplificadores que, si hubieran sido mantas eléctricas, todos habrían muerto a la parrilla”.

Como toda banda interesante, Crimson define de un particular modo su propia ortodoxia: mantenerse en la exploración de límites que ella misma ha ido abriendo, acogiendo un diálogo indirecto con su herencia, para trazar sus propios pasos. Pasos que, en su caso, son más o menos impredecibles de tanto en tanto. Con enorme esterilidad se ha querido ver en King Crimson un caso de “rock progresivo”: ese universo disperso de bandas con idearios distintos, pero la mayor parte con estructuras y formas extremadamente complejas y con temas que superaban los 10 o 15 minutos. Bandas que para más de algún crítico o auditor tienen en común haber empezado a entrar en decadencia hacia mediados y finales de los años 1970, ad portas de la aparición del punk. La salida de Peter Gabriel de Genesis, posterior al Lamb lies down on Broadway, el cambio de sonido de Yes con posterioridad a la salida de Rick Wakeman en 1973, para desembocar en Going for the One (1977) o en Tormato (1978), con un corte mucho más asimilable, la disolución de Emerson, Lake & Palmer en 1977, la extraña conversión de Gentle Giant en Giant for a Day! (1978), parecieran poder ponerse a un costado de la primera disolución de Crimson en 1974, luego de la gira de Red. Pero lo progresivo de Crimson quizá no obedezca a una cuestión de género o de estilos compositivos compartidos. Si bien podría ser calificada como una banda de culto, lo es más por haberse creado seguidores que se definen como incondicionales, pese a las transformaciones evidentes de la banda o a la alta rotación de sus músicos. En más de una ocasión, el mismo Fripp ha distinguido entre una música para la cultura de masas y una música popular. King Crimson sería popular, en el sentido en que permitiría avanzar –progresar– en aspectos poco convencionales para el oyente. Progresiva, más que una música para “entendidos” o para un público savant. Progresiva porque popular, tal como podrían serlo los primeros dos álbumes de PIL, o varias cosas de Wire, The Pop Group o Ultravox.

 

 

SANTA MONICA – MARCH 1972: Guitarist Robert Fripp of the progressive rock band «King Crimson» performs onstage with his Gibson electric guitar at the Santa Monica Civic Auditorium on March 1972 in Santa Monica, California. (Photo by Michael Ochs Archives/Getty Images)

 

¿Quién es King Crimson? ¿O qué es? Una extraña banda que ha hecho época, en el sentido más fuerte y más completo del término: a ratos pareciera que se adelanta, que las épocas le quedan en algo cortas… que se aventuró a hacer lo que quiso muchas veces pagando los costos y asumiendo los riesgos. Experimental, es decir, música popular en el sentido de una que se sigue pensando en la descomposición de las formas mismas –ellas mismas variables– de la música popular, del rock. Un monstruo sorprendente que se resiste a ser un dinosaurio, sin dejar de saber que lo es, como canta Adrian Belew, convencido, pero algo perplejo, enDinosaur”, de THRAK, el undécimo disco en estudio de Crimson, aparecido en 1995:

“Parado en el sol / Idiota savant / Algo como un monumento / Soy un dinosaurio, alguien está desenterrando mis huesos / Oh, cuando miro al pasado / Me sorprendo de que no me haya extinguido todavía”.

 

LA CANCIÓN DE TEXTO Y SUS POSIBILIDADES

LA CANCIÓN DE TEXTO Y SUS POSIBILIDADES

PEZ ESPIRAL PRESENTÓ LA BOLSA DE BASURA LIBRO DE CUENTOS BREVES DEL MÚSICO Y ESCRITOR URUGUAYO

LEO MASLÍAH.  (MARTES 06 DE AGOSTO, 2019. TEATRO ICTUS, SANTIAGO) 

 

                                                                                              Fotos por Alejandro Hidalgo

 

Tres encuentros con Leo Maslíah marcan este mes de agosto la cartelera de la capital. El primero de ellos, motivado por la publicación de su libro de cuentos breves LA BOLSA DE BASURA, en una cuidada edición chilena a cargo del sello independiente PEZ ESPIRAL. Los otros dos, dedicados a repasar en vivo su extensa producción fonográfica de mas de 40 discos. Un repertorio musical que sonará en Santiago y Valparaíso

 

 

La prolífica trayectoria de Maslíah como pianista, compositor y escritor hacen de su producción artística una pieza de colección única en el panorama del quehacer musical hispanoamericano. Hoy con más de 40 años de trayectoria a cuestas Leo, el escritor, el compositor y el eximio pianista, todos, uno solo, recorre escenarios familiares como el Teatro Oriente o el Teatro Ictus donde se reencuentra con viejos amigos como los cantautores Eduardo Peralta, Felo, y el periodista y escritor Jorge Montealegre, a quien conoció por Payo Grondona, todos juntos, reunidos y unidos por lugares, historias, anécdotas y paralelismos como tantas veces en el CAFÉ DEL CERRO .

 

 

Es un encuentro especial, es cosa de pensarlo, pues por primera vez se edita en Chile la obra literaria del uruguayo, una obra literaria latente en su obra musical, y donde resulta casi imposible entender la una sin la otra, pues la literatura de sus canciones es patrimonio suyo como de aquellas generaciones que crecieron escuchándolo y compartiendo escenario con él. Así lo cuenta Eduardo Peralta, el primero de los presentadores de la velada en Teatro Ictus: Yo he admirado siempre la versatilidad y oficio de Leo”- “Decir que leo es un artista inclasificable es poco. Yo pienso que es un inquieto con una creatividad sin límites que le impide constreñirse a solo un ámbito de la expresión artística”.  

Peralta , poeta, trovador, amigo íntimo de los versos y la melodía escribe como canta y canta como escribe, por eso ha querido homenajear a MASLÍAH con un poema al estilo de los trovadores medievales con rimas en la misma forma en varias estrofas como si fueran espejos, semejantes, pero nunca iguales:

 

   LEO MASLÍAH CON BANDA / 

es un concierto genial / 

que trae su sarabanda / 

desde la Banda Oriental… / 

Por eso en el Teatro Oriente / 

Leo Maslíah y su gente / 

harán su gran recital / 

y eso es Providencial…

El talento se desbanda / 

de este artista magistral / 

cuya leyenda se agranda / 

como en la canción ritual / 

de Fernanda… Qué elocuente / 

es este Leo, vidente, / 

irreverente ancestral, / 

diverso y fundamental…

Este martes en Chile anda / 

con su propuesta esencial / 

Sin Parra mas con parranda / 

literaria y musical, / 

En este teatro valiente / 

histórico y resiliente / 

hoy no hace un recital… / 

Lanza su libro especial…!

Por hacerle propaganda / 

hablan de humor… ¡qué banal! /

Quieren reducir a stand up /

Su talento colosal? / 

Leo es algo diferente / 

polisémica es su mente… / 

Es uruguayo total / 

y además universal…

Que en Chile como en Holanda,

Canelones y Parral,

Rusia y Nueva Zelanda,

Pueda hacer su recital!

Para que así mundialmente

Su arte inteligente

Tenga como es natural

Un planetario sitial…

El surrealismo manda

En su estilo sin igual,

Y Aristide con su bufanda

Roja, desde un pedestal,

Lo mira amable y sonriente,

Con Brassens y con Lapointe,

Desde el océano astral

Donde hay un Pez Espiral…

Hasta el Solís le comanda

Un obra original!

Que tal ejemplo se expanda

A nuestro Municipal…

Gracias, te dice mi gente,

Que irá contigo al Oriente,

Leo Maslíah inmortal,

Uruguayo universal!

 

 

En la obra de Maslíah se cruzan la poesía, la música clásica, la música popular, el teatro y el cuento, siendo LA BOLSA DE BASURA uno de los libros más queridos de su catálogo literario, cuyas ediciones en Argentina y Uruguay se han agotado de forma recurrente, volviéndolo uno de esos libros escurridizos e inencontrable. Originalmente editado por la emblemática EDICIONES DE LA FLOR, misma casa editorial de la entrañable MAFALDA, La bolsa de basura reúne textos escritos entre la década de los 80 y 90, algunos de ellos, material usado por el músico en sus presentaciones en vivo. Relatos breves sobre la cotidianidad donde la brillante y a veces experimental prosa de Maslíah es capaz de transformar acciones ordinarias en delirantes situaciones del gran teatro del absurdo.

 

 

El periodista Jorge Montealegre comenta : “El relato de Leo es una imagen en cámara lenta que muestra la ridiculez de cada movimiento y de lo que se está haciendo. Leo es un observador describiendo algo que al mirarlo detalladamente resulta tragicómico, mostrándote la evolución inesperada de los acontecimientos”.

 

 

La velada continúa con FELO relatando sus primeros encuentros con Maslíah en el extinto y recordado CAFÉ DEL CERRO. Con la extrañeza e ironía de siempre dice desconocer por completo el motivo de su participación en este lanzamiento. Su singular chispa saca carcajadas a todo el teatro, una y otra vez, mientras continúa repasando una serie de anécdotas que lo unen al autor. Finalmente, guitarra en mano, es el encargado de cerrar el memorioso encuentro.

 

                                                                                       Fotos por Alejandro Hidalgo

 

Pensar en LEO MASLÍAH es pensar en la canción de texto en casi todas sus posibilidades, así mismo LA BOLSA DE BASURA en su primera edición en Chile, (PEZ ESPIRAL 2019) resulta una de esas ideas bien pensadas sobre una obra musical-literaria-teatral casi inseparable.

LEO MASLÍAH Y BANDA SE PRESENTA ESTE JUEVES 8 DE AGOSTO EN TEATRO ORIENTE, 21 HRS. MÁS DETALLES AQUÍ

 

LAURA LAMONTAGNE, LA GRAN AVENTURA – 1ra PARTE

LAURA LAMONTAGNE, LA GRAN AVENTURA – 1ra PARTE

Desde los alrededores de las murallas de Lugo, charlamos una mañana de lunes con Laura LaMontagne, espeleóloga musical pionera en la recontextualización de la herencia folclórica gallega a través de la fibra electrónica y las ondas del loop. Revolución conceptual que ya está abriendo la portezuela hacia futuristas pasados perdidos, de los que ella es nuestra brújula dorada.

Arrastrada por las muescas de un proceso natural, la polifacética creadora Laura LaMontagne esta viviendo una de las metamorfosis artísticas más estimulantes de estos últimos tiempos. Desde su barricada galaica, se ha topado con las llaves que abren un caleidoscopio donde pasado ancestral y futuro surcan el rostro de la intuición y el riesgo. Porque en su actual propuesta, junto al productor Pico Amperio, es capaz de reinventar cantigas del siglo XIII y abducir el espíritu de Rosalía de Castro bajo loops sin fin.

De esta veganista valdelomariana de pro, está emergiendo una isla musical conectada como las venas de un corazón a su cuerpo. Un ser babeliano que, a través de la expectación creada y unos conciertos de impacto hipnagógico, está recreando un planeta de sensaciones para el cual se receta curiosidad y estar vivo. Sin más.

Para entender el calado de este fenómeno, nos acercamos a Lugo, un día después de haber sembrado un nuevo recuerdo cincelado a piedra, gracias a su memorable actuación en La Ferretería, del 9 de junio. De ahí, nos tiramos por el tobogán que desciende hasta el origen de sus impulsos creativos. Hay tanta chicha que se hace imposible recortar lo que fue tan extensa como jugosa charla, dividida en dos partes. Aquí el primer acto. Pasen y lean.

 

                                                       Foto por Manuel G. Vicent

 

Antes de nada, pregunta obligada: ¿cómo surge tu transformación en Laura LaMontagne?

Este nombre lo adopté cuando todavía cursaba bachillerato. Escuchaba mucho en aquel momento a Ray LaMontagne y pintaba la mesa de clase con ese apellido, firmaba en mis libretas, etc. Después pasó a ser un apodo y finalmente me acompaña en la música desde que empecé a tocar, digamos, seriamente. Empecé cantando en un grupo acústico en Santiago de Compostela, Pirocactus, en el cual descubrí que quizás en un escenario es donde puedo dar lo mejor de mí. Lo integraban Santiago Ruanova a la guitarra y Roque Mosquera (actual batería de Mojo Experience) a la percusión. Estuve en este grupo tres años hasta que comencé a dar conciertos en solitario bajo el nombre de Laura LaMontagne.

Comenzó en los recitales de Caldeirería 26, eventos que jugaron un bonito papel en la vida creativa y artística de la gente de mi círculo, y por lo tanto en la ciudad. Esto de experimentar con la palabra y acabar siempre las noches tocando, cantando, me ha permitido conocerme y experimentar conmigo misma, lo cual es crucial a la hora de componer e interpretar música. Cuando empecé el proyecto La Elegía de la Huerta (2018) me propuse unos límites férreamente marcados que correspondían (y corresponden) a mi vida cotidiana: el veganismo. Comencé a escribir desde este relato y punto de vista y a componer para ese fin por su relevancia a la hora de pensar el futuro.

Fue entonces cuando integré la parte audiovisual a los conciertos, contando encriptadamente una especie de viaje que una persona debe hacer hacia una conciencia que integre la realidad de los animales en su pensar cotidiano. A toda esta catarsis le acompañaba un poemario titulado “La Elegía de la Huerta. Escritos I”, autoeditado e ilustrado por Belén Cordero, fotógrafa e ilustradora de Lugo.

Cuándo creas imágenes, ¿estas con la música en la cabeza o es algo que haces pensando únicamente en la creación visual?

Normalmente grabo cosas al azar, que en ese momento me han resultado curiosas o tienen cierto valor estético, me recuerdan o me llevan a algún tipo de nostalgia. Recuerdo que el primer vídeo que monté, durante una noche bochornosa, lo sentí como un impulso. Comencé a grabar la guitarra, grabar más guitarras, la voz, las texturas… y cuando tuve el sonido, me puse a rebuscar pequeños vídeos recopilados de mis viajes e incluso a grabar en el momento alguna imagen de mi misma. Lo que más me gustó fue ver que podía hacerlo, y que haciéndolo se expandían mis posibilidades expresivas.

En este caso, las imágenes de los viajes y paisajes no fueron grabadas con un objetivo claro pero sí con la intención de relacionarlas con el sonido, bien en un concierto o bien el algún vídeo como “All my colours” o “A Cruz de Porchia». Para la Elegía de la Huerta, sí había una intención clara: mostrar una realidad que nunca se muestra, que no interesa que se vea y que nadie quiere ver. Entonces intenté llevar a la persona espectadora conmigo en ese viaje, el cual había sido también real en mi vida. En mis vídeos había imágenes de Lisboa, Granada, Santiago, Lugo, Barcelona… los lugares donde todo lo que estaba cantando había pasado. En esos lugares comencé yo a transformarme. Después, intentando de un modo alegórico llamar a la cordura, llegaban las terribles imágenes que yo había ido a mostrar.

En este último año, me he centrado en experimentar con texturas, planos muy cortos o difuminados, colores y movimiento. La línea narrativa que apoya estas músicas podría centrarla, a grandes rasgos, en la dinámica del deseo, la historia familiar, la propia percepción del cuerpo (esta vez con textos sobre cuerpos humanes) y sus heridas. En este momento al crear siento que música e imágenes están al mismo nivel y estoy comenzando a crear de un modo más planificado.

 

                                                                                  Foto por Manuel G. Vicent

 

 

Si rascamos un poco, en tu universo musical hay una parte audiovisual y otra que proviene de la poesía. En tu caso, como Kate Tempest o Patti Smith, que son capaces de integrar lenguaje musical en la poesía, no poetizar la música. Lo cual me parece más difícil. ¿Hasta qué punto te ha servido de experiencia el poetry slam y los festivales de poesía donde has participado?

Lo de la poesía para mí empezó en el Erasmus. Tenía una asignatura que hablaba sobre la influencia de Walt Whitman en diferentes países. Entre otres, me quedé fascinada con la generación Beat y con Fernando Pessoa, con las posibilidades expresivas y rítmicas que me ofrecían. Al volver a Santiago, sentía una necesidad voraz de poesía y descubrí los recitales de Caldeirería y de A Medusa, el ambiente y el bullicio intelectual que allí se vivía. Me sentí muy arropada siempre, por lo cual estoy muy agradecida porque me ha ayudado a descubrir que el escenario es un lugar seguro para mí.

Hablando de Allen Ginsberg, que sus recitados tienen un tono muy musical, lo primero que escuché tuyo es “Color de carne triste o quisiera yo renegar”. Al adentrarme en esta canción, me vinieron unas sensaciones muy beatniks. Esa visceralidad.

Originalmente fue un poema que realicé para un Slam de poesía y acabó formando parte de La Elegía de la Huerta. Le encontré finalmente un apoyo instrumental y una parte cantada: una adaptación de la petenera flamenca “Quisiera yo renegar” de La Niña de los Peines.

Sin duda, para hablar de algo tan importante y pertinente, algo que la sociedad tiene por ridículo o por prohibido, tiene una que rasgarse la piel. No es de extrañar que me permita sobre las tablas decir lo que en el día a día, por no dañarme y entrar en conflicto, acallo.

En esa misma canción hay algo muy interesante, el segundo bloque, que acaba con unos dejes flamencos muy andaluces.

Exactamente, “Quisiera yo renegar” llegó a mí de una manera inesperada pero me sentí muy identificada. En el poema en el cual yo incluí esta petenera, la voz que nos cuenta su dolor viaja por la situación de los animales y las excusas vanales para asesinarlos hasta llegar finalmente a brindar un balsámico cuento futurista en el que por ejemplo, el edificio de un matadero se encuentra felizmente iluminado por la luna, feliz por que ya se ha vaciado el espacio donde confluyen la lógica del capital y el carnofalogocentrismo basado en la razón sacrificial. Me da mucho placer y esperanza pensar en un futuro así. Sin embargo, la lucha no se ha logrado, el presente sigue apretando. Para mí, esa petenera nos hace volver a la realidad cruel, pero nos da fuerza para saber de qué no queremos formar parte y posicionarnos en contra de las injusticias a través también de la práctica.

Veo tu música como viajes muy geográficos, muy emocionales, como tu poderosa conexión con Granada.

El acto de viajar, de viajar sola, de viajar sola por el hecho de conversar contigo misma, con tus ideas y libretas, recuerdos, rabias, rencores y sanaciones es algo imprescindible para la formación personal, para mí ha significado algo grandioso. Siempre encuentro inspiración viajando y observando. En Granada lo hice con Lorca bajo el brazo, y la ciudad cobraba sentido, cada aljibe lorquiano estaba a mi lado, los cipreses y los vientos de antaño. Val del Omar y su Aguaespejo granadino se me aparecían en cada esquina. Te lo juro, no dejaba de grabar cada cosa que veía, quizás esperaba que se me apareciesen. Allí compuse “La Rosa y el Halo”, basado en el cuarto fragmento del poema de Lorca “Cuatro Baladas Amarillas”. Me gusta transmitir en la medida de lo posible, a través de las imágenes, el espacio que arropó esa creación.

 

                                                                         Foto por Belén Cordero

 

 

¿Qué otros momentos de tu música están enraizados en este viaje?

Coincidió que antes de pasar este mágico mes en Granada, me llegó la preciosa noticia de que finalmente la película de Anxos Fazáns en la que trabajé como actriz en 2017, “La Estación Violenta” participaba en la sección Resistencias del Festival Internacional de Cine de Sevilla.

Fue impactante para mí ver ese trabajo acabado. En lo más personal, me generaba cierto rechazo verme haciendo cine y cantando en una película. Pero la verdad, sentí un gran alivio y muchas ganas de seguir apostando por este camino al ver que no había estado tan mal como yo misma me auguraba. Sin duda, la experiencia de estos dos viajes marcaron un antes y un después en mi vida.

De Fernando Pessoa a las cantigas medievales, no sé hasta qué punto eres consciente de que estás viajando de una manera que no se había hecho hasta ahora. Y que no se nota como trabajo de laboratorio impostado, y no solo en la música.

Quizás la persona más consciente de la intertextualidad con la que trabajo, soy yo. Si me pusiese a desmenuzar cada verso, cada referencia, llegaría a la raíz de qué, quién, cómo, dónde y porqué esa cierta frase, o esa cierta inflexión en la voz hace referencia a otra cosa. Creo que toda esa recopilación de referencias define un poco otra forma de viajar, que está muy ligada a mi generación. Hay que darse cuenta que hemos crecido con ciertas facilidades para descubrir información de otras partes del mundo que asimilamos como nuestras, por que nos acompañan en nuestros momentos o nuestras transformaciones. Podría parecer extraño que una de mis canciones favoritas venga casi del otro lado del mundo, sin embargo, creo que es algo bastante natural. Si una es respetuosa con sus influencias, creo que beber de fuentes externas es enriquecedor.

En el momento de poner el común mi universo musical con el de Pedro Cuntín, mi actual compañero creativo, al cual le debo la evolución del proyecto, le comentaba que muchas de las letras vienen de reflexiones que segrego después de leer libros de ensayo y teoría. Claro, le decía, ¿de dónde si no? Creo pertinente poder transmitir la importancia de esas transformaciones profundas que ocurren cuando una lee sobre lingüística y feminismo, cuando lees sobre la política sexual del consumo de carne animal, o cuando tienes una epifanía leyendo a Pizarnik.

Hay un par de temas que veo íntimamente relacionados y me obsesionan a un nivel profundo. La pulsión de muerte y la repetición. Adopté estos términos y comencé a escribir sobre esto desde mi trabajo de fin de carrera, en el cual analizaba la dinámica del deseo en los cuentos de Angela Carter. Huelga decir que me quedé enganchada a estos temas y los sufría en mi piel de una manera consciente.

El tema del loop acaba siendo algo metafórico en todo lo que me estás comentando, lo cual le proporciona un mayor sentido todavía a lo que haces ahora. ¿Cómo entras en ese mundo del bucle sónico?

A mediados de 2018, compré una Loop RC-30 y todo cambió. Descubrí que lo que me costaba tanto ejecutar en la guitarra, podía ser interpretado por la loop y así yo centrarme en explorar mi instrumento natural, que es la voz.
 Al probar e improvisar con ciertas bases, casi siempre recurría a canciones del folclore con estructuras repetitivas pero abiertas. Sin duda, he de confesar que la manía de los raags de entrar en un trance es algo que me atraía desde que conocí algo de música india de la mano de Lata Mangeshkar. Es volver al mismo punto una y otra vez, quizás porque hay algo importante que transmitir.

 

                                                           Foto por Pablo Fernández Cascudo

 

Claro, lo realmente interesante es cómo contextualizas cantigas del siglo XIII, como de Martin Codax, dentro del loop.

Todo empezó con “Ondas do mar de Vigo”. Para quien no esté familiarizade, Martín Codax fue un trovador medieval gallego de Vigo. Era un personaje muy importante para la asignatura de Literatura Gallega y era reiterado tema de análisis en clase. Se conservan siete composiciones, seis de ellas con notación musical original, recopiladas en el Pergamino Vindel.

En mis años de instituto integré esta cantiga, “Ondas do Mar de Vigo”, en mi imaginario musical y emocional hasta el punto de ser la canción predilecta que canturreaba en los momentos más difíciles. Como el mantra que te alivia. Un mantra, una repetición que de nuevo vuelve al mismo sitio, una y otra vez. Quizás para mí signifique un no-salir de un dolor, por no soltar la pena.

He investigado más cantigas de este mismo autor, como “Quantas Sabedes Amar Amigo” y “E no sagrad’en Vigo”, que no tenía notación musical, y de otros autores de su misma tradición como Airas Nunes de Santiago, trovador de la corte de Alfonso X El Sabio.

 

 

No sé hasta qué punto eres consciente de que estás abriendo un camino. El loop lo veo como algo muy galaico. Como los oleajes, la naturaleza misma. Es que vivimos en un loop, directamente.

Sin duda, un loop podría ser como la marea que va y viene, que sigue sus ciclos y convive con el tiempo. Mi propio ciclo menstrual, el hecho de amigarme con esa parte de mi anatomía me ha hecho poder valorar la magia y la importancia de los ciclos. Y haberlo encontrado en la música me da pie a poder integrar dos caras de una misma moneda que al fin y al cabo es lo que conlleva la repetición: su cara más amable de establecer y brindarte un lugar en el tiempo, un lugar propio y reiterado, que crea tu identidad, y la parte más oscura de este tema que deriva de la pulsión de muerte: lo terrible de la cotidianeidad y su intrínseco abismo que tanto vértigo provoca. Sentimos vértigo ante la falta de consistencia de lo real. Creo que es positivo acabar haciéndose amiga de lo terrible e inconsistente de la realidad porque es inevitable, como en el lenguaje donde nada es como parece. Admites al final que los poros por donde se filtra esa inconsistencia es donde quieres establecer tu pequeño universo.

Es como vivir la mezcla constante entre las raíces y el futuro.
Me resulta muy interesante lo de utilizar el loop como una máquina del tiempo.

Me ha servido, como dices, para atraer algo del pasado al presente. Algo que a mí me inspiraba, traerlo hacia algo que me pasaba en el presente. Esta manía o sensibilidad, suene o no extraño, la desarrollé a base de escuchar músicas de otros tiempos y lugares: Zitarrosa, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui… Me ha ayudado con creces la influencia de La Baldosa Flotante, un cantautor investigador de realidades sonoras diversas, de idiomas diferentes y de historias de otros lugares. Fue él la persona encargada de traerme muchas semillas de otras tierras. Yo las aprecié, las sembré en mi tierra y salieron flores. Esas son las músicas con las que yo he llenado mis momentos, los he recubierto con mi historia y mi sensibilidad, que no deja de estar encerrada en el camarín de una cultura específica. Sin dolor, al admitir esto, es cuando puedes transformar y usar las enseñanzas que has cosechado y fabricar algo nuevo, algo reescrito. Supongo que esto es viajar en el tiempo.

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FOTOGRAFÍA CABECERA: MANUEL G. VICENT

EN LA CRISIS DE LA MEDIANA EDAD.

EN LA CRISIS DE LA MEDIANA EDAD.

Elegir un disco de The Rolling Stones para revisar resulta, personalmente hablando, una tarea difícil per se, sobre todo cuando el amor que se siente por ellos hace perder cualquier atisbo de “razón” ante su discografía. Pues bien, en medio de la indecisión lógica que acarrean tamaños discos como AftermathBeggars BanquetSticky fingersExile On Mainstreet y varios más que, quizá ni siquiera sean tan grandes pero que siempre guardan más de alguna joya, decidí ir por periodo y simbolismo. Dejando atrás los primeros días de blues y psicodelia con la firma de Brian Jones; pasar de largo por la brillante y prolífica era Mick Taylor; y dirigirme al ciclo de Ron Wood y el término de los agitados setentas. Así llegamos a los ochentas, pues los Stones se venían preparando para su tercera década dos discos atrás; Some Girls 1978 y Emotional Rescue 1980, ambos con momentos neurálgicos en “Miss you”, el homónimo “Emotional Rescue” o “She so cold”. Sin embargo, no fue sino hasta 1981 con Tattoo You que la década se abrió avasalladora para sus majestades satánicas en plena era posmoderna, post punk y new wave.

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Siempre inamovible, la institución Rolling Stones pasaba por sus propios cambios. Algo resentidos después de los turbulentos y excedidos setentas, de vuelta del “sexo, drogas y rock and roll”, el espectro de la banda parecía algo agotado. Los Stones debían aprender a calzar su estatus de señores del rock & roll, pues ya no eran novedad y tampoco eran esos chiquillos que los padres prohibirían a sus hijas. Esta suerte de crisis, entre la eterna juventud y el inevitable paso del tiempo, a nivel musical venía percibiéndose entre Some Girls y Emotional Rescue; algo no cuajaba completamente en el sonido de ambos discos. A pesar de contar con grandes momentos, la energía vital de la banda no alcanzaba, efecto lógico, ya que nunca habían parado entre una década y otra; aún así, tampoco lo harían ahora, pero quizá, ya era momento de soltar esa necesidad imperiosa de ser siempre los Rolling Stones.

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START ME UP: Un riff que tiene vida propia hace décadas, la carga sexual explícita, la mujer objeto, y ahí ante nosotros la primera confesión de los Stones en la crisis de la “madurez”, rogando por un segundo aliento: If you start me up, If you start me up I’ll never stop”-  “You make a grown man cry / Spread out the oil, the gasoline / I walk smooth, ride in a mean, mean machine / Start it up”. “Ride like the wind at double speeden / You, you, you make a grown man cry / You, you make a dead man come”. Más allá de su natural resonancia como single oficial y súper hit,“Start me up” es una rola de las más grandes en el cancionero de la banda, de esas que te devuelven el alma al cuerpo, transmitiendo energía sexual por los poros. Dos décadas a cuestas, y nuevamente los Stones entregaban una canción icónica en sonido y en imagen. En su video, Jagger, sus muecas, sus movimientos, ropa deportiva, malla elástica y cinco figuras esqueléticas, resistiéndose a ese inevitable paso de la edad. Un comienzo sin medias tintas los Rolling Stones poniendo la firma en la década de los ochentas.

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HANG FIRE: Sigue la lógica que ya nos anunciaba “Start me up”, la banda rebosante de energía, siempre con un tono lúdico, nos viene a decir que los Stones estaban de vuelta y estaban en llamas, con desparpajo, carácter y esa elasticidad rítmica del rock and roll crudo y oreja bajo la firma rolinga. Penurias y premisas holgazanas: “In the sweet old country where I come from /Nobody ever Works”/ “You know marrying money is a full time job, I don’t need the aggravation  / I’m a lazy slob  / I hang fire, I hang fire”, una especie de declaración de rebeldía en medio de esta supuesta madurez que más adelante empezamos a oler.

SLAVE: Sacando las credenciales del blues rock, escuchamos a los Stones siendo los Stones; un riff aceitoso, un órgano, R&B, cencerro y ese medio tiempo que tan bien manejan. “Don´t wanna be your slave” / Twenty four hours a day ,hey, why don’t you go down to the supermarket” canta Jagger entre falsetes y fraseos. Como ocurre con varias de las canciones que forman Tattoo You, aquí, la banda recupera una composición de la era Mick Taylor, algo que se huele a kilómetros y nos lleva de inmediato al Goat´s Head Soup o al Black and Blue. Grabada en forma de Jam como casi todo en esa gloriosa época y recuperada para las sesiones de Tattoo You. ¿En qué pensaban los Stones y su productor cuando decidieron dejar afuera a Pete Townshend en coros, Billy Preston en el órgano y al grandioso Sonny Rollins en saxo? Una canción así merecía mucho más.

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LITTLE T & A: Dos acordes y un ritmo infeccioso que te pueden sacar de inmediato a la pista de baile. Cruda, simple y directa, los códigos del sonido rolinga, sin pretensiones, siguiendo la línea de sus maestros, Chuck Berry o Buddy Holly. Escuchamos a Richards manejando como nadie ese tono callejero: She’s my little rock ‘n’ roll / The heat’s raiding, the tracks is fading / Joints rocking could be anytime at all/ But the bitch keeps bitching / Snitcher keeps snitching”/ “She’s my little rock ‘n’ roll/ My tits and ass with soul baby / You got to shock them, show them / She got a feeling to know, baby”. El rock and roll de viejo cuño al modo de los Stones.

BLACK LIMOUSINE: Olor a bourbon y aires sureños. Inspirada en Hope Wilson, una de las pocas canciones compuestas por Ronnie Wood a partir de un riff de slide como puede escucharse a lo largo de todo el tema. Cantando sobre viejas glorias y volviendo a sus raíces. “We used to shine, shine, shine, shine  / Say what a pair, say what a team / We used to ride, ride, ride, ride /In a long black limousine / Those dreams are gone baby”.

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NEIGHBOURS: Así como “Hang Fire” o “Start Me Up”representa el sonido de los Stones en los ochentas, el riff elástico, la batería cruda y la estructura básica y oreja. También en tono lúdico, “Neighbours” riéndose de ellos mismos y sus pares de generación “los vecinos molestos”, las estrellas de rock en tranquilos barrios residenciales: “Ladies, have i got crazies? / screaming young babies / no piece and no quiet / i got t.v.’s, saxophone playing / groaning and straining / with the trouble and strife” / Neighbours, do yourself a favour, Don’t you mess with my baby when I’m working all night, You know that neighbours steal off of my table, Steal off of my table, ain’t doing all right. Bien sabe Richards sobre vecinos enemigos y denuncias por tocar guitarra en su departamento de Nueva York. La primera de las dos canciones compuestas para el disco.

WORRIED ABOUT YOU: Extraída de las sesiones de Black and Blue, su sonido nos devuelve a 1975. Los Stones mostrando ese lado soul que tan bien les queda, sobre todo cuando Jagger nos atrapa con su falsete preguntándose: Sometimes I wonder,  why you do these things to me / Sometimes I worry girl that you ain’t in love with me / Sometime I stay out late, yeah I’m having fun / Yes, I guess you know by now you ain’t the only one / Baby, sweet things that you promised me babe”. Hemos entrado en tierra derecha, pues vamos sintiendo cómo lentamente los stones se van poniendo más íntimos, menos juguetones, más reflexivos, en sus términos, sobre amores y vínculos. Un glorioso solo de guitarra como puente para continuar con Jagger de lleno y con voz plena: “Yeah, I’m a hard working man , When did I ever do you wrong?, Yeah, I get all my money baby ,Bring it, bring it all home ,Yeah, I’m telling the truth”/ “Till then I’m worried Lord, I just can’t seem to find my way”. Nuevamente Preston al órgano marcando la intensidad de una verdadera pieza soul. Aunque es un tema que iba a ser parte de “Emotional Rescue”, finalmente quedó afuera, y quizá, ésta es una de las razones por las que dicho disco no llegó a ser tan grande.

Y claro, estamos en la última parte que hace de Tattoo You la gran obra rolinga de la década; porque ocurre precisamente lo opuesto a “Some girls” o “Emotional rescue”, que tienden a desinflarse a medida que vamos a llegando a los últimos temas; por el contrario, aquí vamos cada vez mejor.

 

 

Tops: Otra clara muestra de la gran impronta Rolling Stone, un blues de medio tiempo, R&B y la guitarra de Mick Taylor, suave y pavoneando. Hey baby, every man is the same come on, I’ll make you a star / I’ll take you a million miles from all this / Put you on a pedestal/ Come on, come on” / “Have you ever heard those opening lines? / You should leave this small town way behind / I’ll be your partner, show you the steps / With me behind your tasting of the sweet wine of success”.

Heaven: Volver a escuchar esta canción me recuerda el primer encuentro con ella. Oda al amor físico y a las sensaciones, revelación que te confirma y te recuerda por qué Tattoo You es un disco esencial en la discografía de los Stones y quizás su último gran trabajo. “Heaven” ensalza la ternura y la intimidad, lejos del sudor y del exceso: “Smell of you baby, my senses/ My senses be praised / Smell of you baby, my senses / My senses be praised / Kissing and runnin’, Kissing and runnin’ away, Kissing and runnin’, Kissing and runnin’ away”. Hipnótica como lo sería el talismán de un amante que promete protección:  “Nothing will harm you / Nothing will stand in your way / Nothing, nothing / Nothing will stop you / And nothing will stand In your way”Toda una pieza única en el cancionero de la banda, Bill Wyman al sintetizador, la sutil batería de Watts Jagger en el falsete y la guitarra, marcando el tono afiebrado de visiones dulces y placenteras. La prueba fehaciente de esta suerte de adultez, pues es el otro de los dos temas hechos para el disco, donde se encuentra captado el momento de la banda. Que no quepa duda que Heaven es una de las grandes canciones que los Stones hicieron en esa década.

Llegamos a los últimos dos tracks. “No Use in Crying”, de alma bluesera y melancólica, el coro y las voces marcan la pauta, particularmente en el pase de Jagger, de falsete a voz plena: “Standing in the kitchen/ Looking way out cross the fields / You see a face in the window / It not real, it not real/ Ain’t no use in crying /  Stay away from me”.  Con la mano de Ronnie Wood en la composición, es otro de los grandes y logrados momentos del disco.“Waiting On Friend”finalmente reúne todas las ideas sobre pérdida, aceptación, y claro está, madurez:“making love and breaking hearts / it is a game for youth /but i’m not waiting on a lady / i’m just waiting on a friend”. Quién lo diría; aquellos que han acuñado buena parte de los clichés del rock and roll, se toman la licencia para confesar un poco más: “i need someone i can cry to / i need someone to protect”; amistad, dependencia, un poco de cinismo – quién sabe-, Waiting on a friend es una canción colorida y cálida, con aires reggae y el saxo del grandísimo Sonny Rollins en el final, melódico, infinito y trascendental como si llegase ese esperado ser querido. Por sobre todo un homenaje a la amistad.

 

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Tattoo You fue el resultado del rescate de material dejado en las sesiones hechas para “Black and Blue”, “Some Girls” y el mismo “Emotional Rescue”, precisamente en la transición de 70´s a 80´s, donde las dos únicas canciones compuestas para el álbum fueron Neighbours Heaven.

En términos concretos, parecía un disco hecho de sobras en un momento que la banda deseaba salir de gira y contar con material promocional. Sin embargo, tenemos claro que es muchísimo más que eso, pues fue el resultado de cierta soltura, espontaneidad y olfato al retomar material de primera línea que había quedado de lado, quizá por temor a arriesgarse o a la mínima posibilidad de sonar “aburridos”. Lo cierto, es que el momento para mostrar lo que habían guardado sigilosamente y desatar esa nueva energía retenida, había llegado.

Desde luego, el momento de la banda quedó explícito; Tattoo You simbolizó la adultez y la reivindicación total consigo mismos, logrando un trabajo increíblemente fresco, aún siendo tan reposado en términos de composición y producción. Finalmente, Tattoo You es hasta hoy, uno de los momentos más vitales e icónicos de sus satánicas majestades.

 

ODIO ESA MIERDA

ODIO ESA MIERDA

“Con frecuencia dos esquizofrénicos lados de John Lydon salen a luz en sus entrevistas”- comenta el periodista Howard Druckman.

«Odio esa mierda”, dijo Rotten en la primera entrevista a la banda, cuatro meses antes de su primer concierto. “Odio a los hippies y lo que defienden. Odio ese pelo largo que llevan. Quiero que la gente salga y empiece algo nuevo, que nos vea y empiece algo nuevo, si no, estoy perdiendo el tiempo”. No podía saber lo lejos que llegaría su provocación. 

Cuando un presentador de la televisión británica comentó en un programa “el punk es una amenaza más fuerte a nuestro estilo de vida que el comunismo ruso o la hiperinflación” incluso resultó profético: en 1991, 13 años después de la ruptura de los Pistols, los visitantes al Budapest post comunista verían una pintada que decía “¡Sid Vicious!” en la plaza Vorosmarty, donde una nueva cultura joven reclamaba su identidad con el lenguaje más fresco que conocía. 

 

 

«Para muchos los Sex Pistols fueron y son como el mapa del tesoro de un pirata, señalando el camino hacia el futuro. Probablemente ni las bandas que después se presentaron a sí mismas como punk lo hayan entendido realmente. Si estaban tratando de ser como Sex Pistols, nunca lo lograron, porque no se trataba de sonar igual o de tener el pelo como ellos. Se trataba de todo el paquete y la presentación. Y todo eso se reduce a la mirada en los ojos de Johnny Rotten y sus letras”.

 

REVISTA MELODY MAKER, AGOSTO 1980

EL INTRUSO

EL INTRUSO

 

El trabajo de Dylan y su impacto como referente cultural, musical y literario desde la década de los 60s, se encuentra revisado y analizado en una vasta bibliografía. Ensayos, biografías y cancioneros que continúan la interminable labor de descifrar la figura e influencia del cantautor en la música y en la poesía. Exhaustivas investigaciones de quienes han observado el viaje de Dylan desde sus primeros días como músico folk, militante y exponente de la canción protesta, hasta su evolución al sonido eléctrico y la elaboración de un cancionero profundamente americano, cargado de referentes literarios. La bibliografía Dylaniana es extensa, y al parecer, interminable cuando una y otra vez se vuelve a escribir sobre el cantautor, abriendo nuevas interrogantes probablemente porque la respuesta definitiva a su obra y figura no existen, y no son parte de su leyenda. Una leyenda en permanente construcción, tal como se enuncia en su reciente documental.

 

DYLAN POETA: VISIONES DEL PECADO

de Christopher Ricks

 

 

Por si alguien dudaba de la calidad literaria del actual Premio Nobel de Literatura e imprescindible para los seguidores de Dylan, este libro del profesor Christopher Ricks analiza con mirada crítica las composiciones del cantante y poeta norteamericano -al que emparenta con los grandes poetas anglosajones T. S. Eliot, Gerard M. Hopkins, Tennyson, John Donne, William Blake y Philip Larkin– comparando incluso al bardo norteamericano, por su genio, ingenio y desenvoltura para saltarse las normas, con el propio William Shakespeare, a quien se conoce popularmente en los países anglosajones como «The Bard».

 

STOCKHOLM 1966-09-28 *For Your FIles* Bob Dylan during anpress conference in Stockholm, Sweden April 28, 1966 during his ‘ Bob Dylan World Tour 1966/ Kod: 151

 

¿Por qué los poemas que forman las canciones de Dylan son tan buenos? bajo esa sencilla pero enorme pregunta, el autor, Christopher Ricks, desarrolla este libro. Considerado junto a Harold Bloom uno de los principales críticos literarios contemporáneos, cuando desmenuza las letras (o poemas) de las canciones de Dylan y analiza incluso el modo de interpretarlas (recitarlas) para averiguar dónde reside el misterioso atractivo que hace que se sigan escuchando cincuenta años después y sean referencia inevitable de casi dos generaciones.

Ateo confeso, Ricks utiliza como armazón para su análisis pecados capitales, virtudes teologales y hasta «gracias divinas», consiguiendo detectar toda clase de resonancias bíblicas incluso en canciones no pertenecientes a esa época religiosa que, para algunos de nosotros, resulta la menos interesante.

 

 

Los prolegómenos de la crónica vital y profesional de Bob Dylan nos remontan, a través de una mirada abierta, al Greenwich Village de 1961, testigo principal de su llegada a Nueva york. De ahí parte la andadura iniciática que el bardo desgrana en este primer volumen de la trilogía autobiográfica cuando, recién llegado a Nueva York, merodea por el Village en pos de su destino. Dylan alterna observaciones elegíacas con retazos de recuerdos, aderezados con comentarios agudos e incisivos.

Las incomparables dotes de narrador y la exquisita expresividad que constituyen el sello distintivo de su música hacen de Crónicas una reflexión penetrante sobre la vida y sobre las personas y los lugares que moldearon al hombre y su arte.

 

 

 

MÚSICA Y MEMORIA: FAM VÍCTOR JARA 2019

MÚSICA Y MEMORIA: FAM VÍCTOR JARA 2019

El Festival Arte y Memoria Víctor Jara (FAM) dio a conocer el listado de artistas que se presentarán este año durante los siete días que durará el evento. Este año la celebración estará dedicada a la demanda principal de los territorios vulnerados, usurpados y envenenados: No + zonas de sacrificio.

 

 

Esta segunda versión del festival, que se realizará -al igual que la vez anterior- en el Estadio Víctor Jara entre los días 23 al 29 de septiembre, destaca que la cantidad de artistas se duplicó respecto al año pasado debido a un cambio de la programación, es decir, si el 2018 el público que adquirió una entrada podía entrar a solo un concierto, este año podrá acceder al día completo de actividades, donde podrá ver 3 o 4 agrupaciones.

Los artistas

 

Por primera vez el festival contará con la presentación de dos extranjeros en el escenario. El destacado cantautor argentino Pedro Aznar se presentará junto a Manuel García en la segunda noche. Asimismo la cantante mapuche nacida en Argentina Beatriz Pichi Malen tendrá una participación especial el día del homenaje a Víctor (28 septiembre).

Además, se presentarán Illapu, IntiIllimani, Los Vásquez, Inti + Quila, Cantata Rock Santa María de Iquique, Santa Feria, Santiago del Nuevo Extremo, Sol y Lluvia, Fiskales Ad-HoK, Los Miserables, Los Insobornables, Trio Memorial, Banda Conmoción, Horregias y Mauricio Redolés y su Banda. Así también se contará con la participación especial de Raúl Zurita junto a González y los Asistentes y el gran maestro Roberto Bravo al piano.

También habrá un espacio para excelentes bandas emergentes como Trikawe, FdeE y Cadima y Waikil, exponentes de la diversidad que muestra este Festival.

 

FESTIVAL

ARTE Y MEMORIA

VÍCTOR JARA

SE AGRANDA

Se suman: 

JORGE ALIS, TEATRO PATEANDO PIEDRAS Y PASCUALA ILABACA

Serán 8 días de conciertos con mas 30 artistas en escena

Una nueva jornada se suma a la semana de conciertos, teatro, cine y actividades culturales planificadas por la Fundación Víctor Jara para la última semana se septiembre. Ahora se desarrollará de domingo a domingo, desde el 22 al 29 de septiembre.

JORNADA INAUGURAL: Primer día del FESTIVAL ARTE Y MEMORIA.

El día inaugural será el domingo 22 de septiembre y tendrá como protagonistas a PATEANDO PIEDRAS, la obra de teatro de los hermanos VISNU Y GOPAL IBARRA que causó sensación hace semanas en su estreno. Se suma también a este FAM 2019 el comediante y actor JORGE ALIS, de un humor ácido e hilarante, que realizó un inolvidable show en el último Festival de Viña del Mar y que por primera vez participa en una actividad con la Fundación Víctor Jara. Y  por último PASCUALA ILABACA, artista de raíces folklóricas que le ha dado a su creación un vuelo internacional y que ya es una colaboradora permanente de la Fundación Víctor Jara. Junto a su banda FAUNA se presentará completando esta primera jornada de festival.

COMUNICADO OFICIAL FUNDACIÓN VÍCTOR JARA
ÁNGEL KAUFF – STOCKHAUSSEN : «Hay demasiadas bandas y personas que siguen haciendo fuerza en la música independiente»

ÁNGEL KAUFF – STOCKHAUSSEN : «Hay demasiadas bandas y personas que siguen haciendo fuerza en la música independiente»

Pareciera que el dark wave se encuentra en un vigoroso momento no sólo en Latinoamérica sino en todo el mundo. El flujo continuo de bandas de diferentes lugares de Europa y América del norte hacía este rincón, y de Chile hacía el extranjero, dan cuenta de un nutrido panorama de producción y autogestión artística enmarcada en un género musical que encuentra, nuevamente, un especial asidero en nuestro vertiginoso e hipercomunicado siglo.  En ese sendero nos cruzamos con la visita del músico mexicano ÁNGEL KAUFF mostrando su proyecto minimal dark wave electrónico STOCKHAUSSEN. Un recorrido apoyado por la productora independiente METATRON, que lo trae desde Ciudad de México, gracias a la propuesta y colaboración del dúo feminista DIAVOL STRAIN, con quienes ha compartido gira en ocasiones anteriores y a quienes declara como su banda chilena favorita.

Ángel ha llegado a Chile hace unos días, ha recorrido Valparaíso y Viña del Mar capturando postales invernales que quedaran para la posteridad mientras prepara el esperado encuentro de este viernes, donde Stockhaussen tocará por primera vez en nuestra capital para presentar su disco titulado XXI, y hacernos recordar la fría y maquinal era en que vivimos.

 

 

¿Qué expectativas tienes de este paso por Chile ?

He llegado con mucha emoción de poder mostrar un poco de mi universo musical al sur del continente, con las ganas de escuchar y conocer nuevos proyectos con los que comparto ese vínculo latinoamericano y de saber que muchas personas aún están interesadas en mantener en pie la escena subterránea en su ciudad (entre público que consume, bandas y proyectos, organizadores, clubs, páginas que promueven la música, etc), es un hecho que me llevare/llevo muchísimo.

 

Cuéntanos cómo surge esta fecha en SANTIAGO 

Ha surgido gracias al apoyo e interés de Metratron, quienes son una productora de Santiago, además de una de mis bandas favoritas de Chile llamada Diavol Strain que han sido quienes han unido los lazos entre sí, en conjunto creando un gran equilibrio trabajando juntos.

 

 

 

¿Cómo ves la escena musical independiente en el resto de Latinoamérica? 

Es demasiado especial darse cuenta de que hay demasiadas bandas y personas que siguen haciendo fuerza en la música independiente, nuevas generaciones de músicos que hacen de la música su vida, mucho talento en todo sentido, mucho apoyo entre sí, sin duda mucho del futuro real.

 

En tu trabajo musical encontramos influencias de compositores doctos clásicos como Bach  ¿Cómo haces para incorporar elementos de la música barroca o culta y llevarla a la electrónica?

La música clásica siempre ha sido parte de mi desde la infancia, difícil no experimentar a través de ella uniendo diferentes géneros, siempre es algo divertido y los resultados pueden ser interesantes. Me ha dado herramientas extras para poder crear música, me influye principalmente cuando compongo música clásica que pongo bajo el nombre de Ángel Kuaff, aunque a veces incluya algún destello en los proyectos oscuros de los cuales formo parte. Siempre en cada álbum decidí agregar algo de eso como un tributo pues finalmente es parte del núcleo y la base, sigo aprendiendo de la música, sigo conociendo muchos artistas y sin duda seguiré sintiéndome humano a través de ella.

 

 

Hablemos sobre tu último disco titulado XXI  ... de todos los cambios tecnológicos que nos está tocando vivir … como músico, artista y ser humano ¿qué es lo que más te inquieta de este tiempo?

El tema «La información» es uno de las composiciones principales de “XXI y habla sobre la nueva era de la comunicación, la tecnología, la unión entre máquina y humanos como parte de la evolución, el equilibrio, la conexión, entre otras cosas, con un destello de sonidos del pasado. Es un reflejo de la época en que me ha tocado vivir, y es algo que me toca mucho como persona.

 

¿ Qué te ha llamado la atención de Chile hasta el momento en relación a las temáticas que hoy estás abordando en tu música y propuesta? 

La oscuridad chilena es muy peculiar por muchas cosas, me gusta que aunque seamos de polos diferentes en residencia, seamos tan cercanos en muchos sentidos, cada uno con su propio estilo y personalidad. También su pasión y entrega por la música.

 

 

Has estado en otros países de Sudamérica ¿Qué has podido recoger de esos intercambios?  

Las mejores impresiones, muchos amigos, nuevas perspectivas que te ayudan a comprender mejor el mundo y sus vínculos entre sí, cosas y sonidos que compartirnos.

 

Eres un músico que permanentemente está colaborando con otros artistas. ¿Tienes pensado trabajar con algún músico chileno?

Stockhaussen es un proyecto en el cual hago música como solista, pero también es un proyecto para que otros músicos puedan experimentar componiendo música juntos y lograr nuevos resultados, aprovechando la nueva era de comunicación componiendo incluso a distancia, para el próximo álbum tengo contemplado hacer una colaboración con Diavol Strain.

 

 

Luego de Chile, ¿hacía dónde te diriges?

En temas de eventos tengo contemplado algunos shows en México que incluyen Guadalajara, Edo Mex y la propia Ciudad de México regresando de Sudamérica, también tengo programado un tour de dos meses en Agosto/Spetimebre de 2019 en Europa que incluye muchas ciudades, toda esa información podrán encontrarla en mis redes oficiales, en este tour además de tocar como Stockhaussen, tendré la oportunidad de tocar con mi otro proyecto llamado Isotropía que comparto con mi partner in crime Keren Batok, gracias al apoyo del sello Alemán “Young & Cold Records”.

 

¿Hay fecha para un próximo disco? 

Ya estoy componiendo el cuarto álbum que podrán encontrarlo también en vinilo, verá la luz posiblemente a finales de este año o a inicios del próximo, aunque ya hay un par de temas arriba que son sólo un adelanto.

Un agradecimiento especial a todas las personas que siguen apoyando todo esto, sigan haciendo fuerza y resistan sobre todo, porque siguen nuestros tiempos.

 

EVENTO EN FB

 

DIAVOL STRAIN  «La escena oscura en Chile, y en muchos lados, no se caracteriza por tener acción política»

DIAVOL STRAIN «La escena oscura en Chile, y en muchos lados, no se caracteriza por tener acción política»

Conformadas como dúo, GINGER BLUE en guitarra, synth, batería digital y coros, y LAU M en bajo, voz, synth y batería digital, DIAVOL STRAIN recoge elementos discursivos y retóricos de movimientos como las Riot grrrl junto a la estética y sonido de ineludibles referentes del dark y el goth. Oriundas de la joya del pacífico, en su joven pero sólida trayectoria han desarrollado un feroz énfasis por tocar en vivo no sólo en la concurrida y colapsada capital de Chile, sino que se han dedicado a girar de forma permanente por el norte y sur del país, además de su natal quinta región, una hazaña mayor para cualquier banda independiente. Esta misma dedicación ha llevado al dúo a realizar shows en países como Alemania, Holanda, Polonia, Perú, Estados Unidos, Canadá Colombia, y México, en el marco de reconocidos festivales de la escena dark como Minicave (DE), Near Dark Festival (USA), Return to the Batcave (PL) y en festivales de carácter feministas como The F Word (NL) y FemFest (CL).

Al conversar con ellas se puede intuir que DIAVOL STRAIN es uno de los proyectos musicales más activos, serios y con mayor proyección del dark wave local, cuya impronta feminista aporta un discurso y una mirada crítica a un género musical poco militante y descomprometido con causas sociales. Un discurso y una mirada que conviven con los principios estéticos propios del estilo pero al mismo tiempo proponen acción, organización, participación, respeto e inclusión como respuesta a la contemplación y al caos, una propuesta no tan recurrente en una época donde probablemente bastaría con ofrecer una oscuridad vacía e indiferente.

 

 

¿Cómo y cuándo nace DIAVOL STRAIN 

 

GINGER: Diavol strâin nació a mediados del 2015, nosotras, Ginger y Lau, nos juntamos a tomar unas chelas. En ese tiempo eramos amigas y nos habíamos conocido dentro del mismo círculo de tocatas, donde Ginger tocaba en Blasfemme (Riot Grrl, postpunk, shoegaze), y Lau ya era parte del grupo Vaso de leche (Postpunk, Noise, Garage). Ambas teníamos muchos deseos de hacer música con batería electrónica y estábamos rallando con bandas como She Past Away, M!r!m, Coldreams, Dream Affair, etc. 

 

LAU: Por otro lado coincidíamos en la cuna ruidosa de Siouxsie and the Banshees, The Cure, Sonic Youth, Cocteau Twins, Los Prisioneros, siendo todo una sumatoria de influencias que desembocaron en el impulso de hacer este proyecto y nuestras primeras creaciones.

 

El formato dúo ¿fue una elección o se fue dando de manera espontánea?

 

Lau: A lo largo de nuestro camino hemos tenido diversas formaciones, quedando como dúo desde fines de 2017 tanto por asuntos prácticos (es mucho más fácil movernos y que nos inviten a otros lugares) como por ser el núcleo de todo este proyecto desde los inicios.

 

¿A qué alude el nombre de la banda DIAVOL STRAIN ?

 

LAU: Diavol Strâin quiere decir “Diablo Alienígena” ó “Diablo extraño” en rumano. Llegamos a ese concepto, pues nos costó bastante ponernos de acuerdo a cómo llamaríamos a todo esto que estaba surgiendo. Nada en español nos parecía, si a una le gustaba algo, la otra discrepaba, hasta que Ginger, consultando un diccionario que tenía, hizo una lista de palabras en ese idioma que eran atractivas tanto por su fonética como significado. Coincidimos en la unión de esas palabras y el concepto nos gustó mucho, porque el diablo para nosotras es un concepto de disidencia, de cuestionamiento. 

 

GINGER: Es un ser que formó sus propias ideas y puso en duda lo que se supone era incuestionable. En relación a lo alienígena es similar. Ambas coincidíamos en este sentirse alienígena dentro de un sistema que busca adherirte a él como un engranaje más. Vivir en una otredad, fuera de ese margen en lo más posible y honesto, tanto desde nuestras corporalidades como nuestros sistemas de trabajo y relaciones con el mundo. Por otro lado, el concepto también trae consigo un imaginario potente que ambas abrazamos, pues tiene que ver con lo esotérico, lo oculto, el espacio exterior y otros multiversos.

 

¿Cómo se lleva la escena del dark wave subterráneo en Chile con el feminismo? ¿Se llevan?

 

GINGER: A decir verdad son corrientes que en pocas ocasiones se juntan. La escena oscura en Chile, y en muchos lados, no se caracteriza por tener acción política, o por artistas que se pronuncien al respecto. Por lo mismo siempre buscamos hacer el llamado a que más personas se pronuncien y accionen, a no separar tanto esas corrientes porque creemos que el feminismo se aplica en todo. Nosotras no compartimos espacios con personas que han tenido actitudes violentas o discriminatorias. 

 

LAU: También nos sucede que en los lugares donde encontramos ese coincidir político no son usualmente bandas como la nuestra (es más común en el reggaetón, el pop, etc ) pero justamente también esa es la idea, la posibilidad de unir varios estilos y compartir en instancias donde se busquen puntos en común que vayan más allá del estilo musical o el purismo de géneros.

 

 

Como mujeres lesbianas y feministas liderando un proyecto musical ¿cuál ha sido su experiencia en el circuito local, creen que es un espacio machista? 

 

Más que llamarlo machista preferimos verlo como otro espacio cultural más que se encuentra dominado por machos donde claramente nos hemos sentido discriminadas y pasadas a llevar en múltiples ocasiones al ser mujeres lesbianas músicas. Desde chica una se ve enfrentada a comentarios sobre tu calidad musical, de si tocas tan bien como un hombre o no, de querer promocionar tus canciones y shows musicales a través de flyers que se enfocan más en venderte como un objeto y no como una artista, o que te cierren espacios dominados por machos porque te empieza a ir bien, etc. Es por eso que para nosotras ha sido muy importante no solo dedicarnos a la música desde la participación en bandas sino que generando y gestionando espacios libres de estas prácticas heteropatriarcales, lo cual ha sido también un gran desafío. Hasta el momento hablar de “espacios seguros” es algo complejo ya que falta mucho por reflexionar y deconstruir en nosotres mismes pero al menos nos encontramos trabajando muy alerta en estos espacios que queremos construir, en cada tocata, cada fiesta que organizamos estamos muy pendientes de que la gente que asiste no sea víctima de violencia de cualquier tipo, y claramente no sólo publicando que no se aceptarán prácticas xenófobas, anti LGTBIQ+, sino que organizándonos con planes de acción reales para sobrellevar algún escenario de ese tipo. 

 

 

METATRON PRODUCCIONES está a cargo de organizar el show de STOCKHAUSSEN – ÁNGEL KAUFF en Chile, una iniciativa autogestionada de la cual ustedes son parte clave… ¿Cómo surgió esta idea de traer al músico y como ha sido la experiencia de sacar adelante shows internacionales en la escena dark wave?

 

GINGER: Somos colaboradoras de la productora Metatron, la cual es liderada por nuestro amigo Martín Dörr a quien conocimos el año pasado al invitarnos a participar de un show en Casa de Salud en Concepción. Se generó una muy buena conexión de gustos musicales que permitió que comenzáramos a trabajar juntes, de hecho esta es el primer show en concreto que podemos realizar en conjunto. Por otro lado, a Ángel lo veníamos conociendo desde el año pasado también a raíz de nuestra gira por Norteamérica, y bueno desde hace tiempo que veníamos disfrutando de su música la cual sentimos que nos ha influenciado mucho también. 

LAU: Por eso, apenas supimos que estaba la posibilidad de traer a Stockhaussen a Chile, se lo propusimos a Martín, de quien agradecemos mucho su profesionalismo y gestión en toda la producción del concierto. Valoramos profundamente su apoyo a la escena underground la cual todes sabemos que es un desafío poder levantar pero que es súper necesaria. A nivel mundial están saliendo bandas y proyectos muy interesantes pertenecientes a esta nueva ola oscura que merecen un espacio. Así que desde ya dejamos invitados a todes a que emerjan de la zona de confort de los clásicos y se acerquen a conocer todas estas nuevas propuestas. 

 

 

 

Su reciente disco TODO EL CAOS HABITA AQUÍ, es su primer larga duración ¿Cómo fue el trabajo de composición, producción y cuánto tiempo tomó hacerlo? 

 

GINGER:  El año pasado lanzamos nuestro primer larga duración llamado “Todo el Caos Habita Aquí” un LP refleja y representa todo el aprendizaje musical alcanzado junto con nuestras experiencias políticas y esotéricas, permitiéndonos construir un punto de vista y posición frente a lo vivido. Siempre decimos que componer nuestro pequeño Alien fue un parto, pues pasamos por todas las emociones, desde el goce hasta el estrés máximo ya que, por un lado, teníamos la presión del tiempo al tener que componer 10 temas en 3 meses, y por otro, enfrentarnos al desafío de producir todo entre las dos. 

Componer las líneas melódicas de cada uno de los instrumentos, grabar en nuestro pequeño estudio el demo de cada canción, poniendo énfasis en algo más que encontrar ritmos interesantes, sino también que se viesen atravesados por el concepto total del disco. Sin duda ha sido un proceso que nos ha hecho crecer en muchos aspectos, como músicas al perfeccionarnos en nuestros instrumentos; como compañeras al generar metodologías de trabajo simétricas desde el feminismo y la horizontalidad, reconociéndonos más allá de ser amigas o pareja sino que como mujeres enfrentadas a un sistema heteropatriarcal. 

 

                                                                                  Diavol Strain tocando en New Orleans

 

 

¿A partir de qué ideas se construye el concepto central del disco?

 

LAU: El disco refleja diversas reflexiones y emociones en torno a experiencias a las que nos hemos enfrentado desde los inicios de Diavol Strâin. Todo el Caos habita aquí es precisamente eso, un caos que traspasa más allá de una moral dualista, de hecho, posee muchas aristas, son sentimientos extremos, aprendizajes que a veces llegan como un balde de agua fría a remover lo que diste por hecho en algún momento, se vuelve un motor y devenir constante donde la existencia se va moviendo. Así es como todo comienza con la magia del caos, un mantra ruidoso donde invocamos la exaltación de todos esos sentimientos seguido de furia, que de lleno es un conjuro que llama a abrazar nuestra rabia y hacerla un arma contra todo este sistema heteropatriarcal y opresor. Sistema que lleva a un deseo de escapar, de sentirte paria en todas partes y a decidir por el Autoexilio. Bajo esa misma decisión se hace indispensable definirse, llevar las palabras a los actos y también cuestionarse. No basta con denominarse como feminista, antiespecista o anarquista. La idiosincrasia capitalista-machista se inmiscuye igual vistiendo de punk o contracultural, y Éter es la crítica a tal deformación.

 

GINGER:  Por otro lado, nos vemos inmersas en la crisis de luchar en convertirnos lxs seres-máquinas que engranan el sistema. En las Tinieblas Inmóviles (que corresponde a un capítulo de Evangelion) habla de esa crisis, de un frío anormal que nos consume, norma y aísla. Ante la marea de pugnas internas, Neptuno expresa el exceso y el desborde en que muchas veces caemos, atrapadas por nuestros propios demonios, explotando en una tormenta de soledad y tristeza. Sturm und Drang (Tormenta e Ímpetu) gráfica esa pena, además que explora verbalizarla en alemán el cual otorga una atmósfera más acuosa y envolvente. En medio del caos no solo surge la rabia o el abatimiento. Wroclaw es una hermosa ciudad de Polonia que tuvimos la suerte de conocer, donde comenzó a brotar el lazo amoroso que nos une como pareja y compañeras de vida. Desde varios años venimos compartiendo instancias únicas que han ido estrechando ese lazo, mutándolo a un deseo inexorable de estar juntas y enfrentar lo que venga. 

 

 

Finalmente, Todo el caos habita aquí y Más allá del muro del sueño (este último obtiene su nombre por la obra de H.P. Lovecraft ) corresponden al momento final antes de que esta espiral vuelva la curva siguiente. Vemos como el tiempo se conecta en pasado y presente, mirando el horizonte, esperando a que el fin ocurra una vez más. Aquella imagen se puede ver de hecho en el final de la película Donnie Darko, que plantea un concepto similar y fue influyente en parte del proceso del disco. La fase cúlmine es el despojo de la materia, el paso a otro plano de existencia. Nuestros diversos “yo” carentes de cuerpo, tanto en el sentido espiritual, onírico, o incluso nuestra extensión en el nexo de internet, vuelven al polvo para sumergirse en otra parábola del caos.

 

 

¿Con quienes trabajaron y dónde se puede encontrar el disco ?

GINGER: Tuvimos la suerte de contar con un equipo (Marce y Aaron) quienes nos brindaron total apoyo y respeto al momento de grabar. De hecho, se volvió una convivencia prácticamente diaria ya que fueron meses de vernos casi todos los días durante largas jornadas donde también aprendimos de sus conocimientos y experiencia. El resultado nos ha dejado muy satisfechas y ha tenido muy buena recepción, logrando formar parte del sello Young and Cold records de Ausburg- Alemania, con quienes sacaremos el LP en formato vinilo y CD en septiembre de este año, además de contar con copias en cassette a cargo de NoLux (Santiago).

 

¿Cómo definen su sonido actualmente y qué bandas chilenas tanto góticas como post punk o dark han influenciado ese sonido?

 

Hay varias bandas chilenas que nos influenciaron en sonidos oscuros y bailables. La más representativa en cuanto a lo post punk son Los Prisioneros, creemos que son influencia de muchas bandas porque experimentaron muchos tipos de sonidos que van desde el punk (Generación de Mierda) hasta el new wave (Corazones) y todo lo que hay entremedio. También encontramos mucha influencia en sonidos del disco “Viva Chile” de Electrodomésticos, y del primer periodo de Lucybell (hasta el disco Sesión Futura). De bandas oscuras actuales encontramos harta influencia en la banda death rock TERMINAL, así como de nuestros amigos Sidosis de Viña, quienes también deambulan entre el postpunk y el dark wave.

 

 ¿Cuáles son los próximos planes de DIAVOL STRAIN?

 

Lo más próximo, es este 19 de Julio donde compartiremos escenario en Bar Loreto con Stockhaussen, proyecto solista del artista mexicano Ángel Kauff. Estamos muy emocionadas de realizar esta fecha ya que hemos trabajado mucho para poder concretarlo y por fin se dará la instancia. Además, estamos preparando nuevo material que tendrá su primer avistamiento en redes sociales durante septiembre con un videoclip que estrenaremos en nuestra segunda gira por Estados Unidos y México, la cual parte ese mismo mes y se extiende hasta fines de octubre. El próximo año 2020 lanzaremos nuestro tercer trabajo de estudio que ya tiene por nombre “Elegía del Olvido”.

 

 

Premios ÍNDIGO abre convocatoria 2019 

Premios ÍNDIGO abre convocatoria 2019 


ÍNDIGO, los premios de la Música Independiente de Chile son organizados por IMICHILE, buscan fomentar la creación, la diversidad y la calidad artística de las producciones independientes, promover profesionalización de la industria, acercando la música y el proceso de producción al público. Su segunda edición se celebrará el 24 de Noviembre.

 

 

Este año son 10 categorías

Postula tu banda en www.premiosindigo.cl

Descarga bases

1- Álbum Independiente del año

2.- Canción Independiente del año

3.- Mejor Artista Independiente

4.- Mejor Artista Revelación

5.- Mejor Show en Vivo

6.- Premio Merlin al Mejor Sello Discográfico

7.- Mejor Arte y Diseño

8.- Premio Altafonte a la Creatividad Digital

9.- Mejor Productor Musical

10.- Premio Sonidos de Chile a la Internacionalización

IMI lanza primer diplomado en gestión de emprendimiento musical

IMI lanza primer diplomado en gestión de emprendimiento musical

La asociación gremial Industria Musical Independiente de Chile, IMICHILE, fue constituida formalmente en 2013 y reúne a la fecha a más de 48 empresas, entre las que se encuentran sellos discográficos, promotores, agencias de comunicaciones, tiendas online y plataformas de distribución digital, entre otras. Entre sus asociados disponen del más amplio repertorio musical independiente del país, que incluye a más de 600 artistas.

 

 

En su labor de contribuir al desarrollo de la industria musical independiente, mediante el trabajo asociativo y la cooperación para fomentar la producción, promoción, comercialización y exportación de los artistas chilenos y sus producciones fonográficas IMI CHILE ha anunciado la apertura del  PRIMER DIPLOMADO EN DISEÑO Y GESTIÓN DE EMPRENDIMIENTOS MUSICALES.

 

 

Tras varios meses de intenso trabajo, Alejandro Sánchez (Vértigo) y Jorge Erlwein (IMESUR), crearon el diplomado Diseño y Gestión de Emprendimientos Musicales, que gracias a Aconcagua Records y al programa del Centro Creativo de Música y Sonido CHT Lab, se impartirá por primera vez en agosto de este año. El curso tendrá una duración de 5 meses a partir de agosto y entregará herramientas para distintos ámbitos de la industria independiente como producción musical, gestión y propiedad intelectual, entre otros.

Matrículas abiertas en el Centro Creativo de Música y Sonido Chtlab. El 5 de agosto comienzan las clases que se impartirán los lunes y miércoles de 19:00 a 22:00 en las instalaciones de CHT Lab en Hamburgo 801, Ñuñoa. Los interesados pueden encontrar información o inscribirse directamente a admision@chtlab.cl, cupos limitados.

MÚSICA Y MEMORIA: «YO SOY RODRIGO ROJAS, CARNE Y MADERA»

MÚSICA Y MEMORIA: «YO SOY RODRIGO ROJAS, CARNE Y MADERA»

El 02 de julio de 1986 era una de las jornadas de protestas más multitudinarias y decisivas en oposición a la dictadura militar. El paro nacional convocado para esos días estaba concebido como unas de las acciones claves para derrocar a Pinochet. Fue ese 02 de julio de 1986 en que la estudiante Carmen Gloria Quintana de 18, y el joven fotógrafo de 19 años, Rodrigo Rojas, junto a un grupo de vecinos de la población Los Nogales de Estación Central, fueron interceptados y detenidos por una camioneta militar. En medio de la detención, el grupo se dispersó y escapó en diferentes direcciones, ella y Rodrigo se dirigieron por el mismo callejón, perseguidos por la patrulla no lograron escabullirse y finalmente fueron detenidos, maniatados y roceados con bencina para luego encenderles fuego y ser quemados vivos.  Sus cuerpos inconscientes fueron lanzados al otro extremo de Santiago, en un sitio eriazo de Quilicura donde fueron encontrados. Rodrigo murió y Carmen sobrevivió con el 64 % de su cuerpo quemado.

En 1989, QUELENTARO, el dúo compuesto por los hermanos Eduardo y Gastón Guzmán, edita DESPUÉS DE LA TORMENTA, disco que contiene entre sus composiciones el tributo al joven fotógrafo Rodrigo Rojas de Negri.

 

 

 

Este trabajo de corte emblemático para la historia de la banda, con Eduardo aún en el exilio, y Chile aún bajo Pinochet, es a su vez, el último disco con la casa discográfica EMI. En él se encuentran las primeras incursiones en sonidos de sintetizadores y los arreglos musicales a cargo de Sergio Tilo González de la banda Congreso.  Entre las composiciones destacan las variaciones para la tonada El Martirio, melodía que cuenta con innumerables versiones y cuyo origen y propagación por el cancionero latinoamericano es desconocida.  DESPUÉS DE LA TORMENTA es un disco que trae consigo la marca del exilio, la marca de la tortura y la marca de Rodrigo y Carmen Gloria ardiendo en el callejón de Los Nogales, la marca de la memoria insurrecta, así lo describe Eduardo en la furiosa e imperecedera copla compuesta al asesinado joven Rojas de Negri:
 
Y esa patria…
Que patria esa que nombras!!
La patria colectiva que me decías,
nací en la misma tierra que ahora es otra
por nacer prisionero, busco la puerta Y eso del Pueblo Unido
y ese otro verso que decía sobre la vida
y  aquella gente que se creía la gente nueva
fui a decir mi opinión con una piedra
y fui la barricada allá en La Legua
y fui la hoguera ingenua contra las fieras
  y conocí el garrote, y las tinieblas. Soy el tisón humano que no se quema!!
 Yo, yo soy Rodrigo Rojas, carne y madera!!
vuelto incendio en la lucha
vuelvo a la vida
y alumbrar de esperanza la noche ciega soy Manuel Parada, el Degollado!!
vertiente pura…
estoy vivo en Lonquén
y ando en la marcha
voy en la lista negra
Soy el destierro Estoy preso en Rodríguez.. y soy la vida
soy los que van muriendo… y los que llegan…
soy el viejo y el niño
soy la parte de Chile que anda en la ausencia
soy el aro y abrazo que anda en la cueca.
y soy mucho más cosas…
soy, soy mi pueblo en la calle que no se entrega!!
Yo, yo soy Rodrigo Rojas, carne y madera!!Si la mano enguantada quemó la espiga,
que las manos desnuda, plurales, siembren la vida…
Yo, yo soy Rodrigo Rojas, carne y madera!!

 

«Álbum de estudio publicado por el sello EMI Odeón en 1989. El último disco oficial que Quelentaro editó bajo esta casa discográfica, el cual sólo apareció en cassette. Como en trabajos anteriores, los arreglos y la dirección musical estuvieron a cargo de Sergio “Tilo” González, director del grupo Congreso. César Lucero acompañó a Gastón Guzmán en la guitarra.

 
Todas las canciones pertenecen en letra y música a Eduardo y Gastón Guzmán, excepto Sobre el martirio, que es una variación hecha por Eduardo Guzmán sobre un tema tomado del folklore.» (Fuente: Perrerac.org)

Texto y recopilación: Rossana Montalbán 

LA CHICA RARA DE MANCHESTER

LA CHICA RARA DE MANCHESTER

Manchester ha sido la lluviosa, gris, industrial y sobre todo, prolífica ciudad que ha parido buena parte de la historia musical inglesa de los últimos 40 años. Desde Buzzcocks, Joy Division, The Smiths, New Order, Stone Roses, Happy Mondays, Oasis y James, la banda que convoca los siguientes párrafos.

Como quien desecha su buena fortuna la banda se negó a trabajar con Tony Wilson en Factory Records, probablemente la decisión menos conveniente y más osada de toda su carrera, y la que explica buena parte de su rezago a mitad de camino entre la herencia de The Smiths y la ola neo psicodélica que emanaba desde la ciudad hacia todo el panorama musical Indie de Inglaterra a finales de los ochentas y principio de los noventas.  Y a pesar de un largo bagaje que les permitió cohabitar y telonear a The Smiths – el objeto de culto favorito de toda esa generación que reivindicaba las guitarras- al final del día, JAMES era esa banda que no encajaba en  las corrientes en boga.

 

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La ausencia de etiquetas que pudieran venderlos de cierta manera en un acontecido panorama musical los dejaba fuera de los esquemas del Indie o del Brit Pop de la primera mitad de los noventas, pues en ellos prevalecieron elementos eclécticos y disonantes. Desgarbados en apariencia y elegantes en sonido, demasiado serios a veces y otras efervescentes, siempre más allá o más acá del indie rock pero jamás en el indie rock. Una banda de guitarras prominentes y bien cuidadas. Sonido limpio y arreglos complejos insertados en estructuras pop/rock . Un vocalista atípico, dramático y excéntrico en su performance. La banda corría sola y sigue haciéndolo.

1993 fue un año musicalmente fructífero que vio estrenar grandes discos. 1993 fue el año en que la banda editó “Laid”, el disco que los instala definitivamente en el mapa mundial de la música y que muestra de manera excepcional la solidez y propuesta poco comercial de una banda venida a menos en las manos de un gran artífice; nuevamente, Brian Eno, la primera keyword de esta idea. En la otra esquina, el frontman anti frontman de voz cristalina, Tim Booth,  entre otras cosas, la voz y la cualidad escogida por el compositor Angelo Badalamenti para su proyecto BOOTH AND THE BAD ANGEL en 1996.

Un disco de carácter hermético y cuya riqueza sonora encierra una de esas bellezas poco comunes que suelen pasar desapercibidas para el oído común y corriente. Pues a pesar de tener dos singles de eterna resonancia y excesiva masividad, LAID es un disco introspectivo y sobrio. Y probablemente esas dos grandes canciones nos entreguen una impresión errada de lo que podemos encontrar escuchándolo entero. Y es que junto a Brian Eno la banda logra desarrollar su cualidad y no su defecto a la hora de hacer pop de guitarras, escapando exitosamente a los clichés de la música británica de la época.

 

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Abriendo “Laid” se encuentra “Out to get you”. Reposado e íntimo, creando atmósfera, nos encamina hacia un estado lánguido. Guitarras y slide marcan la minimalista melodía acústica, evocando quizás una solitaria noche de nostalgia por alguien. Así lo deja en claro su letra: “Lost in memories Lost in all the sheets and old pillows So alone tonight / “Miss you more than I will let you know Miss the outline of your back”.

“Sometimes”. Aquí nos ponemos de pie para una melodía acústica y alegre, hermana de “Laid” en cuanto a su sonido y estructura, enérgica como himno, su coro es grandilocuente: “Sometimes, when I look deep in your eyes, I swear I can see your soul”. Ya comenzamos a reconocer la voz de Eno en los coros, como bien confirman los créditos del disco y que escucharemos más adelante nuevamente.

En el siguiente tema nos internamos en un paisaje nuevo y completamente opuesto, al anterior, en todas sus formas. Impregnado de un tono oscuro y “dramático” “Dream thrum”, es el primer golpe a la cátedra sobre la forma de hacer pop-rock. Un track sutil e inquietante, con Tim Booth cantando en su punto más alto. “We leave a trail that’s always changed To keep your hopes alive This surface may seem calm enough, but underneath, Underneath”. En el final, discretos arreglos de violín.

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“One of the three” nos sigue llevando por sonidos que evocan momentos y reflexiones solitarias. El disco entero emana esta sensación de desprendimiento: “One in three must find some peace / Oh, well, it’s a shame you got so famous for a sacrifice”.

“Say something”: Todo gran disco tiene una canción destinada a la masividad en la mejor de sus formas. Una canción que ha tomado vida propia y cuyo tono sentimental y sofisticado al estilo del pop británico. Delicada y muy oreja, estuvo a punto de convertir a James en la banda del one hit wonder, pero hay que decir que, “Say something” es una canción suficientemente lograda como para ser recordada como un simple one hit wonder.

“Five O”. Una canción de amor críptica, confesional y de tono trascendental “I’ve been looking for truth, At the cost of living, I’ve been afraid, Of what’s before mine eyes. Every answer found, Begs another question, The further you go, the less you know, The less I know”. Una declaración de amor cuya sonoridad se va intensificando desde la galopante y solitaria batería en el inicio en dirección hacía los arreglos  de guitarra más delicados de la composición hasta un potente coro donde nuevamente nos encontramos con la voz de Eno junto a Booth: “I can feel your face, Gonna make it mine, I can be the man, I see in your eyes” / “Can you take my Leigh, Are we both too small, Know each other well, We’ve met before”. Uno de los grandes momentos del disco.

“P.S” El slide en la entrada, oscuro y denso, sutilmente al borde de la asfixia nos mantiene en medio de un aire depresivo a lo largo de todo el tema: “You’re sour, so sour, all is hope and trust is misplaced, You’re sour, now you are alone / Walking on fire, feel the way the world’s inclining, Walking on fire, hate to deceive”.  Calmada y turbadora.

 

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“Everybody knows”: Para este momento estamos sumergidos en lo más hondo de las profundidades del algún lado o de nosotros mismos. Resulta imposible abstraerse del clima íntimo y reflexivo de todo el disco, en especial en este puñado de temas. En medio de sonidos de cuerdas y pedales cuidadosamente trabajados, acompañados de una batería calmada y la interpretación de Booth, cantando:  “I’ve seen your stars; so many lives, You seem to shine forever Do you remember the time? Do you remember the time, Our memories held us together?”

“Knuckle too far”: Aquí vamos dejando atrás el cabizbajo ambiente que desde el track 3 experimentábamos. Nos movemos hacia un relajado momento de distensión sonora y atmosférica, aire fresco para seguir disfrutando el minimalismo sónico del disco. En “Low, low, low” nos hemos alejado de todo lo anterior para encontrarnos con una melodía simple y juguetona, muy “brit pop” si queremos decir algo de ella. Probablemente, en sus orígenes, una de las candidatas para las radios.

“Laid”: La otra canción del disco que adquirió vida propia, tocada  en comerciales, peliculas, series, radios hasta decir basta durante los ultimos 25 años.

Finalmente llegamos a “Lullaby”, dulce y liberadora,   dan tregua y pasamos a una melodía plácida como buena canción de cuna; la atmósfera íntima se mantiene.  En el cierre escuchamos “Skindiving”, la pieza casi instrumental inyectada de ambient y shoegaze.

 

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Todo esto es tan Eno y se puede oleren cada tema. Lo encontramos en algunas líneas de bajo, en los coros y desde luego en los teclados. Un disco de sonido elaborado y hermético, riquísimo en textura sonora. Poco digerible para quien no está acostumbrado a una atmósfera poco descifrable y poco obvia, donde la tristeza no es tan triste, la oscuridad no es tan oscura, el pop no es tan pop y el indie no es tan indie.

No es coincidencia que Eno haya buscado trabajar con una banda de estas características donde la libertad estilística y sonora estuviese dada sin pretensiones. Tampoco es azaroso el trabajo con un vocalista de notoria expresividad al cantar, siempre manejando las atmósferas, la intensidad y el color. La voz es protagonista, jamás procesada, ni relegada, así también la reiterada presencia del coro grupal en varios de los temas. Como suele ocurrir con Eno, su agudo olfato y su agudo oído no fallaron al haber trabajado con James, una banda en virtud de su rareza.

 

VIDEO: Hablando de Joy Division

VIDEO: Hablando de Joy Division

En su recorrido por las librerías de la capital JOY DIVISION EL FUEGO HELADO del autor español Marcos Gendre, editado en Chile por el sello Santiago Ander, protagonizó una de las sesiones del ciclo Charlando en el Forestal realizado en Qué Leo Forestal el pasado 23 de mayo de 2019.

 

 

 

La charla contó con la participación del guionista, investigador y comunicador, Carlos Reyes, como entrevistador y con la periodista especializada en música e industria editorial, Directora de nuestra plataforma Crónica Sonora, Rossana Montalbán, en su rol de presentadora del libro en su lanzamiento.

Cuando se han cumplido 40 años de la publicación de UKNOWN PLEASURES el 15 de junio de 2019, los invitamos a repasar la charla dedicada al libro que revisa la discografía de la banda.

EL SONIDO DE LA ESTEPA

EL SONIDO DE LA ESTEPA

Es viernes por la noche y llueve en Santiago. En las noticias hablan de un brote de gripe influenza.  Es viernes por la noche, hace frío, llueve, y en el antiguo TEATRO PARQUE COUSIÑOCENDRARS estrena las composiciones inspiradas en el poemario de Glen Hernández, titulado LA ESTEPA INVERNAL. Es viernes por la noche, llueve y hace frío pero en el hall del teatro se bebe vino, se saluda y se conversa, mientras se espera que la banda compuesta por los cuatro médicos;  Nicolás Crisosto, David Gallardo, Ernesto Hauway y Francisco Rivera, suban a este imponente y longevo escenario que aún sobrevive en medio de un Santiago poco amigo del patrimonio.

Viejas paredes, cielo alto, luces, butacas, un teatro como Dios manda, diría mi madre. Al fondo, la proyección de la portada del ahora disco LA ESTEPA INVERNAL, edición cd y libro que recupera el trabajo intimista y existencial de este médico intensivista especialista en shock séptico. Una poesía melancólica, reflexiva, a veces angustiante, otras veces profundamente tierna y redentora.

El relato musical construido por CENDRARS en base a cuerdas, resonancias y distorsiones, nos conduce por la vida, la muerte, la infancia, la vejez. El encuentro y el olvido, el amor y la ausencia. Son las horas críticas de Ismael, un poeta internado en la UTI, atravesando su fase terminal. Mientras que Polaris, es el médico tratando de atrapar la vida y detener a la muerte.  Ese angustiante cuadro es lo que alimenta el post rock de estos médicos familiarizados con el drama que se cuenta. Probablemente, cada uno de ellos ha sido ese tal Polaris.  Probablemente nadie mejor que ellos para traducir en acordes y melodías, lo que Hernández ha querido plasmar con sus versos.

Tres guitarras, teclado, bajo, batería y un solo de clarinete al inicio de la puesta en escena. Resonantes y atmosféricas, la banda ha elaborado composiciones cuidadas y perfectamente emparentadas con los pasajes del libro. En ellos se escuchan vestigios de una sólida tradición de música compuesta para textos literarios, probablemente LOS JAIVAS e incluso obras musicales de envergadura mayor como LA CANTATA DE SANTA MARÍACendrars maneja los códigos sonoros y dramáticos que la musicalización de una obra poética requieren. Muralla de guitarras y arreglos que entregan delicadeza y texturas a piezas musicales que nos conducen por un paisaje sonoro tan aterrador como liberador, pues así entendemos el paisaje que atraviesa Ismael, el poeta agonizante enfrentado ese desierto frío. Un desierto frío que en manos de Cendrars se ha vuelto sonido. Pero eso no es todo, la calma y al mismo tiempo el desasosiego de la voz y la lectura de GLEN HERNÁNDEZ, conmueven, nos recuerda un poco a Teillier, y un poco a Pessoa.

Pero es viernes por la noche, y no dejo de preguntarme por la inevitable encrucijada y la trascendental reflexión que estos músicos, poetas y médicos ponen ante nosotros… pareciera ser que al final de nuestras vidas, hagamos lo que hagamos, ninguno de nosotros podrá escapar a esa estepa invernal.

 

VIERNES 14 DE JUNIO 2019

CENDRARS Y GLEN HERNÁNDEZ, PRESENTANDO LA ESTEPA INVERNAL

TEATRO PARQUE COUSIÑO, 21 HRS.

FOTOGRAFÍAS POR ALEJANDRO HIDALGO PARA CRÓNICA SONORA

       

COPYRIGHT ° DERECHOS RESERVADOS

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO

La era digital y los nuevos formatos han suscitado una y otra vez, un constante conflicto entre la pérdida y la ganancia material e inmaterial, instalando nuevas formas y problemáticas en nuestra cotidianidad. Esto ha ocurrido en buena parte de los ámbitos que componen la industria cultural. Los involucrados han sido contenedores, contenidos, productores y receptores; el libro, los medios de comunicación, la información, la música, la lectura, y así, una larga lista.

 

 

La forma en que nuestra experiencia auditiva ha mejorado o empeorado en medio de ese vértigo tecnológico ha pasado desapercibida para muchos pero no para NEIL YOUNG, quien desde 2012 ha instalado un tema puntilludo en lo que a escuchar música se refiere.

 

 

PONO, fue el nombre con el que conocimos el formato de sonido que el músico comenzaba a desarrollar entonces. Un formato que aspiró desde su concepción, a mantener la calidad del sonido buscando garantizar la alta fidelidad de este,  gracias a tecnología avanzada que recuperara todo lo que el mp3, con su máxima compresión de datos, había hecho perder a los oyentes.

 

 

Así comienza la larga cruzada del músico canadiense en busca del sonido perdido. Ese sonido que ha quedado reducido al 5%, de acuerdo a los datos entregados por él y su equipo de colaboradores. Un sonido similar al que se percibe estando bajo el agua, en sus propias palabras: “una escucha submarina” – “un archivo mp3 es como estar en el fondo del mar, y un CD deja al oyente 200 metros por debajo de la superficie”.

La misión de Young ha sido desde entonces, una sola, recuperar, en base a alta tecnología, la escucha análoga ocurrida en un estudio de grabación. Y sobre todo, volver a la experiencia auditiva fidedigna.

Tarea titánica y compleja, en medio de las exigencias del mercado y de consumidores que buscan almacenar grandes cantidades de archivos y al mismo tiempo acceder a un reproductor acorde a su poder adquisitivo.

 

 

La pregunta es, si Young, desde la aparición de PONO en 2014, hasta hoy 2019, logró cubrir todas estas necesidades y levantar un osado producto de audio.  La respuesta es sí, al menos, en atributos técnicos. PONO ofreció recuperar hasta treinta veces más información que un mp3. Con una memoria interna de 64GB y una ranura para una tarjeta de memoria con la misma capacidad, el dispositivo alberga entre 1000 y 2000 canciones en este formato, dependiendo de su duración, como también del grado de resolución de cada archivo (a mayor fidelidad, mayor espacio en disco).  Aparentemente, en términos comerciales, el invento no tuvo la acogida esperada. Circulando en el mercado a 400 dólares y con la participación de gigantes de la industria, el invento de NEIL YOUNG no fue suficiente para desplazar la precaria escucha ofrecida por el mp3.

El tiempo ha pasado, y la batalla de Pono parece no haber sido victoriosa pero ¿cómo poder afirmarlo? si para eso tendrán que pasar años o décadas y sólo así se podrá dimensionar el impacto de las ideas de YOUNG sobre la recuperación del sonido. Quizá el tiempo le de la razón. O quizá algún otro Quijote, en varios años más, retome su idea y la vuelva una revolución consumada. Quien sabe. Lo cierto es que YOUNG ha echado a correr la bolita y nadie quiere decirlo. Y a pesar de las vicisitudes de la industria del audio, PONO no ha muerto y su gestación ha dado forma a un nuevo capítulo en esta ambiciosa cruzada…

Continuará…

ÁLBUM #2 : Atrapados oímos trampa, liberadas escuchamos trap.

ÁLBUM #2 : Atrapados oímos trampa, liberadas escuchamos trap.

Voy por Pedro de Valdivia pensando en nuestra cría y deidad que está lejos cuando me lleva una canción de Paloma Mami y se me vincula a un tema de Rihanna en camino a Washington Ave. Disociar las experiencias —aun si son musicales y no mentales— es un truco de la mente, y quiero irme contra eso. Pero antes de ponerme a escribir en ritmo de trap, antes tes tes test test de empezar, quiero poner en claro un eco que ralentiza mi escritura, eclipsa mi autoría tutoría tu te rías tu teoría, y varias veces una pregunta se me que qué queda —una trampa— entre los dedos: ¿puedo hablar en primera persona sona ona oh-nah en femenino, considerando que soy biológica y culturalmente un hombre?

 

 

¿Por qué no, responde la repetición, si a la mujer en español pañol añol, en castellano llano ano ah-no le imponemos hemos emos la primera persona plural en masculino más culino y-no, no hemos logrado cambiar esa tradición injusta incluso ahora, cuando hablamos tan mezclado y de mil maneras no-eras New Era? Aun así yo puedo pedo eh-do, por mi privilegio de hombre nombre ombre sobre escribir esta columna lumna hum-nah en primera persona singular porque se me otorga, en abstracto tracto pacto acto, el derecho a ser persona sona ona oh-nah, así en singular y con eco.

 

 

Y si a esta altura usted, su lectoría y tú te ría y tú teoría sigue leyendo este experimento de escribir en ritmo de trap, gracias por caer conmigo en la trampa rampa zampa; es que, parafraseando el tema reciente de Oddó, «Trampa»,

 

basta

ya está

ahora lo tomo con calma

calma

pausa

bum

no caigo en la trampa

me muevo por donde no debo

y lo paso mejor

hago todo lo que quiero

te quiero

y lo paso mejor

oh-oh

instinto animal

salvaje brutal

nadie lo puede parar

mi vida es normal

no queda tiempo para respirar

ahora

dime

cómo

es que

pasó

verdad que no sé lo que quiero

ya no

queda

corazón

habrá que intentarlo de nuevo.

 

Sí. Voy a intentarlo de nuevo, ahora sin eco. Ahora empiezo la columna por segunda vez, mientras camino por una lluviosa calle Santa Isabel con los pies fríos, extrañando a nuestra cría y deidad y la cordillera desaparece, digo: hace dos días caminaba por DeKalb con los pies hirviendo en la humedad veraniega, escuchando en esta misma canción una sensualidad completamente opuesta, pero no quiero caer en la trampa, basta, calma. Trap trap. Esta es música del presente absoluto, pulso del puro cuerpo y un modo de existir que por fin se ha sacudido del hábito metafísico, del pesado ropaje que nos lleva a poner la mente —sea lo que sea esa mente, puro lenguaje, algoritmo, cifra monetaria, capacidad analítica, distanciamiento, razón, corazón—, más allá del baile. Trap trap. T-rap. La tecnología entra en el rap y destruye su ambición, ese asunto tan de machos —tan patriarcal, en rigor— que implica el placer de dominar a otra persona, y cuando eso sucede las dominadas son siempre las mismas, somos personas despojadas. Entonces mi cuerpo se sacude al saber por qué la lengua española, tan jerárquica, decidió que persona fuera un vocablo en femenino; la tecnología del ritmo entra en el fraseo subyugador del rap y lo vuelve accesible, palabra para todas las personas, cuerpo y ya no dictamen. Trap trap. T-Rap. El rap, por su parte, entra en la tecnología y le da una voz. La corporaliza.

 

 

Está circulando una playlist que se llama Trap Mujeres Español, technologic-rap en la lengua jerárquica y trampa feminista al mismo tiempo. ¿Cuál sería exactamente la trampa que un cantante como Ismael Oddó está disfrutando y que disuelve su pasado de bajista de una banda completamente masculina como Alamedas, y su transición en la banda de Francisca Valenzuela, que reemplaza su nombre propio por sólo un apellido? El instinto animal, salvaje y brutal del rap, del reguetón, del dubstep, del primer T-Rap es violencia declarada o agresividad contenida, la insistencia del hi-hat y la nota grave que se alarga hacia un objeto al que la vibración se lleva por delante hacia el clímax, para explotarle encima e impregnarlo de su dominación. Pero la trampa del trap revierte eso: si el otro cuerpo es nada más una superficie líquida diferente a la que yo tengo, no una propiedad proyectada, tal vez haya roce y orgasmo, pero no penetración ni cópula.

 

 

Esa autonomía reluce, brilla como el sudor o la grasa en la otra piel. Se vuelve un lujo accesible para cualquiera que esté en control de sí misma y al alcance de cualquiera, porque, como adelanta el trap fluido de «Diamantes» de Princesa Alba,

 

si yo bailo

te cuesta entender

que yo sola

sola estoy bien

no necesito un hombre

que me haga feliz

soy segura de mí misma

sabes que sí

si yo bailo

me distraigo

te cuesta entender    

mucho glitter

si tu quieres soy así

no confundas

yo no me maquillo pa ti

si lo hago

es exclusivamente pa mí

no te creas

no te creas todo eso.

 

 

Y pienso que no me lo creeré. No voy a volver a escribir sobre caminar por Bilbao como si caminara por Myrtle, ni por Pratt como si fuera hacia La Alcaldesa, porque intento anotar esto al ritmo de trap que bailamos con nuestra cría y deidad. No voy a pensar que otro cuerpo es el mío o que puede ser mío, no impondré a otra persona mis juegos de palabras, mis trampas, pues no puedo estar en otro espacio que no sea este, que no es mi ahora y no está tocando ese sudor el cuerpo frío. No confundas: estoy denunciando que el habla musical tecnificada —la escritura— quiere llevarme a un lugar que no es el nuestro en una nueva metafísica, pero qué pasa si la bailamos, si la pronunciamos en ritmo y con el canto en voz alta acá, ahora me vengo, trampa: no te creas todo eso.

LIVING COLOUR repasó su hito discográfico VIVID

LIVING COLOUR repasó su hito discográfico VIVID

La noche de ayer, Living Colour nuevamente se subió a un escenario de la capital para reencontrarse con el mismo público fiel que los ha acompañado en todas sus presentaciones realizadas anteriormente en Chile. Ésta vez, el motivo del encuentro fue repasar su primer gran hito discográfico: VIVID, 1988, el trabajo producido por Mick Jagger de The Rolling Stones, que cuenta entre sus colabores con Chuck D y Flavor Flav de Public Enemy y el productor Ed Stasium ( Talking Heads, Ramones, Motorhead ). Un disco clave, que en base a elaboradas técnicas de guitarras contribuyó a dar forma a un nuevo sonido en el rock de finales de los ochentas.

Pronto podrás leer la reseña de este recital en Crónica Sonora.

 

IMAGEN Y SONIDO: «QUE CHOQUE MÁS QUE ADORNE» La fotografía de Karolina Guajardo.

IMAGEN Y SONIDO: «QUE CHOQUE MÁS QUE ADORNE» La fotografía de Karolina Guajardo.

                                                      Karolina Guajardo, mayo 2019 por C.S

 

 

MAURICIO REDOLÉS, ÁLVARO PEÑA, POLÍTICOS MUERTOS, ILEGALES Y DEF CON DOS, SON ALGUNOS DE LOS NOMBRES QUE COMPONEN “POESÍA, BEATS Y ROCKANDROLL”, LIBRO DE LA FOTÓGRAFA KAROLINA GUAJARDO, QUIEN DOCUMENTA MÁS DE UNA DÉCADA DE SONIDO SUBTERRÁNEO EN LAS CIUDADES DE SANTIAGO, LIMA Y BUENOS AIRES. ACABA DE PRESENTARLO EN PERÚ Y EL PRÓXIMO 22 DE JUNIO LO HARÁ EN VALPARAÍSO.

 

 

Karolina Guajardo Briones nace en Santiago en 1973. Su vocación combina el arte y las comunicaciones. Cada proyecto emprendido por esta inquieta fotógrafa y diseñadora gráfica está marcado por la filosofía del Hazlo tu mismo Do it yourself.  Su obra se ha desarrollado de manera independiente y autogestionada a través de diversas estrategias que le han permitido tener un total cuidado y libertad con su obra. Fotografía de autor con la que ha criticado a la Iglesia y a la censura. Al mismo tiempo, ha desarrollado intensamente la fotografía musical, capturando la escena subterránea de los últimos 17 años. Un recorrido que da cuenta de la permanencia de emblemáticas bandas como Políticos Muertos, Fiskales Ad Hok, Los Peores de Chile, Los Rockers, Malgobierno, Punkora, Ultratumba, Perro Mordaz, Gangsta Familia y muchas otras.

Karolina trabaja la puesta en escena. Construye espacios e imágenes salidas de su cabeza. Tiene una mirada propia de lo que está retratando. Ha vivido entre lo digital y lo análogo, sobre todo, en medio de la transición de ambos formatos. Declara su gusto por una estética fotográfica cargada de color e impacto. Busca provocar y no adornar.

Me reencuentro con ella para volver a entrevistarla después de 14 años. Nuestro primer cruce había ocurrido por allá en el 2005, yo cursando la universidad y ella como parte del colectivo Macrodosis preparando una de sus exposiciones en el Centro Cultural San Francisco.

PRIMEROS DISPAROS

 

¿A qué edad comenzó tu interés por la fotografía?

Tarde, como a las 23 o 24 años, cuando entré a estudiar foto, luego de estudiar dibujo técnico y diseño gráfico. De hecho, en principio quise estudiar diseño teatral. Estaba bien dispersa en mi vocación (risas). Una vez ya estudiando, nació este interés por la fotografía. Bien de cero, sin tener grandes referentes y conociendo poco. Entonces cuando estudié diseño digital entré en la fotografía análoga. Ambas cosas se fueron complementando. Hoy me dedico a ambas cosas, a hacer páginas webs y fotos. También hice foto publicitaria un tiempo pero me fui por el lado artístico y definitivamente la foto de autor.

 

¿Tienes algún recuerdo, en particular, que haya marcado tu infancia y que esté presente en tu trabajo?

La música, siempre. Mis viejos tenía muchos vinilos. Y escuchaban de todo. Eso fue algo que me marcó desde muy niña. Empecé a escuchar metal, punk, hip hop y terminé escuchando de todo. Charly, Cerati, etc. Fui sumando y sumando. Todo quedó en mi oído. 

 

Tus inicios en la fotografía fueron con el colectivo MACRODOSIS junto a otras fotógrafas reconocidas actualmente ¿Cómo nace el colectivo?

Macrodosis nace en 2005 cuando una compañera, Daniela Elgueta, nos propone a Zaida, (Zaida González) a Maisha Escobar y a mí, que formemos este colectivo para comenzar a hacer proyectos en conjunto. Una tarde nos juntamos a tomar té y lo conversamos. Después Daniela Elgueta se va y quedamos las tres. 

 

¿Cuántos años duró este periodo y cómo lo ves hoy?

Duramos casi 5 años. Hicimos muchas exposiciones. Yo, personalmente, aprendí muchisimo, mi foto estaba en pañales. Solo había trabajado con fotografía en vivo hasta que llegó MACRODOSIS y comencé a trabajar la foto de autor y la puesta en escena.

Evolucioné a lo digital, aprendí a tener un discurso estético que quizás antes tenía pero no sabía como manejarlo o explotarlo. postulamos y ganamos FONDART, nos invitaron a exponer a Francia. Fuimos seleccionadas por el Consejo de Cultura y las Artes para exponer en Barcelona.  Aprendí también a formular y gestionar proyectos y fondos concursables. Comenzó a aparecer mi nombre en publicaciones. Fue un aprendizaje completo. Fue la escuela y la práctica profesional de la fotografía.

Fue un acierto agruparse y tener ese intercambio entre ustedes

¿Cuál era su forma de trabajo ?

Si, totalmente, lo fue. Cada vez que queríamos hacer un tema, por ejemplo, teníamos disponibles 12 modelos, 4 para cada una, entonces hacíamos sorteos, y a cada quien le tocaba lo que le tocaba, no lo que quería o lo que salía mejor. Siempre era un desafío la elaboración de cada serie de retratos, nuestro principal tema de trabajo.

 

De izquierda a derecha : Karolina Guajardo, Zaida González y Maisha Escobar, Macrodosis.

 

La escuela Macrodosis fue una época fructífera para ustedes, además de todo el conocimiento adquirido ¿en qué otras áreas se notó ese aporte?

Con el tiempo empezaron a llamarnos a cada una de diferentes lados. Surgieron proyectos individuales en los que la mirada de cada una encajaba más. Y nuestro tiempo de trabajo en conjunto se fue disolviendo. Ya habíamos cumplido el ciclo. Fue en ese tiempo que María Gracia Subercaseaux me invitó a la galería que gestionaba con una marca muy conocida de ron. Era una exposición itinerante que se iba cambiando de sede cada cierto tiempo. Fue una bonita experiencia.

 

Tengo la impresión que ustedes marcaron un camino, ¿fueron  el primer colectivo de mujeres fotografas?

En esa época, sí. Han existido muchos colectivos pero en su mayoría mixtos. Ahora en 2019 existen colectivos de mujeres fotógrafas como LAS NIÑAS,  donde están Marcela Bruna, Pilar Díaz y Marcela Peñaloza que organizan FOCOM Encuentro de mujeres fotógrafas y en paralelo han formado la Cooperativa de Mujeres Fotógrafas . A ellas las conocí el año pasado en el Encuentro de Foto Atacama.

 

¿Sabes si ellas tenían el referente de MACRODOSIS?

No, la verdad que no, jamás hablé del colectivo con ellas. Cuando las conocí estaba sumergida en lo del libro y no se me ocurrió hacer la relación.

 

¿Qué tan lejos o cerca estás de ese periodo formativo en MACRODOSIS?

La verdad no tan lejos porque he seguido trabajando y perfeccionando lo que en ese periodo construí.  La fotografía de autor y puesta en escena. Por ejemplo en 2014, monté la exposición REBELDÍA SANTIFICADA, sobre santos populares no reconocidos por la Iglesia como Jesús Malverde y otros. Y en los últimos años trabajando con bandas he seguido integrando elementos de mi trabajo de autor.

 

¿Qué te gusta más: la puesta en escena o la foto en vivo?

La puesta en escena, sino hubiese sido reportera gráfica…siempre he pensado eso… quizás tengo un estilo de trabajo más calmado y no estoy atenta en el momento justo para captar una foto en el instante que ocurre.

 

¿Quienes son tus referentes al momento de armar estas puestas en escena?

Me gustan mucho David Lachapelle, Annie Leibovitz, Janette Beckman, Cindy Sherman, Joel Peter Witkin y el venezolano Nelson Garrido.  Me gusta el color reventado, soy súper colorienta (risas) … aunque ahora estoy trabajando el blanco y negro para tener tener otro punto de vista. Me gustan muchos los trabajos sobre la muerte. También me gusta mucho hacer fotos de paisajes, ordenando mis archivos me di cuenta que tenía una gran cantidad de imágenes de lugares a los que había viajado. Flores, montañas, bosques. Paisajes llenos de colores y vida. Esa es otra parte de mi trabajo que quisiera mostrar.

 

¿Cómo definirías tu trabajo y el estilo de tu fotografía?

Como foto de autor contestataria, inicialmente enfocada hacia la crítica contra la Iglesia. Fue una temática que trabajé por años como una respuesta a la censura.

 

¿Qué buscas al hacer foto de autor ?

Busco que una foto choque más que adorne.

POESÍA BEATS Y ROCKANDROLL

 

El 13 de octubre de 2018 estaba programada la presentación del libro POESÍA, BEATS Y ROCKANDROLL, libro completamente autogestionado que recopila 16 años de trabajo fotográfico en torno a 80 bandas del underground chileno y latinoamericano, introducidos por los textos de los músicos Mauricio Redolés, Alejandro Stephens de Enfermos Terminales y En tu Contra, y Ricardo Vargas de Fracaso e Incendiario.

 

 

La presentación se llevaría a cabo en PERRO NEGRO, un conocido espacio para actividades del sello discográfico POLILLA RECORDS, gestionado por Rodrigo Díaz, principal colaborador del libro, encargado de logística y producción, y a quien Karolina describe como parte fundamental del proyecto. Sería una tarde de música en vivo con parte importante de las bandas fotografiadas, entre ellas, The Razzanos, Enfermos Terminales, Mapurbe. Bandas que también habian participado en la serie de tocatas destinadas a reunir los fondos para la publicación del libro. Todo estaba programado. Los músicos confirmados, el espacio, la hora y el día.  Sin embargo, la noche anterior al evento, Karolina recibe la llamada que nadie, en vísperas de su gran día, quiere recibir; una llamada de la imprenta avisando que el libro no estaría listo para la fecha acordada, y que solo podrían entregarle 4 maquetas…

KG: Quise suspender todo… no podía llegar así ante toda la gente invitada. Rodrigo de Polilla Records me dijo: “tienes que ir, tienes que dar las explicaciones de la situación y seguir adelante”. Yo he hecho un montón de exposiciones y actividades y ésta iba a ser la primera vez en la vida que iba a llegar con las manos vacías sin cumplir lo que yo había prometido…

Bueno, yo lo pasé mal… pero todos lo pasaron super bien en el lanzamiento…

-Ah… ¿ Lo hicieron finalmente?

Sí, lo hicimos con las cuatro maquetas de muestra y explicándoles a todos los invitados lo que había pasado. Después de eso decidí suspender el trabajo con esa imprenta. Además no estaba satisfecha, me entregaron una maqueta completamente opuesta a lo que había pedido. Bueno, sirvió para aprender, es una experiencia que me va a servir para la próxima vez que haga un libro.

 

 

¿Cómo continuaste después de ese pequeño traspié?

Comencé a trabajar con otra imprenta. Ahí fue todo completamente distinto porque estuve supervisando todo el trabajo. Pasé dos días enteros metida dentro de sus oficinas viendo que cada detalle del libro quedara como lo había diseñado. Fueron peleas y peleas, fotos descalzadas, mirarlo con lupa… detalles y detalles...luego hicimos un segundo lanzamiento el 22 de diciembre en una sala de ensayo en barrio República.

 

¿Y quedó como tu querías?

Sí, quedó como quería en un 80%. Mi tema siempre serán los colores  y que no se pierda su fuerza en el impreso. También me gustó mucho el texto que hizo Alejandro Stephens (Músico y Sonidista) porque comparó el libro con hacer un disco.

 

¿Por qué fotografía musical?  

Siempre he sido muy melómana. Cuando estudiaba fotografía, en vez de preocuparme de desarrollar mi trabajo de autor, me dedicaba a organizar tocatas y publicar un fanzine, ahí entrevistaba bandas y luego las invitaba a tocar para el lanzamiento. Bandas como 10 botellas, Faltan Moneys, Santiago Rebelde, etc, etc. En esa época comencé a hacer fotos en el punk y el hip – hop. Trabajé con hartas bandas de esos estilos. En el Hip hop, por ejemplo, a Jimmy Fernández de la POZZE LATINA le he hecho fotos en varias etapas de la vida.

 

¿Cómo se llamaba ese fanzine?

Antitodo. Y venía con un cassette de regalo con un tema de cada banda entrevistada. Fueron 6 números, 3 cassette y 3 cds al final, estuvimos en el cambio análogo a digital.

 

¿Te quedan copias? Sí. Tengo todo.

 

Estamos hablando de finales de los 90s … ¿ cuántos años duró ?

Un par de años y salía cada 2 o 3 meses, era harto trabajo y todo a mano, recortes y fotocopia…(risas) y también hicimos un programa del mismo nombre en radio Villa Francia.

 

Desde un principio te has desarrollado en las comunicaciones y en el arte siempre ligada a la música… finalmente ¿En qué año decides reunir este material y publicar este libro?

En 2016. Me sentía en deuda con la música. Siempre aparecían mis fotos en afiches o en alguna caratula interior, cosas así. Nunca hice exposiciones, ni libros. Siempre estaba pensando: “le debo a la música”. En ese momento seguía presentando mi trabajo de autor pero al mismo tiempo pensaba “tengo mucho material musical para mostrar y que aportar sobre diferentes bandas”.  Así que en una primera instancia pensé en hacer una exposición. Después dije, no, han pasado 16 años, es momento de hacer un libro porque queda en la retina, la exposición dura unos meses y desaparece. En cambio el libro queda para siempre. 

 

 

Hay pocos libros de fotografía  musical en Chile…. este trabajo fue autogestionado  ¿Cómo lograste financiar el proyecto?

Sí, hay muy poco. Estamos todos en deuda, pocas bandas tienen libros de material fotográfico. Vi uno en Coyhaique de bandas de allá. Está el  trabajo de Ignacio Orrego con Aguaturbia, lo de Gonzalo Donoso y lo reciente de LOS TRES. No recuerdo más. Para poder financiarlo comencé a venderlo en verde a través de su página web oficial y en redes sociales. También organicé varias tocatas con las mismas bandas fotografiadas para juntar el dinero que se necesitaba para costear el libro. Me demoré un año en reunir todo el financiamiento.

Una vez que decides mostrar este material a través de un contenedor como el libro. ¿Cómo fue el proceso de selección y edición? Lo que iba y lo que no.

Uf complejo… muy complejo y largo. Elegir 2 o 3 fotos de 60 o 100. De Jimmy Fernández, por ejemplo, tenía 4 sesiones diferentes, ahí comenzaba  a preguntarme ¿cuál de las cuatro utilizo? Fueron meses de trabajo. Primero recopilar los 16 años de material. Luego escanear y pasar de análogo a digital. Después de muchos días armando selecciones paraba para descansar. Un día me gustaba una, al otro día, otra. Fue arduo, tuve insomnio, se me cayó el pelo. Un proceso enorme, gustoso y a la vez estresante. Para una próxima vez me gustaría trabajar con un editor fotográfico que me guiara y diera cierto orden en ese proceso, si eso pasa, espero no discutir mucho con él por ser muy llevada a mis ideas…(risas)

 

 

Ya contabas con material de bandas en vivo ¿en qué momento decides que solo usarás puesta en escena para las bandas?  

 

Desde 2001 trabajo la puesta en escena con bandas. Siempre he pensado que hay mucho fotógrafo de música en vivo, la idea de la puesta en escena es interpretarlos y representarlos, en vivo solo puedes captar una parte de ellos, mientras que en la puesta en escena puedes tener una visión más completa. Cuando comencé a trabajar para este libro me juntaba con las bandas a conversar para saber en qué etapa se encontraban y ver qué querían mostrar ellos .

 

¿Cuál fue la primera banda a la que fotografiaste para una puesta en escena? Recuerdo a los dos primeros, Álvaro España de Fiskales Ad Hok y la banda Imbécil Ambición.

 

¿Tuviste dificultades o resistencias en el proceso de trabajo con las bandas al desarrollar la puesta en escena ?

Sí, a una banda tuve que hacerle la sesión tres veces porque no llegabamos a no logramos captar su carácter. Algunos se ponen nerviosos, otros, fotografiables en la primera foto. Posan y disfrutan, tienen más escuela. A otros les cuesta, son tímidos, quedan tiesos ante la cámara. También estaban los que me decían “ yo prefiero una foto más espontánea” . Tuve que convencerlos de que otras imágenes eran posibles.

 

¿Costó convencerlos?

A algunos sí, pero la mayoría lo entendía y colaboraba. Quedaron muy conformes con el resultado final porque era un registro que nunca se había hecho.

 

Hemos hablado de lo complejo… ¿cuál fue la parte más placentera del proceso de construir este libro?

 

Esto me pasa desde que empecé a hacer fotos, 16 años atrás. Varias bandas y músicos me han dicho: “me hiciste la mejor foto de la vida” – “esta foto me representa totalmente.” Con esas mismas palabras. Que alguien a quien fotografiaste te diga eso ha sido el mayor placer antes y también ahora con este libro al tener listas las fotos. Y me he topado con mis fotos usadas en sus páginas oficiales como imagen principal. Todo eso ha sido lejos lo más satisfactorio.

Otra historia que me dio mucha satisfacción fue en 2009 cuando vino DEF CON DOS, una banda que me gusta mucho. En esa visita les pedí sesión de fotos. Aceptaron, diciéndome que era la primera vez que hacían fotos estando de gira en el extranjero.  Al tiempo después se las envié y luego me escribió César, uno de sus vocalistas para pedirme algunas de mis fotos para usar en la contraportada del libro que estaban a punto de editar, proponiéndome un trato con mis derechos de autor y créditos.  Me llamó mucho la atención que no usaran una foto hecha en Europa o allá en España, sino acá en Latinoamérica. Terminaron usando fotos hechas por mi en afiches y uñetas.

 

 

¿O sea tu foto quedó como imagen oficial de la banda?

De esa época, sí. Luego tuvieron varios cambios.  Pero en esa etapa hicieron una tarjeta prepicada donde sale mi foto y aparecen los créditos en el libro publicado por Ediciones B. Fueron preocupados y respetuosos con mi trabajo .

 

Haciendo fotos en Lima y Buenos Aires ¿qué te parecieron las escenas punks de estos lugares en contraste con la nuestra?

Muy distintas. En Argentina trabajé con un colectivo llamado La Cultura del Barrio, son skinheads, tienen un local para música en vivo y actividades culturales. Es completamente diferente a lo que ocurre en Chile. Tienen respeto, no ves curados en todas partes, ni la violencia de acá. En el último recital de The Adicts en Chile me tocó ver a un tipo escapando de un grupo de punks apuñalandolo. En Perú, tienen harto cuento y muy buena música pero no sé si son tan violentos como acá. En Chile hay muy buenos músicos y bandas pero también hay diferencias culturales enormes y eso se refleja en todo… también en el underground y en el movimiento punk.

 (Archivo Poesía Beats y Rockandroll: Los Afilados, Buenos Aires, Argentina)

 

 

  ¿Cual es tu retrato favorito de todos lo que aparecen en el libro???

¡ Oh que difícil!… tengo muchos…

FALTAN MONEYS

ALVARO PEÑA

BBS PARANOICOS EN EL BAR DE RENÉ

DEF CON DOS por toda la historia con ellos

FRECUENCIA me gusta mucho porque la logré con el celular y la luz del momento.

Son muchas… terminaré dando todos los nombres (risas)

Robert Rodríguez  de BANDA 69

Políticos Muertos

Paranoia

Y así…

 

 

( Mientras le tomo un par de fotos a la fotógrafa, ella me conversa sobre el celular más moderno del mercado con el cual es posible sacar imágenes de calidad en espacios sin luz…. algo inimaginable hasta ahora …)

 

 

-Vamos a tu próximo proyecto… ¿de qué se trata el libro que estás preparando?

Al realizar POESÍA, BEATS Y ROCKANDROLL, me di cuenta que con suerte habían 6 bandas con integrantes mujeres, eso me hizo mucho ruido. A mi me gusta la igualdad,  me identifico con el igualismo, y por eso estoy trabajando en un libro donde la presencia de la mujer es el centro. Este nuevo proyecto consiste en reunir nuevamente a 80 bandas que tengan entre sus integrantes, al menos, una mujer. Bandas de diferentes estilos musicales. Desde música mapuche a la nueva ola.

 

¿ También habrán bandas de Perú o Argentina?

Sí, para este libro ya estoy trabajando con una banda peruana llamada JAS, la primera banda ska de perú, formada en los años 80s. Sergio, su vocalista, se fue a vivir a Europa y volvió en 2014 convertido en Fiorella. Actualmente están tocando, y él toca como Fiorella. Dice que Fiorella mató a Sergio… (risas). Es una historia muy buena. En mi reciente visita a Lima cuando fui a presentar el libro,  hice la sesión de fotos con ellos. En Chile, invité a PAULA BURGOS DJ, y si su salud lo permite lo mismo haré con CECILIA, LA INCOMPARABLE. Ya tengo 20 bandas. Y serán 80.

 

¿Alguna vez han usado tu trabajo sin tus créditos?

Sí, me pasó con REVISTA CÁÑAMO, hace muchos años. Cuando la revista estaba en su peak. Escribí una carta formal para reclamar y al número siguiente publicaron una FE DE ERRATAS. Mis amigos me llamaron para avisarme que lo habían publicado, ni siquiera la revista se comunicó conmigo.

 

¿Qué foto era?  

Era una foto de Juan Sativo. Luego me pasó algo similar con ADIDAS, pero eran otros tiempos estas cosas te tomaban por sorpresa, nadie decía nada. Esto siempre ha pasado y seguía pasando pero después todo fue más público y ahí recién se comenzó a hablar de los derechos de autor y de respetarlos de manera legal. Eso ha cambiado hoy. Ahora ya se respeta más el tema, se conoce y muchas veces parte de las mismas bandas o plataformas. Antes peleaba mucho por eso,  ahora estoy mucho más relajada, de hecho, el libro fue publicado bajo copyleft.

 

¿Y en cuanto a la censura, cómo te ha tocado?

Si, censura he tenido harta… y en diferentes oportunidades por mi trabajo de autor criticando a la iglesia. Una de ellas, cuando fui seleccionada para exponer en Barcelona y luego en el Centro de Extensión de Universidad Católica, mientras proyectaban un clip con los seleccionados para exponer, me cortaron. No aparecí.  Ambas veces fue por mi obra LUJURIA.

 

¿Por qué la foto como medio de expresión?

Para verse uno mismo, porque eso es lo que cuesta. Verse a uno.

Y es un desafío representar algo o alguien con la imagen y lograrlo.

Es peludísimo…

 

¿Qué es para ti la música en el contexto de la foto?

La música es todo. Es todo en la vida.

Sin música no hay nada. Como arte, es todo.

 

El diario de Naty Lane.

El diario de Naty Lane.

Nataly Andrea Gandarillas Martínez nació en 1985, en la ciudad de Quilpué, Quinta región. Cursando enseñanza media, aprendiendo a usar las primeras versiones de internet explored y mirando la serie animada DARIA, termina por convertirse en NATY LANE.  Comenzó a tocar bajo a los 19 años. Vieja, dice ella. Desde entonces ha militado en diferentes bandas de la escena independiente de Valparaíso. Una de ellas, la recordada FATIGA DE MATERIAL, banda de post rock instrumental que se convirtió en el gran acompañamiento de ÁLVARO PEÑA y con quien grabaron en 2012, el aplaudido disco SE VENDE.

En 2016 publica su primer libro titulado SOLO SUEÑO LOS DOMINGOS, una autoedición en formato de bolsillo que reúne textos e ilustraciones. Tiempo después llega a integrar ADELAIDA, el proyecto musical que la llevaría a escenarios internacionales y a recibir un PREMIO PULSAR por el disco PARAÍSO, en la categoría Rock 2017.

En 2019, con 34 años y un fructífero recorrido en el mundo de la música independiente, NATY LANE sigue dando rienda suelta a su pluma, publicando su segundo libro, esta vez, reuniendo una serie de relatos íntimos bajo el título PRIMAVERA SALVAJE (Santiago Ander Editorial). Libro que ha debutado airosamente en VALPARAÍSO y SANTIAGO.

 

          Naty Lane firmando ejemplares de Primavera Salvaje en Bar Loreto. 18 de mayo 2019

PRIMAVERA EN SANTIAGO

 

Es la noche del sábado 18 de mayo de 2019. Naty Lane, editorial SANTIAGO ANDER y la productora ARPÍA PRODUCCIONES han organizado la segunda presentación oficial del libro en uno de los bares más concurridos de la capital: BAR LORETO.  Hace frío y la habitual calma de un fin de semana largo en la ciudad, se notan. Al bar han llegado algunos amigos y colegas de la bajista, lectores y seguidores de su banda. La performance y lectura dramatizada han comenzado. La encargada de interpretar los pasajes más representativos del libro es la actriz Carolina Aparici. La autora y el compositor Maximiliano Mendoza, llevan la música incidental haciendo sonar sus instrumentos en vivo. El libro toma vida propia mientras sus ejemplares bien acompañados de dulces eróticos y condones repletan la mesa en uno de los costados del salón.

 

Naty Lane y sus colaboradores, simbólicamente, han vuelto a parir Primavera Salvaje. Queremos sentarnos a charlar con ella, conocer sus motivaciones y sacar alguna historia sabrosa. Nuestra conversación aún aguarda mientras se desmonta la puesta en escena. En el intertanto, los curiosos hojean el libro, piden selfies y firmas con dedicatorias. Pero la espera es breve, el trabajo ya está hecho y ahora hay tiempo para algunas preguntas en medio de esas paredes tapizadas por rayados, dibujos y dedicatorias bizarras de cada banda que ha tocado en el bar.  El camarín y sus sillones nos acogen escuchando de fondo a la española Luz Casal.

 

 

 

 

¿Cuándo comienzas a trabajar en PRIMAVERA SALVAJE?

Hace más o menos un año volví de haber estado de gira con la banda y sentía que traía en mí hartas historias que me habían pasado. Estaba atravesando por un quiebre sentimental súper fuerte e importante en mi vida. Entonces tenía muchas cosas en la cabeza y en el corazón.

Ya tenía escritos algunos relatos y fue en ese momento en el que me junté a almorzar con un amigo periodista al cual le comenté sobre estos escritos y de mi necesidad de escribir. Fue él quien me motivó y me incentivó a que los publicara. Me dijo “tienes que atreverte”. A mi igual me daba cierto pudor hacerlo, no por la gente que conozco o no conozco sino por mi familia. Me daba pudor que mi familia leyera todas estas historias.

 

Son relatos descarnados…así se leen ¿eso era lo que buscabas?

Sí, esa era la idea del libro, poder decir las cosas tal y como son, lo más directas posible sin caer en lo ordinario.

 

¿Cómo fue el proceso de construcción del libro?

No me sentía capacitada para escribir una novela… eran palabras mayores para mi. Tenía todas estas historias sueltas a las cuales quería darles un formato, y entonces fue ahí que pensé que esto era más bien un diario de vida. Ahí se buscó el mejor orden para los relatos y salió el libro.

 

¿Tuviste un referente específico que te llevara a hacer un libro de relatos íntimos ?

Recuerdo que cuando se estrenó la película JOVEN Y ALOCADA me sentí muy identificada con ese tipo de historia y ese tipo de búsqueda un poco ingenua de tu propia sexualidad, del amor, de cómo funciona la vida y las relaciones en pareja.

 

¿De ahí el concepto de Primavera Salvaje?

Sí, fue algo así. El nombre lo pensé en la mitad del libro, primavera siempre se asocia con el despertar sexual y al amor, lo romántico y todo ese rollo. Y por otro lado se asocia mucho con la ola de suicidios y la depresión por el mal de amor, por ahí lo fui tomando. Luego salvaje, por su tono visceral.  

 

En 2016 publicaste tu primer libro que reúne material escrito y visual, titulado “SOLO SUEÑO LOS DOMINGOS” ¿Cómo surge ese primer trabajo?

Mi libro anterior es un pupurrí de cosas que junté. Tenía muchos escritos y sentí que tenía que mostrarlos de alguna forma. Eran pensamientos, poemas, dibujos, cosas así. Tenía todo esto acomulado, no sabía qué hacer con ese material. Entonces dije: voy hacer una especie de poemario con ilustraciones, similar al formato de SANTIAGO EN 100 PALABRAS. Y así fue.

 

¿Te quedan ejemplares de esa autoedición?  

No, solo hicimos 100. Muy poquitos.

 

¿Has pensado en reeditarlo?

Sí, puede ser, es una buena opción. Me gustaría pensar en una reedición y quizás agregarle un par de cosas más.

 

¿Cómo llegas a trabajar con la editorial SANTIAGO ANDER?

Conocí la editorial con el primer volumen de LOS DISCOS QUE NOS VOLARON LA CABEZA. Ellos hicieron la presentación en el CENTEX de Valparaíso y me invitaron como músico a presentar el libro. Ahí hicimos el vínculo. Luego me invitaron a participar con un relato en la segunda edición del mismo libro. Así nos fuimos acercando con Emilio, editor de SANTIAGO ANDER. Conversando con él fue saliendo la idea de editar PRIMAVERA SALVAJE. En ese momento ya tenía un tercio del libro.

 

¿Te declaras una lectora voraz?

No, la verdad que no… (risas) …  sí, me gusta leer pero no leo tanto como otras personas que se leen 2 o 3 libros en la semana y no pueden estar sin leer. No tengo tanto tiempo pero cada vez que puedo agarro un libro.

 

¿Cuánto hay de la bajista NATY LANE en este libro?

Hay harto igual… porque muchas de las historias ocurren en el contexto de la banda, tocando y estando de gira. O en un carrete con el resto de mis compañeros. Además yo vivo con el guitarrista de la banda, Claudio, entonces es inevitable que la banda o el mundo del rock aparezcan en él.

 

¿Es machista la escena musical independiente?

Sí, es machista, sigue siéndolo.

 

¿En qué lo notas?

Cuando una va a la radio las preguntas más importantes son para mis compañeros hombres y la preguntas más tontas son para una. Todavía queda eso. A veces te tratan como si no supieras enchufar tus propias instrumentos. Todavía se trata de subestimar a las mujeres.

 

En esa realidad ¿Te consideras feminista?

Yo me considero una mujer que en la toma de decisiones y al momento de trabajar busca ser mirada como un igual, haciendo lo posible para que no se le subestime por ser mujer, para que se confíe y se crea en sus capacidades, y que puede hacer las cosas tan bien como un hombre.

 

¿Qué planes tienes en carpeta en cuanto a la escritura?

Tengo un proyecto en stand by, es un libro para niños. Nada que ver con este. Pero por ahora está un poco complicada la cosa para continuar con él. Necesito un equipo de trabajo más grande y eso requiere de recursos, no queremos trabajar gratis y no quiero que nadie trabaje gratis para mí. Eso es lo primero. Por ahora pienso desarrollarlo más adelante y con más calma. Pero siempre estoy escribiendo.

 

¿Te proyectas como autora?   

Sí, me gustaría seguir escribiendo y editando.

 

¿Cuáles son tus referentes  al momento de hacer música y escribir?

Patti Smith en escritura, la forma en que ella aborda los temas y la vida misma. Es una artista power. No es un persona virtuosa es mucha víscera y corazón y eso llega mucho más que la técnica. Me gusta mucho Bjork, por su creatividad y capacidad de reinventarse, siempre está experimentando cosas nuevas y siendo fiel a sí misma sin seguir modas o tomando en cuenta críticas.

 

¿Y en Chile, quién te ha influenciado ?

Álvaro Peña en el tiempo que pasamos con él me enseñó muchas cosas. Su visión sobre el arte y su visión sobre la música fueron muy importantes para mi.

 

En particular ¿qué fue lo que más te quedó?  

Antes yo no tomaba tan en serio el tema de la música, lo veía como un complemento, no como mi actividad central. Ahí Álvaro me dijo: “Esto de la música es súper ingrato, se sufre mucho, y se sacrifica mucho pero tiene sus gratificaciones. Olvídate de una familia normal. Te tienes que entregar. Es la vida entera”.  Esas palabras me marcaron para siempre.

 

 

Foto encabezado: archivo personal Naty Lane

Fotos entrevista: Crónica Sonora 

 

Waiting so long King Crimson: la banda de Robert Frip debuta en Chile.

Waiting so long King Crimson: la banda de Robert Frip debuta en Chile.

Con décadas de espera, dos fechas agendadas y un sold out, la banda de Robert Frip debuta en Chile los próximos 12 y 13 de octubre.

El debut más esperado en Chile por fin será una realidad: King Crimson, uno de los grupos pioneros y más representativos del rock progresivo a nivel mundial, llegan por primera vez a nuestro país celebrando los 50 años de su debut.

 

 

 

Fue en 1969 cuando editaron su primer disco “In the Court of the Crimson King”, revelando una nueva forma de hacer música, en plena explosión post psicodélica que dio al mundo una serie de nuevas bandas que pasaron a la historia como las más innovadoras del siglo. King Crimson destacó inmediatamente como una de las más fascinantes y desconcertantes, combinando elementos del jazz, la música clásica y lo sinfónico, con una libertad creativa que excedía todo lo conocido hasta entonces.

Ese mismo espíritu es el que se siguió propagando en sus posteriores lanzamientos, comandados por la guitarra y la mente de Robert Fripp, único integrante original que ha estado presente en todas las etapas de esta entidad.

Cada disco ha sido una aventura diferente para King Crimson, viendo pasar por sus filas a algunos de los músicos más reputados de toda la industria musical. Es así como ha pasado medio siglo de incansable trabajo, coronado por una de las giras más significativas de su historia: su Celebration Tour 2019, que es la que logra el milagro de traer por primera vez a Chile a una de las agrupaciones más influyentes y trascendentes que han pisado la faz de la Tierra.

Actualmente la formación de King Crimson es con Robert Fripp en guitarra y teclados, Jakko Jakszyk en guitarra y voz, Bill Rieflin en teclados, Tony Levin en bajo y chapman stick, Mel Collins en saxo y flautas, y la inclusión de tres bateristas: Gavin Harrison, Pat Mastelotto y Jeremy Stacey, que además hace teclados.

King Crimson ha sido reconocido como influencia directa por artistas de cinco generaciones distintas, desde sus contemporáneos como Yes y Genesis hasta los de décadas posteriores como Rush, Primus y Steven Wilson, entre muchos otros. Han sido dos veces nominados al Grammy como Mejor Performance Instrumental de Rock y han vendido millones de copias de sus discos, ganándose por mérito propio un lugar en el Olimpo de la música de vanguardia.

Los valores y ubicaciones siguen siendo los mismos del primer show (agotado).

#KingCrimsonEnChile #SegundoShow #Soñado

Valores

Diamante – The Court: $170.000.-

Platinum- Epitaph: $130.000.-

Golden – Discipline: $90.000.-

SIlver – Red: $70.000.-

Platea Baja Preferencial – Starless: $110.000.-

Platea Baja – Cirkus: $70.000.-

Platea Alta – Schizold: $39.000.-

Tribuna – Lizard: $29.000.-

 

FUENTE: THE FAN LAB PRODUCCIONES 

ÁLBUM: HISTORIAS VERDADERAS RIMA CON BANDERAS

ÁLBUM: HISTORIAS VERDADERAS RIMA CON BANDERAS

Cuando voy temprano en la mañana a dejar a nuestra cría y deidad a su sala cuna, trato de ir con un poquito de tiempo. Es que le gusta ir tocando cada una de las banderas colgadas del techo en el pasillo por donde entramos hacia el ascensor al fondo del edificio.

Entonces levanto a nuestra cría y deidad, mientras con el cuerpo empujo el coche y avanzamos. Van sus bracitos arriba —boca abierta en carcajada ínfima la suya, dedos chicos en punta— para que apenas agarre, esquina por esquina, esos viejos paños de raso y yo, si tengo aliento, voy diciéndole en voz alta: China Popular, isla británica de Jamaica, Estados Unidos de México, Irlanda Independiente, territorio poscolonial de Guinea, y me pregunto una vez más qué es este edificio, este lugar tan privado como comunitario permite el capitalismo, donde te dan la bienvenida con un montón de banderas, entre las cuales se supone que debe estar la tuya.

 

Comienza a sonar en mi magín el primer loop andino, la repetición de una frase de quena y charango con que empieza la canción “Historias verdaderas” de los Rebel Diaz, entre los platillos que dan entrada al beat y a su rapeo. La Mitad de la Gran Colombia, sigo enumerando por el pasillo, Algeria independiente, Corea Estadounidense, Trinidad y Tabaco, Australia de la Reina. Al tacto gozoso de nuestra cría y deidad en camino a su sala de crías y deidades estos pabellones tal vez ya no tengan el peso fanático, militar, excluyentes en sus fronteras y violentos en el monopolio de las armas de sus estados, sino la vibración de un montón de estrellas, soles y lunas que giran y ponen en juego una combinación de colores y formas. Resuena esa levedad en mi magín cuando

“un invierno

se congelaba el lago

mil novecientos

ochenta y cuatro

éramos cuatro

en un cuarto

en la casa del Lito

en el norte de Chicago

mi mamá, María

Marcelo, mi hermano

yo soy el Rodri

mi papá es el Mario

el Lito tenía al Dani

un hijo de cinco

mitad chileno

y mitad de Puerto Rico

desde ese momento

que somos amigos

caballito blanco

llévanos contigo

llévame a Chicago

donde yo crecí

chileno, exiliao

big boy

MC!”

Mientras el Rodri Venegas y el Gonzalo —los Rebel Diaz— cantan eso al fondo de mi oído, nuestra cría y deidad va desarmando cada rectángulo nacional con un solo golpe de su puño de wawa.

 

“ Esto es pa mi tía

mi tía Sonia

hago hip hop

siempre en tu memoria.

Te cuento que el Nico

también es un rapero

sus líricas son fuego

otro guerrillero.

Esto es pal Julito

mi amigo desde chico

después crecimos

y nunca más nos vimos

yo andaba en Guatemala

mi mama me llamaba

que el Julito había muerto

y yo solo lloraba.

Me dolió en el corazón,

tan frágil la vida.

Si escuchas, te mando

un saludo, tía Luisa.”

 

 

A ese ritmo se suceden las banderas. Estados Unidos de Brasil, Guyana colonial francesa, Costa de Marfil, Canadá de la Reina y Uruguay oriental sólo para los argentinos, al momento que, a mitad de camino, nuestra cría y deidad apunta a la derecha, hacia donde se abre otro pasillo lejos del ascensor —porque todavía queda tiempo, siempre hay un poco, parece decirme, así como baja a través de mis brazos, boquiabierta como yo—, porque de repente ante nosotros se abren paredes tapizadas por una serie enorme de vinilos incontables, multicolores, por varias décadas y tradiciones, de The Como Mamas a Otis Redding, de Barry Manilow a Janet Jackson, de Wu Tang Clan a Solange; de la Fania a Selena, de Irakere Ivy Queen y a Aventura. ¿Qué es este lugar, este territorio privado y comunitario, donde en los muros resuena una historia del consumo musical de sus habitantes?

Mientras con la cría y deidad estiramos los brazos para ir tocando la superficie multicolor de las portadas, caigo en la cuenta de que en cualquier momento podría asomarse en este muro el vinilo de América vs Amerikkka de Rebel Diaz, ese donde viene el tema “Historias verdaderas”. Pero, cuando volvemos a enrumbar hacia el ascensor, no aparece la bandera tricolor de la estrella solitaria entre la serie del pasillo principal. Aun si la cría y deidad, los Rebel Diaz y yo seamos en buena parte sureños de la parte sur de este continente, no encontramos una bandera de Chile colgada en el pasillo. Tal vez porque nadie de este edificio ondea una historia verdadera de ese país. Por ahora —eso también parece decirme la cría y deidad con la mirada, justo cuando suena el timbre del ascensor que llega.

 

Por CARLOS LABBÉ desde Nueva York, Estados Unidos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

SOBRE EL AUTOR :

Carlos Labbé nació en Santiago de Chile en 1977. Ha publicado la hipernovela Pentagonal: incluidos tú y yo (2001), las novelas Libro de plumas (2004), Navidad y Matanza (2007, traducida al inglés y al alemán), Locuela (2009), Piezas secretas contra el mundo (2014), La parvá (Sangría, 2015) y Coreografías espirituales (Periférica, 2017 / Sangría, 2018), además de los cuentarios Caracteres blancos (Sangría, 2010 / Periférica, 2o11)Short the Seven Nightmares with Alebrijes (2015) / Cortas las pesadillas con alebrijes (Sangría, 2017).

Fue parte de las bandas Ex Fiesta y Tornasólidos. Sus discos de música solista son Doce canciones para Eleodora (2007), Monicacofonía (2008), Mi nuevo órgano (2011), Repeticiones para romper el cerco (2013) y Ofri Afro (2018). Ha sido coguionista de las películas Malta con huevo(2007), El nombre (2016). Es licenciado y magíster en literatura. Ejerce la crítica literaria en Sobrelibros.cl y forma parte del colectivo editorial Sangría. Acaba de publicar la edición en inglés de «Coreografías espirituales».

Monophone Records reedita EL JAZZ EN CHILE

Monophone Records reedita EL JAZZ EN CHILE

El incipiente sello discográfico patrimonial Monophone Records, presenta el primer número de su catálogo con la reedición en vinilo y en plataformas digitales del emblemático disco “El Jazz En Chile”, long play publicado originalmente el año 1962 por Ediciones L.R. Ortiz.

Gracias al financiamiento del Fondo Para el Fomento de La Música Nacional 2018, el sello chileno MONOPHONE RECORDS, rescata el primer disco de larga duración grabado por jazzistas chilenos en la Radio Corporación el año 1962 . Una pieza clave para el desarrollo del jazz local.

La cinta, es la primera grabación oficial de una Jam Session cuyo registro sería llevado al formato vinilo, constituyendo el inicio del catálogo de EDICIONES L.R.ORTIZ, el primer sello discográfico creado en Chile como respuesta a las grandes corporaciones musicales de la época. Sello que además, contribuye a la masificación del género en nuestro país.

La lista de músicos que participan en la grabación incluye a jazzistas de formación tradicional como a jazzistas de formación tropical, venidos de orquestas de baile con repertorios de boleros, mambos y tangos. En cuanto al género, la antesala del afro jazz y el jazz fusión. Y de importante influencia para el desarrollo de nuevos géneros en la música popular chilena, lo que se verá reflejado en la cueca, el canto nuevo y la fusión criolla.

EL JAZZ  EN CHILE, en reedición de lujo, incluye el arte gráfico, documentos y fotografías de aquella primera edición, y la total recuperación del audio original en alta fidelidad.

El disco será presentado este martes 28 de mayo 2019, a las 19:30 hrs, en el Auditorio Bellavista PROJAZZ, (Purísima 178, Metro Baquedano), con la participación del musicólogo y especialista en JAZZ, Álvaro Menanteau, y los fundadores de MONOPHONE RECORDS, Juan Pablo Bastidas y René Ortíz.

 

 

 

FOTOS CORTESÍA PÁGINA FB MONOPHONE RECORDS.

Nunca pensamos que nos volveríamos viejos.

Nunca pensamos que nos volveríamos viejos.

ROBERT ALLEN ZIMMERMAN, 24 DE MAYO 1941. 

ÉRASE UNA NOCHE EN EL DESIERTO. (OCTUBRE 2016)

Es viernes por la noche. A miles de kilómetros está por empezar eso que han llamado el concierto del siglo. El Oldchella Desert Trip, el festival que reúne a Bob Dylan, The Rolling Stones, Paul McCartney, Roger Waters, The Who y Neil Young, en la bien llamada ciudad de los festivales, INDIO, en el Valle de Coachella, al sur de California.

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Por supuesto no existe transmisión de streaming y el mundo expectante tendrá que esperar hasta que el festival salga en algún formato de colección como bien rezan los mandatos del marketing. Pero no queremos esperar. Es viernes en la noche y queremos estar allá, queremos saber qué está pasando.

Estamos un poco obsesionados, y las redes sociales son el camino para seguir la pista del magno recital. Twitter, Instagram y el ahora “bendito” Periscope ayudan a satisfacer la necesidad de información en momentos así.

El desierto de California ya no parece tan lejano, al menos, en este instante. Las redes sociales oficiales del evento, incluyendo su aplicación para móviles, nos daban la previa, el ambiente, la llegada de los visitantes y el atardecer tricolor con las localidades ya ocupadas. La escena es apoteósica. Es el desierto de California, ni más ni menos, un lugar que ha alimentado el imaginario de la música, el cine y la literatura norteamericana. Un paisaje recurrente dentro del cancionero de la american music.

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Solo horas antes de comenzar, – 7 de la tarde  en Santiago de Chile –  la reflexión de Dylan venida de otro tiempo, publicada por Ron Wood en su página de Facebook, aquella tarde:

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Ya es media noche en esta ciudad, mientras que allá, la noche recién comienza. Dicen los tweets de asistentes al concierto y corresponsales de medios de comunicación, que Dylan ya ha subido a escenario y que suena Rainy day women. Mientras busco los primeros vídeos y fotos para constatarlo, trato de imaginar qué viste Dylan, cómo suena la banda, y cómo se escucha su voz. Entonces encuentro el siguiente tweet de Laura Steele, reportera de Cincinnati 92.5 Indy Classic Hits 104.5 WJJK –

Las imágenes y el sonido hablan del Dylan que creemos conocer y que recordamos.  El hombre de sombrero y traje negro, en penumbras, ensimismado, sentado al piano cantando con la voz que el paso del tiempo ha vuelto más y más aguardentosa transformando su repertorio como bien lo comenta el corresponsal de Agencia EFEDavid Villafranca:

Los aplausos y comentarios llegan desde el desierto, porque Dylan deslumbra con quietud, sobriedad y un poco de ese usual mal carácter sin dejarse fotografiar en la gran noche pero tocando lo que el público ha añorado escuchar: Don´t think twice it´s alright”, “Highway 61 revisited”, “It´s all over now, baby blue”, “Love sick” e incluso la inmensa“Desolation Rowcon McCartney como espectador a un costado del escenario, cuentan los afortunados testigos a través de sus cuentas.

Ballad of a thin man y Masters of war hacen olvidar a los que twittean que Dylan está flojo, aún así pareciera que Dylan busca una y otra vez romper con su propio mito y con la adoración que se le profesa.  Sin embargo, otros dicen que todo lo que hace es a propósito del mito, arrogante y sin respeto alguno por sus seguidores cantando versiones irreconocibles de sus mejores composiciones. Dylan guarda silencio. Guarda silencio incluso cuando gana un Nobel. Esta noche no es diferente. No saluda, ni se levanta del piano para dejarse ver. El hombre del sombrero es casi un sombra, distante, impenetrable y odioso, complaciendo sin complacer.

Tres años después, los registros de de esa noche corroboran eso y todo el resto. Corroboran 80 minutos de historia musical decisiva de la cual los Stones y los Beatles aprendieron.

 

 

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Eduardo Fabregat Editor C&E del Diario Página 12 :

Recopilación fuentes y redacción de textos por Rossana Montalbán
Fuentes fotográficas: Enterprise Press, El País, Chicago Tribune
¿DE QUIÉN ES EL LIBRO?

¿DE QUIÉN ES EL LIBRO?

Una familia londinense en el contexto de la agitada vida moderna y dos generaciones que se encuentran y desencuentran en un entorno diverso y movedizo donde las amistades,  los vínculos amorosos e incluso las relaciones laborales se desdibujan, es lo que explora THE AGE OF ANXIETY, la primera novela del legendario guitarrista y compositor inglés PETE TOWNSHEND, fundador de THE WHO.

Programado para lanzarse mundialmente el próximo 05 de noviembre, THE AGE OF ANXIETY, forma parte de un extenso y multidisciplinario trabajo realizado por el músico en los últimos años. Y el cual contempla la publicación de un disco y el montaje de una instalación artística bajo el mismo título.

En 2015, TOWNSHEND declaraba a revista Rolling Stone sus intenciones de trabajar en obras que abarcasen distintos formatos y soportes. Ahora, con el anuncio de su novela, ha señalado: “Hace diez años, decidí crear una obra magna que combinaría ópera, una instalación de arte y una novela. De repente, acá estoy, con un libro terminado y listo para publicarse. Soy un ávido lector y realmente disfruté escribirlo, y también estoy feliz de anunciar que la mayor parte de la música ya está compuesta, lista para ser pulida para su grabación e interpretación. Es tremendamente emocionante”.

¿APUESTA SEGURA?

La industria editorial nuevamente apunta a un público probado, apostando a que los seguidores de THE WHO querrán leer la ficción de su guitarra fundadora, cuya autobiografía publicada en 2012 fue una de las más vendidas de ese año. WHO I´M, era un descarnado relato en primera persona sobre los acontecimientos más sabrosos y complejos de la vida del músico.  Por su parte, The Age of Anxiety se nos presenta como “Una gran novela rockera que captura la locura de la industria de la música” vista a través de los ojos de un narrador que es “culto, ingenioso y poco confiable”, según señala el comunicado oficial emitido por la casa editorial HACHETTE BOOKS .

Suspicacias más o suspicacias menos, resulta casi imposible que este cruce entre la ficción y la música no nos haga rememorar la experiencia de proyectos artísticos como la película realizada en 1975 desprendida del disco TOMMY. Un film dirigido por KEN RUSELL, con un elenco estelar integrado por ERIC CLAPTON, TINA TURNER, ELTON JOHN, KEITH MOON, ROGER DALTREY JACK NICHOLSON, ROBERT POWELL, entre otros. Un film del cual, probablemente, solo preferimos recordar sus canciones.

 

Lo cierto es que TOWNSHEND ha mantenido un permanente interés en la escritura y en los libros, no solo como letrista y ávido lector.  Sino que, sobre todo, llamativa es, su extensa faceta de editor y autor realizado.

Corría 1975, año de la publicación de su ópera rock TOMMY y del estreno de la película del mismo nombre. Dos hechos que darían material suficiente para THE STORY OF TOMMY,  un libro escrito a cuatro manos con RICHARD BARNES, cuyos textos y fotografías recogen la grabación del disco y el rodaje del film de Ken Rusell.  Así comienza el viaje de Townshend por el mundo editorial. Una viaje inusual y largo que data de 1983, cuando The Who se disuelve.  Este viaje lo llevará a ser el editor de adquisiciones de FABER & FABER. Bajo su dirección, el departamento encargado de decidir qué libros se publicarían, se editó la autobiografía de ERIC BURDON de THE ANIMALS, titulada I USED TO BE AN ANIMAL, BUT I´M ALRIGHT NOW. Un libro hasta ahora inédito en español. Otro título no menor publicado en este periodo fue CROSSTOWN TRAFFIC: JIMI HENDRIX AND POST-WAR POP de CHARLES SHAAR MURRAY, uno de esos libros que resaltan por ser un estudio profundo del arte y vida de HENDRIX, considerado en esas páginas «el instrumentista más elocuente que haya trabajado en rock». Posteriormente, el guitarrista se aventura a editar el exquisito libro que reúne las letras de BRIAN ENO acompañadas de pinturas del artista visual Russell Mills, MORE DARK THAN SHARK.

Así llegamos a 1985, año en que el héroe de la guitarra publica, bajo el mismo sello editor, su primer libro de relatos breves. Una colección de cuentos escritos entre 1979 y 1984, titulada HORSE’S NECK, desde donde se desprende el siguiente párrafo:

«This giant of a man threw the full weight of his body against mine. He was standing in the audience, on a chair behind me, and he put his arms around my neck to support himself. He smelled like a rag used to wipe beer splashes from a bar. He was wet with sweat, and his arms were strong and irresistible. His hands were like the spreading branches of a small, hardy shrub reaching out to the sun, sinuous and brown in the theater lights.»

 

 

Las credenciales musicales de TOWNSHEND son irrefutables. Su curatoría editorial pareciera hablar por sí sola, así también sus primeras incursiones en la narrativa. Pero quién sabe, solo en unos cuantos meses podremos leer la acabada pluma del célebre guitarrista, genio de una generación de inventores que continuaron la gran revolución cultural de los 60s y el Siglo XX: el rock n roll. ¿Autor de novelas? no sabemos. ¿Autor de algunas de las más incendiarias líneas de guitarra de su era y de de inmortales frases de ficción? Sí, absolutamente : I’ll tip my hat to the new constitution / Take a bow for the new revolution / Smile and grin at the change all around / Pick up my guitar and play / Just like yesterday / Then I’ll get on my knees and pray / We don’t get fooled again”.

 

THE AGE OF ANXIETY se encuentra disponible para pre venta en la página

 

Por Rossana Montalbán.

Periodista especializada en Industria editorial.

Directora de Crónica Sonora .

 

«En ese sonido hay misterios de todo tipo»

«En ese sonido hay misterios de todo tipo»

Desde 2016, cada viernes la señal de Radio BBC 6 transmite IGGY CONFIDENTIAL, programa radial donde la IGUANA, comparte su amplio espectro musical, oficiando de presentador y DJ. Un espectro que ya había sacado a la luz en el disco de 2012, APRÉS, donde versiona a Cole Porter, Serge Gainsbourg, George Bressens, Frank Sinatra, Fred Neil y otros. Como la gran parte de los músicos de su generación, esa generación de “inventores”, Iggy creció escuchando Blues, Jazz, Swing, Folk y la prehistoria del rock n roll como lo conocemos. En su programa, Pop se pasea por un exquisito y seminal repertorio donde suenan sus héroes de antaño, sus amigos y sus recientes descubrimientos. Es ahí, en ese recorrido, donde nos encontramos con su amor por la música de Bo Diddley, tal como ocurre años atrás en un texto escrito por él para la revista Rolling Stone. Porque África, el Missisipi y la Motor City, Detroit, donde el sonido de los fierros y la Motown convergieron, no están tan lejos. Y un hombre negro, una batería primitiva y un sólo eléctrificante acorde, son parte de una reacción en cadena que nos llevan a The Stooges y al Proto punk.

 

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Bo Diddley por Iggy Pop.

“La música de Bo Diddley es monumental. Es profundamente conmovedora. Tiene la fuerza sugerente y sexual del África. En ese sonido hay misterios de todo tipo. La gente escucha sus grabaciones y piensa: “Ah, si uno hace bom – bobom, bom-bobom, logra el ritmo de Bo Diddley. Pero no es tan fácil.”

Diddley, tocaba cosas sencillísimas pero con una autoridad increíble. La primera vez que escuché un tema suyo fue en un disco de los Rolling Stones, en una versión que hicieron de “Mona”. Era un tema genial: miré los créditos y leí: “Ellas McDaniel” y pensé : “¿Quién carajo es?” Pero cuando quise comenzar a componer, él me dio la clave. Yo no tenía un gran espectro vocal y no sabía muchos acordes de guitarra. Así que buscaba una forma de escribir, y ahí estaba él, componiendo canciones muy completas y memorables, sin tanto aspaviento. No eran pomposas.

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Para empezar, él nunca se molestaba en cambiar de acorde… ¡lo cual es muy heavy metal! Es algo hipnótico. Y, por supuesto, está la actitud, la cuestión de subir el mentón y sacar pecho. Bo tenia algo de toro. Su voz me recuerda al blues elemental del DeltaMuddy Watters pero más urbano y acelerado. Y tiene un alarido profundo y penetrante. También está su forma de tocar la guitarra. En primer lugar, las manos de Bo miden como treinta centímetros desde la muñeca hasta la punta de los dedos. Controla totalmente la guitarra.

 

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Lo que hoy en día se acepta cada vez más como guitarra es un tarado con efecto de distorsión. Bo Diddley tuvo un impacto enorme en el rock n roll de los años 60s. Lo versionaron los Stones, los Yardbirds hicieron “I’m your man” y los Pretty Things tocaron “Pretty thing”, también de él.

 

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The Iguanas, la banda de la que formé parte en el colegio secundario, hacía algunas canciones de él. Como “Road runner”, y en los Stooges se oye también su influencia. Yo tuve algunos pequeños encuentros con él. Una vez trabajamos juntos en Las Vegas, y en los 80s y 90s me lo crucé un montón de veces en aviones; siempre en primera clase, siempre solo, siempre con un bolso de mano, su gorro de policía y su placa de sheriff. Pienso que tanto Bo como Chuck Berry sufrieron la trivialización de aquellos a los que se versiona demasiado. Influyeron en todos, pero sus carreras personales están un poco venidas a menos. Hace falta que una empresa de autos o de jeans ponga un tema de él en una publicidad para que un montón de chabones y chaboncitas digan: “¡Eh! ¿Quién toca esto tan bueno?”

 

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Texto: Bob Diddley por Iggy Pop

Revista Rolling Stone, Pag. 88, Julio 2000, edición impresa. 

Introducción: Crónica Sonora

Comértelo y cagarlo.

Comértelo y cagarlo.

Una manifestación artística es la expresión de un tiempo determinado, de un contexto social y cultural específico. A esta máxima podemos agregar que, las crisis sociales y los abusos de poder obligan a las corrientes artísticas a expresar el carácter de los tiempos.

Corría 1961, cuando Janio Da Silva Quadros renunciaba a la presidencia de Brasil después de medio año al mando y después de haber arrasado en las elecciones. Hablamos de principios de la década de los sesentas, una época donde las ideologías políticas habían adquirido profundos valores humanistas y socialistas en Sudamérica. Estados Unidos y las fuerzas militares sacaban de su cargo al presidente electo- nos suena familiar- como parte de las primeras intervenciones que realizaría en el continente para mantener la hegemonía neoliberal. Brasil había sufrido un golpe de Estado. La dictadura se instalaba en el país más grande del mundo hasta 1985.

Eran días convulsionados alrededor de todo el mundo, guerra de Vietnam, luchas ideológicas, revolución estudiantil, revolución cultural. Brasil no era la excepción, los cambios habían sido detenidos abruptamente y era momento de responder a la dictadura.

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Es así como comienza a gestarse una de las formas de resistencia cultural más fuertes contra la dictadura, a partir de un nuevo “género musical” influenciado por la psicódelia de la época, y desde luego, por The Beatles, ambos, en una relectura bajo los códigos brasileños y una amplia mezcla de ritmos, cuyos pioneros fueron Caetano Veloso y Gilberto Gil.

Tropicália se asomaba como un fiel reflejo de la cultura y sociedad brasileña: una aglomeración de ritmos e influencias musicales que provenían tanto de fuera como de dentro de Brasil, fuertemente basado en el imaginario de poetas como Oswald De Andrade y su manifiesto antropófago de 1928.

Una nueva expresión del espíritu brasileño en medio de la dictadura. Electricidad, cadencia y lisergia; futuristas y rupturistas, así sonaban Os Mutantes con Rita LeeGilberto Gil , Gal Costa , Tom Zé.

Recordadas son sus participaciones en el festival de televisión de Sao Paulo de 1967, donde Caetano Veloso y Os Mutantes, en sus respectivas presentaciones, manifestaron el repudio a la dictadura de manera contundente, entre discursos y potentes manifestaciones musicales. Días después los músicos serían deportados del país

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Todo esto era la esencia de Tropicália, una respuesta a lo establecido, a las viejas formas, a la pérdida del carácter social; una respuesta a la dictadura política y a la dictadura musical de la Bossa Nova. A su vez, esta respuesta buscaba ser una expresión sin fronteras, muy visionaria y global para la época, incluyendo todo, desde el sonido afro hasta el rock n roll, sin localismos, ni abanderamientos sudamericanos, mucho menos brasileños. Un golpe a la cátedra. Esto iba más allá de colores políticos o ideologías americanistas en boga en esos años. La derecha los tildaba de hippies comunistas, mientras que la izquierda de anti marxistas y anti nacionalistas. Tropicália fue la verdadera transgresión y la vanguardia. Pero no nos equivoquemos, sus canciones eran de protesta y denuncia.

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Recordado es el episodio de 1968 en que los músicos fueron encarcelados después de tomar el himno nacional para realizar algo muy similar a lo que Jimmy Hendrix había hecho en Woodstock con el himno de lo E.E.U.UGilberto Gil y sus compañeros de banda, fueron arrestados, según argumentaron los oficiales, por haber faltado el respeto a la bandera y al himno de los brasileños. En febrero de 1969, finalmente fueron exiliados del país, con dirección a Londres.

Como suele ocurrir con los regímenes totalitarios, el barrido cultural y por sobre todo, de cualquier manifestación que salga de la uniformidad, fue inminente. La uniformidad del nacionalismo anti yankee de la izquierda y la uniformidad del fascismo derechista que elimina todo aquello que no se le parezca habían sido desafiadas. Pues bien, para el establishment no era ni derecha ni izquierda; Tropicália era simplemente muy enigmático e incomprensible. Y nuevamente, como suele ocurrir con las expresiones artísticas, su impacto no se calcula en su tiempo de desarrollo, en este caso, alrededor de tres años, sino a través de su huella, una huella que en 1972 al regreso de los músicos a Brasil, aún estaba marcada para su posteridad en la música brasileña.

Tropicália fue aquella antropofagia de la que de Andrade habla en su manifiesto: tomar cualquier cosa que provenga de fuera y de dentro, comértelo, cagarlo y hacer algo nuevo con ello.

 

POR ROSSANA MONTALBÁN

DIRECTORA DE CRÓNICA SONORA

EL FUEGO HELADO DE MANCHESTER

EL FUEGO HELADO DE MANCHESTER

El pasado jueves 02 de mayo, se presentó en la capital, el libro del cronista español MARCOS GENDRE, JOY DIVISION EL FUEGO HELADO, editado por primera vez en Chile,  bajo el sello editorial SANTIAGO ANDER.

 

 

El trabajo ensayístico fue presentado ante una Librería del GAM repleta de melómanos, devoradores de libros, periodistas especializados y músicos que llegaron hasta el Centro Cultural Gabriela Mistral, dispuestos a escuchar las intervenciones de los periodistas Francisco Reinoso y Rossana Montalbán junto al saludo virtual desde España del autor Marcos Gendre, y la música en vivo de la banda INTIMATE STRANGER, reversionando los temas SHE ´ S LOST CONTROL y LOVE WILL TEAR US APART.

 

Lautaro Vera y Tessie Woodgate de Intimate Stranger tocando en Librería del GAM

En su intervención, el periodista especializado en música, editor y locutor de radio Sonar FM y Rockaxis, Francisco Reinoso, destacó el aporte del trabajo realizado por GENDRE en términos periodísticos e investigativos. Se refirió además, a la larga trayectoria de GENDRE publicando libros de música de figuras tan diversas como MILES DAVIS o HUSKER DU.

 

 

“La intensa y fugaz historia de Joy Division ha dado paso a un culto difícil de superar. El mito construido a partir de la muerte de Ian Curtis cuenta con miradas, análisis y adaptaciones en distintos formatos, y esta exhaustiva investigación aportada por Marcos Gendre luce como un complemento necesario para comprender la concepción e impacto de sus discos y singles. El ímpetu de un héroe romántico en potencia agobiado por el peso de sus penas.

“Joy Division: el fuego helado” entra directo a la cocina de “Unknown Pleasures” (1979) y “Closer” (1980). También, realza la figura del obsesivo productor Martin Hannett a la hora de conducir las aspiraciones musicales de Ian, Bernard, Peter y Stephen, y ayudarlos a adoptar su identidad definitiva. Un enfoque sombrío alimentado por las desoladoras letras de Curtis. Ninguna banda alcanzó un grado de desesperación tan profundo como ellos y la abundancia de fuentes y entrevistas compiladas en este libro responden varias dudas próximas a la dinámica creativa e interna en el cuarteto.

¿Qué autores y dilemas existenciales alimentaron su discurso? ¿Cómo la aparición de New Order pudo levantar la moral del circuito de Manchester y añadir nuevos y atractivos códigos estilísticos? Este libro nos brinda un viaje adictivo y, en ciertos momentos, desconcertante. Disfrútenlo.”

El periodista Francisco Reinoso al terminar la presentación en Librería del GAM

 

Por su parte, la periodista especializada en industria editorial, columnista de Disorder.cl, Fotorock y directora de Crónica Sonora, Rossana Montalbán, centró su intervención en pasajes claves del trabajo de GENDRE, destacando su publicación en Chile y la elaborada aproximación que el autor hace a la discografía de la banda. A continuación publicamos el texto íntegro de la intervención:

La periodista Rossana Montalbán al terminar la presentación en Librería del GAM

 

Aventurarse a publicar en nuestro país el trabajo ensayístico del autor español Marcos Gendre, resulta a primera vista un acierto.  Esta edición chilena de JOY DIVISION EL FUEGO HELADO a cargo de EDITORIAL SANTIAGO ANDER, con reseña del periodista de radio Sonar FM y Rockaxis, Francisco Reinoso, y portada del artista visual SERGIO CÓRDOBA, reinstala un libro publicado hace cinco años en España y sin distribución en nuestro país, haciendo un favor a quienes acostumbran adquirir libros sobre música fuera de estas fronteras. Esta edición contribuye a un catálogo temático de autores foráneos y cuya presencia en las tiendas del rubro y librerías de casi todo tipo ha crecido, pero que posee poca diversidad a la hora de proponer lecturas que salgan de lo anecdotario, biográfico o autobiográfico. En este contexto, la publicación del trabajo de GENDRE en una edición chilena que dote de lenguaje universal escrituras de marcado acervo ibérico, resultan interesantes y necesarias de descubrir.  A su vez, la edición independiente local se pega un salto cualitativo publicando a autores de reconocida trayectoria en la crónica musical, una jugada que no sorprende al observar la dirección tomada por SANTIAGO ANDER, cuyos títulos publicados en el último año están fuertemente vinculados a la música. En este escenario, este libro llega para sumergirnos en una apasionante lectura . 

 

Equipo de editorial Santiago Ander y amigos, al terminar la presentación en Librería del GAM

 

Al leer a Marcos Gendre en revistas como ROCKDELUX o MONDOSONORO, y en su extenso catálogo de publicaciones sobre música, notamos un esmero por llevar la escritura sobre música a nuevos lugares, sacándola de la mera opinología o de ese atrevido concepto, que a algunos nos suena pretencioso; CRÍTICA MUSICAL. Sus textos proponen ideas y conceptos para contextualizar escenarios y así abordar la música como lo que es; un ejercicio artístico, creativo, y una expresión cultural.

Al sumergirnos en la lectura de JOY DIVISION, EL FUEGO HELADO, nos surgen dos sencillas pero fundamentales preguntas: ¿Por qué JD? y ¿Qué intenta dibujar en estas páginas Marcos Gendre? .

No es azar que este libro se haya escrito y que muchos otros libros se hayan escrito y se sigan escribiendo sobre esta banda. Hablamos de una banda formativa. Cada década tiene su banda decisiva y JOY DIVISION fue esa banda para la década de los 80s.

Tal como lo describe nuestro autor, en ellos convergen elementos de carácter social, artísticos, estéticos y musicales. Son hijos de su tiempo…. pero ¿qué tiempo es este? :  La postmodernidad. No es casualidad que tanto el punk como el post punk hayan surgido en este periodo. Entendiendo éste como el periodo del desencanto, el periodo de las ruinas dejadas por revoluciones y utopías.  Periodos en que ciudades como MANCHESTER fueron succionadas y explotadas por la Revolución Industrial.  A partir de esta idea muchas veces esbozada al paso, Marcos Gendre contextualiza el peso histórico, político y social de una ciudad obrera, donde los estragos de la modernidad configuraron un paisaje poco amable, haciendo de MANCHESTER una “ciudad de cualidad de dialéctica” citando al mismísimo ENGELS.

MARCOS GENDRE ESCRIBE: “ESTOS ORÍGENES INDUSTRIALES SERÁN DETERMINANTES EN LA COMPOSICIÓN DE UNA CIUDAD QUE A LO LARGO DE LOS AÑOS HA SIDO EL FIEL REFLEJO DE LA DESHUMANIZACIÓN MÁS ATROZ. FÁBRICAS CONGELADAS EN EL TIEMPO, NI UN SOLO ATISBO DE NATURALEZA EN SU FRÍO ENTORNO, ESTAMPAS DE INFANCIAS PAGANDO LAS CONSECUENCIAS QUE TUVIERON EN SUS MAYORES LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.”   

A través de párrafos como éstos, GENDRE nos va entregando las claves históricas y sociológicas para comprender la obra y sobre todo la trascendencia de JD. Aquí vemos que la banda posee elementos que sus coterráneos, llenos de otros diversos y sobresalientes atributos, no poseen, pues se mueven en códigos diferentes :

“MIENTRAS THE FALL, OTRA BANDA CAPITAL DE MANCHESTER, PSICODELIZABA LA CIUDAD EN UN FLASH DE SPEED MALICIOSO POR MEDIO DE TONELADAS DE PUNK GROTESCO, INFECTADO POR LA MORDEDURA DEL SARCASMO MÁS LACERANTE, IDEABAN EL FINAL POST APOCALÍPTICO DE MANCHESTER MEDIANTE UN CARNAVAL DE LITURGIA INDUSTRIAL, JOY DIVISION OPTARÁN POR MARCAR LAS COORDENADAS DE UN VIAJE HASTA EL ALMA DE ACERO QUE LATÍA ENTRE SUS FÁBRICAS Y EDIFICIOS QUEJUMBROSOS”.  M.G

 

 

Este paralelo entre THE FALL y JOY DIVISION pone en evidencia el carácter existencial de la banda, un carácter principalmente entregado por IAN CURTIS, y sus letras venidas de la lectura de grandes entomólogos del sufrimiento humano, el tono de su voz,  y su forma de cantar influenciado por intérpretes mayores: “JD CAMBIARÁ PARA SIEMPRE LA IRA CONTESTATARIA DEL PUNK POR UNA PANORÁMICA POÉTICA DE SUSTRATO KAFKIANO, PARTIENDO DESDE REFERENCIAS MUSICALES ESPECÍFICAS”.

Esas referencias fueron a vista y escucha de todos VELVET UNDERGROUND, BOWIE, LOU REED, SEX PISTOLS, STOOGES, y KRAFTWERK.  Aquí también se hará referencia al asunto germánico de CURTIS dedicado a estudiar ESCRITORES DE LA ALEMANIA NAZI, LIBROS DE FOTOMONTAJES DEL PERIODO NAZI, CINEASTAS como FASSBINDER o HERZOG, el BOWIE y el IGGY POP de Berlín.

GENDRE cita a JOHN SAVAGE : “JD NO ERAN PUNKS PERO ESTABAN INSPIRADOS POR SU ENERGÍA. COMO LOS PUNKS USARON LA MÚSICA POP COMO MEDIO PARA BUCEAR EN LA CONCIENCIA COLECTIVA, SOLO QUE ESTO NO ERA LONDRES DICKENSIANO, SINO EL MANCHESTER DE DE QUINCEY, UN MEDIO AMBIENTE SISTEMÁTICAMENTE DEGRADADO POR LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL, CONFINADO POR BAJOS BREZALES Y CON EL OLVIDO COMO VÁLVULA DE ESCAPE. MANCHESTER ES UNA CIUDAD CERRADA, DE ASCENDENCIA CÁNCER COMO CURTIS, EN ÉL PERVIVE EL MAYOR POETA MUSICAL DE LA CIUDAD CAPTURANDO SU ESPACIO Y SU CLAUSTROFOBIA EN UN GÓTICO CONTEMPORÁNEO.”

Al final de día no cabe duda de que JD es la banda más densa y compleja que MANCHESTER haya parido. Aún, hasta el día de hoy.

 

El recorrido es exhaustivo. Gendre nos lleva por cada una de las ramas del árbol genealógico de JD. Sus antecesores, sus contemporáneos, sus descendientes.  Una árbol genealógico, compuesto por el entorno de la banda, por sus referentes y por sus discípulos. Referencias culturales. Escritores, compositores, cineastas, pintores, poetas, etc, etc. KAFKA, GÓGOL, JD BALLARD, SCOTT WALKER, SINATRA, EL KRAUTROCK, EL NORTHEN SOUL.  Poesía, narrativa, imágen, sonido.

GENDRE vincula y establece conexiones. Nos señala donde de mejor o peor forma se encuentra trubutado o parodiado JD . Nos habla de neo post punk, del electro pop bailable.  De la escena hardcore de Washington D.C, del Post rock.  El rock industrial, el space rock y el doom. Al mismo tiempo que dibuja este mapa de influencias e influenciados, GENDRE nos conduce a una escucha oblicua como diría JOHN CAGE.

Esta escucha se dedica a repasar canción por canción lo que fue literalmente el debut y despedida de la banda: UNKNOWN PLEASURES y CLOSER.  De forma descriptiva y reflexiva nos hace escuchar a LA DIVISIÓN DE LA ALEGRÍA a través de palabras. Cada canción es analizada detalladamente para luego detectar su semilla en la música de otros.

El oído de nuestro autor es meticuloso, y en JOY DIVISION encuentra a BLACK SABBATH o a SINATRA.  Para  lo primero tomará DAY OF THE LORDS y NEW DAWN FADES. Para lo segundo tomará el híper hit de la banda LOVE WILL TEAR US APART, una pieza singular y única en su cancionero. En ella, JD juega a ser una banda de perfecto pop post punk, una canción de estructura tradicional y pegajosa. Donde Curtis, se inspira en IT’S OVER , la gran balada existencial de Sinatra. La balada de la pérdida. Momento en que Curtis retorna al drama cotidiano del fracaso amoroso. Una narrativa  ausente en todo CLOSER. Según el periodista Brian Edge “la canción de amor más perfecta que se haya escrito desde LOVE MINUS ZERO de DYLAN.  Entre los elementos decisivos de la canción se encuentran la referencia para la línea de bajo de PETER HOOK, línea basada en “THEN HE KISSED ME” tema compuesto por Phil Spector para THE CRYSTALS, aquella canción que escuchamos en una de las tantas escenas memorable de BUENOS MUCHACHOS de Scorsese.

El artista visual Sergio Córdoba, autor de la portada del libro.

 

Esta revisión de la discografía de JOY DIVISION, nos lleva a varias reflexiones. Una de ellas es que el viaje entre un disco y otro es enorme. La distancia entre Unknown Pleasures y Closer en términos estéticos y compositivos es la distancia que muchas bandas y creadores recorren en 5 o 10 años, por supuesto pienso inmediatamente en ejemplos totales como THE BEATLES o COLTRANE. JOY DIVISION en sólo dos años logra un estado de gracia en el que pasamos del surgimiento del post punk en estado primario, para luego llegar, sin puntos intermedios, a un clímax de oscuro rock experimental.

CLOSER es un disco que huele a muerte, huele a partida. GENDRE lo llama el testamento soñado. El perfecto epitafio de un poeta maldito como The Ghost Song y AN AMERICAN PRAYER lo fueron para JIM MORRISON, otro personaje que surge en la exploración de la figura artística y humana de CURTIS.

CLOSER es una oda a la la soledad, la enajenación, el silencio y la introspección después de la bomba atómica, donde ATROCITY EXHIBITION está inspirada en las narraciones distópicas de J.G BALLARD, y ISOLATION en la Metamorfosis de KAFKA. Himno de enajenación y danza individualista, desconectada del otro y del todo.  Adelantado la próxima camada del synth pop, y el delirio del madchester bailable de finales de ochentas. Por supuesto hablamos de una electrónica existencial, cuyo origen no es otro sino KRAFTWERK. AL RESPECTO  GENDRE ESCRIBE: “CLOSER ES LA PERFECTA PULIMENTACIÓN DE LO QUE UNKNOWN PLEASURES ESTABA UN EN ESTADO BRUTO: TENSIÓN NERVIOSA A PUNTO DE ESTALLAR, ROMANTICISMO EXACERBADO, CULTO AL PASADO. SONIDOS INQUIETANTES EXTRAÍDOS DE LA MÁS RUDA ELECTRÓNICA”. En este disco se encuentran las composiciones más estilizadas y logradas de la banda como THE ETERNAL  o DECADES.

JOY DIVISION es una banda que encontramos viva hasta el día de hoy.  ¿Un muerto entre los vivos o un vivo entre muertos?. Bajo esta interrogante encontramos dos cuadros: aquellas bandas que se vieron influenciadas y nutridas por el sonido y la estética de JD, a partir de lo letrístico, lo estético, el sonido, el uso de las guitarras, uso de teclados o la forma de cantar. Ahí podremos encontrar nombres como CERTAIN RATIO o PIL, THE BIRTHDAY PARTY, el primer NICK CAVE, THE SISTERS OF MERCY. EN ESTADOS UNIDOS, REM o PIXIES hasta LCD SOUNDSYSTEM o TINDERSTICKS, sólo por mencionar algunos pocos.

En la otra esquina están las bandas del nuevo milenio como INTERPOL, EDITORS, FRANZ FERDINAND o SAVAGES, a las cuales el autor describe como: “Resultado de una patetismo más cercano a las bandas de estadio que a un descarnado buceo entre los amasijos emocionales de un mundo exterior-interior”. Planteando algo que salta a primera escucha y a primera vista: bandas alimentadas de puro REVIVAL. “UNA APROPIACIÓN QUE VIENE DICTAMINADA POR UNA NECESIDAD DE FOTOCOPIA”.  Afirma GENDRE en este texto.

El autor Marcos Gendre desde España.

Esta generación de bandas ha mantenido vivo el legado de JD y dada su masividad han permitido que nuevas generaciones lleguen a ella. Sin embargo, es necesario remarcar lo que el autor señala en estas hojas. Son exactamente todo lo opuesto a JD en su más profundo adn,  cegados por un afán de recoger con exactitud los elementos distintivos de la banda, terminand siguiendo guiones preestablecidos, carentes de todo riesgo. En ellos no hay aventura ni propuesta alguna.

JD sale de la media, hace el viaje completo, nace, madura y se acaba. Este tipo de bandas poseedoras de una inventiva natural y guiadas por la búsqueda musical instintiva, sumada a factores tan relevantes como encontrarse con un productor decisivo y protagonista como MARTIN HANNET, son elementos que completan el círculo. HANNET fue para JOY DIVISION lo que George Martin fue para The Beatles. Hannet enseñó y proporcionó de técnicas de grabación y de nuevos instrumentos a la banda. Les mostró los primeros aparatos digitales. Complejizó lo que la banda ya poseía y explotó su potencial. Utilizó técnicas de grabación de expansión y contracción del sonido configurando así una identidad sonora propia.

HANNET trabajó con muchas bandas de la época, pero el el mayor invento salido de ese laboratorio fue JOY DIVISION, cuya reverberación se mantiene en permanente reproducción tres décadas después.

Al leer JOY DIVISION EL FUEGO HELADO, repasamos un tiempo y un lugar determinados que ayudan a lector a comprender el carácter y trascendencia de la banda hasta nuestros días.  Una lectura de la banda, de su música y de su repercusión, sin dejar de lado el análisis de conceptos y elementos musicales en una escucha guiada. Proponiéndonos de esta forma que miremos la música como una expresión cultural determinada por diversos aspectos.

EL PUNK FUE SOBRE DECIR ÁNDATE A LA MIERDA, JD ERA SOBRE “ESTOY EN LA MIERDA”.

 

 

FOTOS CORTESÍA DE EDITORIAL SANTIAGO ANDER

 

ÁLBUM 6 : POR UNA CUECA EXPERIMENTAL

ÁLBUM 6 : POR UNA CUECA EXPERIMENTAL

Por una cueca experimental, mi alma, me perdí de bailar en las fondas de mi juventud.

Por una cueca sónica, ay sí.

Por una cueca que no fuera trillada, mierda, no escuché cueca.

Y no quiero, no quiero decir nada de qué es la juventud. Y no quiero, no quiero decir por qué es imposible encontrar en nuestros dispositivos de música esa larguísima tradición de composiciones cuequeras que sí existe y que le mete electricidad, le baja el pulso, le cambia la rima, le quita el habla, le agrega voces de mujeres, le suma sílabas, le interviene sus 3/4 o o sus 7/8, sólo que tenía catorce cuando decidí que sí, que iba a seguir yendo a las fondas con la familia y con los amigotes y con las vecinas y con los compañeros y con el grupo y con el taller y con el partido y con los desconocidos y con la extranjería compatriota, pero no iba a bailar más que una cumbia o algún sound o un axé o una bachatita, pero no la cueca, no; ya me habían enseñado tantas veces los pasos en forma de ocho y de acoso –¿por qué no de signo infinito, profe?–, y haber bailado una era haberlas bailado todas, y esas letras eran siempre burlas, desprecios, desconfianzas y agresiones, y si había podido agarrar mi guitarra para repetir los ocho compases por una vez ya había contenido en mi canto a la Violeta, a La Voz del Pueblo, a la Margot y a José Zapiola y a la Petronila.

 

 

Por una cueca experimental, mi alma, no quise entender el valor que la repetición y las formas rígidas deben tener para la construcción de una comunidad nacional.

Pero entendí que esa comunidad estado-nacional tenía el monopolio de la educación y de las armas, ay sí.

Y de la imaginación.

 

 

Por una cueca que no fuera emitida una vez más por el único parlante de ese septiembre que ha zapateado su sangre y polvadera del 11 al 19 en círculos concéntricos y vuelta, por esa cueca ofrecí el oído a lo que comenzara namás de la distorsión y terminara namás en un sonido que no pueda escucharse por las orejas y vuelta, ofrecí la escucha a lo que se aprenda sin disfraz, sin saberes de huasos y de chinitas –estereotipos del mando medio y de la xenofobia–, sin simulaciones de campesinado cuando el campo es pura cuestión capitalina, pesticida, semilla patentada y rodeo.

Por una cueca de raíz meridional, gitana, negra e indígena, ay sí, que compartamos las personas de Chile con las de Oaxaca, con las de Bolivia, con las de Argentina, y que la palabra folklore siga siendo un extranjerismo y no tírate un pie.

Por una cueca cuya etimología sea chueca en vez de clueca, ch-hueca.

 

 

Por una cueca que comience en un solo de guitarra eléctrica y cierre con sintetizadores, con un big beat y motosierra, en la ultratumba de todas nuestras muertes bajo la Recta Provincia y todas nuestras celebraciones de que estamos vivos en el mar y cordillera, risa y encuentro de bailarines.

 

 

Por una cueca experimental exijo la liberación de nuestro baile y nuestro oído nacional.

 

TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA

TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA

Como parte de su trabajo en el ámbito de la experimentación desde el sonido, el colectivo Hogareño, realizará TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA.

Enfocados en la creación de música experimental, exploración sonora, performances y producción de actividades vinculadas a la experimentación en el sonido, el colectivo Hogareño, encabezado por los productores y músicos Renato Ortíz y Sebastián Tapia, convoca al TALLER DE MANIPULACIÓN SONORA, registro, procesamiento de audio digital y composición colectiva, el sábado 7 de septiembre.

La actividad propone una forma de trabajo en que los participantes elegirán y grabarán un sonido “X” de corta duración. Luego se traspasará el sonido al computador para ser procesado en el software libre “Audacity”, buscando aprender a diferenciar los tipos de procesadores que existen y cada participante aplicará el que estime conveniente. Finalmente, como una forma de intercambio, los sonidos resultantes convergerán entre si y se discutirá el orden de aparición, los niveles, entre otras decisiones compositivas.

Como clausura de la jornada, a las 20 hrs, se realizará una muestra abierta a todo público para escuchar los resultados del taller, además habrá una presentación musical del artista experimental Renato Ortiz .

Una vez terminado el taller los sonidos y la obra colectiva será subida a una página web.

 

 

Requisitos para los participantes:

-dispositivo para grabar audio (grabadora digital, celular, cámara)
-computador (con el software Audacity instalado)
-audífonos (auriculares)

Valor del taller: $5.000
Duración: 4 horas
Monitor: Sebastián Tapia Núñez

Dirección: Maturana 1090 esquina Bulnes / Villa Alemana

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