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The War is Never Over: el documental que retrata a Lydia Lunch

The War is Never Over: el documental que retrata a Lydia Lunch

The War is Never Over se titula el documental que retrata a la pionera del No Wave Lydia Lunch.

La pieza documental dirigida por Beth B, retrata los inicios de Lydia Lunch con su banda Teenage Jesus & The Jerks y el papel fundamental que tuvieron durante el surgimiento del no wave en la década de los 70s. A su vez, The War is Never Over se adentra en la poderosa y singular evolución artística de Lunch como interprete, compositora y colaboradora de músicos como Nick Cave, Alan Vega, Rowland S. Howard Sonic Youth.

El documental originalmente presentado en 2019 como parte del DOC NYC Fest, comienza a circular por algunas plataformas y carteleras especializadas a partir del 30 de junio, una de ellas, la plataforma Kino Marquee donde estará disponible para verse On Demand.

MIRA EL TRAILER DE «The war is never over» 

SINTONIZA UN NUEVO CAPÍTULO DE «LEJOS DE LA MULTITUD»

SINTONIZA UN NUEVO CAPÍTULO DE «LEJOS DE LA MULTITUD»

Ya se encuentra disponible en Spotify, Mixcloud e Ivoox, el más reciente capítulo del show radial dedicado al underground «Lejos de la multitud».

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El show de radio online Lejos De La Multitud nació en abril del 2020 y en su segunda temporada continúa ofreciendo una selección de los mejores artefactos contraculturales que aparecen en el radar de su creador, el periodista, traductor y editor Carlos Aliaga.  El capitulo número 22 ya se encuentra disponible en Spotify.

“Uno de los objetivos de este proyecto es ir más allá de lo que ofrecen otros shows que se concentran exclusivamente en un estilo musical, medio visual o literario. Acá podrán encontrar una curatoría ecléctica de discos, libros, cómics, series y películas ligados al underground y la contracultura. La idea es ir más allá de los lugares comunes, profundizar en el análisis y que tanto los auditores como yo podamos ir descubriendo detalles interesantes y novedosos sobre estos artistas”, explica Aliaga.

En este episodio podrán escuchar temas de Citizen Fish, J Church, The Creatures, Au Pairs, Television, New York Dolls, Al Green, Low, The Sonics, Naked Raygun, The Flaming Stars, Joe Strummer, The Rezillos y Man Or Astro-man?.

También podrán encontrar sugerencias y reseñas de artefactos culturales como la antología “Felices Pesadillas: Los Mejores Relatos De Terror Aparecidos En Valdemar” (2003), la novela gráfica “X-Men: Dios Ama, El Hombre Mata” (1982), los documentales “Hitsville: The Making of Motown” (2019) y “Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films” (2014) y la colección de reseñas cinematográficas “Harlan Ellison’s Watching: Essays and Criticism” (1989).

Todos los episodios de Lejos De La Multitud pueden ser escuchados en Mixcloud, Ivoox y Spotify.

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

Evocando los movimientos rotativos y el magnetismo del satélite natural, la cantautora nacional Natalia Corvetto, presenta «Luna oscura», tercer single de su nuevo disco.

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«Luna oscura» es el tercer sencillo del nuevo disco de la compositora nacional Natalia Corvetto, un bolero inspirado en la danza eterna que la Luna hace cada 29 días, para reencontrarse con el sol. Este reencuentro, designado por la naturaleza, sucede en cada luna nueva (luna oscura, novilunio). Bajo esta premisa la compositora nos presenta esta canción en clave bolero, deleitando a través de una melodía protagonizada por la perfecta sincronía entre el violín, la viola y el violonchelo. 

En Luna oescura, el juego de cuerdas y la interpretación vocal de Corvetto destacan desde el primer minuto, creando un cálido y envolvente sonido en la mejor tradición del bolero más sutil y delicado, junto a los músicos Daniel Miranda en guitarra acústica, Milton Rusell en contrabajo, Mauricio Pérez a cargo de tumbadoras y maracas, Raúl Ramos en batería, Danka Villanueva en violín, Maria José Araya en viola, y Paloma Otárola en violoncello.

Interpretando sus transformaciones y movimientos como un baile de seducción que se extiende por 28 días, Natalia Corvetto le canta a la luna, le declara su amor y le agradece su inspiración. Y al cantarle a la luna, le canta a la naturaleza, a sus ciclos, y a su poderosa conexión con la vida. En sus tres minutos de extensión, Luna Oscura evoca el magnetismo y el misterio del amor. Y ya puedes escucharla en Spotify.

BETTY WRIGHT: MATRIARCA SOUL

BETTY WRIGHT: MATRIARCA SOUL

Betty Wrigth fue una de las exponentes del soul más laboriosas de su generación. Recordada por su altísimo registro vocal, inspiradora de divas actuales como Beyonce o Mariah Carey. Betty Wright fue de esas intérpretes contundentes en trayectoria, influyente para las generaciones posteriores y cuyo estilo aportó elementos renovadores al soul de su época y a la nutrida escena de la cual formó parte en el Miami de los 70s y 80s.

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Por Rossana Montalbán

 

 

Considerada una pionera en abrir nuevos espacios para las mujeres en la industria musical, fue la primera artista femenina en conseguir un disco de oro con su propio sello discográfico, gracias al tema «No Pain, No Gain» que compuso, cantó y publicó bajo Miss B Records. Pero la nutrida carrera de Betty Wright, recogió su primer gran éxito cuando en 1971 lanzó «Clean Up Woman», una canción que combinaba elementos de funk, soul y R&B. La canción registra también varios hitos tales como alcanzar el número dos en las listas de R&B, donde permaneció durante ocho semanas. Vender más de un millón de copias y haber sido disco de oro el 30 de diciembre de 1971. A nivel de resonancia, sigue siendo hasta el día de hoy una de las canciones más sampleadas del cancionero R&B/Soul, formando parte de hits tan reconocibles como «Real Love» de Mary J. Blige, producida por P.Diddy.

Betty Wright editó su primer álbum a la edad de 14 años, mientras cursaba la secundaria. Titulado «My First Time Around», el disco contiene otra de sus canciones más importantes “Girls Can’t Do What the Guys Do», un directo mensaje feminista en una época de importantes avances para los derechos de la mujer. En pleno 1968, la equidad de género era tema primordial para cierto R&B. Ese sería el comienzo de una trayectoria musical tan impecable como consecuente. Desde entonces, Betty fue forjando un estilo único como cantante y su música fue adquiriendo la categoría de género en sí misma, plasmando su visión de mundo y su carácter como artista.

 

La joven Betty destacaba por su mirada como mujer en la música y también por su asombrosa y versátil voz. Desde un susurro profundo y arrastrado hasta el tono de un agudo silbato eran parte de su amplio registro vocal, lo que la instaló como una las cantantes más increíbles que hayan aparecido en la música negra durante los últimos 50 años. Así de versátil fue también su capacidad interpretativa entregada por su herramienta vocal que le permitió interpretar soul, r&b, reggae, jazz, y rock.

Ya consolidada como una de las figuras más relevantes de la música afroamericana de los años 70, Wright continuó nutriendo su trabajo con diferentes colaboraciones, tanto como cantante, compositora y arreglista. En 1977, Wright descubrió a Peter Brown y cantó “You Should Do It” y “Dance With Me” en el exitoso LP “A Fantasy Love Affair”. En 1978 interpretó un dúo con Alice Cooper en la canción “No Tricks” y un año después, abrió para Bob Marley en el Survival Tour.

En los ochenta continuó su imparable trabajo grabando canciones como“What Are You Gonna Do With It” de Stevie Wonder. En 1983 lanzó el álbum “Wright Back at You” con temas de Marlon Jackson de los Jackson 5. En 1985 formó su propio sello discográfico, Miss B Records, publicando el álbum “Sevens” en 1986. En 1988 fue la primera artista femenina negra en obtener un álbum de oro para su propio sello, con el disco “Mother Wit” de 1987.

Paralelamente a su permanente trabajo como cantante estelar y productora musical de su sello, Wright participó a lo largo de su carrera como vocalista de apoyo junto a un amplio abanico de destacados músicos como David Byrne, Peter Tosh, Gloria Estefan, Jimmy Cliff, Stephen Stills, entre muchos otros.
El nuevo milenio la encuentró más activa que nunca manteniendo su incesante conexión con las nuevas generaciones de músicas mujeres. Una de ellas, la talentosa e innovadora Erykah Badu, probablemente una de sus más fervientes admiradoras y discípulas, y a la cual acompañó en su disco del año 2000, Mama’s Gun.
American Soul & R&B singer Betty Wright performs onstage at the Uptown Theater, Chicago, Illinois, November 14, 1979. (Photo by Paul Natkin/Getty Images)

Tal como lo fue desde sus primeros días, su voz también se convirtió en un elemento primodial y recurrente en el mundo del hip-hop. Nuevamente en plena sintonía con el panorama musical, Betty hizo apariciones en los registros de Diddy, Nas, y Rick Ross. También cantó la melodía de los Rolling Stones «Playing With Fire» en la canción Tha Carter III de Lil Wayne. En 2016, colaboró con Kendrick Lamar y Big Sean en la canción «Holy Key». Finalmente, su último trabajo no haría más que confirmar tanto su legado, influencia y vigencia como artista mayor, colaborando con The Roots en lo que llevo por nombre «Betty Wright: The Movie» publicado en 2011.

Betty Wright ha dejado una huella imborrable en generaciones que aprendieron con ella y con su trabajo no solo a cantar o componer, sino a ser esa artista autodeterminada por su propio talento y control del mismo, sobre todo reformulando el lugar de la diva esclava de sus propios éxitos y fracasos y en vez de eso ser voz, imagen, música, creadora y colaboradora con otros, abrazando la vida musical como un espacio de acogida, intercambio y herencia que hicieron de ella, una auténtica matriarca del soul.

GUITARRAS EXPANSIVAS: THE SLOW VOYAGE PREPARA NUEVO ÁLBUM

GUITARRAS EXPANSIVAS: THE SLOW VOYAGE PREPARA NUEVO ÁLBUM

 

La banda oriunda de la sureña ciudad de Los Ángeles, en la región del Bío- Bío, se encuentra afinando los últimos detalles de su segundo disco «Soul´s whisper», programado para este 2021, y del cual ya se conocen los sencillos «Sunset» y  recientemente «Expansion», canción estrenada en abril pasado. «Soul´s whisper» se avecina como el trabajo encargado de abrir fronteras y senderos para la banda y su música.

 

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La banda formada en el año 2013, en la ciudad de Los Ángeles, región del Bío Bío, continua por estos días afinando los últimos detalles de lo que será su segundo disco «Soul´s whisper», un trabajo de largo aliento que viene a materializar parte de los planes congelados con el inicio de la pandemia.

El encierro y la imposibilidad de seguir los planes trazados por razones ajenas al impulso propio, suelen dar paso incontenibles ánimos de expansión y acción. Mucho de esto puede sentirse en el preámbulo a lo que será el nuevo disco de la banda. Precisamente «Expansion» es el título del primer sencillo promocional, una canción creada durante 2015 que, finalmente salió a la luz en un contexto completamente distinto y sin precedentes.  Sin embargo a diferencia de su verdadero origen, la canción logra encajar con el momento actual de la banda, sobre todo, tras enfrentar la inevitable pausa forzada que ha significado el escenario sanitario del Covid 19. De esta manera «Expansion» logra contener tanto en su sonido reverberante y psicodélico como en su título, el presente del cuareteto. Un presente que se proyecta auspicioso y expansivo, precisamente, ya que este nuevo trabajo será editado con el sello peruano Necio Records, actualmente uno de los sellos rock psicodélico de mayor actividad y visibilidad del underground latinoamericano. Al mismo tiempo, para su distribución digital, la banda tendrá el apoyo del sello independiente local Sur Pop Records, aunando dos brazos armados que permitirán que el disco tenga una mayor difusión y circulación más allá de las fronteras nacionales.

Actualmente conformados por Camila Muñoz en bajo, Rodrigo Salamanca en guitarra y coros, y Freddy Lepe en guitarra y voz principal, The Slow Voyage continúa explorando las sendas del shoegaze y la psicodelia más cruda, reforzada por profundas atmósferas resonantes que evocan lo más ineludible del psych rock y sus variaciones noventeras. Sonidos que transportan a los vegetados y frondosos paisajes del lluvioso sur chileno proyectado bajo un lente tridimensional para estimular los sentidos.

 

EL VIAJE LENTO

Formados en el año 2013, los primeros pasos de la banda estuvieron marcados por la grabación de su demo –“Live Session”– para luego embarcarse, a través de Converse Rubber Tracks, en la grabación de uno de sus tracks junto al legendario productor de Seattle, Jack Endino, conocido por sus trabajos con Nirvana y Soundgarden, entre otros. Tras ese primer hito, la banda inició el registro de su disco debut “Time Lapse”, en los Estudios Lautaro del guitarrista de The Ganjas y Casino, Pablo Guiadach.

“Para nuestro álbum debut nos inspiramos en el transcurso de la vida. La gran mayoría de las personas en este país y en el mundo estamos obligadas a trabajar con horarios que te consumen todo el tiempo, con sueldos bajísimos y viviendo siempre al límite, una de las razones de porqué la familia es tan importante en nuestra cultura. Sólo nos tenemos a nosotros y el apoyo mutuo es una de las características más valiosas que rescatamos, sin eso jamás hubiésemos podido hacer música y, desde esa perspectiva, le dimos ese nombre al álbum, pensando en un futuro ‘Time Lapse’ de nuestras experiencias, cuestionando este intervalo de tiempo impuesto”, sostuvieron en entrevista con el Diario Concepción.

SOUL´S  WHISPER

«Soul´s whisper» se avecina como una nueva avalancha de psicodelia ácida nutrida de guitarras expansivas, que además de estimular el viaje auditivo, busca seguir afianzando a la banda como uno de los exponentes destacados de del rock lisérgico sudamericano, con ondas sonoras, que esperan, lleguen a todos los rincones, y pueda llevarlos a nuevos escenarios cuando la música en vivo se reactive. Mientras tanto, Soul´s whisper», toma forma en un 12 pulgadas fabricado en Europa, escogido como el formato más apropiado y placentero para el oído y el sonido del viaje.

Escucha «Expansion» de The Slow Voyage en Spotify

 

 

 

SONIDOS TRANSOCEÁNICOS: EL HIJO, POP EXPERIMENTAL

SONIDOS TRANSOCEÁNICOS: EL HIJO, POP EXPERIMENTAL

En Crónica Sonora encendemos la antena de nuestro Satélite Sonoro, un espacio en colaboración con la agencia cultural Ruido de Fondo para levantar puentes musicales entre España y Chile. Una ventana donde podrás conocer la actualidad y diversidad de los sonidos Ibéricos.

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‘La rueda del cielo’ el nuevo álbum de El Hijo, seudónimo del músico madrileño Abel Hernández.

Tras el golpe de timón transcendental en su trayectoria que supone su inmersión electrónica en el EP ‘Fragmento  I’ (2015), El Hijo sigue indagando en esta senda experimental entre fronteras estilísticas, pero con caparazón  pop. Labor que fue prorrogada en los aclamados ‘Dentro’ (2018) y ‘Capital Desierto’ (2019) con la misma  dedicación obsesiva aplicada por renovadores de la liturgia pop como Disco Inferno en su serie de EPs  publicados en los años 90. Canciones elaboradas como artilugios provistos de códigos genéticos cruzados en su  interior, capaces de hacer coexistir a Arca con Los Chichos o a Ben Frost con bases trap. 

Como bien señaló en su momento Abel Hernández (aka El Hijo), estamos ante la máxima expresión del  post-mainstream, finalidad con la que vuelve a jugar en La rueda del cielo, culmen de dicho concepto,  estructurado para la ocasión mediante un brainstorming intertextual donde se superponen capas de, entre otros,  la Odisea, el Nuevo Testamento y las bases de la cienciología y el cuarto camino de Gurdjeff, Hannah Arendt,  Jacques Derrida, textos de la CCRU y Mark Fisher, La cicatriz interior de Philippe Garrel o Gerry de Gus Van Sant.

Ello da lugar a un palimpsesto que gira como un torbellino de partículas contaminadas en torno a un personaje y  su fracaso en la búsqueda individualista de la redención en el autoexilio y el anhelo de espiritualidad  prefabricada. A cambio, las visiones distópicas de su cíber caos emergen en formas synthwave ultra orgánicas  como ‘Burberry’ o mediante brotes celestiales pero apocalípticos de estribillos flamencos, orbitando alrededor  del planeta Lole y Manuel, sobre suelo arado con las matemáticas Meitei en ‘Tebas (La rueda del cielo)’. En esta  última canción y en ‘Circe’, pone su voz la joven Lauren Casline, una de las tantas colaboraciones convocadas  con el fin de multiplicar los diferentes yoes del personaje y los puntos de vista sobre la historia; por ejemplo a  través del mayestático hechizo arábigo en el que se adentra Rodrigo Cuevas (aparición por cortesía de Aris  Música/El Cohete Internacional) por medio de ‘Espejismo’, o en la aparición de Jorge Tórtel (que canta en  ‘Burberry’ y toca guitarra acústica en ‘Circe’), sin olvidar la colaboración con sintetizadores de Juan Carlos  Roldán. 

 

LA RUEDA DEL CIELO 

 

Preñado de códigos existenciales y cifrados de supervivencia, la liturgia zombi, ya pregonada en su anterior LP,  tiene continuación en singles como ‘Accidentes planeados’, donde el código morse 2.0 nos recuerda que “a veces  es más difícil matar a un zombi que a alguien vivo”. En esta misma canción, somos partícipes de una inquietante  amplitud de espacio, sólo quebrada por magmáticas electrocuciones ballardianas. Teoría del caos reorganizado  en un caleidoscopio de formas buscándose, encontrándose, como en la dialéctica haiku aplicada en el trap sci-fi  de ‘Oasis’. Invenciones como esta última definen una actitud ante el proceso creativo, plasmado  milimétricamente en el what if? condensado en el estribillo de ‘Sirenas’: “Y suena Aphex Twin a 33”. 

Ya sea a través de su policromático uso del autotune o del infinito muestrario de soluciones rítmicas quebradizas  y recursos sonoros imposibles, Abel Hernández desafía la trampa del perfeccionismo, yendo todo lo lejos que se  lo permite ese consumado oficio de productor digital del siglo XXI que le hace destacar en la planicie española. 

Por otro lado, además del uso con cabeza borradora de numerosos pequeños samples (rasquen y ganen, si lo  desean, trazas de Phil Collins, Niño de Elche, John Coltrane, Black Sabbath, Aphex Twin, Mina & Morricone o Tipe  Tizwe), el uso del autosampleo, ya presente en los anteriores lanzamientos de esta segunda época, ha crecido  hasta convertirse en un método compositivo. Un ejemplo claro es la secuencia que inicia ‘Cuaresma’, canción que  surge de improvisar sobre un loop de ‘Segismundo’ (canción que inaugura este nuevo periodo para El Hijo en  2015) y de la que a su vez procede ‘Sirenas’. O ‘Espejismo’, que surge de un loop del compás final de una primera  idea (desechada) de ‘Circe’. Y, por supuesto, ‘Burberry’, que se plantea como si otro El Hijo (en un universo  paralelo) hubiera escrito la canción ‘Cabalgar’ en 2006 bajo la influencia de otras ideas y músicas. 

Como explica el mismo Abel: “la letra es un poco un frankenstein de ‘Cabalgar’ (con guiño a ‘Famous Blue  Raincoat’ de Cohen) y mi idea era jugar con un tiempo fuera de quicio, y tachar, pero al mismo tiempo confirmar, lo  que he hecho con El Hijo en otra vida, en el momento en que lo principal era la voz, lo acústico y la experimentación  con la lírica ro(ck)mántica. Lo bonito es que aquellos versos de ‘Cabalgar’ pueden desviarse de su tiempo y  convertirse en una letra de este disco conceptual sobre el personaje y su fracaso de renacimiento espiritual tras  retirarse a lo más hondo del desierto. Es como si el pasado hubiera estado esperando en el futuro… Con eso hay  también una idea de que con los materiales de cualquier disco se podrían hacer muchos otros y de que el tiempo  que uno vive no es el tiempo del resto, ni tendría por qué ser el de uno tampoco.” 

En consonancia con ese sistema de auto-reproducción paradójica y metástasis, ‘La rueda del cielo’ transcribe el  título de una de las traducciones al castellano de la novela The Lathe of Heaven, de la genia de la ciencia-ficción,  Ursula K. Le Guin, otra inventora de mundos que, como El Hijo, planteó la búsqueda de formas inauditas e  inexplicables para modelar rostros imposibles, perdidos en su propia belleza cósmica. La misma que envuelve  cada gramo sónico de ‘Tohu Bohu’ y Cuaresma’, hallazgos nacidos del atomizador de intuición que rige el  sístole-diástole de estas canciones polimorfas, cuestionadoras de las leyes que marcan las pautas de acción  consensuadas en la relación entre emisor y oyente. 

Por todo ello y los spoilers no emitidos, es la experiencia inmersiva que todxs estábamos esperando: la que es capaz de cuestionar nuestra propia naturaleza como receptores en tiempos de fast-food cultural.

 

 

 

 

 

 

«DIANA» UN ADELANTO DEL NUEVO SONIDO DE CHELSEA WOLFE

«DIANA» UN ADELANTO DEL NUEVO SONIDO DE CHELSEA WOLFE

Tras publicar su colaboración con Emma Ruth Rundle para el tema «Ahedonia», Chelsea Wolfe reaparece con «Diana», canción que forma parte del soundtrack para Wonder Woman «Dark Nights : Death Metal», la última entrega de DC Comics, y una fiel muestra del rumbo sonoro de Wolfe.

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El reciente interés de Hollywood y de las exitosas sagas de clásicos del cómic por levantar figuras femeninas como heroínas principales y ya no secundarias sigue en aumento. En un intento por hacer parecer que la feroz industria cinematográfica se desenmarca de prácticas machistas, misóginas y abusivas, conocidas en detalles, tras la ola de denuncias surgidas a partir del #MeToo, la arremetida de los grandes estudios no se detiene y continua apelando al viejo recurso de reposicionar, más por conveniencia que por convicción, a las olvidadas heroínas del cómic. La industria del cómic con sus propios gigantes tampoco parece estar exenta de este fenómeno oportunista. Así lo demuestra en parte la reaparición de Wonder Woman, mujer maravilla, como la heroína de moda, estrella de DC Cómics cuya reciente entrega se titula «Dark Nights : death metal».

Esta nueva entrega de DC Cómics, llega acompañada de un soundtrack que incluye a nombres como Chelsea Wolfe, quien acaba de estrenar recientemente «Diana», una de las canciones que forman parte de esta esperada y bien pensada banda sonora.

Tras publicar su colaboración con Emma Ruth Rundle para la canción «Ahedonia», Chelsea Wolfe, reaparece con «Diana», canción que forma parte del soundtrack de esta esperada nueva entrega de la clásica e icónica historieta.

Loma Vista Recordings DC Comics dieron a conocer la banda sonora que acompaña la colección de historietas Dark Nights: Death Metal, cómic que en 2020 contó con una miniserie animada en Youtube, donde los artistas involucrados en la música prestaron su voz para dar vida a los diálogos de sus personajes. En esta adaptación de los superhéroes y superheroínas de DC, Chelsea Wolfe fue quien se encargó de prestar su voz para encarnar a la Mujer Maravilla, lo que la inspiró a componer una canción basada en la historia que gira alrededor de ella en la trama de Dark Nights: Death Metal.

“Ha sido un honor y un placer estar involucrado en todo este proyecto, desde contribuir con una canción a la banda sonora, hasta dar voz a Wonder Woman para los episodios de ‘Sonic Metalverse’ de DC Comics. Realmente amo la historia y el arte de esta serie Dark Nights: Death Metal, y me sentí realmente atraído por la parte de Diana en la historia, su fuerza y ​​perspectiva ”, comentó Wolfe.

“Hay un momento en el primer número del cómic en el que ella se encuentra con Wally West y él está tan agotado por sus viajes y todo lo que ha tenido que hacer. Recogí esta energía íntima entre ellos que se sentía casi romántica, pero más como dos viejos amigos que tienen un entendimiento entre ellos: un momento de consuelo y respiro entre todas las peleas y el caos. Terminé escribiendo esta canción sobre ese encuentro. Trabajar con Tyler Bates en ‘Diana’ fue una gran experiencia. Obviamente, es tan genial creando música que se siente como la banda sonora de tu propia película, así que entre él y mi coproductor Ben Chisholm había un paisaje sonoro elevado alrededor de la canción que la llevó a un nivel diferente».

«Diana» es una fiel muestra de los caminos estilísticos y sonoros que Chelsea Wolfe está tomando y sirve como una pequeña muestra del volcánico sonido que está moldeando para su nuevo trabajo sucesor de Birth of violence, álbum publicado en 2019.

La banda sonora que llegará en una serie de formatos y ediciones diferentes, será lanzada el 18 de junio, y otro de los adelantos ya conocidos fue la canción “Forged By Neron” de Mastodon . Entre los artistas presentes en el soundtrack, además de Wolfe y Mastodon, estarán nombres como IDLES, Rise Against, Greg Puciato, HEALTH, Soccer Mommy, Manchester Orchestra, Starcrawler, entre muchos otros.

«OCTUBRE ROJO» EL NUEVO SINGLE DE LA YEGUA NEGRA

«OCTUBRE ROJO» EL NUEVO SINGLE DE LA YEGUA NEGRA

 

“Octubre Rojo”, es el segundo single del nuevo disco de la banda de noise rock La Yegua Negra.

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“Octubre Rojo” es el sucesor de “Colmillo Vampiro”, primer sencillo de EP «Mirador», programado para ser editado durante este invierno bajo el sello interregional Hiss Records y con la producción del músico Jurel Sónico.

Inspirada en el color del arrebol en primavera, el cuadro evoca a través de sus tonos, la intensidad y la urgencia de la revuelta popular del 18 de octubre de 2019.  En versos como “un grito sin gritar” la banda habla de impotencia, del reclamo, de la protesta, y de la necesidad de ser escuchados.

«Octubre rojo» nos entrega sonidos distorsionados y voces reverberadas, acompañadas de modulaciones en sus primeros minutos hasta desencadenar en un muro de guitarras resonantes.

 

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

 

«Live at bar de René» es el título del nuevo disco en vivo de The Ganjas, trabajo que registra uno de los últimos y memorables encuentros sobre el escenario con el legendario productor Jack Endino, llevado a cabo una calurosa noche de verano en el mítico bar de Santa Isabel.

El registro en vivo feat. Endino – quien también estuvo a cargo de mezclar y masterizar el disco – acaba de ser publicado en formato CD con arte original, y en formato digital a partir del 25 de este mes, bajo el sello BYM Records. Además, el disco incluye un adelanto del nuevo material de la banda con ‘Listen to the Lion’.

Por Rossana Montalbán M

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Corría el verano de 2019 cuando The Ganjas nuevamente se reencontraba con el productor Jack Endino para grabar su séptimo disco de estudio. Un reencuentro que venía a reafirmar la vieja camaradería que la banda y el productor habían forjado luego de trabajar juntos por primera vez para la grabación de su disco Resistance en 2011.

Tras varias visitas a Chile, entre los años 2014 y 2017 para trabajar con la banda y continuar el fuerte lazo musical que los unió, el productor de Nirvana,  Mudhoney, Soundgarden, y fundador de Skin Yard, regresó a la capital a finales del 2018 para retomar las grabaciones de lo que sería el próximo disco de estudio de The Ganjas, «Generation», reprogramado finalmente para el 2022, y donde Endino además de producir participa como guitarrista invitado, elemento que además de reforzar la química y fiato entre él y la banda, dio cabida a distintos momentos de improvisación tocando en formato jam session, logrando matices experimentales en las nuevas composiciones. 

Fue precisamente ese fiato musical el que los llevó a compartir escenario una cálida noche de verano, en el mítico Bar de René, escenario ineludible para el rock independiente y el metal en la capital. Oportunidad en la que la banda llevó a cabo una de sus tantas presentaciones en vivo a tablero vuelto en una concurrida y apretada velada donde se transpiró ruido y psicodelia, esta vez con la presencia de una figura clave para el sonido de Seattle en la década de los 80s y noventas, Endino en cuerpo y alma, Endino el músico, despertando el espíritu dormido de Skin Yard y sacando chispas en una suerte de fraternidad sonora junto a The Ganjas.

Los primeros adelantos del mítico encuentro ahora convertido en disco, son las versiones de dos infaltables del repertorio de la banda santiaguina, ‘Ghost Rider’ y ‘La lluvia no quiere caer’, dos canciones que adelantan el próximo estreno digital del disco, programado para el 25 de junio. En tanto el cd, ya se encuentra disponible desde el 4 de junio a través de Bym Records, con una edición limitada de tan solo trescientas copias disponibles que, prontamente, si los seguidores así lo deciden, y al igual que el show que plasma, pasará a ser otra joya difícil de volver a encontrar.

HEMEROTECA : PRINCE ESTABA PROHIBIDO

HEMEROTECA : PRINCE ESTABA PROHIBIDO

 

PRINCE 1958 – 2016

«Prince estaba prohibido en mi intolerante y cristiano hogar. Estaba escondido entre Richard Pryor – a quien no podíamos escuchar por nada del mundo y unas revistas porno bien guardadas. En el colegio secundario, mis padres me daban 30 o 40 dólares en un sobre, y con eso me compraba una tarjeta que cubría un mes de almuerzos en la escuela. Era noviembre de 1982, y agarré mis 36 dólares y compré 1999, de Prince; What time is it?, de The Time, y el álbum de Vanity 6. Me morí de hambre todo el mes.»

Ahmir Thompson, The Roots, 
Revista Rolling Stone 2004.