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DANZANDO EN MEDIO DEL CAOS: “BALLERINA” LO NUEVO DE SLOWKISS

DANZANDO EN MEDIO DEL CAOS: “BALLERINA” LO NUEVO DE SLOWKISS

 

 

Por Rossana Montalbán

Slowkiss acaba de estrenar el videoclip para el single “Ballerina” último corte de su primer larga duración “Patio 29” editado en 2019. El trabajo audiovisual protagonizado por la bailarina de danza contemporánea Lucía Montes hermana de Elisa, líder de la banda, fue registrado en el centro histórico de Bilbao y corona el ciclo del disco que acaba de ser editado en formato físico cd y cassette. 

Bailando en las calles desiertas del casco histórico de Bilbao, ciudad natal de Elisa Montes, vocalista y líder de la banda, “Ballerina” es una pieza audiovisual que a pesar de haber sido registrada antes que la pandemia explotara, evoca la soledad de los tiempos actuales y el aislamiento vivido a nivel global por el Covid 19, registrando a la bailarina de Lucía Montes en una danza consigo misma y la ciudad, como una especie de ritual y, al mismo tiempo, de reconciliación con las condiciones actuales, intentando buscar la belleza en medio del caos y de los tiempos difíciles. Montes danza y llena la cámara con sus movimientos, habita las calles con su corporeidad en una suerte de incitación a combatir la desolación, la distancia y todo aquello que hoy mantiene convulsionado al mundo entero.

Con una letra intimista y emocional, sonido estridente y etéreo a medio tiempo en la línea de bandas Basement, Title Fight o incluso Deftones, “Ballerina” es una potente y melancólica pieza de rock alternativo con reminiscencias “emo” que ahonda en el apego, la idea del amor como un sentimiento que puede llegar a ser indestructible y la fortaleza de los lazos indisolubles como el existente entre dos hermanas. “Ballerina es una canción que le dediqué a mi hermana. Yo me siento muy conectada con ella, siempre voy a sentir que está conmigo y yo con ella, aunque tengamos miles de kilómetros de distancia” – explicó Elisa a CNN Chile”.

Grabado antes del inicio de la pandemia, su estreno fue aplazado en más de una ocasión debido a la imposibilidad de continuar con su trabajo de post producción y de realizar un lanzamiento presencial. A lo largo de 2020 con el paso de los meses las circunstancias no cambiaron significativamente, la pandemia no dio tregua y las cuarentenas se extendieron, la música en vivo desapareció y las transmisiones on line se convirtieron en el formato principal. De esta forma “Ballerina” single y videoclip logró ver la luz  solo entrando el 2021, en un lanzamiento virtual y una proyección simultánea en pleno barrio Bellavista gracias a la colaboración del colectivo @bella.vista2020, encargados de intervenir con consignas ciudadanas la esquina de calle Bellavista con Loreto. De esta forma el videoclip dirigido por la destacada fotógrafa Rocío Aguirre y editado por Cristian Pino, como un acto simbólico, se tomó algunas de las cuadras más agitadas de una ciudad que hoy duerme en toque de queda.

“Ballerina” ya se encuentra disponible en el canal YouTube de la banda, y en: SpotifyDeezerTidalApple Music.

LENGUAS ARMADAS : UN COMPILADO POR LOS PRESOS POLÍTICOS

LENGUAS ARMADAS : UN COMPILADO POR LOS PRESOS POLÍTICOS

El primero de enero se estrenó a través de las plataformas digitales «Lenguas Armadas», primer compilado que busca recaudar apoyo monetario a los presos de la revuelta. Mientras que para fines de enero se prepara la edición física del disco.

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20 bandas componen “Lenguas Armadas”, el primero de varios compilados de música totalmente extrema y antifascista, que buscan llevar apoyo monetario a los presos políticos de la revuelta. Un compilado que reúne a diversas bandas del underground, desde el metal, punk, hardcore hasta el grindcore.

El proyecto nació gracias a la iniciativa de Gordom banda que ha colaborado con diversas agrupaciones y colectivos antifascistas en la realización de tocatas a beneficio tanto en Santiago como en Arauco y Angol en ayuda a los presos políticos mapuches.  Este bagaje les permitió organizar una convocatoria entre distintas bandas cuyo discurso crítico, compromiso social y artístico empatizara con la familia de personas apresas injustamente durante las masivas manifestaciones de 2019.  De esta forma, sus gestores y colabores se plantearon un proyecto que lograse entregar apoyo financiero concreto a los presos de la revuelta.

La bandas que forma parte de la iniciativa son Nuclear, Monjas con Atraso, Dr. Zaius, Enfermos Terminales, Social Crisis,Sigma (Valparaíso), Pikuntactitud (Valdivia), Anarkitran (Viña del Mar), Diskordia (Curicó) y Cianuro (Concepción) a las que se le suma la emblemática banda hardcore punk de Chicago, Los Crudos.

El compilado se puede descargar desde la plataforma PortalDisc con un aporte voluntario y todo lo recaudado bajo esta plataforma se irá en directa ayuda a los presos de la revuelta, desde la organización en sus palabras nos comentan que: “Por nuestra parte significa mucho, ya que en el proceso de selección de las 20 bandas, conversamos con proyectos musicales con quienes nunca antes habíamos tenido contacto y sentir el respeto, y apoyo de manera inmediata nos motivó a dejar esta huella en la lucha por la liberación de los presos políticos tanto mapuches como de la revuelta”.

«Creation Stories» un filme sobre el shoegaze y el britpop

«Creation Stories» un filme sobre el shoegaze y el britpop

La historia de uno de los sellos discográficos que renovaron la música independiente británica de los 80s y 90s llega en marzo a las pantallas bajo el título de “Creation Stories”, biopic que retrata el auge y caída del microimperio levantado en 1983 por el músico y manager escocés Alan McGee. 

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Basada en el libro The Creation Records Story: Riots, Raves and Running a label, publicado en 2001 por el fundador del sello, la película recorre los inicios, la consolidación y la bajada de telón de uno de los pilares del rock alternativo acuñado durante los ochentas y noventas en Gran Bretaña.

Por más de 25 años Creation Records fue el promotor de una camada de bandas que renovaron y reinventaron el agotado rock de guitarras hecho en Inglaterra, convirtiéndose en el emblema de un sonido y de una postura artística ante la industria musical. Fundada en 1983 en plena era Thatcheriana, en medio de la masificación del new wave y la estela del postpunk, Creation Records tempranamente mostró su inclinación e interés por las nuevas sonoridades y experimentaciones aportadas por bandas como Jesus and Mary Chain, los primeros Primal Scream, My Bloody Valentine, The Pastels, The House of Love, Ride, Teenage Fun club, Swerdriver, Slowdive, dando cabida al desarrollo del shoegaze, el dream pop y el indie, corrientes musicales de largo alcance y resonancia para toda la década de los 90s hasta el presente. Para mitad de los noventas Creation Records nuevamente jugaría un papel decisivo en lo que sería la próxima gran oleada y goleada de la música británica, fichando a una incipiente pero prometedora banda de Manchester llamada Oasis, quienes se convertirían en uno de los fenómenos musicales y comerciales indiscutibles de esa década como parte de la era Britpop, iniciando así una nueva etapa para el sello y una negociación con la transnacional Sony Music que finalmente decantaría en su cierre.

En formato de biopic con guión de Irvin Welsh, producida por Danny Boyle, dirigida por Nick Moran, y con Alan McGee como personaje principal, el film narra un capítulo imprescindible de la música británica de las últimas décadas, un capítulo en el que se cruzaron probablemente los momentos más decisivos de la música alternativa y el mainstream reflejados en fenómenos como el britpop o la fiesta interminable del madchester, la hacienda y el house como bien lo exploró de manera menos personalizada y más descarnada el documental de 2010 «Upside down. The Creation Records Story». Creation Stories, película biográfica será estrenada en Estados Unidos y Bretaña el próxima 20 de marzo, para luego ser distribuida en el resto del mundo.

SINOPSIS

«El comienzo, cerca de la bancarrota, pastillas, emociones, riñas, tonterías, éxito, excesos y caídas. Desde dejar la escuela a los dieciséis hasta montar el club Living Room en Londres, donde se presentaban nuevas bandas independientes, desde dirigir The Jesus and Mary Chain hasta cofundar Creation a los 23. Nos trajo a My Bloody Valentine, House of Love, Ride y, por supuesto, a Primal Scream. Adoptando el acid house, Alan se mudó a Mánchester y pasó el rato en La Hacienda, llevando a Creation a lo grande con Screamadelica de Primal Scream. Su colapso inducido por las drogas, cuando llegó, fue dramático, pero cuando recobró la sobriedad, supervisó el ascenso de Oasis para convertirse en una de las bandas más grandes del mundo».

MIRA EL PRIMER ADELANTO DE CREATION STORIES

«MORFOPUNK» EL REGRESO DE LA AFILADA PLUMA DE POGO.

«MORFOPUNK» EL REGRESO DE LA AFILADA PLUMA DE POGO.

La afilada pluma del músico, vocalista y letrista de Los Peores de Chile, Pogo, regresa en una nueva edición a cargo de Santiago Ander bajo el título «Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable», un conjunto de relatos urbanos y cotidianos que retratan el correr de los días en un Santiago permanentemente pandémico y distópico, dibujando y diseccionando una virulenta y contaminada realidad que acecha. Un volumen que será presentado este viernes 22 de enero, por los especialistas en cómic Berna Ojeda, Carlos Reyes, la directora del Centro Arte Alameda Roser Fort y el escritor Daniel Hidalgo, desde las 20 hrs, a través del FB LIVE de la editorial

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Siete intensos y delirantes relatos componen «Morfopunk» la nueva entrega del músico, dibujante y escritor Mario Carneyro, conocido por todos como Pogo, el inconfundible fundador de Los Peores de Chile, nombre impostergable de la música punk local. Bajo su descarnada y detallista lupa, el músico y escritor nos conduce por caóticos, aventureros y lúgubres escenarios en donde su pluma destila y entremezcla los universos paralelos, la imaginación y la vivencia de quien ha ejercido el oficio de reportero, ha vivido la desenfrenada vida del rock and roll y ha cultivado la fascinación por el cómic y la contracultura. Bebiendo de la ciencia ficción y de la literatura distópica de clásicos como 1984 de Orwell, Pogo se aventura en una próxima parada para la humanidad y para la virulenta Santiago de Chile enfrascada en una pandemia sempiterna de rostros permanentemente enmascarados. «Es un recorrido ingrato por un futuro que se ve cada día más cercano. Lo localicé en nuestra ciudad, Santiago, porque me fascina destruir esta atosigante ciudad y reconstruirla después al nivel que se merece. Son una serie de cuentos interconectados, de personas cotidianas, en sus quehaceres diarios en un Santiago quizás no tan irreconocible.» – «Desde pequeño me empapé de literatura fantástica, sobre todo ciencia ficción y anticipación. Este último género siempre me llamó la atención, el de arrastrar el mundo real a situaciones inverosímiles, manteniendo el contexto de espacio-tiempo con la realidad que conocemos. Qué mejor que tomar Santiago de Chile y arrastrarlo a un estado de catástrofe interminable e irremediable. Con un puñado de perdedores que intentan, infructuosamente, salvar sus irrelevantes vidas en una ciudad que expira minuto a minuto. ¿Algún parecido con la realidad nuestra?». Agregó en conversación con sus editores.

Literatura distópica made en Chile. Exquisitos relatos de un inframundo existente en la mente de su autor y aún desconocido para muchos. Relatos interconectados entre sí, cargados de imágenes y referencias de la subcultura como de la cultura pop junto a una prosa que se nutre de la visualidad de las historietas es lo que Pogo propone en «Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable»- «Quienes se atrevan a husmear en las páginas del libro encontrarán personajes como uno, quizás manejando algún tipo de tecnología todavía inaccesible a nosotros en tiempo actual, pero personajes reconocibles en sus vidas; ambiciones, particularidades, nosotros mismos empujados a un agonizante siglo XXII sin que nadie se los preguntara.» (lee entrevista completa)

RESEÑA CONTRATAPA

Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable

Pogo (músico, dibujante, escritor) crea una desalentadora mirada a un futuro cada vez más probable desde nuestro 18 de octubre de 2019 y del virus que hoy asola a todo el mundo.

«Sus relatos son afilados como dagas. Se interconectan como rizomas, componiendo un fractal de SantiagoPaís, desplegando su cargamento como bombas de racimo sobre la pantomima existencial de sus personajes. En esta distopía gris y sucia, el mar es una sopa muerta; la lluvia ácida puede disolver tu traje protector y el aire contaminado puede matarte en minutos si no usas tu máscara Complex, o podrías morir a causa de los virus mortales o de alguna de las tantas nuevas enfermedades incurables, o acabar vaporizado en un enfrentamiento entre los Cholombianos, los Punkamauris y la Milicia. Si tienes suerte, una noche cualquiera hasta podrías bailar en una stroc bajo el influjo musical del máximo morfopunk: Kultrum de Nox.

Sumérgete en este universo delirante. No tienes alternativa, porque el mundo, tal como lo conociste, se diluye hoy ante tus ojos. Entra en estas páginas porque nadie sabe cómo será el futuro (si es que hay). Respira su atmósfera porque ya casi eres un klúster o uno de los morfopunks de Pogo. Lee atentamente este manual de instrucciones. Aprende a sobrevivir en el no-futuro que te alcanza. Y recuerda: Este libro está hecho para tu seguridad. Que lo que viene te sea leve… Si sobrevives.» Carlos Reyes G. (Guionista de cómics)

Preventa: Morfopacks

VIDEOTECA: MIRA EL DOCUMENTAL «FEMFEST»

VIDEOTECA: MIRA EL DOCUMENTAL «FEMFEST»

Como parte de nuestra videoteca te invitamos a revisar un documento que registra el origen y la trayectoria de uno de los espacios de música feminista más antiguos, pioneros y sólidos del underground chileno, FEMFEST, el festival que nació en los primeros años del nuevo milenio (2004) para visibilizar y cuestionar una escena musical predominantemente masculina y viciada de lógicas patriarcales como la discriminación, la cosificación, la misoginia e incluso el abuso sexual y físico, logrando abrir un lugar de encuentro autogestivo para proyectos musicales liderados por mujeres y disidencias cuyas miradas y propuestas artísticas apuntaron a la necesidad de instalar un discurso feminista y el enfoque de género en el circuito musical.

Durante dieciséis años como festival y coordinadora, Femfest ha reunido a parte importante del circuito musical subterráneo  desarrollado por mujeres y disidencias por bandas como Lilits, Rompehogares, Las Jonathan, Portaligas, Vaso de Leche, Espejos Muertos, Por mi culpa, Ellas No, Horregias entre muchas otras. 
 
 
Este documental dirigido y producido por Carolina Ozaus, música, profesora y realizadora audiovisual, fundadora del encuentro, recorre en poco más de treinta minutos el hito Femfest como un proyecto que continúa trabajando desde el feminismo la participación de la mujeres en el rock en cada edicón del festival y durante todo el año con la realización de iniciativas de formación y diálogo en torno a la necesidad de un rock y de una música feminista y crítica.
 
Puedes ver FEMFEST a través de la plataforma brasileña de documentales Bombozilla.com donde también encontrarás cientos de trabajos documentales sobre la contingencia social y cultural mundial .
 
Dirección: Carolina Ozaus
Año : 2014
Duración: 37 minutos
 

https://bombozila.com/femfest/

 

INCHE ESTRENA «VOCES ANCESTRALES» UN CANTO CONTRA EL RACISMO Y LA DISCRIMINACIÓN

INCHE ESTRENA «VOCES ANCESTRALES» UN CANTO CONTRA EL RACISMO Y LA DISCRIMINACIÓN

Recientemente estrenada «Voces Ancestrales» fue realizada en colaboración con el compositor y productor musical Alekos Vuskovic Gutiérrez, trabajo colaborativo surgido a partir de los violentos hechos de racismo y discriminación sucedidos en el territorio de la Araucanía en agosto de 2020.

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La banda oriunda de Temuco viene presentando desde 2018 su propuesta de rock pluricultural fusionando los sonidos originarios del pueblo mapuche con elementos del rock occidental. En marzo de 2020 INCHE editó su primer EP de dos canciones titulado INCHE EN LOF EL TUME seguido por este nuevo sencillo titulado «Voces Ancestrales».

 

 

«Voces Ancestrales» es una respuesta a los hechos de discriminación hacia el pueblo mapuche ocurridos en la región de la Araucanía en agosto del año pasado. El tema refleja el ser mujer mapuche en tiempos pasados, presente y futuros, rescatando la sabiduría y fuerza ancestral ante las distintas formas de violencias ejercidas por el estado chileno.

Compuesto por la líder-vocalista de la banda Paola Linconao Caniulaf, junto al compositor y productor musical nacional Alekos Vuskovic Gutiérrez, este nuevo trabajo musical  «Evoca el canto, la música y nuestra esencia, estos elementos serán espejo de la realidad contada, con la convicción que seremos ríos, bosques, fuego de fogones y danza de los treiles» señala su autora.

 

En este trabajo colaborativo participaron lxs integrantes de la banda Paola Linconao Caniulaf (voz), Nicolás Molina Rojas (bajo eléctrico) y Javier Huiliñir Curío (batería), apoyados por Alekos Vuskovic Gutiérrez (piano y coros) y en guitarra eléctrica Sebastián Moncada Peñailillo, integrante de la banda de rock instrumental y experimental temuquense INVERNADERO , quienes fueron parte de la versión 2020 del festival SIM São Paulo.

La grabación de VOCES ANCESTRALES fue realizada por Marcelo González Salgado (sonidista de la banda), mezcla y masterización estuvo a cargo de Alekos Vuskovic Gutiérrez, y la carátula del sencillo es una ilustración de Paula Tikay (@paulatikay), quien entrega una imagen cargada de ancestralidad, en la que la mujer es guardiana del territorio, en su lucha activa y permanente por la defensa de los recursos naturales y en nuestra memoria está cada una de sus luchas. 

 

Puedes lo nuevo de Inche AQUÍ

Mira el video de «Voces Ancestrales»

DAVID BOWIE : UN RELATO QUE NO ACABA

DAVID BOWIE : UN RELATO QUE NO ACABA

Recuerdos, historias e imágenes que celebran el legado y existencia de David Bowie, conmemorando su nacimiento, un 08 de enero de 1947, y en otro aniversario de su muerte, un 10 de enero de 2016. ⚡⚡

En diciembre de 2016 se anunció el estreno del documental que aborda los últimos cinco años de vida y obra de David Bowie, DAVID BOWIE: THE LAST FIVE YEARS, emitido por primera vez en enero de 2017 por la señal 2 de la BBC, a un año de su muerte.

Dirigido por Francis Whately, el realizador trás FIVE YEARS (2013), el último relato audiovisual sobre Bowie se centra en los álbumes The Next Day y Blackstar, registrados y publicados entre 2012 y 2016,  y a través de los cuales se reconstruyen esos últimos cinco periodos de vida y obra del músico inglés, buscando develar su momento personal y artístico. Revelando material inédito y con los testimonios de su círculo más cercano, esta pieza documental establece nuevas interrogantes y reflexiones sobre el cruce entre las temáticas de su trabajo artístico, la enfermedad y la muerte.

Antes de su estreno, uno de los datos más llamativos revelados fue el conocimiento por parte de Bowie, de su estado terminal de salud solo tres meses antes de su muerte, tiempo en el que Blackstar ya había sido grabado y el vídeo para el gran epitafio «Lazarus» ideado, desarmando un sin fin de conjeturas y respuestas esbozadas durante todo un año respecto a las dimensiones de su trabajo final y de como éste suponía una carta de despedida cuidadosamente elaborada y entregada como regalo al mundo. Idea que el mismo realizador desechó más de una vez en diversas entrevistas como al diario inglés THE GUARDIAN: “Aún no sé si él comenzó a trabajar en Blackstar antes de saber que estaba enfermo o después. / La gente está tan desesperada por pensar en Blackstar como el regalo que hizo para el mundo cuando supo que se estaba muriendo pero creo que es muy simplón pensar así. Hay más ambigüedad en esto de lo que la gente quiere reconocer. No creo que él supiera que iba a morir.”

Tal vez ningún período en la extraordinaria carrera de David Bowie despertó más fascinación, más sorpresa y más preguntas que aquellos últimos cinco años retratados en este documental con un tono íntimo y con los testimonios de la gente que mejor lo conoció, sus amigos y colaboradores artísticos entre los que se encontraban Earl Slick, Gail Ann Dorsey, Gerry Leonard, Carlos Alomar, Sterling Campbell, Donny McCaslin, Maria Schneider, así como su inseparable productor: Tony Visconti.  Y también los artistas y directores de sus últimos videos que tuvieron la fortuna de participar en los últimos proyectos de Bowie (como Michael C. Hall protagonista del musical ‘Lazarus’) comparten sus impresiones de haber trabajado con Bowie durante su vida y sobre todo en esos últimos cinco años del artista. Lo cierto es, que al mismo tiempo, la vida de David Bowie fue un completo enigma durante esos cinco e incluso últimos trece años, para ser más exactos, desde 2003, fecha de la que data el primero de los seis infartos que sufrió. A eso se sumó una larga pausa musical de casi 10 años, el anuncio de un retiro que no fue y un regreso mayor con The next day, donde ya se dejaba sentir cierta atmósfera reflexiva y de despedida. Fue ese gran regreso desarrollado en esos últimos cinco años donde Bowie no sólo comenzó a producir música de nuevo, sino que volvió al núcleo de su trabajo y se ocupó de definir temas vitales para una nueva etapa en su carrera. Precisamente, a partir de este aspecto el film explora el consistente carácter artístico de Bowie, trazando los temas centrales de sus trabajos finales relacionándolos con el resto de su obra en la cual es posible encontrar su profundo deseo de comunicar sentimientos de espiritualidad, alienación y fama de manera insistente desde los años 60 hasta 2016.  Temas y desasosiegos en los cuales radicó su consagración y éxito como el creador de una música que trató la problemática de lo que significa ser humano de una manera que va más allá de la paleta normal de una estrella de rock. Con este entramado la película no es una panorámica de su carrera, sino una exploración en profundidad de momentos clave que muestran como esos temas, enfoques y narrativas fueron coherentes dentro de una cambiante paleta creativa a lo largo de los años.

Intuición, premonición o simplemente visión, esa misma visión que no dudó en aplicar al crear, quien sabe. El relato no acaba. Aquí en la tierra continuaremos elaborando teorías al respecto, simplonas, sentimentales o rebuscadas, porque Bowie además de dejarnos un legado de arte interminable, también nos ha dejado trabajo para hacer. “No había nada predecible sobre David Bowie. Todo estaba diseñado para intrigar, desafiar, desafiar todas las expectativas».

BOWIE: LA LECCIÓN DEL ARTE

BOWIE: LA LECCIÓN DEL ARTE

 

Un libro que examina las canciones y el impacto cultural de David Bowie como artista total. Escrito por el filósofo y columnista de The Guardian y New York Times, Simon Critchley, este ensayo contextualiza su tiempo, su búsqueda y el profundo anhelo tras su hambre creativa. 

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Extracto.

Después de recibir un disparo de Valerie Solanas en 1968, Andy Warhol dijo: “Antes de que me dispararán, tenía la sospecha de que, en lugar de vivir, sólo estaba viendo la tele. Desde el disparo, estoy seguro de ello”. El agudo comentario en once palabras de Bowie a las declaraciones de Warhol, en la canción epónima de Hunky Dory (1971), es terriblemente certero: “Andy Warhol, la gran pantalla / es imposible distinguir uno de otra”. La irónica consciencia de sí mismo del artista y su público no puede ser otra que la de su inautenticidad, llevada a niveles cada vez más conscientes. Bowie pone repetidamente en acción esta estética warholiana.

La incapacidad para diferenciar a Andy Warhol de la gran pantalla se transforma en la continua sensación de Bowie de estar atrapado dentro de su propia película. Ésa es la idea de “Life on Mars?”, que comienza con la “chica del pelo castaño ceniza”, que está “enganchada a la gran pantalla”. Pero en la última estrofa el guionista de la película se revela como el propio Bowie o su personaje, aunque es imposible distinguir uno de otro:

PERO LA PELÍCULA ES UN TOSTÓN DEPRIMENTE PORQUE LA HE ESCRITO YA DIEZ VECES O MÁS, ESTÁ A PUNTO DE SER ESCRITA DE NUEVO.
BUT THE FILM IS A SADDENING BORE ‘CAUSE I WROTE IT TEN TIMES OR MORE
IT’S ABOUT TO BE WRIT AGAIN.

La fusión de la vida con una película se alía con el recurso de la repetición para evocar el sentimiento melancólico de estar al mismo tiempo aburridos y atrapados. Nos convertimos en actores de nuestra propia película. Así entiendo yo los versos, tan incomprendidos, de Bowie en “Quicksand”:

VIVO EN UNA PELÍCULA MUDA QUE RETRATA EL SAGRADO REINO DE HIMMLER DE UNA REALIDAD SOÑADA.
I’M LIVING IN A SILENT FILM PORTRAYING HIMMLER’S SACRED REALM OF DREAM REALITY.

Bowie demuestra un profundo entendimiento de la concepción de Himmler del nacionalsocialismo en cuanto que artificio político, como una construcción artística y en particular arquitectónica, así como un espectáculo cinematográfico. Hitler, en palabras de Hans-Jürgen Syberberg, era “Ein Film aus Deutschland”: “Una película de Alemania”. Para Bowie, Hitler fue la primera estrella pop. Pero quedar atrapado en una película no evoca exaltación, sino depresión y una inacción a lo Major Tom:

ME HUNDO EN LAS ARENAS MOVEDIZAS DE MI PENSAMIENTO Y YA NO TENGO EL PODER.
I’M SINKING IN THE QUICKSAND OF MY THOUGHT AND I AIN’T GOT THE POWER ANYMORE.

En “Five Years”, después de conocer la noticia de que la Tierra morirá pronto, Bowie canta: “Y hacía frío, y llovía, así que me sentí como un actor”. De manera similar, en una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, “The Secret Life of Arabia” (versionada extravagante y ferozmente por el gran Billy MacKenzie, ya desaparecido, junto con la British Electric Foundation), Bowie canta:

TIENES QUE VER LA PELÍCULA LA ARENA QUE ME ENTRA EN LOS OJOS RECORRO
UNA CANCIÓN DESÉRTICA CUANDO LA HEROÍNA MUERE.
YOU MUST SEE THE MOVIE THE SAND IN MY EYES
I WALK THOUGH A DESERT SONG WHEN THE HEROINE DIES.

El mundo es un plató de cine, y la película que se rueda bien podría llamarse Melancolía. Una de las mejores canciones de Bowie, y de las más oscuras, “Candidate”, comienza con una declaración de fingimiento explícito, “Haremos ver que vamos a casa”, a la que sigue el verso: “Mi plató es alucinante, hasta huele como una calle”.

La asquerosa lección del arte es la de la inautenticidad, desde el primer momento hasta el último; una serie de repeticiones y de recreaciones, imposturas que desmontan la ilusión de realidad en la que vivimos y nos enfrentan a la realidad de la ilusión. El mundo de Bowie es como una versión distópica de El show de Truman, ese rincón enfermizo del mundo que queda retratado de un modo tan contundente en los paisajes urbanos violentos y en ruinas de “Aladdin Sane” y “Diamond Dogs” y, más sutilmente, en los desolados paisajes sonoros de “Warszawa” y “Neuköln”. Por tomar prestada la expresión de Iggy Pop en Lust for Life (procedente a su vez de la película de Antonioni de 1975, si bien podría ser su referente implícito), Bowie es el pasajero que atraviesa los suburbios destrozados de la ciudad, bajo un cielo brillante y vacío.

 

BOWIE

SIMON CRITCHLEY

EDITORIAL SEXTO PISO, 2016

*Simon Critchley (Hertfordshire, Inglaterra, 1960).

Estudió Filosofía y fue profesor en distintas universidades de Francia, Australia, Noruega, Estados Unidos y Suiza. Actualmente ocupa la cátedra Hans Jonas en la New School for Social Research de Nueva York. Es uno de los filósofos más interesantes y eclécticos del siglo XXI y ha escrito gran número de obras de temática muy diversa. Además, escribe periódicamente para The Guardian y The New York Times.

ESCUCHA «7 MARES» EL NUEVO DISCO DE TSUNAMIS

ESCUCHA «7 MARES» EL NUEVO DISCO DE TSUNAMIS

El 24 de diciembre fue estrenado vía streaming el séptimo disco de Tsunamis titulado «7 Mares», un flamante nuevo trabajo que transita por las aguas del punk-rock, la psicodelia, el folk latinoamericano y el pop experimental.

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Recientemente premiados en el Festival de Cine y Documental In‑Edit en la categoría “Mejor fotografía” por su video “Camisa de estrellas” (2020), Tsunamis durante este año, no solo ha publicado 3 singles y 3 videos de alta factura (de los cuales 2 pertenecen al nuevo LP 7 Mares), sino también ha estado trabajando en los Estudios BYM junto a Nes Rodríguez y a distancia con los 7 integrantes que actualmente conforman la banda, para la entrega de este material compuesto por 14 tracks.

Bajo el motor de ser artistas, sacar un trabajo en tiempos de crisis social, político o de salud es un acto, claramente, más potente (y complicado) que en un contexto “normal”. Creo que el arte es un reflejo de la sociedad, un agente de memoria y al mismo tiempo de proyección hacia donde la humanidad podría ir” comenta Goli Gaete, frontman de Tsunamis, sobre el desafío que es publicar en tiempos de pandemia.

El resultado de “7 Mares” sorprende en la manera de cómo se armaron los tracks, ya que el inicio de este material *fue grabado en dos tardes por Goli Gaete con voz, guitarra acústica y registros de audio (field  recordings) , de donde salieron en un inicio 16 canciones que fueron trabajadas separadamente por cada músico.* Parte de los ingredientes nuevos en la producción fue el pedal steel y lap steel de Tan Vargas, y los sintetizadores y secuencias de Cristóbal Rawlins (Raw C), además de coros de mujeres cercanas a la banda. “El disco muestra una paleta más variada, y fue entretenido navegar por otras zonas, más folk, baladas, pop, distinto al garage-rock con el que Tsunamis está generalmente asociado. Hay más elementos, arreglos y un espíritu más colectivo”. Comenta Nes Rodríguez  ingeniero en sonido y co-productor del disco quien tuvo la prolijidad de reunir todos las piezas que fueron entregadas de forma independiente, un verdadero artesano digital como lo considera la banda.

La masterización del disco recayó en Chalo González de Estudios G Masters destacado profesional del sonido ligado a la música chilena y al trabajo de la agrupación con su debut “Tsunamis” (2004) y en “Corre el río” (2006).

Por otra parte, el arte del disco fue encargado al artista visual y músico  Tan Vargas, quien ha realizado las portadas de los singles “Camisa de Estrellas” y “El Futuro”. “El arte del disco es un guiño a la intuición y al concepto de recolección. Con Tsunamis, buscamos generar visuales que representen la poesía de las letras a través de imágenes encontradas e intervenidas en mi estudio”. 

Foto por Aldo Benincasa

7 MARES UN REGALO DE NAVIDAD

Además de liberarse a través de las plataformas streaming (spotify, deezer, apple music, youtube, etc), la banda estrenó el disco por el canal de YouTube de BYM Records . “La idea fue  que puedieran recibir nuestro regalo y conocer el resultado de este trabajo colectivo que se ha creado en tiempos difíciles, acompañadxs de cualquiera sea la familia o amigxs con los que estén compartiendo” concluye Goli. 

Actualmente Tsunamis se integra por Goli Gaete*, (compositor, guitarra, piano y voz) , Pancho Fernández* (guitarra, voces), Sebastián Arce Ilic (batería), Pato Larraín* (bajo), Cristóbal Rawlins (piano, synthes y secuencias), Tan Vargas (lap steels y guitarras) y Seba Garcia-Huidobro (saxo tenor).

RO ESTRENA DEBUT SOLISTA «NO NOS DIMOS CUENTA»

RO ESTRENA DEBUT SOLISTA «NO NOS DIMOS CUENTA»

Endorser, arreglista, instrumentista, cantora, compositora y directora musical en el Bloque Feminista, Ro estrena el adelanto de su primer disco en solitario, el sencillo «No nos dimos cuenta».

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La compositora y multiinstrumentista chilena Ro, estrena “No nos dimos cuenta”, una canción melancólica de reminisencias indie folk y tono nostálgico que se mueve entre el Indie pop y el bedroom pop, con marcadas atmósferas modernas, mezclado con el subgénero conocido como Lo-fi.  Asimismo, su letra es ensoñación y nostalgia pura. Una invitación a recordar con el mayor cariño posible los vínculos de infancia, pero también a dar vuelta esa página y abrazar el momento presente con mucho amor. Una sensación completamente acorde a los tiempos pandémicos en los que vivimos, momento de introspección que llevó a Ro a explorar su faceta compositiva con total libertad, inspirada en la música de Clairo, Girl in red, Orla Gartland, entre otros exponentes juveniles.

En su propuesta solista, Ro se nutre con su joven pero abultado recorrido musical, el que se ha desempeñado -hasta hoy- como directora musical del Bloque Feminista, experiencia musical en la formación de músicas y acción política en las calles definido por Ro como “un espacio familiar, una suerte de manada de apañe entre mujeres y disidencias feministas con un objetivo común”. Es directora musical y arreglista en la escuela carnavalera Chinchintirapie y en paralelo se desempeña como guitarrista de Malú Mora y compositora, intérprete y arreglista de la banda Crisantemo. Fue parte de las bandas de mujeres Calila Lila, La Culebrera y Reptila y en el año 2018 fue captada por Kononykheen,  prestigiosa marca de guitarras made in Rusia, convirtiéndola en una de las pocas mujeres endorser de latinoamérica. 

“No nos dimos cuenta” fue mezclado y masterizado en el estudio de Osvaldo González y a excepción de bajos y sintetizadores, fue registrado íntegramente en el home estudio de Ro quien además grabó los demás instrumentos. Ambos produjeron el single y Esteban Robledo estuvo a cargo del diseño. El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas de distribución digital como Spotify, Apple Music, Youtube, etc. 

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