CUARENTENA MUSICAL

NATALIA CORVETTO: REPARANDO OBJETOS ROTOS

NATALIA CORVETTO: REPARANDO OBJETOS ROTOS

La cantante y compositora Natalia Corvetto, presenta «Parte de ti», una canción inspirada en el milenario arte japonés de reparar objetos rotos con oro, conocido como Kintsugi.

 

 

«Parte de ti» es el adelanto de su nuevo disco próximo a editarse, producción discográfica que cuenta con el apoyo del Fondo de la Música.  Este adelanto es una canción de amor inspirada en la técnica japonesa del Kintsugi, conocido como el arte de reparar objetos rotos con oro. Una suerte de homenaje a aquellos amores que logran sanar sus heridas y encontrar en sus cicatrices una fuente de luz. 

Acompañada de su banda compuesta por los músicos Mauricio Pérez en las percusiones, Gonzalo Gómez en el contrabajo y Daniel Miranda en la guitarra y producción musical, la cantautora nos entrega una composición acústica con influencias del folk pop actual en la que se destaca el sello distintivo de su voz melodiosa, y en la que es posible percibirse su formación en el canto jazzístico.

 

 

“Parte de ti” estará disponible en todas las plataformas digitales a partir de este 10 de julio, junto al video lyric realizado por la artista del collage, la mexicana Giovanna Tommasi, quien ha realizado videos para los músicxs Silvana Estrada y para el dúo Daniel me estás matando, entre otros.

 

TE INVITAMOS A CONOCER EL TRABAJO DE NATALIA CORVETTO

DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

DEL GLAM ROCK AL VISUAL KEI: ANDROGINIA, HOMOEROTISMO Y NUEVA MASCULINIDAD

El extravagante código de vestuario del Glam Rock quedó grabado en las memorias de la escena musical; maquillaje recargado, colores brillantes y pantalones apretados. ¿Lo más importante? Eran hombres quienes vestían estos atuendos, marcando un antes y un después en la percepción de la sexualidad masculina en occidente.    

Las cambiantes representaciones de la masculinidad que ocurrieron en la escena musical a finales de los 60’s y principio de los 70’s fueron parte de una serie de repercusiones culturales de un mundo que vestía nuevos colores: La legalización de la homosexualidad y el crecimiento en los movimientos de la liberación de la mujer tuvieron un efecto en cómo se exploraba la representación masculina en las esferas culturales. La música siempre ha sido pionera en ejemplificar, bajo las luces del escenario, dichos cambios. 

El caso del Glam Rock tiene entre sus ejemplos rostros tan reconocidos como lo es el de David Bowie. Adoptando un vestuario unisex que jugaba con elementos andróginos, la feminización de la figura masculina era mostrada como algo erótico, culminando con el travestismo performativo sobre el escenario.

Muchas veces el valor simbólico de la vestimenta ha sido mirado en menos en favor de los discursos. Sin embargo, algo no tiene que ser necesariamente textual para ser político y contestatario. La forma en la que se utilizan los recursos visuales tiene también la capacidad de desafiar las estructuras dominantes, cuestionando lo que se entiende por normal. El Glam Rock desafió directamente a la hegemonía heterosexual masculina de la época. 

Algunas de las principales características del estilo visual del Glam eran el uso de glitter, telas brillantes y suaves como el satín y el terciopelo acompañadas de pantalones de látex o cuero. Colores llamativos, patrones de aspecto psicodélico e incluso uso de prendas socialmente entendidas como ‘de mujer’. Un ejemplo de esto es la carátula del LP The Man Who Sold the World, de David Bowie en 1970, en donde luce un vestido de satín crema con patrones de flores azules, el cabello largo y una pose que destila elegancia y seducción, no hay nada de ambiguo en la imagen, su mensaje directo. 

Musicalmente el Glam Rock hacía uso de toda esta parafernalia para dar lugar a un sonido dramático lleno de artificios, con vocalistas que hacían uso de vibratos y notas altas (Como Bowie y Mercury), además de arreglos complejos de carácter progresivo. Lo glamoroso y femenino no tenía por qué significar carente de técnica o contenido.  

La extensión de su influencia llegó a los rincones más inesperados del globo, como lo podemos ver en los elementos Glam que recogió el rock japonés de finales de los 80’s hasta principio de los 2000’s.  Del otro lado del océano, Japón estaba cultivando su propia estética visual que desafiaba los cánones de masculinidad, con importantes similitudes al Glam, pero también con su propia identidad performativa.

 

El Visual Kei fue la rama del rock japonés que adoptó parte de la iconografía visual del Glam, como los atuendos extravagantes, el maquillaje exagerado y los peinados con volumen. El Visual Kei incluyó también dentro de sus características sonoras elementos electrónicos, punks y góticos, apuntando a una completa libertad de expresión artística.

Para este movimiento la expresión visual del estilo significó también la no conformidad con los patrones rígidos de una sociedad prohibitiva. Asociado con una generación rebelde, el Visual Kei ganó arrastre no solo con los jóvenes japoneses, si no que también la idea de la rebelión por medio de la extravagancia y de jugar con los elementos andróginos en el vestuario llegó hasta países como Chile, donde durante mediados del 2000’s se pudo observar como jóvenes adoptaban estos elementos como parte de su identidad. 

Bandas como Malice Mizer representaron esta corriente. De sonido con claras influencias góticas, de arreglos complejos que mezclaban los efectos de la guitarra con los sintetizadores, lo más distintivo era la particularidad de su vestimenta. Los colores fuertes se mezclaban con el negro en vestimentas góticas de rostros pálidos y prendas femeninas. Los integrantes de la banda usualmente se travestían tanto para las carátulas de los discos como para los conciertos, la extravagancia colorida del Glam se mezclaba con trajes de corte aristocrático que hacían parecer a los artistas como salidos de una novela de vampiros, utilizando incluso elementos circenses.  

 

Esto no solo presentó una nueva forma de masculinidad no heterosexual, si no que también se transformó en una nueva idea de lo que era atractivo para las mujeres, quienes muchas veces eran público objetivo de las bandas. De la misma forma en que el Glam llegó de la mano de movimientos de liberación femeninos, el Visual Kei se transformó en un vehículo para que las mujeres pudiesen explorar su propia sexualidad sin que ellas fueran el objeto de deseo.

Un ejemplo de esta nueva construcción de la sexualidad por medio del homoerotismo es Gackt, quien fue vocalista de Malice Mizer y comenzó su carrera solista a finales de los 90s. Siempre jugando con lo andrógino, el estilo de Gackt en aquella época se caracterizaba por la ropa ajustada que dejaba ver una figura delgada, maquillaje tan dramático como su actuación sobre el escenario, en donde sus canciones llenas de vibrato lo dejaban de rodillas. Plataformas, patrones de animal print y tres o más cambios de vestuario durante sus presentaciones son solo algunos elementos que hacen referencia a la influencia del Glam en su estilo. 

Sin embargo, uno de los aspectos más recordados de los inicios de su carrera es el alto contenido homoerótico de sus conciertos. En una sociedad conservadora como lo es la japonesa, Gackt no tiene reparos en mover su pelvis de forma sugerente, los pantalones apretados con textura de piel de serpiente ayudando con la imagen. 

En sus conciertos, durante una de sus canciones más populares -y cuya letra tiene alto contenido sexual’ Vanilla de 1999, Gackt seduce a su guitarrista con movimientos sugestivos, caricias e incluso besos, lo cual marca el punto álgido de la canción con un público mayoritariamente femenino que grita hasta el cansancio. Al igual que David Bowie, acá se da un paso más allá de lo ambiguo, cruzando hacia un erotismo que ya no es estrictamente heterosexual. 

Gackt demuestra un importante rango vocal, alcanzando altos característicos del Glam Rock para luego adoptar un tono grave y profundo con arreglos con redobles y pausas que le dan un tono grandilocuente a sus canciones. Su música no es una broma, la feminización y el homoerotismo no son usados como un recurso cómico, sino que, como otra forma de expresión de una identidad diferente, y también como una herramienta para una generación que no se conformaban con los cánones establecidos. 

 

 

La carrera de Gackt, al igual que la de muchos artistas japoneses, ha evolucionado desde el Visual Kei de aquella época, aun así mantiene elementos que conservan la idea central del movimiento: La libertad en la expresión corporal y visual para resignificar las distintas formas de ser hombre (o no serlo), abarcando un espectro que va más allá del binarismo de género, dándole además mayor libertad tanto a mujeres como a disidencias sexuales de descubrir y construir sus identidades con referentes de la cultura pop.  

Tanto como resulta importante revisar el Glam Rock con una nueva mirada que reconceptualiza valores marcados por la heteronorma, es también un ejercicio interesante el echarles un vistazo a otros estilos más alejados del canon de occidente pero que comparten los mismos principios rebeldes y disidentes. Por supuesto, el mejor lugar para comenzar son los conciertos, instancia ideal para poder entender la importancia de las corrientes marcadas por un estilo visual transgresor. Gackt y Malice Mizer son buenos lugares para comenzar. 

CANCIÓN DE AMOR Y VENGANZA: HORREGIAS Y SU NUEVO SINGLE

CANCIÓN DE AMOR Y VENGANZA: HORREGIAS Y SU NUEVO SINGLE

Un 25 de junio de 2016 Nicole Saavedra Bahamondes de 24 años fue encontrada muerta, con las manos atadas y con señales de tortura en un sitio eriazo de Limache. Desde entonces, su muerte ha sido símbolo de la violencia lesbofóbica en Chile y de la ausencia total de justicia y mecanismos legales que condenen los crímenes de esta índole. Hoy, en el marco de la Semana de agitación #JusticiaParaNicole, su muerte y su recuerdo se hacen canción gracias al nuevo single de Horregias titulado «Nicole Saavedra Bahamondes».

Cuatro años han pasado desde que Nicole Saavedra fue encontrada muerta. Cuatro años de largo y enlentecido proceso judicial en el cual ni siquiera se han establecido sospechosos, dejando en evidencia, una vez más, la indiferencia de las instituciones hacia la comunidad lésbica/lgtb y sus familiares. Sin embargo, pese al dificultoso camino en la búsqueda de responsables y de un proceso judicial respetuoso y justo, la figura y memoria de Nicole están más presentes que nunca gracias a diversas acciones de protesta y reinvindicación por parte de organizaciones sociales y activistas, entre ellas el trío de punk rock oriundo de Renca, HORREGIAS, compuesto por Horridia Parra Urrutia, Feocia Casto, y Mari-Crimen Kraken, como se hacen llamar, quienes han sido voz permanente en la visibilización de ésta y otras realidades que afectan a la comunidad lésbica.

Así nace «Nicole Saavedra Bahamondes», una canción que es un tributo a su vida como también un grito de protesta y venganza contra su muerte, recordándonos la atrocidad cometida contra Nicole y tantxs otrxs. Una canción grabada por la productora musical, guitarrista y voz del proyecto Círculo Polar, Victoria Cordero en Estudio Lautaro de Santiago durante el mes de marzo, a días del inicio de la cuarentena. Una grabación que cuenta con el apoyo del sello independiente Vacaciones, lanzada a través de sus plataformas digitales este 19 de junio en el marco de la Semana de Agitación por Nicole, una iniciativa que a través de distintas acciones a lo largo del territorio busca mantener en tiempo presente el crimen contra Nicole y la necesidad de justicia para ella y su familia.

Junto con el estreno del single, la banda estará presentándose en vivo y en directo a través de su cuenta de IG Live el mismo 19 de junio, a las 21 hrs, oportunidad en la cual conversarán con su productora musical sobre el trabajo realizado en esta composición y sobre el mensaje reivindicativo en ella. El tributo a Nicole se completa con el estreno del vídeo para la canción realizado por Johanna Ovalle, programado para el 25 de junio. Actualmente, la banda se encuentra trabajando en su tercer álbum, y ha iniciado una campaña de recolección de fondos para mantener su sitio web, con la venta de descarga de su álbum «Lo normal» de 2016. Puedes colaborar con la banda AQUÍ

INCHE: MÚSICA PARA LA LUCHA ANCESTRAL

INCHE: MÚSICA PARA LA LUCHA ANCESTRAL

Inche presenta el Ep “Inche en Lof el Tume», su segundo trabajo discográfico recientemente estrenado a través de sus plataformas digitales con «Berta y Nicolosa» y «Pichikeche», dos canciones que continúan repasando y reforzando la identidad cultural de pueblo originario y el sonido de raíz folclórica y ancestral.

Formados en Temuco el año 2017, Inche del Mapudungún «Yo soy», es la banda de música fusión ancestral que recupera los elementos estéticos y sonoros del pueblo Mapuche, colocando en valor su legado cultural, y retratando la histórica lucha territorial en la Araucanía.

Su primer trabajo «Sonidos de la Tierra», publicado en 2019, fue un trabajo que apostó por piezas musicales basadas en la cosmovisión de los pueblos originarios, asociadas al valor de la madre tierra. Este 2020, la banda compuesta por Paola Linconao (voz, guitarra electroacústica e instrumentos mapuches), Oscar Jarpa bajo eléctrico y coros, Eduardo Cerda, guitarra eléctrica, Javier Huiliñir batería, Constanza Medina y Marcelo Gonzalez, Sonidista, acaba de estrenar en sus plataformas digitales el trabajo titulado “Inche en Lof el Tume», EP del cual se desprenden dos composiciones que retratan la historia reciente de la Araucanía y del pueblo Mapuche. La primera de ellas, «Berta y Nicolasa», en honor a Berta y Nicolasa Quintreman, mujeres claves en el movimiento de resistencia del Alto Bío Bío, en la larga batalla contra la hidroeléctrica Endesa, conflicto que devolvió a la primera plana la ursurpación de las tierras de los puebloa originarios del sur de Chile, en pleno regreso a la democracia.

Una composición que por sobre todo busca transmitir el legado de conexión con los espíritus de la naturaleza y la defensa de la memoria de los ancestros.

La segunda composición desprendida de “Inche en Lof el Tume», es la canción “Pichikeche”, inspirada en las niñas y niños mapuches, sobre la cual la banda comenta: “vemos la proyección de lo que esperanzamos para nuestro pueblo: el orgullo de ser mapuche, que nunca más en la historia debe ser aplacado”.

Te invitamos a conocer el trabajo de INCHE

HOLO JAZZ EN RADIO Y TV ON LINE

HOLO JAZZ EN RADIO Y TV ON LINE

El actual escenario generado por la pandemia del virus Covid-19, ha obligado a artistas, musicxs y comunicadores a integrar nuevos formatos para la continuidad de sus labores y espacios.

Holo Jazz ahora también es Hola Jazz TV. El emblemático espacio dedicado a la divulgación del jazz local, conducido por el musicólogo Miguel Vera Cifras y producido por el comunicador radial Arturo Pozo, transmitido cada miércoles por Radio Universidad de Chile, ha estrenado durante el mes de abril, su nuevo formato para Youtube y redes sociales bajo el nombre de Holo Jazz TV,  extensión audiovisual que se enmarca en la celebración de los 20 años como uno de los programas radiales de más larga data y mirada crítica sobre la escena, abordando políticas de la música, enfoque de género y gestión de los musicxs en el circuito.

En sus hasta ahora siete emisiones, Holo Jazz TV continúa abordando las diversas realidades de  músicas, músicos, artistas, poetas y gestores culturales que hoy se enfrentan al complejo escenario del confinamiento y de la indefinida suspensión de la actividad cultural.

 

 

Te invitamos a sintonizar Holo Jazz TV cada noche de miércoles, 22:00 hrs, a través de sus plataformas digitales FB, Youtube e Instagram, y a revivirla en nuestra sección vídeoteca.

 

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI : APOCALIPSIS AHORA

KNTI (Ke Nunca Te Importe) es una interesante propuesta musical forjada en el más profundo underground santiaguino bajo la premisa del do it yourself- hazlo tú mismo. Formados en 2011, desde entonces se han dedicado a desarrollar un sonido nutrido de punk rock, electrónica, metal y música industrial, mezclando bases programadas, sintetizadores y guitarras estridentes, que han dado forma a una ajustada y sólida muestra de cyberpunk.

Su nombre surge de una curiosa anécdota relatada por la banda a la fotógrafa Karolina Guajardo, tras su participación en el libro de retratos “Poesía beats & rock and roll” (foto cabecera artículo) : “El nombre viene de la localidad de Quinquehua en la región de Ñuble. Un oriundo de aquella zona apodado “El tetera trabajaba con el guitarrista del grupo haciendo sonido en una productora, le pusieron ese nombre debido a su tartamudez, entonces le preguntaban muchas cosas para poner en evidencia su tartamudeo como respuesta refleja, decía de corrido -que nunca te importe… conchatumare-. Era algo así como para camuflar su timidez, por ejemplo: oye tetera ayer te comiste o no a la vieja de las humitas y el respondía – qué nunca te importe Gil cucuculiao-. La frase del tetera fue contagiado a todos en su pega, incluyendo a Manfred, que la empezó a usar con sus amistades incluyendo a la gente que conformaría su banda, entonces cuando se tuvo que bautizar el grupo era el nombre ideal sobre todo porque servía para responder de forma cortante -sobre todo cuando nos preguntan porque no usamos batería- y también funcionaba bien como sigla KNTI como las típicas bandas industriales que usaban siglas en su nombre«.

Con Santiago como el gran escenario urbano de su música, KNTI amplifica el discurso crítico y libertario retratando la vertiginosa vida moderna en una tierra precaria y violenta donde reinan el consumismo, el estrés, el individualismo y la saturación de la urbe. Mientras que musicalmente juegan con los matices, ni tan bailable y ni tan extremo, pero ciertamente, frenético y maquinal, y definen lo suyo como “punk con computadoras”. Desde sus primeros días como parte de ese mismo circuito, la banda destacó por su propuesta análoga-digital, algo que poco a poco los hizo diversificar los carteles a compartir y también los escenarios en los cuales participar siempre manteniendo firmemente su militancia under.

El ejercicio esmerado y serio de la autogestión como forma de vida y como principio básico al momento de concebir el arte y la música, ha brindado a KNTI un prolífico catálogo de hasta ahora cuatro discos completamente producidos por ellos y por su sello/productora Auka 47. Publicando en 2011 su primer Ep “Vecinos del tiempo”, seguido por “Perversa la life” de 2013. Continuando con su larga duración titulado “Carga frontal”, editado en 2015, y al año siguiente el cassette recopilatorio que reúnió su material registrado entre 2011 y 2016. En 2019 con el marco del estallido social, la música de KNTI no descansa sino que continúa su propia expansión como mensajeros de la distopía estrenando material audiovisual para el tema “1312”, otro adelanto de su quinto trabajo y un mensaje de repudio hacia los sirvientes armados de la burguesía.

Originalmente configurados como quinteto, Manfred y Martín en guitarras, Hernán en sintetizadores, Felipe en bajo y Rupa en voz, KNTI hoy se reformula luego que Manfred (guitarra fundador) emprendiera camino hacia nuevos proyectos. Cerca de cumplir 10 años de existencia, la banda presenta en medio del confinamiento impuesto por la pandemia del Covid 19, su quinto disco titulado “Desenlace”, Ep de cinco temas estrenado recientemente a través de sus plataformas digitales junto al vídeoclip para el tema “Felicidad”, un trabajo audiovisual realizado íntegramente de manera virtual y remota como parte de los nuevos formatos de colaboración determinados por la cuarentena. Sobre este trabajo y el actual momento de la banda conversamos con sus integrantes.

Hablemos de de “Felicidad” ¿Cómo describirían esta nueva forma de trabajar y la experiencia de haber realizado el vídeo bajo este formato ?
Se dio de forma espontánea como solución al aplazamiento de la realización del videoclip que veníamos postergando desde de Octubre del año pasado. Este videoclip originalmente incluía a un grupo de baile que ensayaba al lado del metro Santa Lucia. Este grupo había diseñado una coreografía para el vídeo, pero su grabación se debió posponer varias veces por la contingencia de las protestas y la represión policial. Como casi todos en el país estábamos más pendientes de las movilizaciones, el vídeo pasó a segundo plano. Sin embargo, ya contábamos con un gran equipo de amistades y personas que voluntariamente se querían sumar al videoclip cuándo y cómo fuera. Ya con el tema de la cuarentena encima decidimos hacer una dinámica centrada en que cada persona se grabara bailando desde su casa o lugar de cuarentena, como salida para publicar el videoclip tratando de mantener la idea original que se venía trabajando desde hace un año. A medida que comenzamos a coordinar y enviar invitaciones a amistades y cercanos al grupo que quisieran bailar, hacer performance, etc. fuimos viendo otras iniciativas similares de videoclips grabados colectivamente desde casa. En resumen, lo podríamos describir como una interesante variable creativa para coordinar trabajo colectivo y animarse a armar otras formas de cultura con lo que se tenga a mano y bueno, representar directamente en forma y contenido esta peculiar realidad que estamos viviendo, ya que es inédito el hecho de que se haya mezclado la hiperconectividad con una pandemia. El único reparo sería depender 100% de internet y las redes sociales, porque puede ser como una droga que los medios de control podrían quitar repentinamente.

¿Qué posibilidades encuentran como artistas y banda en el confinamiento de la pandemia?

Esta situación nos ha obligado a perfeccionar algunos aspectos técnicos respecto de nuestra metodología de trabajo. Hemos tenido que llevar a la práctica algo que veníamos haciendo a paso lento los últimos meses que es tener cada uno en su computador los programas necesarios tanto para crear bases como para mezclar. Se podría decir que la cuarentena nos ha empujado a tener una suerte de estudio de grabación en nuestras casas. Al parecer eso le está pasando a miles de proyectos musicales en todo el mundo.
Si bien esto nos funciona bastante bien al trabajar con bases programadas (ya que las podemos compartir y así generar una suerte de cadena en la que cada uno va haciendo arreglos a los temas desde su casa), las ganas de compartir en la sala de ensayo han ido aumentando con las semanas. Antes que una banda, KNTI es un grupo de amistades, que incluso exceden a los 4 integrantes de la banda propiamente tal, y echamos de menos a toda la comunidad con la que trabajamos. La banda la vemos ante todo como una herramienta social y política para generar redes, comunicar, protestar y apoyarnos sin tener que recurrir al Estado o a la caridad empresarial (si es que existe). Para nosotros el ensayo semanal es una institución, y nos pasamos a veces hasta 4 o 5 horas entre tocar, conversar, pasarnos el royo con proyectos, compartir bandas que hemos descubierto, etc. Somos un grupo muy apegado de amigos y ninguna dinámica de tele-ensayo puede reemplazar nuestras reuniones en carne y hueso.
De todas formas, ante la enorme incertidumbre respecto de cuándo podremos volver a hacer tocatas y eventos con público, no nos queda otra que ingeniarnosla para poder seguir creando y tocando desde la cuarentena. Seguramente en los próximos meses podrán vernos y escucharnos en formatos y lógicas que irán surgiendo en función de las restricciones impuestas por la cuarentena y a partir de lo que nos dicte nuestra imaginación.

Distopía y caos son parte del imaginario de la banda, sin embargo la pandemia sigue siendo una realidad nunca antes vivida por nuestra generación ¿cómo manejan esta realidad inmediata y cómo se canaliza eso actualmente en su música y estética?

Nuestra estética siempre ha estado de distintas formas vinculada a los imaginarios post-apocalípticos, desde una onda tipo Mad Max, como en nuestro primer videoclip, “La Santa Procesión” (2015), hasta rasgos más Cyberpunk, como en el videoclip de “Deseo Distopía” (2017). Trágicamente el mundo y nuestra estética coinciden cada vez más, y actualmente nos parece estar viviendo la profecía auto cumplida de la banda y de toda la ciencia ficción distópica de las últimas 5 o 6 décadas. Obviamente esto no nos alegra en lo más mínimo, nos mantiene muy atentos y preocupados al devenir de las cosas.

Sin duda estamos muy receptivos e inquietos con la contingencia, por lo que nuestras letras, composiciones y creaciones audiovisuales seguirán haciéndose cargo de la realidad en que vivimos: un capitalismo en permanente crisis y expansión, una avanzada tecnológica de control global por parte de las grandes potencias, una sociedad cimentada sobre el especismo y la explotación de miles de millones de animales no humanos, y sobre todo, de un planeta que se dirige aceleradamente a un colapso ecológico que probablemente acabará con miles de especies, incluyendo la nuestra. Todo esto sin que sea en lo más mínimo forzado, ya que es seguir la misma línea estética que hemos trazado desde el año 2011.

Su nuevo EP lleva por título “Desenlace”, un nombre de mucha carga en días de ansiedad e incertidumbre… ¿qué desenlace imaginan a esta realidad, cuál es el desenlace de KNTI y de su música ?

En nuestro EP reunimos una serie de canciones, que forman parte de un proceso creativo que anduvo por hartos caminos. Decidimos hacerlo bajo el nombre de “desenlace”, como si de una crónica roja se tratara. A todos esos caminos que anduvo el material le advinó una voluntad de cierre. Pero es difícil hablar de puntos finales, cierres, desenlaces. De hecho, qué más abierto que esta realidad, la del encierro sanitario que nos hace vivir en la incertidumbre, la de los informes epidemiológicos, la de la imposición de “nuevas normalidades”. Por esto mismo es difícil ver un desenlace para este mundo actual, todo es volátil y las certezas son fugaces. Lo que sí podemos ver es que el trasfondo de esta realidad es la catástrofe y el desastre. Hemos intentado siempre trabajar sobre esta constatación, desde lo cotidiano y local, antes y ahora. En concordancia con esta realidad abierta y volátil -como también catastrófica- nos hemos encontrado en la creación igualmente abierta, solo que esta vez el desenlace, para KNTI, no se ve como cierre sino como apertura a nuevas formas, a cosas que estamos probando, nuevos sonidos, etc. En la afirmación crítica de este escenario adverso se ubica el desenlace de la música que hacemos y que estamos construyendo.

Visita las plataformas de KNTI

Canal de Youtube de la banda

Spotify

UNA VELADA CON DIAVOL STRÂIN

UNA VELADA CON DIAVOL STRÂIN

El actual escenario impuesto por la pandemia del Covid-19 ha obligado a músicxs y artistas a generar nuevas instancias para difundir su trabajo y, sobre todo, para generar ingresos en una precarizada realidad laboral carente de apoyo y seguridad ante la imposibilidad de poder tocar en vivo.

En este contexto, el dúo dark wave Diavol Strâin se presentará vía streaming Facebook y Youtube, este jueves 14 de mayo, en un extenso show repasando su discografía y su próximo material pronto a editarse. Una velada cuidadosamente diseñada para transmitir y reproducir con total fidelidad la experiencia sonora del dúo conformado por la guitarrista Ignacia Strain y la bajista Lau M. El show también será una oportunidad para contribuir con la banda a través de un aporte solidario que podrá ser depositado en sus cuentas personales directamente : «Como muchxs artistas, nuestros recursos se han visto considerablemente limitados por toda esta situación pandémica. Es por ello que dejamos nuestra cuenta para recibir su apoyo a quienes deseen y puedan hacerlo. También dejaremos nuestra cuenta de Paypal para donativos internacionales y para Chile pueden preguntarnos directamente por nuestras cuentas bancarias», nos comentan Lau e Ignacia.

 

 

En este mismo sentido para quienes deseen y estén en condiciones de contribuir al trabajo del dúo en medio del escenario pandémico, pueden adquirir su material en formato digital y formato físico en Vinilo y CD, distribuidos por el sello alemán  Young & Cold Records a través de su cuenta de Bandcamp, hoy en día una de las plataformas que ha cobrado protagonismo en la labor de mantener la música y su producción en circulación.

El encuentro virtual contará además con la participación de reconocidos djs de la escena dark internacional como DJ Cinis desde Washington D.C a cargo de la apertura desde las 17: 30 hrs. Y Dj Morfina del sello colombiano  Morfina Records,en el cierre post show, dando forma a una auténtica sesión de sonidos oscuros y atmosféricos evocando a las noches de música en vivo en algún escenario de música y baile. EVENTO FB

 

HAZ TUS APORTES EN ESTE LINK

CONTACTA A LA BANDA EN diavolstrain@gmail.com

 

 

 

HORARIOS / TIMING

 

– 18 h Santiago CL / Washington D.C / New York

– 17 h Bogotá COL / CDMX / Lima, PE

– 19 h Buenos Aires, ARG / Rio de Janeiro, BR

– 15 h  USA West Coast / Vancouver CA / Tijuana MX

– 00 h Barcelona ES / Berlín DE / Wroclaw PL

 

//Apoyan// Supported by

Young & Cold Records (Alemania)

Darko: The Post Punker (Nicaragua)

Obscura Undead (USA)

✟ The Wreck Hall / Dj Virtigo George Garcia (USA)

LoveSick-Producciones (Chile)

Crónica Sonora (Chile)

InClub Radio (Perú)

Post-Everything (USA)

Dead Corvux (México)

Divina Bizarre Valparaiso (Chile)

La Batcave (Chile)

Tumba Villa (Colombia)

WoodgothicFestival (Brasil)

Near Dark Oakland (USA)

WhiteLight/WhiteHeat (Italia)

Batcave San Francisco (USA)

CONTINÚA CICLO RADIAL TRABAJADORAS DE LA MÚSICA

CONTINÚA CICLO RADIAL TRABAJADORAS DE LA MÚSICA

Luego de tres exitosas sesiones, este jueves 7 de mayo continúa la cuarta fecha del ciclo radial «Músicas en tu casa» del colectivo Trabajadoras de la Música, Mujeres y Disidencias, TRAMUS, esta vez con las presentaciones de Ana Tijoux, Mariel Mariel, Kinética y Catana, a partir de las 20 hrs, a través de las emisoras de Iberoamericana Radio y sus plataformas digitales. 

 

COMUNICADO

La Red de Trabajadoras de la Música, Mujeres y Disidencias (Tramus) se une a la tendencia
mundial de conciertos desde casa, los cuales serán transmitidos a través de diversas emisoras y plataformas de Iberoamericana Radio Chile.

Debido a la contingencia mundial se desarrollan cada día una serie de actividades que nos introducen a los espacios más íntimos de las diversas estrellas de la música de todo nivel. El formato «desde casa» ya está incorporado y suma audiencia constantemente. En ese marco es que Radio Los 40 decidió organizar este ciclo en que se destaque a quienes son parte de Trabajadoras de la Música, Mujeres y Disidencias (TRAMUS).

La transmisión será por el Facebook Live y YouTube de LOS40, FM2, Rock&Pop, Concierto y ADN, y en LOS40 también será al aire por la 101.7

 

 

Programación Ciclo “Músicas en casa” –  20:00 hrs. 

Domingo 26 abril            Jueves 30 abril             Sábado 2 mayo               Jueves 7 de mayo

JULIETA VENEGAS         CAMILA MORENO        JAVIERA MENA                ANA TIJOUX

YORKA                             CHINI PNG                    ROSARIO ALFONSO       MARIEL MARIEL

MALÚ MORA                    NATISÚ                          MADELA                           KINÉTICA

SOL DEL RÍO                   NIÑA TORMENTA         KIKI NEEDS                      CATANA

Canciones para un primero de mayo.

Canciones para un primero de mayo.

Construimos un listado de canciones inspiradas en la relación del ser humano con el trabajo.

Relación social que da origen a fechas como el 01 de mayo. Fecha conmemorativa para el movimiento obrero y para la permanente lucha por la reivindicación de derechos laborales. Así surgen desde nuestra memoria auditiva todas aquellas canciones que relataron y reflexionaron sobre la vida de trabajadoras y trabajadores desde un lugar político, ideológico y cotidiano.

La música popular y sus diverosos géneros a lo largo de la historia a traves de distintos elementos y recursos han retratado permanentemente la relación entre el explotador y el explotado y la disonancia entre vida y fuerza de trabajo. Esclavos modernos y enajenados. Bob Dylan, Bruce Springsteen, Donna Summer, PJ Harvey, The Beatles, Roy Orbison, John Lennon, Víctor Jara, Quilapayún son algunas de las voces que componen este cancionero.

bornintheusa1

quilapayun-2

John Lennon and his wife Yoko Ono raise their fists as they join a protest in front of British Overseas Airways 1972

PLAYLIST YOUTUBE

CANCIONES OBRERAS

VÍDEOTECA: EN CASA CON LOS STONES

VÍDEOTECA: EN CASA CON LOS STONES

Una de las postales musicales que deja la pandemia Covid-19 es la presentación de The Rolling Stones en transmisión mundial vía streaming en el marco del festival virtual «One world, together at home», iniciativa organizada por la Organización Mundial de la Salud (OMS) y la ONG Global Citzen para la recaudación de fondos destinados al personal médico, llevada a cabo la jornada de este sábado 18 de abril.

Con «You can’t always get what you want» en formato electroacústico, los Stones nuevamente dejan su firma en un momento clave para la industria musical y sus formatos, y de paso, más de medio siglo después, siguen escribiendo una historia como pocas en las páginas del rock and roll.

La banda compartió el vídeo de la memorable presentación en sus redes sociales y fue retransmitida por la BBC de Londres.

 

A %d blogueros les gusta esto: