ENTREVISTAS

All cops are bastards: música obrera y un himno de repudio

All cops are bastards: música obrera y un himno de repudio

Probablemente es el acrónimo más reproducido en nuestros muros reales y virtuales desde el inicio de la movilización social por la dignidad, una nueva constitución y el fin del modelo neoliberal, hace ya un año dos meses.

Documentada por primera vez en los años 20, la sigla recobró vigencia con el surgimiento del movimiento Oi!, y terminó por convertirse en una de las consignas más utilizadas por los movimientos anarquistas/obreros/punks hasta nuestros días, permitiendo con ello la divulgación del mensaje de repudio hacia las fuerzas policiales y a la violencia de Estado. Con el correr de los días en el inicio de nuestra revuelta, el acrónimo tapizó calles enteras y encontró nuevos adherentes en medio de la sangrienta represión y violaciones a los derechos humanos. Así mismo, la poderosa sigla fue objeto de ingeniosas reformulaciones como: «Asamblea constituyente ahora, bebé» o «All cuicos are bastards». Pero los mensajes encriptados no se limitaron a eso, luego, en diciembre de 2019 ACAB reapareció como 1312 para comunicar el incendiario acrónimo en clave númerica aludiendo la ubicación en el abecedario de las vocales y consonantes que lo conforman, A-1-C3- A1-B2 -1312.

 

MÚSICA OBRERA Y UN HIMNO DE REPUDIO

“All cops are bastards” o «Todos los policías son bastardos» registra su segundo gran aliento en 1982 en los brazos del movimiento musical Oi! cuando The 4 Skins, una de sus bandas más representativas, incluyó en su disco The Good, The Bad and The 4 Skins el track “A.C.A.B”, retrato de la represión policial ejercida contra los jóvenes desempleados y marginados en los barrios obreros de la Inglaterra thatcheriana. Denuncia plasmada en la portada del disco con la imagen de un policía bajo el titular THE BAD.

Generar identidad ante la violenta realidad socio económica y hegemónica probablemente sea la base de todo movimiento contracultural. El fin del Estado de bienestar en manos de la ultraderecha dio paso al resurgimiento de los movimientos sociales, sindicales y contraculturales en la Inglaterra de finales de los 70´s. Por esos días, fuertemente enraizada en la cultura barrial y en la idea de lo comunitario, jóvenes obreros muchos de ellos desempleados envueltos en el descontento y la urgencia de atender a la paliza de la marginación y de la expulsión del auge económico, decidieron hacerse llamar cabezas rapadas. Era el surgimiento de la cultura Skinhead obrera y barrial, con ella nacería un nuevo sonido que representará su naturaleza, el Oi!.

Respondiendo de vuelta a la excesiva masividad que el punk había experimentado luego de su gran explosión, el Oi! se presentó como la nueva música obrera, la contraparte del punk ya colonizado por la industria musical y ajeno a la consciencia y lucha de clases. Para ello, el street punk sería la base rítmica de un cruce que se aseguraría de mezclar los código de la vida barrial y de su forma de sonar rescantando el pub rock, el rock and roll de viejo cuño y los cánticos de fútbol junto con el hastío y el desencanto de la clase más golpeada que también golpea de vuelta. De esa fricción nacerían los principales himnos del género, quizás el más sempiterno, rabioso y lapidarioA.C.A.B” (All cops are bastards) de The 4 Skins, incluido en su disco The good, the bad and the 4 skins” de 1982, cuyo sonido recoge la variedad de ritmos aunados en el Oi! alternando entre la velocidad de un caluroso pogo y el jolgorio del ritmo skalítico a punta de guitarras. Al mismo tiempo para la memoria auditiva resulta imposible no retroceder a los mejores momentos The Jam en coros como los de “Yesterday’s Heroes” o “Jack the lad”. Pero fue el himno anti policía y anti represión, el coro más memorable de una banda que levantó la bandera del orgullo obrero y la furia del marginal en una canción que supo, sobre todo, describir y transmitir la violencia estructural y simbólica que genera la guerra callejera del pobre contra el pobre, del policía contra el trabajador:

Geezer comes with a knife in his fist

I got cut along with the rest said

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

All cops are bastards

Copper come up say what’s the matter with you

Acuñado por primera vez en 1980 por el periodista musical Garry Bushell, desde entonces Oi! ha hecho referencia al movimiento musical integrado por las bandas que pusieron a la cultura obrera como motivo principal de sus letras, vestimenta y sonido, entre ellas los 4 SKIN, SHAM 69, COCKNEY REJECTS, entre otras, promoviendo el orgullo de clase tanto en su miseria como en su diversión, resaltando su jerga y su gestualidad, elementos que fueron capaces de crear un género musical en sí mismo antes de su debacle y distorsión.

Hanging around with my mates one night

We got in a little fight

Geezer comes with a knife in his fist

I got cut along with the rest said

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

All cops are bastards

Copper come up say what’s the matter with you

Now they see what we can do

Next thing I know i was in a cell

All my mates were there as well said

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

A.C.A.B

I had a court date to plead my case

They had delight at the look in my face

They said we’re gonna put you away

I said all I had to say said

A.C.A.B

A.C.A.B

 

 

She Devils – Fun People: un grito por el aborto legal

She Devils – Fun People: un grito por el aborto legal

A finales de los noventas, las bandas argentinas She Devils y Fun People editaron el disco split «El aborto ilegal asesina mi libertad» estampando en la música y en el underground porteño una de las batallas históricas del feminismo y los derechos reproductivos de la mujer.

Por estos días Argentina ha retomado la campaña nacional por la despenalización del aborto y por la legalización de un aborto libre y seguro. La marea verde ha vuelto a colorear las avenidas porteñas en espera de la histórica votación de la Cámara de Diputados llevada a cabo el día de ayer, 10 de diciembre, votación que aprobó, en el marco de una sesión maratónica tras más de 20 horas de debate, el proyecto de interrupción voluntaria del embarazo, que en 2018 recorrió un camino similar siendo truncado en el senado. Así, el país trasandino avanza con paso firme después de mucho hacia la posibilidad de un aborto legal para todas y ahora lo hace apoyado por el mismo Ejecutivo, sumándose a centenares de organizaciones sociales feministas bajo la consigna “que sea ley”, e incluso aspirando a que esa frase sea una realidad antes de fin de año en una sesión de votación histórica en el senado argentino, entre el 28 y el 30 de diciembre.

Con Argentina como epicentro latinoamericano del movimiento pro aborto desde hace décadas, se ha logrado fortalecer y visibilizar el trabajo legislativo y divulgativo en torno a la despenalización. Desde entonces las distintas regiones del continente han establecido sus propias agendas de acción para instalar el tema en la opinión pública e introducirlo en la agenda legislativa de cada país. En el caso de Chile, el debate en torno a la despenalización del aborto ha cobrado relevancia desde 2015 con la conformación de la Mesa de Acción por el Aborto Chile, organización integrada por Abofem, Aprofa, Corporación Humanas, entre otras.

Uno de los pequeños avances registrados en nuestro país corresponden a septiembre de 2017, cuando se dio inicio al debate y posterior aprobación del proyecto de Ley de Despenalización del Aborto en tres causales; peligro de vida de la madre, peligro de vida del feto y en caso de violación comprobada. Un proyecto peligrosamente insuficiente que sigue manteniendo el control sobre los derechos reproductivos de la mujer, criminalizando sus decisiones y garantizando la desprotección de los derechos humanos de mujeres y niñas. En este contexto el derecho a un aborto legal, seguro y gratuito es una de las principales demandas del movimiento feminista en el debate constituyente que se avecina tras el plebiscito del 25 de octubre, donde se buscará que el Estado nos reconozca a mujeres y niñas como sujetas de derechos y ciudadanas plenas, con derecho a una vida digna y a ejercer la libertad sobre nuestros cuerpos y sobre la maternidad. El camino hacia la aborto seguro, libre y gratuito en Chile es largo y urgente cuando llegue el momento de redactar una nueva constitución. Y la posible hazaña trasandina en su legalización enciende luces, luces verdes para que el aborto legal sea una realidad del continente y no solo unos pocos y corajudos territorios. La batalla por la despenalización del aborto en el país vecino ha venido librándose desde los años noventa, década en que las organizaciones feministas comenzaron a articularse con el resto del continente y así también la contracultura,  el arte y la música han formado parte de ello.

Fue en 1997, cuando dos emblemáticas bandas del circuito hardcore punk porteño decidieron publicar el split titulado “El aborto legal asesina mi libertad”, firmado por Fun People y por la banda de punk rock feminista She Devils, formadas en 1995 por Patricia Pietrafesa, Pilar Arrese, y actualmente completada por Inés Laurencena. 

Emparentadas con el movimiento riot grrrl,  She Devils irrumpe en el under porteño a mitad de los noventas, aportando una narrativa anti patriarcal situada en la Sudamérica subdesarrollada, y ejerciendo un discurso lírico-musical crítico y radical desde la militancia feminista, veganista y desde la disidencia sexual. Su música y su impronta significaron una valiosa disrupción tanto para la escena que habitaron desde sus inicios como para la cultura subterránea del Conosur, levantándose como una banda que marcó el surgimiento del punk rock feminista en Argentina como en otros rincones. La resonancia de lo que había ocurrido años antes en otras latitudes ya alcanzaba su eco más genuino por estos lados del globo terráqueo. La década de los 90 casi terminaba pero el tercer mundo seguía despertando y articulándose. Así fue como en 1997 She Devils se unió colaborativamente con la más famosa de las bandas de hardcore melódico crossover que el under argentino haya parido, Fun People, fundada por Nekro en 1989, banda que tuvo a Chile casi como segunda casa con visitas año a año y una devota fanaticada que repletaba los locales santiaguinos cada vez que tocaban. 

Editado bajo el sello Ugly Records en formato vinilo siete pulgadas con cuatro canciones y en cd con seis, el trabajo colaborativo entre las She Devils y Fun people fue casi una cuestión de lógica entre dos bandas que compartían el discurso crítico y radical defendiendo la disidencia sexual, la liberación animal y la militancia feminista en todo su repertorio, activando no solo un circuito musical, sino que también el pensamiento crítico, la contracultura y la filosofía del Hazlo tu mismo. 

“El aborto ilegal asesina mi libertad”, es quizás una de las frases que mejor gráfica la violencia patriarcal ejercida históricamente contra las mujeres y sus cuerpos a través de la coartación de los derechos reproductivos y de la libertad de elegir sobre ellos. Con esta consigna cargada de sangre y ovarios, ambas bandas confrontaron la criminal realidad del aborto ilegal cuya práctica arrojaba y arroja miles de mujeres muertas por año, y otras tantas encarceladas y condenadas por interrumpir un embarazo no deseado muchas veces producto de una violación. Con seis canciones en su formato cd, «Nada para mí», «Baby» e «Inconforme e inapropiado», de She Devils. Y «Lady», «Valor interior», «Señora bronca» de Fun People, el disco fue una ágil interpelación a los sectores conservadores de la Argentina, a los indiferentes y, por qué no, a las propias mujeres y organizaciones involucradas en un debate, por ese entonces, aún sin debatir públicamente, atrapado entre las paredes del activismo en la Argentina del Carlos Menem como señala la activista y música Jacqui Casais “Eran los tiempos del gobierno de Carlos Menem, quien en 1994, se pronunció por la penalización total del aborto al intentar incluir la prohibición en la reforma a la Constitución y en 1998 instauró por decreto el 25 de marzo como el “Día del niño por nacer”. Sin embargo, las mujeres organizadas nunca dejaron de exigir la legalización del aborto, por medios que no eran ni estatales ni institucionales a través de declaraciones, artículos, publicaciones, en las calles, organizaciones de base, ONGs, sindicatos y movimientos sociales.”

En tracks como “Baby”, con marcadas líneas de punk melódico y un coro que recuerda a lo más pegajoso y crudo del indie rock, el canto de She Devils propone emancipación y acción a partir de versos incitadores como “Nena tenés que defender tu paz, / defender tu paz”. Y en cuestionamientos como “Ey, baby ¿ qué vas a hacer? / ¿Quedarte donde esperan que estés? / Haciendo lo que se espera que hagas”. Mientras que “Nada para mí” acelera el pulso a la usanza de una veloz y furiosa cabalgata de punk visceral y versos que parecieran esbozar algo más que solo nihilismo “Reclamo perdida toda esperanza, ¿a quién le puede importar? / Si es que todo ya está hecho y no haces nada más / El futuro es decidir y el presente está aquí / El ser, no ser, el yo no yo, no son nada para mi!”.

Pero la instalación de un debate crucial para el feminismo no solo radicaba en entregar una premisa insertada en la música, sino también información y material en coherencia con el bagaje activista de ambas bandas. Hoy, al mirar el siete pulgadas color rojo, de colección, difícil de encontrar, y el cd color rosa, se descubre un material gráfico de archivo que relata parte de la lucha por la despenalización del aborto en el país trasandino como bien nos relata Casais: “Si bien la prensa que tuvo el disco fue más por rareza del antiguo formato de 7 pulgadas que por el valioso material feminista y artístico que contenía, al abrir el vinilo nos podíamos encontrar con información que hoy es histórica:  “Anteproyecto de ley de anticoncepción y aborto” de la Comisión por el derecho al aborto (sep.1990), la “Declaración de San Bernardo” documento donde se acordó declarar el día 28 de septiembre como Día por el Derecho al Aborto de las Mujeres de América Latina y del Caribe, creando comisiones y campañas por el derecho al aborto en cada país de la región (San Bernardo, Argentina, nov. 1990) y otro texto de la Comisión por el derecho al aborto llamado “Nosotras acusamos”, que es un análisis de la Constitución y de las leyes civiles y penales en las cuales se apoyaban para defender la interrupción voluntaria del embarazo (mayo 1992).”

 

Veintitrés años atrás, en los descuentos de una década que aún vivía sin la masificación del internet y mucho antes de la era híperdigital, dos bandas argentinas utilizaron la música como la principal vía para informar, crear conciencia, y destapar el oscurantismo en torno al aborto y exigir su despenalización, sacándolo a la calle, a la feria de discos, a la fecha en vivo y a los baños de los antros “Recuerdo como hito importantísimo la presentación del disco que hicimos con Fun People: Nos sorprendió a nosotros mismas el modo en el que Cemento explotó esa noche: más de dos mil personas. Fue la primera vez, que yo recuerde, que en un disco se hablaba del tema del aborto tan directamente. Además, el disco traía un montón de información. Nuestro pedido urgente era la despenalización. Fue una movida impresionante, con gente que traía sus propios flyers a favor del tema y otros en contra. Esa noche fue una discusión masiva e imparable, peleamos la despenalización de aborto en el escenario, en el backstage, hasta en los baños” relató Patricia Pietrafesa.

 

UN COMETA PASÓ POR AQUÍ: BILL HALEY EN CHILE

UN COMETA PASÓ POR AQUÍ: BILL HALEY EN CHILE

¿Qué tienen en común personajes como Walt Disney, Albert Camus, Louis Amstrong y Allen Ginsberg? Aparte de ser conocidos mundialmente por su genialidad en sus respectivas áreas, todos estuvieron de visita por varios días en Chile en el apogeo de sus carreras. Visitas de las que poco y nada se habla hoy. Suena a broma imaginar a un relajado Disney bromeando con los periodistas en el Hotel Carrera o a Ginsberg (que se quedó tres meses en Chile) paseando por el Zoológico Metropolitano. Pero todo eso ocurrió. 

El mundo de la música está lleno de estas olvidadas visitas que con los años van tomando ribetes legendarios, como la presentación de Chuck Berry el año 1980 en dos programas televisivos — Vamos a Ver y Lunes Estelares—, donde compartió pantalla con Raúl Matas, don Francisco, Coco Legrand y el “Pollo” Fuentes, entre otros. Los testigos cuentan que llegó malhumorado y arrendó un automóvil por su cuenta, con el que manejó sin licencia por las calles de Santiago toda la tarde, llegando al estudio de televisión poco antes de salir al aire. 

Bill Haley (1925-1981) fue otro de aquellos legendarios músicos que estuvieron en Chile y que hoy pocos recuerdan. Haley es considerado uno de los fundadores del sonido más clásico del rock and roll; vendió más de veinticinco millones de discos en todo el mundo; es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll; tocó para la reina Isabel II en el Royal Performance; ha sido versionado por decenas de bandas (desde Elvis Presley hasta los Sex Pistols); hay un asteroide con su nombre; obtuvo éxitos globales que hasta el día de hoy suenan en radios y fiestas, como  «Rock Around the Clock», «See You Later, Alligator», «Shake, Rattle and Roll», “Rip it up” y «Razzle Dazzle», y fue el primer artista de rock and roll en presentarse en el show de Ed Sullivan, y en ver cómo las chicas se tiraban encima del auto con tal de tocarlo. Nacía con él el concepto de estrella de rock, pero nadie sabía bien de qué se trataba ni cómo manejarlo.

La fama repentina, el juego de las alabanzas, el éxito comercial, su trono arrebatado por figuras con un atractivo sexual y mediático superior como Elvis Presley y Jerry Lee Lewis, fueron sumergiendo a Haley en una espiral alcohólica y de comportamientos erráticos (se hizo habitué de las multas y las cárceles, por exceso de velocidad o ebriedad) de las que, en realidad, nunca pudo escapar. El despilfarro económico fue otra de las cruces que cargó y que, hacia los últimos años de su vida, se fueron haciendo cada vez más pesadas. Luchando contra el olvido se mudó a México y a Texas, buscando empezar de cero y recuperar el trono de rey de ese ritmo endiablado y seductor que era el rock and roll. comenzó a mostrar señales de demencia; cuando se emborrachaba (y para los últimos tiempos, eso solía ocurrir casi todos los días) solía llamar a sus viejos amigos para que le recordaran lo grande que era, necesitaba sentir los halagos, sentirse el más grande. Hasta que, entre la locura y la depresión, Bill Haley murió el 9 de febrero de 1981 en su casa en Texas. Tenía 55 años, había compuesto más de 100 canciones y grabado otras 500. 

Pero mucho antes de su temprano fin, Haley estuvo en Chile. Corría 1960 y el rock and roll aún permanecía como un género comercialmente exitoso, los Beatles solo daban sus primeros pasos y los Rolling Stones aún no existían. Bill Haley fue traído a Chile principalmente debido a la gestión de la Radio Portales, donde Haley dio una presentación transmitida desde los estudios de la emisora. «Bill Haley actuó en nuestro modesto auditorio mientras cientos de personas se quedaron frustradas esperando en la calle Agustinas esquina Ahumada, para poder subir al décimo piso (Portales estaba en esos años en Agustinas 1022 décimo piso)”, señala en su autobiografía Raúl Tarud, dueño de la Radio Portales y productor de la gira nacional que dio Haley en nuestro país. Gira que, según el propio Tarud, solo trajo números rojos. Y es que en aquellos tiempos era difícil de creer que una verdadera estrella del rock and roll pisara estas tierras. 

Bill Haley y sus cometas dieron varios conciertos en Santiago (siendo el más exitoso uno en el Teatro Caupolicán en noviembre de 1960), en Concepción, donde daría hasta tres conciertos el mismo día, ya sea en recintos deportivos o en restoranes donde “la entrada” era la reserva de una mesa para una velada gastronómica y musical. También visitaría varias ciudades del sur, incluyendo Talca, donde tocó en el estadio Fiscal (y donde fue tomada una de las pocas fotografías que existen de la gira del músico por Chile). 

Otra plaza llamativa es Chillán, lugar donde muy pocas veces los músicos exitosos se han presentado en vivo, y donde tocó en la llamada Casa del Deporte.  El periodista Miguel Ángel San Martín recuerda cuando, con 17 años, fue junto a su pandilla a ver un Haley que aparecía en escena con una calvicie incipiente, un «chocho» pegado en la frente y una cara blanca, sin ningún atisbo de barba: «Fuimos a verlo, pero en ese tiempo era todo diferente, lo que hoy es la Casa del Deporte no tenía techo y sólo presentaba unos tablones para que la gente se sentara. Entremedio se metían los vendedores de sustancias, de maní y también los que ofrecían las Bidú (gaseosa de moda)».

La gira, como señalábamos, no generó ganancias. Haley, más que histeria, en Chile provocó curiosidad e incredulidad. El país no estaba acostumbrado a conciertos de estrellas de la música, no existía ni siquiera el concepto, y muchos ni siquiera creyeron que fuera cierto que el autor de “Rock around the clock” estuviera tocando en el país. Por lo demás, aún faltaban un par de años para que Chile organizara el Mundial de Fútbol de 1962 y los Ramblers masificaran definitivamente el género entre las juventudes de la época con su mítico “Rock del Mundial”. Hoy no existen registros audiovisuales de esta gira y solo un par de fotografías se pueden encontrar (con un poco de paciencia) en Internet. Una típica historia de fama, éxito y caída, que tuvo a su protagonista en nuestro país cuando aún el mundo entero se rendía a sus pies. 

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

DADALÚ: «Violencia es que te exijan cierto estándar de belleza física»

 

 

Fotos por Guido Peric

 

Este miércoles 25 de noviembre conmemoramos el día internacional contra la violencia violencia de género. En el marco de esta fecha diversas actividades y concentraciones se llevarán a cabo durante la jornada, una de ellas, la intervención convocada por la colectiva feminista Las Tesis junto a Dadalú transmitida desde Galería Cima.

 

Daniela Saldías, Dadalú, es quizás una de las artistas y creadoras musicales más singulares de la música alternativa y underground hecha en Chile. Desde su primer trabajo editado en 2011 “Periodo”, su propuesta, siempre instintiva e inquieta, ha sido la experimentación y la disolución de los moldes estéticos y sonoros del pop y el hip hop, creando nuevas formas para lo que podríamos llamar canción anti-pop de líricas ácidas, cargadas de desparpajo y crítica aguda que se desenmarca de todo aquello que le impida libertad de movimiento. 

El pasado seis de noviembre fue lanzado a través de las plataformas digitales “El mapa de los días” su quinto disco desde “Gato Naranja” editado en 2014. Trabajo que reúne diez canciones provenientes de un prolífico periodo de composición con pie forzado en el que se propuso componer de manera sistemática y disciplinada, un extenso cancionero que hoy forma parte de este disco al que llama compilatorio. Sobre este nuevo álbum, sobre las distintas formas de violencia patriarcal y sobre su presentación abriendo la performance de Las Tesis, conversamos con Dadalú.

Acabas de editar “El mapa de los días” ¿ cómo fue el proceso compositivo y de producción de este disco?

El proceso creativo para “El Mapa de los días” comenzó a finales del 2018 donde me propuse el ejercicio de hacer una canción por día, poniéndome ciertas reglas, como por ejemplo, no podía tomarme más de tres horas en hacer la canción. Tenía que terminar la idea que empezaba aunque no me gustara personalmente y publicarla en Soundcloud de lunes a viernes hasta que llegara a treinta canciones. Y así hice treinta canciones y en octubre, imitando a los dibujantes que hacen InkTober, yo quise hacer un SongTober, donde compuse 28 canciones con el mismo método. Y después me propuse hacer canciones al despertar, al amanecer, a las cinco y media de la mañana y quería hacerlo durante un mes seguido pero duré una semana porque me daba sueño muy temprano. De todas formas logré hacer mucho material, muchas canciones, y ahí un amigo me invitó a trabajar con él, Martín Pérez Roa. Elegimos diez canciones para hacer un disco con una selección rap y re grabamos esas diez. Algunas crecieron, otras quedaron igual. Cuando una trabaja con alguien más como que se enriquece el trabajo. Así que ese fue el proceso. 

¿Cuáles son las principales ideas que cruzan este trabajo en términos artísticos, líricos y sonoros?

En lo creativo, este disco se trató sobre usar la primera gran idea que se te venga, sin darle tanta vuelta. Y sobre el paso de los días. Musicalmente siempre estoy experimentando, nunca tengo una idea tan clara, para mí se trata de experimentar y aprender, y si hago lo mismo siempre no voy a aprender. Me gusta curiosear. No sé, hice pistas con guitarra y otras solo con bajo, cosas así. 

Líricamente igual que en otros discos, hablo de las cosas que me afectan en el día a día. Desde querer escapar al campo a cuestionarse el rol de una haciendo un arte. Porque desde el primer momento que empecé a hacer música y puse una canción en internet, los únicos comentarios que recibía era “guatona fea, guatona fea”, y eso siempre ha sido un tema para mí, ese fue un momento en el que te das cuenta que ¿acaso hay que ser linda para hacer cualquier cosa que implique mostrarse?. Y en base a ese cuestionamiento identificar a cualquier persona que haya pasado por lo mismo. Trato de hablar desde mi experiencia y eso está presente en todo el disco.

Este miércoles conmemoramos el Día Internacional en contra de la violencia machista. Serás parte de la intervención masiva convocada por Las Tesis en Galería Cima. ¿Cómo surgió esta invitación y en qué consistirá tu presentación? 

Esta invitación surgió porque yo conozco a Las Tesis desde antes de su mega hit “El violador eres tú”, compartimos una tocata en Valparaíso. Y después también participé en la primera convocatoria que hicieron para intervención masiva. Y cuando pensaron en hacer este show conmemorativo pensaron en mí y me invitaron.

Mi show en Galería Cima va a ser un show bien sencillo,  no es un show presentando el disco ni nada porque esta presentación salió bien encima. Y la verdad, incluso en pandemia, siempre he estado tocando entonces para mí siempre es volver tocar. Quizás voy a tocar un par de temas del disco nuevo. Pero es una presentación sencilla, pista, voz y un adorno bailarín que estará acompañado de una arpillera hecha por mi que muestra una menstruación gigante. Así que será un show corto para abrir el streaming de Las Tesis.

 

¿En tu experiencia, cuáles han sido las situaciones de violencia de género más recurrentes que te ha tocado vivir haciendo música?

Violencia es que te exijan cumplir cierto estándar de imagen y de belleza física, eso lo encuentro super injusto porque responder a un estereotipo de imagen física es un trabajo. Beyoncé no se levanta como la vemos en el video. ¿Por qué todas tenemos que querer eso y tener que preocuparnos de las uñas  de ser  ser divas?. Está bien la que quiere hacer eso. El problema es que a todas se nos imponga eso. Por eso comentaba lo que me pasó al principio sobre la primera vez que puse una canción en internet, donde nadie comentó si mi canción era buena o mala, sino mi físico. Eso es violencia, que te impongan tener una imagen y una belleza. Como en una de mis canciones, “por qué hay que ser sexy? ”. Y el problema no es ser sexy, no es la sensualidad. El problema es que sea solo para un lado. Por ejemplo, en la música popular, en el reggaetón o el trap los hombres aparecen con buzo, tapados enteros y las mujeres con poto y tetas grandes y en traje de baño y ¿por qué?. Si vamos a ser sexuales seamos todos sexuales. Por qué Bud Bunny no sale en zunga y con el paquete para poder decir “oye tiene el paquete chico”,“tiene el paquete caído”. La cosificación es solo para un lado, y eso es machismo. Para mí, no es empoderamiento, es prolongar el machismo. 

¿Cuál es tu apreciación sobre el desarrollo y la incidencia del movimiento y la cuarta ola feminista en el ámbito de la música y la cultura a nivel local y mundial? 

Yo lo encuentro positivo, encuentro un avance estar hablando estos temas y que tengamos estas manifestaciones tan fuertes como lo de Las Tesis. Hablar de nosotras y nosotres, y no dejar que la narrativa siempre sea la del hombre hetero-cis, que es una narrativa que permea todo, las leyes, la educación, el entretenimiento. No es una narrativa ajena al rol del género. Entonces, es bueno hablar de eso y cuestionarlo. A mí, me gustaría que llegáramos a ser una sociedad post género donde no hayan roles de género determinados y que no importara tu género biológico o no biológico para hacer algo. Yo, cuando hago música, no hago música con las tetas o la vagina. Yo hago música con mis manos y con mi cerebro, igual que cualquier persona que tiene manos y cerebro. A mí, me carga eso de “la mujer en la música”, igual creo que es importante que esté pasando, igual es importante recalcarlo, pero espero que pronto pasemos a una nueva etapa donde el género ya no sea tema. Yo siento algo bien peyorativo en esto de festivales para mujeres, o cosas así. “Oh son mujeres, tocan, felicitemoslas”, “Oh son mujeres y producen. Felicitemoslas” como si fuera un logro. Somos personas con manos y cerebro como cualquier persona y lo único que ha impedido que eso se haga son los roles de género, y los que impiden ese cambio son las personas en posición de poder que están super cómodas donde están.  Para mí, una mujer que usa el estereotipo de la belleza y el físico para hombre hetero – cis y saca provecho de eso, no es una mujer empoderada. Nadie es bueno por ser. No se es buena solo por ser mujer. En eso tenemos que ser capaces de ser bien críticas.  Ojalá como sociedad lleguemos a superar los estereotipos de belleza como algo tan vacío y aburrido. La belleza no es una sola. 

MÚSICXS IMAGINANDO UNA NUEVA CONSTITUCIÓN

MÚSICXS IMAGINANDO UNA NUEVA CONSTITUCIÓN

Diversas voces de la música independiente local e históricos nombres de la música popular forman parte del quinto número de la Revista Estas Máquinas Matan Fascistas, editada por Crónica Sonora. Un coro divergente, en el que no solo se entonan el nuevo repertorio de los artistas sino que también se aborda el histórico proceso constituyente iniciado el 25 de octubre de 2020. A través de completas entrevistas, retrospectivas, reseñas musicales y textos narrativos, con la ayuda de la música recorremos los temas fundamentales para imaginar una nueva constitución.

Publicada dos días antes del Plebiscito en el que los ciudadanos de Chile decidieron aprobar la redacción de una nueva constitución, este quinto número de Estas máquinas matan fascistas. La música nuestra arma. Imaginando una nueva constitución, reúne un compendio de textos que, desde la música, reflexionan en torno a los temas que nos resultan urgentes para la conformación de un nuevo Estado.

 

The Who, Calamity Jane, Leni Alexander, She Devils, Vienna Teng son algunos de los protagonistas de este quinto número trimestral junto con completas entrevistas al músico y activista Camilo Antileo, a la cantautora urbana Araceli Cantora al cuarteto Derrumbando Defensas desde Temuco, y una retrospectiva a los 17 años de historia de Tsunamis y su nuevo disco titulado «Siete mares».

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTA N°5 NOV-DIC

COLUMNA: UNA CARRERA POR LA PARIDAD.

COLUMNA: UNA CARRERA POR LA PARIDAD.

REFLEXIONES EN TORNO AL PREMIO NACIONAL DE ARTES MUSICALES.

La carrera por el Premio Nacional de las Artes Musicales ha terminado. Este lunes 7 de septiembre fue dado a conocer el nombre de la soprano, productora y académica Miryam Singer como la cuarta mujer reconocida con el galardón en un total de 15 entregas, en medio del álgido debate en torno al sesgo socioeconómico y patriarcal del denominado mayor reconocimiento a las artes musicales del país.

Entregado en específico para el área de la música desde 1992,  bajo la Ley 19.169 mediante el Ministerio de Educación y desde 2003 por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, el emblemático, codiciado y criticado máximo reconocimiento para las artes musicales del país sigue siendo terreno de controversia y disconformidad al momento de revisar los criterios y lineamientos utilizados para poner en valor la trayectoria y obra musical de quienes son considerados en su postulación y consiguiente adjudicación. Las reiteradas críticas apuntan a la ausencia de diversidad de géneros musicales y a la falta de reconocimiento al aporte y desarrollo de la música popular, perpetuando una evidente inclinación hacia la llamada música escrita o música docta, principal área de aplicación del premio como también su fijación en exclusiva hacia la academia. Más escandalosa aún, ha sido su persistente negación de los méritos de mujeres en las artes musicales nacionales, cuyas candidaturas año a año han sido minoritarias y en muchos casos inexistentes. En la misma línea, el reconocimiento a quienes han logrado competir como únicas músicas mujeres entre músicos hombres, ha sido exponencialmente inferior, llegando solo a cuatro las mujeres músicas condecoradas por el premio a lo largo de 18 años de entrega. Hablamos de Margot Loyola en 1994, Elvira Savi Federicci en 1998, Carmen Luisa Letelier en 2010, y recientemente Miryam Singer.

Precisamente, este 2020, el debate en torno a la paridad de género y a la necesidad de abarcar el diverso espectro de las artes musicales cobró, una vez más, vital relevancia en medio de un contexto social y cultural que demanda transformaciones profundas, inclusión, diversidad y justicia. Y la urgencia de integrar perspectivas de género en todos los ámbitos de la cultura, y que las mismas, sean aplicadas en instancias de tal envergadura e impacto como un premio nacional, son la principal reformulación que se le está pidiendo a las instituciones y autoridades que dan vida a esta premiación.  

Haciendo caso omiso a los cuestionamientos ya planteados con antelación y sin querer leer el signo de los tiempos, las primeras candidaturas levantadas públicamente, respaldadas por reputadas instituciones académicas, demostraron la caducidad por la que atraviesa la instancia, presentando seis destacados, eximios y ya premiados músicos. Cuatro de ellos pertenecientes a la música docta y solo dos de ellos provenientes de la música popular, todo esto en una detallada fanfarria publicada en diario El Mercurio, reforzando de manera implícita aquella vieja idea en que las elevadas artes musicales provienen de la élite, la academia y en ellas no se cuenta con mujeres músicas de tamaña altura.

Con tales demostraciones de tradicionalismo y patriarcado institucional, la acción articulada de organizaciones y gremios de mujeres en la música y las artes como La Matria, la Agrupación Musical Las Primas, la Asociación Latinoamericana de Canto Coral Chile, y Covima Chile, resultó decisiva para promover, instalar y exigir paridad, levantando la candidatura de seis experimentadas músicas que durante décadas han desarrollado a nivel regional, nacional e internacional trayectorias que combinan de manera laboriosa y brillante la creación, la formación, la producción y divulgación musical. Pioneras y cultoras de sonidos, estilos y cánones en sus respectivos terrenos musicales. Ópera, folclor, música docta y música popular. Cantantes líricas, cantoras folclóricas, compositoras, directoras de orquesta y cantantes populares. Así emergieron ante la suspicacia, asombro y despiste de muchos, los nombres de Cecilia Pantoja, Nora López, Lucía Gana Espinosa, Mireya Alegría e Isabel Fuentes. Vaya, Chile tenía mujeres músicas con sendos curriculums.

A través de una contundente carta pública dada a conocer el 30 de julio, diez días antes del cierre de postulaciones, la Coordinadora por la Visibilización de Mujeres en las Artes COVIMA, puso sobre la mesa las distintas falencias que presenta la ley N°19.169 que rige al premio, exponiendo de forma detallada procedimientos desprolijos y poco rigurosos como también su disonancia con la Ley N° 20.285 – de transparencia, en la falta de conocimiento público sobre los criterios, puntajes y documentación de postulados, como también en la conformación y atributos del jurado “Entre otros aspectos relevantes es necesario destacar que el jurado es soberano en la selección de postulantes y no existe obligación de presentar un informe documentado de los méritos de los candidatos. (…)” (ley 19.169, art. 13)”. La misiva también expuso de forma clara el sesgo socioeconómico presente en la historia del premio “Por otra parte, considerando la deuda histórica que tiene Chile con artistas mujeres y disidencias toma un nuevo nivel de gravedad al entender que hay un gran sesgo de clase sociocultural dentro de este premio, cerrando desde aspectos como la conformación de jurados hasta los mismos ganadores a personajes mayoritariamente pertenecientes a la élite académica chilena, conformada por exponentes de la Universidad de Chile, Universidad Católica y la Academia Chilena de Bellas Artes. De esta forma COVIMA denunció las barreras estructurales que han permitido una prolongada política de invisibilización de mujeres en el premio nacional de artes musicales e instaló el gran desafío de modificar la ley que rige al cuestionado galardón como el primer paso de fondo para terminar con los sesgos que en él predominan. 

Por su parte, la acción del colectivo La Matria abordó las dos omisiones históricas del premio, mujeres y música popular, levantando una justa y aclamada campaña para Cecilia, la incomparable. Mediante una carta abierta al Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el colectivo postuló a la emblemática cantante de la nueva ola, llamando a sus seguidores a apoyar con su firma la moción. Pero ¿por qué una artista de la trayectoria, influencia y popularidad de Cecilia, no ha figurado antes como candidata al premio? ¿acaso por ser mujer y cantante popular? ¿Acaso por no formar parte de los círculos de formación musical tradicional? Quizás todas las anteriores. Probablemente la candidatura de Cecilia ha sido la más desafiante en la historia del premio. Un desafío que buscó remover los lineamientos más tradicionales de éste, no solo en lo artístico y lo musical debido a su estatus de intérprete de la canción popular, sino también como símbolo de transgresión y figura no convencional cuya imagen es la imagen de mujeres y disidencias sexuales, tal como lo señala La Matria en su carta: “Hoy en día con el auge de las demandas feministas, la figura de Cecilia se vuelve más potente, al haber cuestionado tempranamente y desde el arte musical, los estereotipos de género. Al haberse permitido la libertad de construir sobre sí, una imagen andrógina en la que su feminidad se vestía de pantalones y pelo corto, en una época en la que un ‘deber ser’ muy conservador sesgaba las vidas de las mujeres». Y aunque la campaña reunió más de 11 mil firmas, la ecuación mujer y transgresión probablemente causó espanto en la academia.

La experiencia nos sigue diciendo que las lógicas patriarcales y los sesgos de género están lejos de desaparecer o incluso disminuir sistemáticamente, y mientras tanto al primer descuido siguen reproduciéndose de forma estructural desde las instituciones hacia abajo, reflejándose en este caso en la industria y en la academia, dos lugares que siguen concentrando especial interés por mantener viejos vicios como la misoginia, la discriminación y el machismo como por ejemplo en la cuota de mujeres en los festivales de música o en paneles de expertos exclusivamente masculinos. Temas que fueron abordados desde IMUVA y su Comisión de Género en la reciente edición de VAM, 1er Encuentro en línea de la Industria Musical Chilena.

La carrera por el Premio Nacional de Artes Musicales 2020, ha terminado, dejando su prestigio en manos de una destacada académica y soprano, perpetuando su inclinación por cierta tradición, pero también respondiendo a la primera llamada de urgencia que decía “no se puede seguir invisibilizando el trabajo de mujeres en las artes musicales y en la misma academia”. La carrera por el premio Nacional de Artes Musicales 2020 ha terminado, estampando por cuarta vez el nombre de una música en su placa como primer pequeño gesto de diálogo en un largo camino por equiparar la cancha, diálogo que debiera continuar todo el año y que en su próxima entrega debiera profundizarse. La carrera por el Premio Nacional de Artes, sí, ha terminado pero la carrera por la paridad continúa. 

COLUMNA PARA LA COMISIÓN DE GÉNERO IMUVA PUBLICADA EL MES DE OCTUBRE EN EL SITIO WEB DEL OBSERVATORIO REDFEM 

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI (Ke Nunca Te Importe) es una interesante propuesta musical forjada en el más profundo underground santiaguino bajo la premisa del do it yourself- hazlo tú mismo. Formados en 2011, desde entonces se han dedicado a desarrollar un sonido nutrido de punk rock, electrónica, metal y música industrial, mezclando bases programadas, sintetizadores y guitarras estridentes, que han dado forma a una ajustada y sólida muestra de cyberpunk.

Su nombre surge de una curiosa anécdota relatada por la banda a la fotógrafa Karolina Guajardo, tras su participación en el libro de retratos “Poesía beats & rock and roll” (foto cabecera artículo) : “El nombre viene de la localidad de Quinquehua en la región de Ñuble. Un oriundo de aquella zona apodado “El tetera trabajaba con el guitarrista del grupo haciendo sonido en una productora, le pusieron ese nombre debido a su tartamudez, entonces le preguntaban muchas cosas para poner en evidencia su tartamudeo como respuesta refleja, decía de corrido -que nunca te importe… conchatumare-. Era algo así como para camuflar su timidez, por ejemplo: oye tetera ayer te comiste o no a la vieja de las humitas y el respondía – qué nunca te importe Gil cucuculiao-. La frase del tetera fue contagiado a todos en su pega, incluyendo a Manfred, que la empezó a usar con sus amistades incluyendo a la gente que conformaría su banda, entonces cuando se tuvo que bautizar el grupo era el nombre ideal sobre todo porque servía para responder de forma cortante -sobre todo cuando nos preguntan porque no usamos batería- y también funcionaba bien como sigla KNTI como las típicas bandas industriales que usaban siglas en su nombre«.

Con Santiago como el gran escenario urbano de su música, KNTI amplifica el discurso crítico y libertario retratando la vertiginosa vida moderna en una tierra precaria y violenta donde reinan el consumismo, el estrés, el individualismo y la saturación de la urbe. Mientras que musicalmente juegan con los matices, ni tan bailable y ni tan extremo, pero ciertamente, frenético y maquinal, y definen lo suyo como “punk con computadoras”. Desde sus primeros días como parte de ese mismo circuito, la banda destacó por su propuesta análoga-digital, algo que poco a poco los hizo diversificar los carteles a compartir y también los escenarios en los cuales participar siempre manteniendo firmemente su militancia under.

El ejercicio esmerado y serio de la autogestión como forma de vida y como principio básico al momento de concebir el arte y la música, ha brindado a KNTI un prolífico catálogo de hasta ahora cuatro discos completamente producidos por ellos y por su sello/productora Auka 47. Publicando en 2011 su primer Ep “Vecinos del tiempo”, seguido por “Perversa la life” de 2013. Continuando con su larga duración titulado “Carga frontal”, editado en 2015, y al año siguiente el cassette recopilatorio que reúnió su material registrado entre 2011 y 2016. En 2019 con el marco del estallido social, la música de KNTI no descansa sino que continúa su propia expansión como mensajeros de la distopía estrenando material audiovisual para el tema “1312”, otro adelanto de su quinto trabajo y un mensaje de repudio hacia los sirvientes armados de la burguesía.

Originalmente configurados como quinteto, Manfred y Martín en guitarras, Hernán en sintetizadores, Felipe en bajo y Rupa en voz, KNTI hoy se reformula luego que Manfred (guitarra fundador) emprendiera camino hacia nuevos proyectos. Cerca de cumplir 10 años de existencia, la banda presenta en medio del confinamiento impuesto por la pandemia del Covid 19, su quinto disco titulado “Desenlace”, Ep de cinco temas estrenado recientemente a través de sus plataformas digitales junto al vídeoclip para el tema “Felicidad”, un trabajo audiovisual realizado íntegramente de manera virtual y remota como parte de los nuevos formatos de colaboración determinados por la cuarentena. Sobre este trabajo y el actual momento de la banda conversamos con sus integrantes.

Hablemos de de “Felicidad” ¿Cómo describirían esta nueva forma de trabajar y la experiencia de haber realizado el vídeo bajo este formato ?
Se dio de forma espontánea como solución al aplazamiento de la realización del videoclip que veníamos postergando desde de Octubre del año pasado. Este videoclip originalmente incluía a un grupo de baile que ensayaba al lado del metro Santa Lucia. Este grupo había diseñado una coreografía para el vídeo, pero su grabación se debió posponer varias veces por la contingencia de las protestas y la represión policial. Como casi todos en el país estábamos más pendientes de las movilizaciones, el vídeo pasó a segundo plano. Sin embargo, ya contábamos con un gran equipo de amistades y personas que voluntariamente se querían sumar al videoclip cuándo y cómo fuera. Ya con el tema de la cuarentena encima decidimos hacer una dinámica centrada en que cada persona se grabara bailando desde su casa o lugar de cuarentena, como salida para publicar el videoclip tratando de mantener la idea original que se venía trabajando desde hace un año. A medida que comenzamos a coordinar y enviar invitaciones a amistades y cercanos al grupo que quisieran bailar, hacer performance, etc. fuimos viendo otras iniciativas similares de videoclips grabados colectivamente desde casa. En resumen, lo podríamos describir como una interesante variable creativa para coordinar trabajo colectivo y animarse a armar otras formas de cultura con lo que se tenga a mano y bueno, representar directamente en forma y contenido esta peculiar realidad que estamos viviendo, ya que es inédito el hecho de que se haya mezclado la hiperconectividad con una pandemia. El único reparo sería depender 100% de internet y las redes sociales, porque puede ser como una droga que los medios de control podrían quitar repentinamente.

¿Qué posibilidades encuentran como artistas y banda en el confinamiento de la pandemia?

Esta situación nos ha obligado a perfeccionar algunos aspectos técnicos respecto de nuestra metodología de trabajo. Hemos tenido que llevar a la práctica algo que veníamos haciendo a paso lento los últimos meses que es tener cada uno en su computador los programas necesarios tanto para crear bases como para mezclar. Se podría decir que la cuarentena nos ha empujado a tener una suerte de estudio de grabación en nuestras casas. Al parecer eso le está pasando a miles de proyectos musicales en todo el mundo.
Si bien esto nos funciona bastante bien al trabajar con bases programadas (ya que las podemos compartir y así generar una suerte de cadena en la que cada uno va haciendo arreglos a los temas desde su casa), las ganas de compartir en la sala de ensayo han ido aumentando con las semanas. Antes que una banda, KNTI es un grupo de amistades, que incluso exceden a los 4 integrantes de la banda propiamente tal, y echamos de menos a toda la comunidad con la que trabajamos. La banda la vemos ante todo como una herramienta social y política para generar redes, comunicar, protestar y apoyarnos sin tener que recurrir al Estado o a la caridad empresarial (si es que existe). Para nosotros el ensayo semanal es una institución, y nos pasamos a veces hasta 4 o 5 horas entre tocar, conversar, pasarnos el royo con proyectos, compartir bandas que hemos descubierto, etc. Somos un grupo muy apegado de amigos y ninguna dinámica de tele-ensayo puede reemplazar nuestras reuniones en carne y hueso.
De todas formas, ante la enorme incertidumbre respecto de cuándo podremos volver a hacer tocatas y eventos con público, no nos queda otra que ingeniarnosla para poder seguir creando y tocando desde la cuarentena. Seguramente en los próximos meses podrán vernos y escucharnos en formatos y lógicas que irán surgiendo en función de las restricciones impuestas por la cuarentena y a partir de lo que nos dicte nuestra imaginación.

Distopía y caos son parte del imaginario de la banda, sin embargo la pandemia sigue siendo una realidad nunca antes vivida por nuestra generación ¿cómo manejan esta realidad inmediata y cómo se canaliza eso actualmente en su música y estética?

Nuestra estética siempre ha estado de distintas formas vinculada a los imaginarios post-apocalípticos, desde una onda tipo Mad Max, como en nuestro primer videoclip, “La Santa Procesión” (2015), hasta rasgos más Cyberpunk, como en el videoclip de “Deseo Distopía” (2017). Trágicamente el mundo y nuestra estética coinciden cada vez más, y actualmente nos parece estar viviendo la profecía auto cumplida de la banda y de toda la ciencia ficción distópica de las últimas 5 o 6 décadas. Obviamente esto no nos alegra en lo más mínimo, nos mantiene muy atentos y preocupados al devenir de las cosas.

Sin duda estamos muy receptivos e inquietos con la contingencia, por lo que nuestras letras, composiciones y creaciones audiovisuales seguirán haciéndose cargo de la realidad en que vivimos: un capitalismo en permanente crisis y expansión, una avanzada tecnológica de control global por parte de las grandes potencias, una sociedad cimentada sobre el especismo y la explotación de miles de millones de animales no humanos, y sobre todo, de un planeta que se dirige aceleradamente a un colapso ecológico que probablemente acabará con miles de especies, incluyendo la nuestra. Todo esto sin que sea en lo más mínimo forzado, ya que es seguir la misma línea estética que hemos trazado desde el año 2011.

Su nuevo EP lleva por título “Desenlace”, un nombre de mucha carga en días de ansiedad e incertidumbre… ¿qué desenlace imaginan a esta realidad, cuál es el desenlace de KNTI y de su música ?

En nuestro EP reunimos una serie de canciones, que forman parte de un proceso creativo que anduvo por hartos caminos. Decidimos hacerlo bajo el nombre de “desenlace”, como si de una crónica roja se tratara. A todos esos caminos que anduvo el material le advinó una voluntad de cierre. Pero es difícil hablar de puntos finales, cierres, desenlaces. De hecho, qué más abierto que esta realidad, la del encierro sanitario que nos hace vivir en la incertidumbre, la de los informes epidemiológicos, la de la imposición de “nuevas normalidades”. Por esto mismo es difícil ver un desenlace para este mundo actual, todo es volátil y las certezas son fugaces. Lo que sí podemos ver es que el trasfondo de esta realidad es la catástrofe y el desastre. Hemos intentado siempre trabajar sobre esta constatación, desde lo cotidiano y local, antes y ahora. En concordancia con esta realidad abierta y volátil -como también catastrófica- nos hemos encontrado en la creación igualmente abierta, solo que esta vez el desenlace, para KNTI, no se ve como cierre sino como apertura a nuevas formas, a cosas que estamos probando, nuevos sonidos, etc. En la afirmación crítica de este escenario adverso se ubica el desenlace de la música que hacemos y que estamos construyendo.

Visita las plataformas de KNTI

Canal de Youtube de la banda

Spotify

 

ENTREVISTA PUBLICADA ORIGINALMENTE EL 19 DE MAYO DE 2020 EN ESTE SITIO WEB

FINAL GIRLS CHILE: MÚSICA DE CIENCIA FICCIÓN

FINAL GIRLS CHILE: MÚSICA DE CIENCIA FICCIÓN

Del 12 al 15 de noviembre se llevará a cabo la primera edición de Final Girls Chile, festival on line dedicado a celebrar a las mujeres en el cine fantástico (terror, suspenso, thriller, ciencia ficción, fantasía,entre otros), transmitido por www.cineartealameda.tv. Y el cual contará con la presentación de diversos proyectos musicales encabezados por mujeres.

Inspiradas por Final Girls Berlín y buscando destacar la presencia de mujeres y disidencias delante y detrás de cámara, el encuentro llega en su primera versión made en Chile con una contundente exhibición de cortos y largometrajes de ficción, animación y documental; seleccionados luego de una convocatoria abierta a todo el continente realizada a través de su plataforma. Cada jornada estará compuesta de conversatorios, charlas y talleres, entre otras actividades de formación. 

La noche del viernes 13 finalizará con un bloque de música en vivo protagonizado por diversos proyectos musicales encabezados por mujeres. Desde las 22 hrs se podrá ver y escuchar a través de las pantallas de Cine Arte Alameda TV las presentaciones de:

Human Distance, banda compuesta por Eddie Howl, Daphne Charmaine y Silke Furious, formada a partir de la pandemia, y cuyo concepto principal se centra en la distancia social como resultado de una generación disociada: marcada por el aislamiento y la exclusión, desde donde emergen los sonidos de Human Distance.

Otra de las presentaciones estará a cargo de Binzatina, trío de trip goth fundado en 2015, compuesto por Lya Roy,  José Ramorino y Patricio Bravo. Actualmente la banda se encuentra trabajando en su segundo disco titulado Camaleón.

 

 

También formarán parte de esta velada en el marco del Final Girls Festival, Reptila, el dúo compuesto por Belén Robledo y Maite Rojas, que fusiona los sonidos afrolatinos con bases y atmósferas electropunk. Finalmente, se completa el cartel con Rizoma Alzada, trío de manifestación sonora compuesto por Rosa Angelini, Jacksa Suazo y Carolina Ozaus, usualmente, interviniendo con su performance en las calles, en esta oportunidad estarán participando de una performance on line.

 

REVISA TODOS LOS DETALLES DE LA PROGRAMACIÓN

 

REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 5

REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 5

A dos días del Plebiscito en el que los ciudadanos de Chile saldrán a votar la aprobación de una nueva constitución, publicamos el quinto número de nuestra revista «Estas máquinas matan fascistas. La música nuestra arma», imaginando una nueva constitución con un compendio de textos que reflexionan desde la música en torno a los temas que nos resultan urgentes para la conformación de un nuevo Estado. Todo esto acompañado de completas entrevistas al músico y activista Camilo Antileo, a la cantautora urbana Araceli Cantora, desde Temuco Derrumbando Defensas, y una conversación en retrospectiva a los 17 años de historia de Tsunamis. 

¡DESCARGA GRATIS Y LEE!

REVISTA CRÓNICA SONORA ESTAS MÁQUINAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 5- OCTUBRE 2020

 

 

RUTA MUSICAL: CONMEMORACIÓN DE LA REVUELTA.

RUTA MUSICAL: CONMEMORACIÓN DE LA REVUELTA.

A un año de la histórica revuelta que rearticuló el movimiento social en Chile, seguimos la ruta de las actividades musicales en conmoración de esta importante fecha:

MÚSICA EN CONMEMORACIÓN DE ESTALLIDO

Performance Sonora

Colectiva Chusca, integrado por destacados músicos como Sebastián Jatz y Goli Gaete, conmemora este 18 de octubre a los muertos de la revuelta una en performance que combina el sonido, la voz y el nombre de cada una de las victimas. Desde las 12 hrs en los alrededores de Torres de Tajamar.

Desde la 15: 30 la ya imprescindible Banda Dignidad, comenzará su habitual intervención musical en el epicentro de la Plaza Dignidad, bombos, tambores y vientos, interpretando un emblemático repertorio de revolución y protesta como Bella Ciao, Arauco tiene una pena y más.

El Pueblo Canta a Patricio Manns

Este domingo 18 de octubre a partir de las 16 hrs, la convocatoria es a reunirse en el frontis de la Biblioteca Nacional para interpretar el repertorio de Patricio Mans, en homenaje a su obra y a la conmemoración del estallido social. Actualmente Manns atraviesa un delicado estado de salud, generando preocupación en todo el circuito artístico.

Tocata a 1 año del estallido

A partir de las 17 hrs se estarán presentando en Plaza de la Dignidad, las bandas Escariote, Tan Lejano, Miguelitos, Solidarios, Vandalik, Rutina Sucia. Una actividad organizada por la Coordinadora Camilo Catrillanca.

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

Música, escritora y activista feminista. Vocalista y compositora en la banda de indie rock argentina Querida Daria, y editora del blog Ni groupies, ni musas. Jacqui Casais es una artista inquieta, una artesana de la palabra escrita, recitada y cantada. La cuarentena detuvo solo una parte de su permanente trabajo creativo y dio pie para terminar aquello pendiente entre su vida de docente y su vida artística. Sin tocatas en vivo la energía se ha volcado a la producción musical, los arreglos y a su primera novela gráfica «Martirio Hammer», editada recientemente. También se ha mantenido en línea, conectada y conectando desde su música y su poesía con transmisiones en vivo por Instagram en las que ha conversado con sus interlocutoras músicas y gestoras culturales. En medio de todo esto, ve la luz «Prospecto adjunto», su primer Ep como solista, un trabajo que si bien no fue compuesto en pandemia, guarda estrechos vínculos con el complejo contexto del encierro tanto en sus letras como en su sonido de loops otoñales, voz lánguida y sutiles aires retro. Un conjunto de canciones en el que Casais expone ese íntimo recoveco poco soleado y que al escucharse se presenta como una bocanada de electropop con el sello propio de una mente y un alma que habitan el mundo de los sonidos y los versos.

¿Cómo surge este trabajo? ¿A partir de qué necesidades artísticas y personales te planteas una faceta de cantante solista?

Hace unos años vengo trabajando en Ableton Live y experimentando vocalmente, y aprendiendo síntesis así que me enfoqué en eso y en la autonomía y posibilidades que me da poder crear en ese programa. Yo soy muy fan de bandas como Entre Ríos, Adicta, Isla de los estados, y en lo más cancionero pop Leo Garcia, Rosal, y la gran Rosario Bléfari entre otres a las que les vengo siguiendo hace años y me inspiran mucho. 

Me faltaba animarme a producir música yo misma en este formato. Hace mucho que tenía ganas y durante el verano comencé a producir los temas. En el pop independiente hay muy buenxs musicxs  por ejemplo Amor elefante que cada disco suena mejor, también me gusta Salvapantallas y más para el electropop Ignacia y Audia Valdez. Muches son músicas y también productoras musicales. También me gusta mucho Javiera Mena de Chile. Hay muchos proyectos pop independientes y electropop interesantes en América latina nuevos y no tan nuevos. Así que me estuve metiendo más en la producción musical en los últimos años y quería armar algo con un sonido que me identificara, un sonido que venía buscando.

¿Por qué decides llamarlo Prospecto Adjunto?

A nivel conceptual la idea original que le da nombre al título (esto surge pre pandemia) tiene que ver con mí experiencia con los ansiolíticos, que por motivos de exigencia/ explotación/ maltrato en el ámbito laboral tuve que hacer un tratamiento, por eso «Prospecto adjunto».

Es un trabajo que venías amasando mucho antes de la pandemia pero la idea de Prospecto Adjunto se conecta muy bien con el contexto de la cuarentena y esta realidad paralela…

Sí, cuando vino la pandemia, en los primeros meses de aislamiento el suicidio de un adolescente en mí familia me angustió mucho. Repasé la experiencia con los ansiolíticos. Y pensé en mi adolescencia y pre adolescencia, fueron años difíciles pero me ayudaba estar en la calle, ir a las marchas, andar en bici, ir a recitales, plazas, etc. y pensé en esto del arte y habitar en espacio público. Por eso pensé en Basquiat que me encanta (y el arte callejero). Pienso en la necesidad de les adolescentes y jóvenes de habitar el espacio público, embellecerlo, pintar, grafitear, andar en skate, rapear en la plaza vs este encierro necesario y que les adultes entendemos pero les niñes y adolescentes por más que se diga que nacieron con el celu en la mano muches no tienen celu ni internet ni acceso a la educación virtual. Les duele no ver a sus amigues, no ser abrazades por sus afectos. Pasaron meses sin contención, sin políticas públicas que les escuchen. 

Este relato de la pandemia refuerza la idea del título. Acaso el pop de autora que abordas en este disco ¿resulta de manera instintiva e intuitiva una receta antidepresiva?

SÍ, traté de contar cómo me sentía. Mis estados de ánimo que son consecuencias de la alienación del trabajo y de algunas medicaciones. A mí las canciones siempre me ayudaron a transitar y entender lo que me pasa.

La pulsión del electropop en este disco ¿fue para ti algo al servicio de esa experiencia que querías transmitir?

Acá en Argentina hay mucha historia de electropop o pop electrónico. Hubo y hay muchos proyectos interesantes y distintos. es un estilo que siempre me gustó y quise hacer. Cada vez hay más musicxs que producen su propia música y me resultan muy interesantes los proyectos del sello transfeminista Gema discos de la cuidad de La plata. Me gusta que la música electrónica esté aplicada a la canción, por ahora es la herramienta que uso.

Creo un poco que por el contexto cada vez va a haber más gente haciendo música así. Está complicada la escena y pienso que va ser una especia de poscromañón lo que va a pasar.

¿Qué es lo que más te gusta de tocar en una banda como frontwoman?

Tocar en una banda es hermoso porque en mí caso toco con amigues y eso no tiene precio. Aunque cueste tanto organizarse entre 5 personas(ni hablar de la crisis de los pocos lugares under para tocar que hubo prepandemia y que de ahora en adelante va a ser mucho más difícil) nos une más la amistad entonces eso es algo muy lindo.

¿Qué es lo que más te gusta de la experiencia solista?

De la experiencia solista creo que es similar porque si bien la creación es más intima, trabajé con gente que me acompañó y aprendí muchísimos y fue un honor contar con Natalia Perlerman que es una de las productoras más importantes y una agitadora musical transfeminista, es parte fundadora de Red multisonora (RSM)y moría por trabajar con ella, estuvo en la mezcla y máster. Valen Bonetto también parte de la red estuvo en la edición de las voces y Gastón Delicio en los arreglos junto conmigo. Así que un placer trabajar con todes elles. Es un trabajo solista pero al mismo tiempo grupal porque les amigues musiques que me dieron devolución durante el proceso también aportaron mucho.

Y luego la portada que hicimos junto a Marcelo Enriquez con quien trabaje en las ilustraciones de Martirio Hammer mí nuevo libro. El trabajo solista es parecido al trabajo de edición de un libro. Lo escribís, luego se lo pasas a amigues para pedirles opinión, luego pasa a corrección, edición, maqueta, y va tomando forma. Te juntas a pensar en la portada junto a otro artista que sabes que entiende la estética que buscas. Todo eso es un laburo de mucha gente. Al igual que un disco solista.

¿Cómo seguirá el 2020 para Jacqui Casais?

Por ahora presentando este EP «Prospecto adjunto» y ensayando para armar algún streaming. Y promocionando mí nuevo libro Martirio Hammer que es la primera vez que saco un libro con ilustraciones. Es mí primer libro dónde solo trabajo narrativa así que es algo nuevo para mí. Y Querida Daria en una pausa porque la pandemia nos complicó la rutina de la banda, y las personales también. No podemos ensayar y nos encontramos con problemáticas como las de la mayoría de las bandas. Nuestra manera de trabajar fue muy afectada con la pandemia y lamentablemente no pudimos adaptar el formato a lo virtual…es muy difícil proyectar a futuro la escena independiente ya que no hay políticas culturales que ayuden a qué la música este activa más allá de los grandes festivales y los artistas convocantes.

Los centros culturales dónde tocábamos están tratando de sobrevivir vendiendo comida y algunos haciendo streaming. Creo que es un momento muy duro para el arte en vivo y particularmente las bandas.

Shadia Mansour:  ¡no toques mi keffiyeh, carajo!

Shadia Mansour: ¡no toques mi keffiyeh, carajo!

Estaba en la media cuando me compré mi primera palestina. No sabía mucho de su origen ni de su historia, pero me gustaba ese aire de rebeldía que despedía cuando veía como se llevaba en las marchas de forma casi militante. La asociaba con resistencia, así que me compré una con los clásicos colores blanco y negro. Me la amarré al cuello y salí a protestar. 

Entonces no conocía del pueblo palestino más que su ubicación en el mapa, como algo recóndito y ajeno. El keffiyeh era un símbolo que incluso luego de haber sido arrancado de su contexto, retenía el aire indómito y de protesta de un pueblo en resistencia. Mi primera impresión no estaba lejos de la realidad, pero me faltaba mucho por conocer aún. 

Shadia Mansaour sabe de esto. Y no contenta con saberlo, lo canta. 

Su música llegó a los oídos de nuestro país gracias a la colaboración con Anita Tijoux en Somos Sur, canción lanzada el 2014. Sin embargo, con 35 años Shadia viene remeciendo la escena del hip-hop desde el 2003, teniendo público no solo en Medio Oriente, sino que también en Europa. 

Nacida en Inglaterra, sus padres son originarios de Haifa y Nazaerth, ascendencia que sale a flote en distintos elementos de su música y vestuario; un ejemplo de ello es el keffiyeh que lleva en conciertos, prenda a la que le dedicó un tema titulado “El Keffiyeh es árabe.” Esta canción surgió como respuesta a la apropiación cultural de la que fue testigo, cuando encontró en el comercio estadounidense un keffiyeh con los colores de la bandera de Israel, estrella de David incluida. A esto, la cantante comentó: Pueden llevarse mi falafel y mi hummus… ¡Pero no toquen mi keffiyen, carajo! 

Este es un ejemplo de las temáticas políticas que pueblan su música, fuertemente ligadas a la identidad palestina como un ejercicio de resistencia colectivo, pero no por esto exenta de cuestionamientos ya que, a pesar del orgullo de sus raíces, también mantiene una postura crítica frente a la desigualdad de género, negándose a presentarse en conciertos que separen el público por sexo. 

Elementos como el idioma, la sonoridad y las letras brindan a su trabajo musical de una particularidad discursiva fuertemente relacionada a la identidad palestina. Es, después de todo, una decisión política el cantar exclusivamente en árabe a pesar de dominar el inglés, idioma que permitiría a su música un alcance más comercial. Sin embargo, Shadia prefiere la riqueza del idioma de sus padres. 

Los elementos sonoros de su música también están repletos de sonidos y frases musicales que hacen referencia a la música tradicional árabe, haciendo de inmediato identificable su procedencia incluso antes de escuchar su voz. Esta musicalidad árabe se mezcla con los recursos característicos del hip-hop, dando así un sonido característico con una genealogía potentemente marcada. 

Como sucede comúnmente tanto como con la música de protesta, como con el hip-hop, las letras de Shadia son de carácter expositivo, con un mensaje claro que no busca esconderse tras un lenguaje innecesariamente embellecido, aludiendo a problemáticas actuales que aquejan a su pueblo. La canción anteriormente mencionada, “El Keffiyeh es árabe”, es un ejemplo claro de ello:

(…)

La ropa que usamos, ellos la quieren; nuestra cultura, ellos la quieren;

Nuestra dignidad, ellos la quieren; todo lo que es nuestro, lo quieren.

La mitad de tu país, la mitad de tu hogar; ¿por qué no? No, yo les diré.

Robar algo que no es de ellos, no puedo permitirlo.

Nos imitan con lo que vestimos; esta tierra no es suficiente para ellos. ¿Qué más quieres?

Sienten codicia por Jerusalem. Aprendan a decir “seres humanos”.

Antes de que todos usaran un kuffiye, estamos aquí para recordarles quienes somos.

Y les guste o no, este es nuestro estilo.

Por eso rockeamos el kuffiyeh, porque es patriótico.

El kuffiyeh, el kuffiyeh es árabe.

Por eso rockeamos el kuffiyeh, la esencia de nuestra identidad.

El kuffiyeh, el kuffiyeh es árabe.

Shadia abre esta canción exponiendo la problemática de la apropiación del kuffiyeh, señalándolo como una parte de algo mayor, una analogía al conflicto palestino y lo que este ha significado a nivel cultural e identitario. La asimilación de la estética palestina como una moda, despojada de su identidad, como un ejemplo de comercialización de la cultura es tan solo el principio. Aparte de esta descontextualización, existe una reapropiación por parte de quienes son los opresores del pueblo palestino, mostrando la tensión política existente en la disputa de esta prenda. 

En esta estrofa, Shada denuncia el hurto ¿No les basta con las tierras? ¿Qué más van a llevarse? Sin embargo, la identidad no es algo que esté dispuesta a transar. 

No hay nadie aún como el pueblo árabe

Muéstrame otra nación en el mundo que tenga más influencia

La pintura está clara; somos la cuna de la civilización.

Nuestra historia y patrimonio son testigo de nuestra existencia. 

Por eso rockeo el atuendo Palestino.

Desde Haifa, Jenin, Jabal al Nar hasta Ramallah.

Déjame ver el kuffiyeh, el blanco y el rojo.

Déjame arrójalo al cielo.

Soy árabe, mi lengua crea terremotos. 

Hago temblar los mundos de guerra.

Escuchen, soy Shadia Mansour y el atuendo que visto es mi identidad.

Desde el día en que nací, despertar la conciencia de las personas ha sido mi responsabilidad. 

Pero fue críada entre el miedo y la madad, entre dos áreas,

Entre el rencor y la pobreza, veo la vida desde ambos lados.

Dios bendiga el kuffiyeh, como sea que me rockees, donde sea que me veas,

Me mantengo leal a mis orígenes: Palestina. 

Ahora, se coloca al pueblo árabe en el centro, resaltando la importancia de su cultura a nivel mundial y la relevancia de su historia y patrimonio. De esta forma la identidad cultural arábica es señalada como algo imposible de borrar, cuya huella está tatuada en el mundo entero. El orgullo que nace de ello, le hace reafirmar más su posición y disputar el vestuario como parte de dicho patrimonio identitario.

Para finalizar la canción, Shadia se coloca como protagonista, rescatando su propia experiencia como un relato que habla por una generación que ha crecido viéndose envuelta en conflictos políticos de tal envergadura. Son estas vivencias las que le de una visión holística, pero pese a la cual mantiene su postura, reafirmando su identidad palestina. Finaliza el tema con una frase que engloba todo aquello, como una declaración de principios.

En una sociedad en donde el rol de la mujer está aún en debate, Shadia Mansour se abre paso con una voz potente, cuestionando los elementos más tradicionales de su cultura. Su aparición en escena genera de por sí controversia, pero también reposiciona la identidad palestina en los escenarios, con orgullo y una postura política de resistencia. Son estos elementos los que enriquecen su música, convirtiéndola en una infaltable para los amantes del hip-hop. 

PLAYLIST :  A.C.A.B. DIEZ CANCIONES PARA UN «FELIZ» 1312

PLAYLIST : A.C.A.B. DIEZ CANCIONES PARA UN «FELIZ» 1312

Probablemente es el acrónimo más reproducido en nuestros muros reales y virtuales desde que se inició la movilización social por la dignidad, una nueva constitución, y el final del modelo neoliberal, hace ya, mes y medio.

 

ALL COPS ARE BASTARDS, o «Todos los policías son bastardos», cuenta la literatura especializada, tuvo su origen en 1982 en Inglaterra, acuñado por el movimiento musical Oi, y una de sus bandas más representativas, THE 4 SKINS, quienes en su disco THE GOOD, THE BAD AND THE 4 SKINS, deciden incluir el tema A.C.A.B, retrato de la represión policial que se ejercía contra los jóvenes desempleados y marginales en los barrios obreros de la Inglaterra thatcheriana. Denuncia que se refleja en la portada del disco con la imagen de un policía bajo el titular THE BAD.

 

 

Hanging around with my mates one night
We got in a little fight
Geezer comes with a knife in his fist
I got cut along with the rest said
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
All cops are bastards
Copper come up say what’s the matter with you
Now they see what we can do
Next thing I know i was in a cell
All my mates were there as well said
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
A.C.A.B
I had a court date to plead my case
They had delight at the look in my face
They said we’re gonna put you away
I said all I had to say said
A.C.A.B
A.C.A.B

 

La sigla terminó por convertirse en una de las consignas más utilizadas por los movimientos anarquistas hasta nuestros días, permitiendo la divulgación del mensaje de repudio a las fuerzas policiales y a la violencia de Estado. El acrónimo hoy tapiza las calles de Chile, y su resonancia, y al mismo tiempo hermetismo, ha generado total curiosidad en los menos emparentados con la protesta callejera o el anarquismo. Sin embargo, con el correr de los días, A.C.A.B encuentra nuevos adherentes en medio de la sangrienta represión y violaciones a los derechos humanos que se han registrado durante todo el estallido social. Así mismo, la poderosa sigla, ha sido objeto de ingeniosas reformulaciones como : «Asamblea constituyente ahora, bebé» o «All cuicos are bastards».  Pero los mensajes encriptados no terminan ahí, 1312 es otra de las claves para comunicar el incendiario acrónimo haciendo alusión a la ubicación en el abecedario de las vocales y consonantes que lo conforman, A-1-C3- A1-B2 -1312.

 

 

En este viernes 13 de diciembre, en medio de una nueva convocatoria a machar bajo la consigna «feliz 1312», proponemos diez canciones que acompañen la movilización. Diez canciones de repudio a la represión policial, principalmente venidas desde la agudeza y crudeza de los discursos musicales y líricos del punk y el hip hop.

 

PLAYLIST

MARINEROS EN VIVO EN SALA METRÓNOMO

MARINEROS EN VIVO EN SALA METRÓNOMO

El dúo compuesto por Constanza Espina y Soledad Puentes, Marineros, retoma los escenarios locales, este  16 de octubre en Sala Metrónomo.

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Formadas en 2011, el dúo compuesto por Constanza Espina y Soledad Puentes regresa a los escenarios locales post pandemia, para presentarse en Sala Metrónomo este 16 de octubre. Con el pop etéreo y romántico que las caracteriza como una de las bandas de sintetizadores más exquisitas de la escena, Marineros, presenta su nuevo formato en vivo con banda de acompañamiento expandiendo su habitual estilo de dupla.

Marineros se instaló con fuerza en el circuito de la música independiente con la aparición de su disco O Marineros  editado en 2015, y producido por el reconocido Cristián Heyne, consolidando su ya prominente trayectoria en el electro pop indie de la década, donde destacan su fino trabajo musical y su lírica poética.

RUIDO BAJO TIERRA : CICLO DE BANDAS BOMBTRACK

RUIDO BAJO TIERRA : CICLO DE BANDAS BOMBTRACK

 

Con cinco fechas de música en vivo, muestra fonográfica y dj set, Bombtrack Distro, inaugura ciclo en Klama Bar Cultural donde estarán presentes Dixie Goat, Wild Parade y Vorágine. La primera fecha del ciclo estuvo encabezada por la banda Mamut, y continúa este sábado 16 de octubre con el fuzz rock de Soponcio.

Por Rossana Montalbán / Fotos Bombtrack archivo

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Cuidadas ediciones en vinilo, cd y cassette es lo que Bombtrack Distro propone con su catálogo de genuino rock underground made en Chile, con bandas como Yajaira, Pies de Plomo, Vago Sagrado, Soponcio, entre muchas otras, promoviendo y fomentando desde la autogestión la cultura en torno al formato análogo y a estilos musicales como el doom, el sludge, el stoner, y el rock psicodélico, en definitiva, en torno al heavy rock en sus vertientes más espesas.

Durante el último año, a pesar de la pandemia, el trabajo de Bombtrack no se ha detenido, anotándose, entre 2020 y 2021, las ediciones para clásicos discos del under como la reedición en cassette de La ira de dios de Yajaira, y su reciente disco Turbias visiones también en vinilo y tape.

Entre lo más recientemente, destaca, la reedición aniversario de los veinte años del disco debut de Hielo Negro, Demonio Parlante, recuperando en formato cassette uno de los discos más sólidos del rock patagónico.

Con un ciclo que contempla cinco fechas de bandas en vivo, muestra de catálogo y dj set, Bombtrack llega a Klama Bar Cultural, desde el 25 de septiembre hasta el 16 de diciembre, reuniendo una poderosa selección de bandas en cinco fechas, la primera de ellas, ya acontecida junto a Mamut, mientras que las próximas serán encabezadas por los riffs de Soponcio, Dixie Goat, Wild Parade y Vorágine. El ciclo continúa este sábado 16 de octubre con el fuzz rock de Soponcio, quienes siguen mostrando su EP Descenso bajo el sello Hiss Records y editado en formato vinilo y cassette por Bombtrack Distro.

Fechas

Sábado 25/09 Mamut

Sábado 16/10 Soponcio

Viernes 22/10 Dixie Goat

Viernes 29/10 Wild

               Jueves 16/12 Vorágine                                             ……………………………………………………………………………………….

Venta de entradas a través de @passline_oficial 

Ingreso al local con pase de movilidad y mascarilla.

Entradas Limitadas

EN POS DE UNA CRÍTICA MUSICAL FEMENINA

EN POS DE UNA CRÍTICA MUSICAL FEMENINA

 

 

No hay que ser adivinx para deducir que ser mujer —y crítica musical— siempre ha sido una ardua labor: demostrar que el sexo frágil o el bello sexo, como algunos afirmaban antaño, poseía las mismas condiciones biológicas e intelectuales que un hombre. El problema es que, hoy, aquella discusión bizantina no se ha disipado. Aún perseguimos la legitimación por parte de nuestros pares; con pares me refiero, claramente, a hombres. El padre, el marido, el maestro. La presencia masculina siempre delineó las trayectorias de ciertas críticas musicales de la primera mitad del siglo XX no sólo en el eje anglosajón, sino que también en nuestro continente. 

Puedo corroborar esto tras haber desarrollado una investigación de larga data sobre la crítica musical femenina en Brasil entre 1896 y 1960. Allí encontré unas 115 mujeres que escribieron de música, entre cronistas, colaboradores y columnistas. En 1943, Magdala da Gama Oliveira, acérrima opositora del samba, evidenció lo difícil que era insertarse en una especie de cofradía masculina, evocando un episodio de discriminación:  Había terminado el curso en el Instituto [de Música] y acababa de ingresar a un periódico para hacer la crítica de los conciertos. Entusiasmada con el nuevo puesto decidí saludar personalmente a un famoso pianista, cuyas interpretaciones lograron llevar al éxtasis mis tremendas exigencias precoces.

—¡Soy el crítico musical de “Diário Carioca”! — dije yo, en un arrobo, después de apretar la mano del semidiós. 

El artista fijó los ojos en mí, percibió en el fuego de mi exaltación todas las exageraciones de los veinte años, y exclamó con ironía, casi como un insulto:

—¿Usted, crítico de arte? No creo…

La risa del ídolo me incendió el alma, quemando en un segundo todas mis vanidades. Me retiré del teatro. Al final, sabía que el ídolo estaba en lo cierto.

En el otro hemisferio, en 1983, la crítica de música clásica Barbara Jepson se cuestionó en “Women Music Critics in the United States” respecto de cómo sus colegas lidiaban con sus superiores y si sentían una responsabilidad especial de promover los esfuerzos de compositoras y directoras de orquesta. No obstante, un problema grave que he detectado es la insuficiente bibliografía con estudios sobre mujeres críticas, lo que ratifica un androcentrismo preponderante. 

Después de los años 2000 se percibe un incremento de artículos sobre críticas musicales femeninas, aunque todos coinciden en ser semblanzas panegíricas. Las narraciones siempre abusan de recursos como la anécdota; cuasi-hagiografías que santifican a estas mujeres, apreciadas como mártires que sacrificaron sus relaciones familiares en pos de la validación profesional. 

Desde la musicología ha habido exiguos esfuerzos por visibilizar la labor de mujeres en la crítica musical. Magdalena Dziadek, por ejemplo, aborda la crítica musical producida por mujeres en Polonia desde inicios del siglo XX y hasta la Segunda Guerra Mundial. Ella es, de hecho, la única especialista en publicar un texto exclusivamente sobre mujeres críticas musicales: Odrodźmy się w muzyce! Muzyka na łamach polskiej prasy kobiecej i „kobieca” krytyka muzyczna, 1818-1939 [¡Renazcamos en la música! Música en la prensa femenina polaca y crítica musical “femenina”, 1818-1939] (2005), en el que entrecomilla la palabra kobieca (femenina). Dado que es una obra en polaco —idioma relegado en los debates académicos—, se torna compleja la lectura, a menos que existan esfuerzos de traducir por parte de quienes exploramos la crítica musical femenina.  

Pese al predominio de literatura sobre crítica de rock, que reverencia a emblemas masculinos, conforta saber que existen compilaciones de textos —crónicas, entrevistas, reportajes, columnas, críticas, reseñas, ensayos y hasta entradas enciclopédicas— escritos por mujeres periodistas de música popular, como Rock Encyclopedia (1969) de la crítica australiana Lillian Roxon; Rock She Wrote: Women Write about Rock, Pop and Rap (1995), colección editada por Evelyn McDonnell y Ann Powers; Out of the Vinyl Deeps (2011), antología de Ellen Willis, primera crítica musical de The New Yorker; The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic (2015) de Jessica Hopper; y She Rocks! Giornaliste musicali raccontano (2020) de Alessandra Izzo. 

En el prólogo de The First Collection of Criticism…, Hopper (escritora y activista feminista) advierte:

El título de este libro es sobre plantar una bandera; es para aquéllas cuyos sueños (y manuscritos) se languidecieron debido a la falta de prioridad, apoyo y aprobación formales […] Este libro está dedicado a aquéllas que estuvieron antes, aquéllas que deberían haber sido las primeras, y todas quienes vendrán después.

En julio pasado, la exeditora de Pitchfork reeditó su libro, aseverando que “la crítica se ha convertido en un espacio bastante tenso”. Pese a las discordancias inherentes a la disciplina —donde los binarismos de género todavía se preservan—, Hopper ha insistido en posicionar la noción de crítica musical femenina. Una crítica musical amparada en la écriture feminine, acepción acuñada por Hélène Cixous en La risa de la Medusa, en 1975. Una crítica musical contraria al falogocentrismo (Derrida 1972), a esa pretensión de que el patrón escritural ha pertenecido siempre a lo masculino. 

 

Parece ser que Jessica Hopper, con The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic (¡vaya título provocador!), performativamente rehúye de “la trampa del silencio” de la que hablaba Hélène Cixous y patrocina una “feminización de la escritura”, como sugería la teórica cultural francesa-chilena Nelly Richard (1993). 

Jessica Hopper se ha tornado en un sujeto disidente que invita a otros sujetos disidentes —nosotras— a configurar una escritura que desestabilice la discursividad hegemónica y que desterritorialice concepciones normalizadoras y oficiales. Pero ¿ cómo podemos, en Chile, implementar de verdad una escritura femenina? ¿Es factible? ¿Seremos leídas/escuchadas?

 

Nayive Ananías

Periodista

Dra. © en Artes mención Música UC

 

UN OCÉANO PARA ESCUCHAR: EL RETORNO DE TORI AMOS

UN OCÉANO PARA ESCUCHAR: EL RETORNO DE TORI AMOS

Tras cuatro años de silencio, la eximia compositora Tori Amos, regresa con su disco número dieciséis titulado «Ocean to Ocean»,  sucesor de Native Invader.

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La música de Tori Amos se ha caracterizado por poseer una sensibilidad especial hacia su entorno y hacia el mundo interior, abordando conflictos internos, psicológicos y traumáticos, logrando plasmar la complejidad emocional humana, la complejidad de un universo femenino y la dificultad para encontrar un lugar en la sociedad. Siguiendo los caminos de la creación y de la introspección más feroz, la compositora llega con un nuevo disco inspirado en el confinamiento, la soledad, el asilamiento y el caos sociopolítico, de su propio país, tras los sucesos ocurridos en el Capitolio de Washington en enero de 2021, todo esto mientras pasaba tiempo en Cornwall durante la cuarentena. «Se trata de un álbum sobre tus pérdidas y sobre cómo haces frente a ellas», afirmó Tori Amos. «Afortunadamente, cuando has vivido suficiente, puedes reconocer que no te sientes como la madre que quieres ser, la esposa que quieres ser, la artista que quieres ser», añade Amos.

Acerca de la temática de su nuevo proyecto, la cantautora añade: «Me di cuenta de que para poder cambiar esto, tienes que escribir desde el lugar en el que te encuentras. Yo estaba en mi propio infierno privado, así que me dije a mí misma: es aquí desde donde escribes, ya lo has hecho antes».

Este es el último proyecto de la artista desde que  lanzó «Native Invader» en 2017, si bien el año pasado lanzó un sencillo con cuatro canciones de temática navideña titulado «Christmastide». Sus últimos proyectos no se limitan a la música. Tori Amos lanzó el  mayo del año pasado «Resistance», un libro autobiográfico en el que narra su carrera musical y los obstáculos a los que se enfrentó. El próximo 29 de octubre será la fecha para conocer este nuevo trabajo que devuelve a Amos a la vida musical.

EL GRAN TEMOR Y ARTEAGA EN VIVO EN MIBAR

EL GRAN TEMOR Y ARTEAGA EN VIVO EN MIBAR

La música en vivo sigue reactivándose. Este fin de semana es el turno del heavy doom y la psicodelia stoner a cargo de las bandas Arteaga y El Gran temor, el trío que se prepara pacientemente para abrir el esperado y postergado show de Pentagram en Chile, reprogramado para el 22 de septiembre de 2022.  Mientras tanto, se podrá ver a la banda en acción, este sábado en el habitual MIBAR de Barrio Italia, epicentro de metal y heavy rock.

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Compra tus entradas en el mail de ambas bandas:

arteaga.satanico@gmail.com 

elgrantemor@gmail.com

 

 

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

ESTRENOS: THE VELVET UNDERGROUND, EL DOCUMENTAL

El 15 de octubre a través de las pantallas de Apple TV+ se estrenará el film dirigido por Todd Haynes, «The Velvet Underground: A Documentary»,  pieza audiovisual que ofrece entrevistas en profundidad con los miembros sobrevivientes de la banda como John Cale o Maureen Tucker, junto a figuras clave de la época, acompañadas de inéditas imágenes de actuaciones en vivo de la época.

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Parece mentira que hasta ahora no se hubiese producido ningún documental o proyecto cinematográfico en torno a The Velvet Underground, uno de los grupos de rock más influyentes de la década de los 60 y 70. Formado por Lou Reed y John Cale originalmente, The Velvet Underground marcó un antes y un después en la escena artística de Nueva York de aquella época.

En contacto siempre con artistas como David Bowie, Patti Smith o Andy Warhol, The Velvet Underground crearon una escena en la ciudad estadounidense, a través de su música, sus mensajes y su estética. Con cinco discos editados hasta que Lou Reed y John Cale tomaron sus caminos por separado, la obra The Velvet Underground recorrió el mundo del arte y la música influyendo a numerosas generaciones de músicas, músicos y creadores.

Dirigido por el cineasta Todd Haynes director de Velvet Goldmine y Far from heaven, entre otras, el documental de The Velvet Underground se estrenará el próximo 15 de octubre, con contundente e inédito material de archivo, contribuyendo al legado musical de la banda y a la apreciación sobre su obra e influencia.

 

SOUNDTRACK

La banda sonora del documental, incluye material seleccionado por el propio Haynes bajo el título «The Velvet Underground: A Documentary Film By Todd Haynes -Music From The Motion Picture Soundtrack». El soundtrack también incluye piezas como  ‘The Ostrich’ de The Primitives, una de las primeras bandas formadas por Lou Reed y John Cale, la rareza ‘Foggy Notion’, ‘Chelsea Girls’ de Nico y versiones en vivo de ‘After Hours’ y Sister Ray’, además de la composición inédita del autor minimalista La Monte Young ’17 XII 63 NYC The Fire Is A Mirror (excerpt)’, interpretada por el colectivo musical al que perteneció John Cale, The Theatre Of Eternal Music.
Disco 1
01. ‘Venus in Furs’ (The Velvet Underground)
02. ‘The Wind’ (The Diablos)
03. ’17 XII 63 NYC The Fire Is a Mirror’ (excerpt) (The Theatre of Eternal Music)
04. ‘Heroin’ (mono) (The Velvet Underground)
05. ‘Road Runner’ (Live) (Bo Diddley)
06. ‘The Ostrich’ (The Primitives)
07. ‘I’m Waiting for the Man’ (The Velvet Underground)
08. ‘Chelsea Girls’ (Nico)
09. ‘Sunday Morning’ (The Velvet Underground)Disco 2
01. ‘Sister Ray’ (live) (The Velvet Underground)
02. ‘Pale Blue Eyes’ (The Velvet Underground)
03. ‘Foggy Notion’ (The Velvet Underground)
04. ‘After Hours’ (live) (The Velvet Underground)
05. ‘Sweet Jane’ (The Velvet Underground)
06. ‘Ocean’ (The Velvet Underground)
07. ‘All Tomorrow’s Parties’ (The Velvet Underground)
HAMMURAVI EN VIVO EN KLAMA

HAMMURAVI EN VIVO EN KLAMA

 

 

Hammuravi, el proyecto solista de la música porteña Naty Lane, llega a la capital para presentar su nuevo disco Fuego Negro, editado por HISS Records. El encuentro será este sábado 9 de octubre, a las 19 hrs, en el Bar cultural KLAMA ubicado en Barrio Bellavista, con la participación especial de la banda porteña Aramea.

Reserva tu mesa en klama.cl 

ENTREVISTA  A HAMMURAVI 

Naty Lane y Hammuravi, su proyecto solista, acaba de estrenar su segundo disco Fuego Negro, recientemente lanzado en Valparaiso en formato presencial tras una espera de meses. El disco ya adelantado por los singles «Limbos» y «La ciudad», propone un sonido etéreo e íntimo que se pasea por momentos de oscuridad y tranquilidad, explorando la dualidad de la propia compositora,  una especie de reflejo sonoro que ha ido recorriendo distintos lugares y roles desde su participación en Fatiga de Material con Álvaro Peña, en su rol de bajista estrella en Adelaida y, actualmente en Hammuravi, su proyecto solista desde hace algunos años. SIGUE LEYENDO.

SANTIAGO ANDER PRESENTA NOVELA SOBRE EL ROCK RADICAL VASCO

SANTIAGO ANDER PRESENTA NOVELA SOBRE EL ROCK RADICAL VASCO

La música y la narrativa se cruzan en una nueva edición a cargo de Santiago Ander, bajo el título «Tratado de hortografía», una novela del escritor, filólogo y periodista Patxi Irurzun, volumen que retrata la vida después del rock radical vasco.

Por Rossana Montalbán

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Publicada originalmente en el País Vasco en 2020, «Tratado de hortografía» retrata los días dorados del rock radical vasco  a través de las vivencias y de la decadencia del ex frontman de Los Tampones, banda recordada por su controvertida aparición en un popular programa de televisión, tocando su canción más famosa por aquellos días titulada “Estamos contra las reglas”.

El antihéroe que protagoniza esta cautivadora historia sobrevive trabajando en una pequeña biblioteca, escribiendo columnas en un periódico local y tratando de abrirse paso en el mundo de la literatura, después de treinta años publicando sin pena ni gloria. Sobrevive también a la complicada adolescencia de sus dos hijos mellizos —Silvio y Janis— y a la reciente pérdida de su pareja y madre de ambos.

La única manera de superar el duelo y la apatía será integrándose a un grupo de guerrilla ortográfica que se dedica a corregir los rótulos y carteles mal acentuados de su ciudad, Jamerdana, mientras Los Tampones planean su regreso a las pistas. Una novela trepidante, llena de música y humor negro, pero también de reflexiones sobre el inexorable paso del tiempo, los sueños y la muerte; una tragicomedia triunfadora en España y México que ahora sube al escenario en Chile.

Su autor,  Patxi Irurzun (Pamplona, 1969) es escritor, periodista, bibliotecario y filólogo español; autor, entre otras obras, del libro de relatos La tristeza de las tiendas de pelucas; las novelas Los dueños del viento y Pan duro; el diario Dios nunca reza; el libro de viajes Atrapados en el paraíso; o el libro de crónicas De igual a igual. 8 historias del comedor solidario París 365. Ha escrito literatura infantil y juvenil, colabora habitualmente en prensa, ha participado en antologías, en revistas, fanzines, y ha ganado diferentes certámenes literarios. Además, Irurzun fue en una ocasión la respuesta a la letra I en el rosco de Pasapalabra.

 

Lanzamiento

Miércoles 6 de octubre, 19 hrs.

Chile y 00 hrs. España,

vía Instagram Live de Santiago-Ander.

Preventa

Sitio web santiagoander.cl y muy pronto en Librería del GAM, Qué Leo Forestal, Qué Leo Tobalaba, Kalimera Libros, Nueva Altamira, Los Perros Románticos, Librería Secreta, Mapurbe Store, Polilla Récords.

HAMMURAVI: DUALIDAD SONORA

HAMMURAVI: DUALIDAD SONORA

Hammuravi acaba de estrenar su segundo larga duración titulado «Fuego Negro». Un fuego que ha hecho vivir la metamorfosis sonora a su mentora Naty Lane y a su proyecto solista con un disco que sigue recogiendo positivos comentarios, y que en los próximos meses estará mostrando en Santiago. Conversamos con la música sobre su actual devenir.

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Por Rossana Montalbán M

 

Naty Lane y Hammuravi, su proyecto solista, acaba de estrenar su segundo disco Fuego Negro, recientemente lanzado en Valparaiso en formato presencial tras una espera de meses. El disco ya adelantado por los singles «Limbos» y «La ciudad», propone un sonido etéreo e íntimo que se pasea por momentos de oscuridad y tranquilidad, explorando la dualidad de la propia compositora,  una especie de reflejo sonoro que ha ido recorriendo distintos lugares y roles desde su participación en Fatiga de Material con Álvaro Peña, en su rol de bajista estrella en Adelaida y, actualmente en Hammuravi, su proyecto solista desde hace algunos años.

La dualidad parece ser el eje de la música y de la propuesta de Hammuravi, no solo porque Naty Lane nació bajo el signo solar Géminis, sino por su propio nombre, una variación de la palabra Hammurabi, nombre del primer código de leyes de la antigua Mesopotamia, que a su vez contiene el código del ojo por ojo, diente por diente. «Es un código muy rudo, pero a la vez, fonéticamente es una palabra muy dulce, por lo que me gustó esa dualidad, me identificó y decidí usarla, pero cambiándole la b por la v», nos comenta la música. Esa dualidad encontrada por Naty Lane, parece estar presente en todo, y así ha querido colocarla en su música, oscura como la noche y a ratos luminosa y pacífica cual paisaje recóndito. 

Hammuravi comenzó siendo tu proyecto paralelo, paralelo a tu trabajo en Adelaida, y que estuvo en pausa por un tiempo, pero hoy parece que toma cada vez más fuerza y se está convirtiendo en tu proyecto principal ¿es así? ¿Cómo ha sido el desarrollo de este proyecto solista?

No denominaría a Hammuravi como mi proyecto principal, ya que he puesto muchísima entrega en el trabajo que he estado realizando con Adelaida desde 2016, pero sí es un proyecto que en estos momentos va al frente en mi vida y prioridades porque me ha permitido progresar como músico. Ha ido tomando fuerza en el último tiempo, explorando nuevas sonoridades, experimentando y tomando riesgos, lo que lo hace muy atractivo en ese sentido. También me ha permitido estar a cargo del barco, lo que no es una tarea fácil, pero que trae cosas muy buenas también, como la libertad absoluta de hacer lo que quiero sin poner mucho reparo en si a la gente le va a gustar o no. Lo defino como un proyecto personal, porque explora espacios íntimos, los que comparto con la gente en forma de canción. 

Hammuravi se formó en el año 2015 con algunas composiciones que hasta ese momento la bajista mantenía guardadas, y que un buen día se animó a mostrar a su compañero de banda, también productor y gestor del sello Hiss Records, Jurel Sónico. Así, comenzaron a trabajar en la gestación de lo que más tarde fue su primer EP llamado Espesura”.  Un resultado determinante para Naty Lane en los caminos artísticos que comenzaría a desarrollar, ya que gracias a ese trabajo de composición y producción, confirmó, consigo misma, su capacidad para hacer música. «me di cuenta que yo también podía hacer canciones y meter mano, aprendí mucho y me ayudó a ampliar mi visión musical a pesar de haber participado como bajista en varias bandas anteriormente.» relata.

¿Cómo fueron naciendo las canciones que componen Fuego Negro?

Este disco tiene canciones que fueron hechas hace varios años y otras que se compusieron el año pasado, en el encierro mismo de la pandemia y con los instrumentos que tenía a mano, ya que a comienzo de año sufrí un accidente, lo que me obligó a refugiarme en la casa de mis padres y estar sin moverme al menos por un par de meses. Solo tenía mi guitarra de palo” y con eso trabajé las maquetas. Al comienzo no sabía bien para dónde iba esto, solo tenía claro que no quería que fueran canciones rockeras o electrónicas, quería hacer algo diferente, y las canciones solitas me fueron mostrando para dónde iba la cosa, así que, teniendo claro este punto, comencé a trabajar en la sonoridad.

¿Cuánto ha cambiado Hammuravi entre su primer trabajo y este nuevo álbum?

Los cambios son bastante perceptibles, ya que el nuevo disco ha sido trabajado lejos del noise, del rock y de las bases electrónicas, manteniendo las sonoridades de las guitarras acústicas, con un mayor trabajo de las cuerdas y de las voces, lo que hace que este nuevo disco sea más reposado, pero no menos intenso.

Hemos visto que has ido trabajando una nueva imagen… parece que Naty Lane se ha convertido en Hammuravi ¿Cuáles fueron tus influencias musicales, artísticas y estéticas para este nuevo disco?

Mucho tiempo rayé con una película que se llama Only lovers left alive”, la cual tiene una banda sonora increíble realizada en su mayor parte por Josef Van Wissem, lo que hizo que me enamorara de las cuerdas mucho más. También creo que hay cosas de R.E.M, de Velvet Underground y de otras que fueron parte de mis raíces. En el aspecto artístico y estético lo quise enfocar tomando aspectos visuales de los 90s, como es el caso de los videoclips Limbos y La Ciudad, centrándome en transmitir una sensación ensoñadora. Y con respecto a mi propia imagen, creo que es un cambio que marca una nueva etapa, juego a potenciar el mostrarme como una nueva persona, este disco es un renacer en todos los aspectos.

Hammuravi estrenó como adelantos del disco, los singles y videoclips  «Limbos» y «La ciudad». Ambos videoclips  fueron grabados en la V región, en Villa Alemana y Quilpué. «Quise hacerlos en estas ciudades ya que el interior”, como le llamamos a esas ciudades, son los lugares donde crecí y me crié, por lo que tienen mucha relación con el disco. El rodaje fue un tanto difícil, ya que el juego de la cuarentena y los permisos limitan tus libertades para transitar, así que tuvimos que adaptarnos y planificar todo a corto plazo y siempre sujeto a posibles cambios de última hora. Afortunadamente, en ambos videos trabajé con Luis González y Danilo Vergara, un equipo pequeño, pero maravilloso, que me ayudó mucho y que estuvo también presente en todo este proceso del disco»

Hablemos de esta metamorfosis sonora ¿De qué nos habla y cómo suena tu Fuego Negro?

Es un disco íntimo, construido en base a guitarras acústicas, percusión, voces y elementos rústicos como sonajeros de uñas de cabra, cascabeles, claves, tormenta, metalófono, etc., que se conectan con estéticas ritualistas, que se relacionan con un nuevo renacer, con canciones que están inspiradas en la aceptación y reconocimiento de situaciones personales, como las relaciones familiares, el amor y las relaciones de pareja, la amistad y sentimientos relacionados con la muerte y la visión de ésta como renovación de la naturaleza.

¿Cómo describirías la experiencia de trabajar de manera solitaria y llevado la dirección de tu proyecto, y no como parte de una banda.?

Si bien es un disco que compuse casi sola en el grueso de las canciones, hay varios músicos invitados que participaron grabando y haciendo arreglos y que ahora son parte de la formación de Hammuravi en vivo. Hacer un disco sola, en mi caso, me permitió realizar las cosas tal y cual me las imaginaba, sin preocuparme mucho si sería bien recibido o si sería escuchado por muchos. Decidí atreverme y experimentar, usar instrumentos rústicos y poco convencionales, hacer lo que yo quería y eso me tiene muy contenta.

SANTIAGO ANDER CELEBRA 5 AÑOS DE MÚSICA EN LIBROS

SANTIAGO ANDER CELEBRA 5 AÑOS DE MÚSICA EN LIBROS

EL SELLO EDITORIAL SANTIAGO ANDER, CELEBRA CINCO AÑOS DE EXISTENCIA COMO UNA DE LAS PRINCIPALES EDITORIALES CHILENAS DEDICADAS A PUBLICAR LIBROS EN TORNO A LA MÚSICA.

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Por Rossana Montalbán

Durante cinco años Santiago Ander se ha posicionado como una de las editoriales más valoradas en cuanto a la publicación de libros sobre música, logrando dar a forma a un contundente catálogo que a través de distintos géneros literarios, se ha dedicado a explorar diferentes momentos de la música local, como también a abordar la historia de bandas de significativa relevancia mundial como Joy Division o Sonic Youth, retratadas por destacados y prolíficos autores ibéricos como Marcos Gendre o Ignacio Julià, en los libros Joy Division. El fuego helado. Y Estragos de una juventud sónica, la historia de la banda neoyorquina.

Pero además de estos aportes, no cabe duda que, una de las grandes contribuciones realizadas hasta ahora por el sello editorial, ha sido la ampliación de un registro hasta hace poco no considerado o quizás obviado por autores e investigadores de la música, nos referimos al registro escritural y en formato libro sobre la historia reciente de la música independiente y underground. Ahí, en ese tramo, nos encontramos con las acertadas publicaciones de Sube la Radio, volumen I y II, reuniendo a emblemáticos músicos y músicas del circuito independiente, convocados y convocadas a escribir sobre el disco que marcó sus vidas y melomanías. 

Más adelante vendrían las acertadas aproximaciones al trabajo musical de una de las bandas más antiguas de la escena punk gestada en estas latitudes, Políticos Muertos, con un libro que exploraría su lírica de la mano de su propio vocalista y letrista Francisco Mallea, titulado «Rock Paria y lo que en él se dice», entregando una publicación que bien puede ser descrita como un crudo y desencantado cancionero. Luego continuaría engrosando este catálogo de lecturas «El peor de Chile», la celebrada autobiografía de Pogo, un fascinante relato en primera persona a cargo de la descarnada y honesta pluma del vocalista de Los Peores de Chile, otra banda insigne del punk chileno de los noventas.

De ahí en adelante, los próximos pasos de Santiago Ander solo han sido un suma y sigue constante, editando los libros Primavera Salvaje, relatos íntimos de la bajista de Adelaida, Nay Lane, en 2019. Ese mismo año, solo un día antes de la revuelta de octubre, Santiago Ander presentaba en un repleto y extinto Cine Arte Alameda, «Latinoamérica es grande. La ruta internacional de Los Prisioneros», de Cristóbal González, libro que reconstruye la olvidada trayectoria forjada en el resto del continente por la banda sanmiguelina. Título que además fue reconocido con un Premio Pulsar.

Durante 2020, la editorial se anotó la publicación de «Disco Punk .Veinte postales de una discografía local» de los autores Emilio Ramón y Ricardo Vargas, trabajo que documenta la historia tras la realización de aquellos discos esenciales del punk acuñado en Chile. Pero este repaso no se detiene, y 2021, el año de su quinto aniversario, Santiago Ander nuevamente apostó por autores no locales y sonidos más allá de las fronteras, primero con la edición chilena de la primera gran biografía de Sonic Youth, en español, «Estragos de una juventud sónica», de Ignacio Julià. En esta misma senda, y continuando su colaboración con el cronista español Marcos Gendre, solo hace unos meses vio la luz la edición chilena del libro Britpop. La vida moderna es una basura, radiografía del último gran fenómeno musical venido desde Inglaterra.

Desde nuestro encuentro con los libros y el trabajo esmerado de editorial Santiago Ander, hemos tenido la oportunidad de seguir desde adentro, en diversas ocasiones, y gracias a una colaboración continua, la labor realizada por sus editores Emilio Ramón y Pablo Benavides, una labor que ha levantado el oficio editorial en torno a la música, renovando y completando el panorama de la edición independiente en Chile, que además nos ha conducido a cada lector y a cada lectora, a revivir toda una vida de peripecias en torno a la música. Razón suficiente para desearles ¡una larga vida!

 

SANTIAGO ANDER CELEBRA SUS CINCO AÑOS DE EXISTENCIA

CON UN DESCUENTO ESPECIAL EN SU TIEND VIRTUAL