LANZAMIENTOS

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

JACQUI CASAIS: LOOPS OTOÑALES.

Música, escritora y activista feminista. Vocalista y compositora en la banda de indie rock argentina Querida Daria, y editora del blog Ni groupies, ni musas. Jacqui Casais es una artista inquieta, una artesana de la palabra escrita, recitada y cantada. La cuarentena detuvo solo una parte de su permanente trabajo creativo y dio pie para terminar aquello pendiente entre su vida de docente y su vida artística. Sin tocatas en vivo la energía se ha volcado a la producción musical, los arreglos y a su primera novela gráfica «Martirio Hammer», editada recientemente. También se ha mantenido en línea, conectada y conectando desde su música y su poesía con transmisiones en vivo por Instagram en las que ha conversado con sus interlocutoras músicas y gestoras culturales. En medio de todo esto, ve la luz «Prospecto adjunto», su primer Ep como solista, un trabajo que si bien no fue compuesto en pandemia, guarda estrechos vínculos con el complejo contexto del encierro tanto en sus letras como en su sonido de loops otoñales, voz lánguida y sutiles aires retro. Un conjunto de canciones en el que Casais expone ese íntimo recoveco poco soleado y que al escucharse se presenta como una bocanada de electropop con el sello propio de una mente y un alma que habitan el mundo de los sonidos y los versos.

¿Cómo surge este trabajo? ¿A partir de qué necesidades artísticas y personales te planteas una faceta de cantante solista?

Hace unos años vengo trabajando en Ableton Live y experimentando vocalmente, y aprendiendo síntesis así que me enfoqué en eso y en la autonomía y posibilidades que me da poder crear en ese programa. Yo soy muy fan de bandas como Entre Ríos, Adicta, Isla de los estados, y en lo más cancionero pop Leo Garcia, Rosal, y la gran Rosario Bléfari entre otres a las que les vengo siguiendo hace años y me inspiran mucho. 

Me faltaba animarme a producir música yo misma en este formato. Hace mucho que tenía ganas y durante el verano comencé a producir los temas. En el pop independiente hay muy buenxs musicxs  por ejemplo Amor elefante que cada disco suena mejor, también me gusta Salvapantallas y más para el electropop Ignacia y Audia Valdez. Muches son músicas y también productoras musicales. También me gusta mucho Javiera Mena de Chile. Hay muchos proyectos pop independientes y electropop interesantes en América latina nuevos y no tan nuevos. Así que me estuve metiendo más en la producción musical en los últimos años y quería armar algo con un sonido que me identificara, un sonido que venía buscando.

¿Por qué decides llamarlo Prospecto Adjunto?

A nivel conceptual la idea original que le da nombre al título (esto surge pre pandemia) tiene que ver con mí experiencia con los ansiolíticos, que por motivos de exigencia/ explotación/ maltrato en el ámbito laboral tuve que hacer un tratamiento, por eso «Prospecto adjunto».

Es un trabajo que venías amasando mucho antes de la pandemia pero la idea de Prospecto Adjunto se conecta muy bien con el contexto de la cuarentena y esta realidad paralela…

Sí, cuando vino la pandemia, en los primeros meses de aislamiento el suicidio de un adolescente en mí familia me angustió mucho. Repasé la experiencia con los ansiolíticos. Y pensé en mi adolescencia y pre adolescencia, fueron años difíciles pero me ayudaba estar en la calle, ir a las marchas, andar en bici, ir a recitales, plazas, etc. y pensé en esto del arte y habitar en espacio público. Por eso pensé en Basquiat que me encanta (y el arte callejero). Pienso en la necesidad de les adolescentes y jóvenes de habitar el espacio público, embellecerlo, pintar, grafitear, andar en skate, rapear en la plaza vs este encierro necesario y que les adultes entendemos pero les niñes y adolescentes por más que se diga que nacieron con el celu en la mano muches no tienen celu ni internet ni acceso a la educación virtual. Les duele no ver a sus amigues, no ser abrazades por sus afectos. Pasaron meses sin contención, sin políticas públicas que les escuchen. 

Este relato de la pandemia refuerza la idea del título. Acaso el pop de autora que abordas en este disco ¿resulta de manera instintiva e intuitiva una receta antidepresiva?

SÍ, traté de contar cómo me sentía. Mis estados de ánimo que son consecuencias de la alienación del trabajo y de algunas medicaciones. A mí las canciones siempre me ayudaron a transitar y entender lo que me pasa.

La pulsión del electropop en este disco ¿fue para ti algo al servicio de esa experiencia que querías transmitir?

Acá en Argentina hay mucha historia de electropop o pop electrónico. Hubo y hay muchos proyectos interesantes y distintos. es un estilo que siempre me gustó y quise hacer. Cada vez hay más musicxs que producen su propia música y me resultan muy interesantes los proyectos del sello transfeminista Gema discos de la cuidad de La plata. Me gusta que la música electrónica esté aplicada a la canción, por ahora es la herramienta que uso.

Creo un poco que por el contexto cada vez va a haber más gente haciendo música así. Está complicada la escena y pienso que va ser una especia de poscromañón lo que va a pasar.

¿Qué es lo que más te gusta de tocar en una banda como frontwoman?

Tocar en una banda es hermoso porque en mí caso toco con amigues y eso no tiene precio. Aunque cueste tanto organizarse entre 5 personas(ni hablar de la crisis de los pocos lugares under para tocar que hubo prepandemia y que de ahora en adelante va a ser mucho más difícil) nos une más la amistad entonces eso es algo muy lindo.

¿Qué es lo que más te gusta de la experiencia solista?

De la experiencia solista creo que es similar porque si bien la creación es más intima, trabajé con gente que me acompañó y aprendí muchísimos y fue un honor contar con Natalia Perlerman que es una de las productoras más importantes y una agitadora musical transfeminista, es parte fundadora de Red multisonora (RSM)y moría por trabajar con ella, estuvo en la mezcla y máster. Valen Bonetto también parte de la red estuvo en la edición de las voces y Gastón Delicio en los arreglos junto conmigo. Así que un placer trabajar con todes elles. Es un trabajo solista pero al mismo tiempo grupal porque les amigues musiques que me dieron devolución durante el proceso también aportaron mucho.

Y luego la portada que hicimos junto a Marcelo Enriquez con quien trabaje en las ilustraciones de Martirio Hammer mí nuevo libro. El trabajo solista es parecido al trabajo de edición de un libro. Lo escribís, luego se lo pasas a amigues para pedirles opinión, luego pasa a corrección, edición, maqueta, y va tomando forma. Te juntas a pensar en la portada junto a otro artista que sabes que entiende la estética que buscas. Todo eso es un laburo de mucha gente. Al igual que un disco solista.

¿Cómo seguirá el 2020 para Jacqui Casais?

Por ahora presentando este EP «Prospecto adjunto» y ensayando para armar algún streaming. Y promocionando mí nuevo libro Martirio Hammer que es la primera vez que saco un libro con ilustraciones. Es mí primer libro dónde solo trabajo narrativa así que es algo nuevo para mí. Y Querida Daria en una pausa porque la pandemia nos complicó la rutina de la banda, y las personales también. No podemos ensayar y nos encontramos con problemáticas como las de la mayoría de las bandas. Nuestra manera de trabajar fue muy afectada con la pandemia y lamentablemente no pudimos adaptar el formato a lo virtual…es muy difícil proyectar a futuro la escena independiente ya que no hay políticas culturales que ayuden a qué la música este activa más allá de los grandes festivales y los artistas convocantes.

Los centros culturales dónde tocábamos están tratando de sobrevivir vendiendo comida y algunos haciendo streaming. Creo que es un momento muy duro para el arte en vivo y particularmente las bandas.

L7 CELEBRA LOS 30 AÑOS DE «SMELL THE MAGIC»

L7 CELEBRA LOS 30 AÑOS DE «SMELL THE MAGIC»

Este mes se cumplen 30 años de “Smell the magic”, el segundo hito discográfico de la banda angelina liderada por Donita Sparks.

Editado en 1990 por Sub Pop y producido por Jack Endino, Michael James, Daniel Rey, el disco llega en una edición remasterizada y por primera vez en formato vinilo, la cual será lanzada el 18 de septiembre por la emblemática casa discográfica de Seattle como celebración de las tres décadas de su publicación.

Reagrupadas en 2018, año en el que también se presentaron en Chile, L7 editó en 2019 su primer disco en 18 años bajo el sello de Joan Jett, Blackheart Records. Y en plena cuarentena mundial la banda estrenó su versión para la canción “Fake Friends” de la ex The Runaways.

La edición limitada aniversario de “Smell The Magic”, se puede reservar en el siguiente link

CONTRA EL OLVIDO: ARACELI CANTORA Y UNA CANCIÓN PARA LAS QUE YA NO ESTÁN

CONTRA EL OLVIDO: ARACELI CANTORA Y UNA CANCIÓN PARA LAS QUE YA NO ESTÁN

La cantautora urbana Araceli cantora, presenta «Memoria», canción contra el olvido inspirada en las muertes de Nicole Saavedra, Marta Ugarte y Macarena Valdés.

 

 

Nombres como el de Nicole Saavedra, Marta Ugarte y Macarena Valdés están insertos en distintos contextos temporales. El single “Memoria”, de Araceli Cantora, teje sus historias y pronuncia sus nombres junto a los de otras mujeres, cuyas corporalidades han dejado de estar presentes debido a los crímenes que les arrebataron la vida. Se trata del primer single en formato dúo junto a Pablo “blosqui” Orellana.

“No quiero que mis muertas descansen en paz, tienen la obligación de estar presentes, vivientes. En cada flor que me robo a escondidas al filo de la medianoche”. Con versos de Stella Díaz Varín comienza la canción “Memoria”, nuevo single de Araceli Cantora, el primero en formato dúo con blosqui, y que cuenta además con la colaboración de Gabilu, música y diseñadora de Chiloé y la lectura de versos de Cuchilla Poeta.

El single plantea un recorrido de cruces temporales situados en una letra que concibe la metáfora de una caminante que se encuentra con las historias de diversas mujeres. “Sin dejar de lado el contexto actual de muerte y asesinato que vivimos las mujeres racializadas, perseguidas (por defender la tierra), o asesinadas por ser visiblemente lesbianas; Memoria es una canción cíclica que nos permite abrazar a las muertas de cualquier tiempo/espacio”, dice la artista, quien remite a luchas contemporáneas desde su propia disidencia.

 

 

Reminiscencias a los hornos de Lonquén, a crímenes de odio, a asesinatos de industrias y a mujeres muertas en México, se encuentran en un escenario sonoro de ritmos urbanos que mezclan la música electrónica, apelando a un lenguaje fresco y ácido que realza los versos sobre la cruda realidad que enfrentan mujeres latinoamericanas.

“Arrojar estas luchas al éter de la eternidad sonora”, es una de las intenciones del single cuenta la cantora, quien relata además que esta canción se gestó en un espacio virtual de trabajo colaborativo en contexto de Covid-19, usando las nuevas tecnologías. Así, la mensajería Whatsapp se transformó en una herramienta crucial para grabar voces de distintas latitudes de Chile, quienes nombraron a una mujer muerta que fuera significativa para quien la mencionaba.

ElectroFolk es un género dentro del que podría ser enmarcado este single versátil que explora ritmos urbanos latinoamericanos. “Memoria” estará disponible en Spotify, YouTube, Apple Music y todas las plataformas musicales. La invitación es a adentrarse en esta caminata musical por Santiago, que permite viajar hacia otros parajes y encontrarse con las historias de aquellas que ya no están y que siguen siendo asesinadas y desaparecidas cada día que no se hace justicia.

 

DESCARGA EL LIBRO DE GESTORAS Y MÚSICAS EN RED.

DESCARGA EL LIBRO DE GESTORAS Y MÚSICAS EN RED.

Gestoras en Red lanzó libro “Creando, accionando, incidiendo”

  • En el marco del Seminario Actual MGC-2020. Gestión Cultural y Género, del Magíster en Gestión Cultural de  la Universidad de Chile, “Gestoras en Red” lanzó el libro “Creando, Accionando, Incidiendo”.
  • El libro fue presentado el jueves 13 de agosto a las 19.00 hrs de manera online (vía Zoom) y la conversación estuvo a cargo de Rosa Angelini Figueroa, Marisol Frugone Alvarez, Angela Neira-Muñoz, quienes relataron desde diferentes perspectivas, la creación artística y gestión cultural feminista y la relevancia del contenido de esta publicación. 
  • El libro está disponible para descarga gratuita online desde gestorasenred.com y todas sus plataformas de RRSS.

“Creando, accionando, incidiendo” Trabajadoras de las Artes. Gestoras en red, se llama el libro que se lanzó este jueves 13 de agosto en el seminario del Magíster en Gestión Cultural de la Universidad de Chile. Esta instancia, que se realizó de manera virtual, fue presentada por Rosa Angelini Figueroa, realizadora audiovisual, música y co Directora de Gestoras en Red;  Marisol Frugone Alvarez, artista visual  y co Directora de Gestoras en Red; y Angela Neira-Muñoz, escritora, docente, y directora Ediciones Mujeres de Puño y Letra de Concepción, equipo que estuvo a cargo del trabajo de edición y selección del material que compone el libro.

Esta publicación actúa como una memoria del trabajo que ha desarrollado “Gestoras en red, red Internacional de trabajadoras de las culturas y las artes”, desde el 2017, tanto en Chile como en Latinoamérica; “La gestión cultural y el trabajo artístico de las mujeres y disidencias es un ejercicio colectivo y diverso con el que se construyen los espacios sensibles y adecuados para la expresión política” afirman las co directoras de la organización.   

A través de distintas voces, el libro da cuenta de los diagnósticos nacionales e internacionales que surgieron en encuentros y acciones que reflejan la realidad que viven las mujeres y disidencias que se dedican a la creación y producción del arte y la cultura, así como las propuestas de cambios con miradas feministas que se proponen desde la diversidad de territorios.

Respecto a la publicación, Angela Neira, Directora de Ediciones Mujeres Puño y Letra, y vocera de ¡AUCH!, Colectivo de autoras feministas chilenas; “Esta publicación es un archivo que aporta a la memoria y actuancia de las mujeres en distintos territorios.  Es un texto. Es un tejido de acciones, ideas y saberes enunciados en primera persona colectiva. Es nuestra propia gramática del pensar, sentir y crear. Es un eco que sostiene las diversas voces de nuestras prácticas artísticas”, comenta.

Por otra parte, la periodista especializada en música y cultura, Marisol García ha comentado “Desde hace unos años, el debate feminista en Chile, y en particular el de trabajadoras del arte y la cultura, está tan vivo que crece en simultáneas conversaciones, charlas, ponencias, youtubes, columnas y libros que suben y se entrelazan ya sin contención. Qué alegría que así sea. Y qué alegría, también, que publicaciones como ésta de Gestoras en Red, permitan detenerse en la lectura sintetizada, ordenada y precisa de parte de una marea cuyo registro es necesario en proyectos editoriales capaces de contener con rigor tan bullente avance”. 

Carolina Olmedo. Investigadora y Curadora en Arte Contemporáneo agrega: “¡Qué hermosamente raro leerse en un pasado en que surgían todas las tramas que hoy nos constituyen como colectividades políticas vivas y opinantes!. Celebro la publicación, espero abra debate e interpele al Estado en un momento en que el MINCAP se ha vuelto accesorio frente a un gobierno que privilegia unívocamente las políticas de los ministerios de Interior y Hacienda, cuyas resoluciones muchas veces atentan de manera directa al derecho a la cultura y a la ocupación en este ámbito como parte esencial de la experiencia democrática. En medio de un proceso de creación constitucional, ojalá este testimonio sirva para asegurar en la cultura un espacio de igualdad, libertad y disfrute pleno de nuestros derechos humanos como cuerpas habitantes de la cultura y de la ciudad”.

Para la periodista especialista en música, Javiera Tapia, «la compilación de esta aventura es muy importante para seguir creando, accionando e incidiendo. Así, en gerundio, porque una vez que nos conectamos unas con otras, se activa una fuerza que no se detiene. Pero nada sería de nuestras acciones en tiempo presente si no nos detenemos a pensar en el pasado. En todas las gestoras que antes que nosotras también han intentado cambiar sus realidades, de la mano de las otras. Esta memoria construye en esa dirección. Es parte de nuestra historia, que se une a la de las que vinieron antes y que acompañará a las que vengan en el futuro», comentó respecto al libro. 

El libro ya está disponible en formato digital y  lo puedes ver en Donde además se puede descargar en pdf.

EL MANIFIESTO SONORO DE CARMEN LIENQUEO

EL MANIFIESTO SONORO DE CARMEN LIENQUEO

“Canto para siempre” es el debut en solitario de la compositora, charanguista, percusionista y cantante Carmen Lienqueo. El disco presentado a inicios de 2020 y disponible en las plataformas digitales desde el mes de julio, fue grabado en los estudios móviles de La Viseca Records entre Santiago y Valparaíso, registrando el manifiesto sonoro de una voz en busca de sus ancestros y de la autodeterminación artística y musical.

Luego de haber sido la voz principal de la banda Mákina Kandela durante diez años, y luego de colaborar en reconocidos proyectos musicales como Juana Fé, El Bloque depresivo o Akinetón Retard entre otros, Carmen Gloria Vilches Lienqueo decidió emprender su camino en solitario llevando con ella una serie de influencias y ritmos recogidos en este grueso andar donde se cruzan los sonidos del folclore sudamericano con elementos extraídos de la electrónica y la fusión. Sin embargo, este trayecto a cuestas no bastaría para saciar su hambre por configurar una identidad musical propiamente mestiza sino hasta el encuentro con su origen más profundo, el origen de sus ancestros, el origen Mapuche.

Así fue como Carmen Vilches pasó a llamarse Carmen Lienqueo, nombre que más que un nombre es la reconciliación y enaltecimiento de su linaje feminino y de su herencia. Adoptando el apellido materno, Carmen ha emprendido el viaje por su propia genealogía yendo en busca de todo aquello que su abuela preservó y le transmitió verano tras verano en sus visitas a Carahue y La Unión, temporadas enteras que estuvieron repletas de sonidos, imágenes, palabras y sabiduría que años más tarde alimentarían su trabajo musical.
Escuchar la voz de Carmen Lienqueo, es en cierta forma escuchar un pedazo de esa tierra aguerrida y milenaria de la que provienen sus ancestros. En su canto se oye al Wallmapu pero también al altiplano, a la amazonia y a la ciudad. El sur y el norte de Chile. Creando un nuevo repertorio de seis tracks donde lo íntimo y lo universal se unen, Canto para siemprees, como ella lo recalca, la expresión de su ser y de las culturas absorbidas por su mente, cuerpo y espíritu, dando forma a un paisaje sonoro con distintos matices y relieves, donde ancestralidad y modernidad se encuentran.

Hablemos de “Canto para siempre”, tu debut solista al que defines como tu manifiesto sonoro. ¿Cómo nace este disco y qué te llevó a esta búsqueda?

“Sí, este es mi primer manifiesto sonoro como compositora. Es como mi tótem. Fue un viaje hacia mis raíces, el disco es una fotografía de un momento en el que fui a buscar mi propio ser al sur para poder entender de dónde vengo y comprender la carga histórica de eso. El hecho de ser una habitante de esta ciudad tercermundista en condiciones adversas, y saber que las generaciones que me anteceden son generaciones de campesinos y obreros que fueron desplazados, que tuvieron que viajar a la capital y dejar su territorio para poder vivir mejor. Esa historia de tres generaciones en las que han habido muertes, desplazamientos, persecuciones, dictadura, mujeres acalladas, es una carga enorme que decidí que debía conocer. Consideré que era una deuda conmigo misma como persona, cantora y artista”.

¿Cómo fuiste asimilando tu ancestralidad y tomando conciencia de la herencia mapuche?

“Mi ancestralidad es algo que estoy aprendiendo a dimensionar aún con mi más de 40 años. Tengo recuerdos de muy niña de haber viajado al sur con mi abuela, ella me cuidaba. Tengo recuerdos de haber ido todos los veranos a Carahue, a Imperial, a Temuco. De tener familiares en La Unión, de ir a trillas, a carneo de animales, entierros y celebraciones. Yo entendía que era parte de ese mundo pero que yo vivía en la ciudad, y observaba como ocurría eso pero no como alguien de esa comunidad porque siempre me consideré una visita hasta hace poco. Hasta que entendí de qué se trataba todo esto”.

En medio de este reencuentro con tus ancestros y con tu linaje femenino, además de adquirir el apellido de tu madre como gesto reivindicativo ¿qué fue lo que se volvió más urgente para ti como compositora y música?

Sí, adquirir el apellido de mi madre fue una forma de reconciliarme con mi linaje femenino y una forma de defender una bandera, una historia y hacerme cargo de esa historia y de esa cosmovisión Mapuche y su cultura. Nadie es Mapuche hasta que no cumpla cuatro condiciones fundamentales que tienen que ver con ser en tu vida una persona noble, recta, sabia y espiritual y solo en tu lecho de muerte tú misma puedes decir si fuiste un buen mapuche, y yo elegí buscar ser una buena Mapuche, no sé si lo logre pero no dejaré de luchar por eso, es lo menos que puedo hacer, y es lo que todos estamos buscando en la realidad que nos tocó vivir. Entonces con toda esta información y bagaje yo debía hacer un registro a través del lenguaje que me tocó manejar y conocer, y ese lenguaje es la música, entonces esto se convirtió en un tributo musical a mis ancestros”

¿Te identificas a ti misma como una música y cantora mapuche? ¿O te ves a ti misma como mestiza?

«Me identifico a mi misma como cantora de oficio mestiza con mucha sangre mapuche. Soy la primera generación con apellido español y mapuche antes de mi madre. Ella tenía apellido mapuche materno y paterno, así también mi abuela y bisabuela. Por eso siempre hago hincapié en eso de haberme considerado por mucho tiempo una visita porque mi abuela era de esa comunidad, mi madre ya no lo era. Mi madre nació en Santiago y yo también, entonces en estas dos generaciones de alguna forma se perdió esto de pertenecer y cuidar la comunidad y eso tiene un sentido para el mundo mapuche. Ahora, ya grande, entiendo que soy una nueva especie de mapuche que no creció en su tierra sino que tuvo que desplazarse a la fuerza y esa carga histórica es bien profunda y fuerte. Y la ancestralidad la trato de defender contra viento y marea en toda circunstancia.”

Sabemos que tu música se nutre de diversos sonidos y colores. En este abanico ¿qué rol juega la música mapuche y qué elementos son para ti los más potentes de ella.?

«Si bien mi música ha sido siempre influenciada por el folclore como el referente más importante que tengo, también lo ha sido la poesía y la tradición oral. Hay muchas cantoras campesinas en Chile y otros países de Sudamérica que tuve la oportunidad de conocer. Señoras que se casaron muy jóvenes a los 14 años, que no saben leer, ni escribir, sin embargo tienen una memoria tremenda y guardan unos versos de tiempos inmemoriales. La oralidad de lo que contaba cada una, los secretos de abuela, de las hierbas, de las recetas, todo eso. Por eso la forma en la que trato de amalgamar mi bagaje musical con las distintas influencias que he acomulado es lo que más hace relación con el mundo Mapuche. La sonoridad mapuche es compleja. Mi música no es mapuche pero sí ocupo recursos de la cosmovisión mapuche para incorporarlos en mi propio imaginario.”

¿Qué sensaciones y pensamientos te deja todo lo que está ocurriendo en Araucanía por estos días?

«Los acontecimientos ocurridos me dejan una tristeza muy grande y una impotencia infinita. Una tristeza enorme porque el chileno no es capaz de abrazar a su indio, ni a su negro, ni a su pobre, ni a su marica. Eso me da mucha tristeza porque habla de una falta de visión gigantesca que es precisamente lo que está haciendo que el planeta explote y se esté yendo todo a la mierda y que quede todo expuesto. Eso ya lo estamos viendo.»

 

JAWAR: «EL PATRIARCADO ES UNA ESTAFA PIRAMIDAL»,

JAWAR: «EL PATRIARCADO ES UNA ESTAFA PIRAMIDAL»,

Por Rossana Montalbán

Jawar estrena «Estafa piramidal», el tercer y último adelanto de su próximo disco producido por el nominado a los Premios Pulsar 2020, Martín Pérez Roa en Estudio Niebla. La canción masterizada por Arturo Zegers en Estudios Triana cuenta con portada a cargo de la ilustradora Natalia González ( Nats.cl), y se suma a los singles «Rebelde» y «Microplástico», preparando la llegada del sucesor de su debut «Los inadaptados», trabajo con el cual cruzó fronteras y giró por distintas ciudades de Brasil, Argentina, México y Estados Unidos.

Bajo la premisa “El patriarcado es una estafa piramidal”, el músico oriundo de Concepción y radicado en Talca, Javier Guerra mejor conocido como Jawar, acaba de estrenar «Estafa piramidal», el nuevo adelanto de su segundo disco que saldrá a la luz a finales de este año. Desplazándose del sonido electroacústico indie que caracteriza sus anteriores singles, esta composición nos engancha con una melodía pop y un coro pegajoso en el que el músico declara «El mundo es femenino, se lo diré a mis hijos». Desde su lugar como hombre en la sociedad Jawar escribe una canción de autocrítica que nace y que se registra durante el estallido social, así nos lo relata: «esta canción fue grabada durante el estallido social a partir de todo lo que estaba sucediendo en ese momento y que sigue sucediendo hoy. Surgió con la necesidad de aportar algo además de estar en la calle manifestándose, algo con lo que pudiera ayudar desde mi vereda haciendo música».

¿ Por qué el nombre «Estafa piramidal»?

«Siento que el patriarcado es una estafa piramidal. Es lo que te enseñan a creer desde que eres niño y que cuesta un mundo sacárselo de adentro. Hay mucha gente que se niega a dejar todo eso que le enseñaron. Pero todos deberíamos intentar hacerlo. Hay que normalizar el feminismo para poder convivir mejor todos como seres humanos».

¿Cómo fu el proceso interno y personal para llegar a hablar de feminismo y sobre todo hacerte cargo de la autocrítica en tu música?

«El proceso fue simplemente escuchar. Nosotros los hombres solo por el hecho de ser hombres tenemos muchos más privilegios que las mujeres. Y el hombre que no es capaz de ver es ciego porque se ve día a ida en la pega, en la casa, en la calle. Entonces creo que es algo de lo que todo debemos ser parte, todos debemos ayudar a la normalización del feminismo.»

Te atreves con un coro directo cantando «el mundo es femenino, se lo diré a mis hijos» ¿cómo surge esa línea?

«El mundo es femenino. Es cosa de ver la tierra, la pacha mama y la manera en que funcionan sus ciclos, la naturaleza. Todo es femenino, el hombre nunca debió tener el poder que tiene sobre la tierra. Ojalá podamos devolver el poder a lo femenino y ser libres del yugo del patriarcado, y así lograr equidad de género para todos los seres humanos.»

Al escuchar Estafa piramidal es inevitable notar que es una canción más pop que el resto de tus singles, ¿quisiste desde un principio que sonora así debido a su mensaje?

«Sí, es la canción más pop que he hecho hasta el momento. Pero no fue intencional, hice primero la música y luego la letra, fue muy natural y me gusta que sea así, que fluya. Y debido a su mensaje y a lo que habla se convirtió en un single adelanto porque creo que es un tema muy importante que ya debería estar avanzado, a veces siento que vivimos en el año 50.»

¿Crees que un hombre puede considerarse a sí mismo feminista?

«Yo creo que ningún hombre puede llamarse realmente feminista, por lo menos ninguno de esta generación. Puede ser que en cincuenta o cien años más pero eso va a depender de cómo criemos a nuestros hijos y de cómo ellos críen a los suyos. Y quizás ahí recién logremos algo.»

Desde tu lugar de músico y hombre ¿cómo ves el comportamiento del circuito musical y de la industria local en cuanto al machismo, la misoginia, la discriminación? ¿Crees que ha ido cambiando o en el fondo sigue igual?

«Ha sido heavy todo lo que ha pasado en la escena nacional. Mucha gente conocida involucrada en situaciones oscuras y abusivas. Hay que funarlos a todos. Que caiga hasta último que tenga que caer. Ya no hay vuelta atrás en este tema. El cambio hay que hacerlo simplemente.»

¿Qué se viene para los próximos meses?

«Mi plan es lanzar mi segundo disco entre octubre y noviembre, y ponernos al día con todas las fechas y actividades luego de la pandemia, promocionarlo al máximo. Desde ya estoy muy motivado componiendo un tercer trabajo. La idea es no parar y seguir adelante con todo.»

ESCUCHA lo nuevo de Jawar
«Estafa Piramidal»

ESCUCHA «EL FUTURO», LO NUEVO DE TSUNAMIS

ESCUCHA «EL FUTURO», LO NUEVO DE TSUNAMIS

La banda integrada por Goli Gaete (composición, voz, guitarra) Francisco Fernández (guitarra), Sebastián Arce (batería), Patricio Larraín (bajo), Cristóbal Rawlins en (piano y synthe), Tan Vargas (lap steels y guitarras) y Sebastián García Huidobro (saxo tenor y alto), acaba de estrenar el segundo single adelanto de su próximo álbum titulado «7 mares»

Comunicado de la banda

“EL FUTURO” EL SINGLE MÁS POP DE TSUNAMIS

Con una estructura más tradicional y vinculada a los sonidos del pop rock, “El Futuro”, fue la primera canción compuesta por Goli Gaete para este nuevo álbum larga duración que ya tiene nombre: “7 Mares”. Un trabajo que mezcla colores y géneros musicales que van desde lo más experimental, psicodélico y el heavy rock que caracteriza a la banda hasta el folk/latinoamericano y el pop. Como este segundo y rítmico single que se mueve en un juego de voces; y que nos habla de un paraíso que quizás no existe, al preguntarnos por ese amor (o al devenir, al futuro mismo) que nos enfrenta al coro central “creí que me amabas”.

“La letra es “emo” y alegórica y me gusta cantar esa frase que me expone y me “avergüenza” a la vez, con esa pregunta que habla de lo que finalmente es el amor para uno, que pone en el estrado todo lo que al final queremos o creemos querer. Esta temática, la de desenterrar emociones sepultadas, es una de las ideas conductoras de todo el cuerpo de obra de Tsunamis. Eso es muy auténtico en este track, que sintetiza el concepto del disco, porque trae un formato de canción “muy” tradicional y también una intro de más de 30 segundos de un trabajo con cintas y efectos, el lado experimental al que el disco entero también tiende”. Goli Gaete compositor, voz y guitarra.

“El Futuro” también va de la mano con la portada protagonizada por un Pez Globo ilustrado, similar en su aspecto al virus covid. El arte fue realizado entre Tan Vargas, Pancho Fernández y Goli Gaete quienes vienen desarrollando el imaginario de este séptimo álbum. “Estamos viendo diferentes técnicas y referencias, y nos quedamos con una tipografía que es clásica, pero tiene caractéres más crípticos y antiguos. Ha sido entretenido darle un arte a cada single y nutrirnos artísticamente entre los tres, sobretodo con Tan que es tremendo artista”.
Pancho Fernández, guitarrista y diseñador gráfico.

El track producido por Ignacio «Nes» Rodríguez y Goli Gaete en los Estudios de BYM Records, fue inspirado por los masters setenteros de T. Rex y por las canciones conducidas por guitarras de Elliott Smith; y contempla guitarras ruidosas, efectos delay y un solo de cuerdas entre Fernández y Vargas casi a la mitad de la canción, muy cercano al mood de “Es suicide” del disco Corre el río (2006).

“Creo que por primera vez compongo un solo desde un tarareo inmediato en mi cabeza a la guitarra. Esta fue de las primeras canciones que me mostró Goli para el nuevo disco, tenía muchas ganas y ansiedad de grabarla, aportar con gestos y arreglos claros. Por otro lado la microfonía de Nes fue determinante porque le dio un peso más cálido, y el cruce entre las guitarras con el slide de Tan, que es una gran novedad en este disco”. Pancho Fernández.

ESCUCHA «EL FUTURO» VÍA SPOTIFY

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Ya se encuentra disponible el cuarto número de la revista de Crónica Sonora «Estas Máquinas matan fascistas. La música nuestra arma ». Especial pandemia «La música como antídoto».

«Estas Máquinas matan fascistas. La música nuestra arma», en su cuarto número escrito desde el encierro y en plena cuarentena bajo el nombre «La música como antídoto» y en cuyas páginas no solo podrán leerse textos donde se cruzan la música y la realidad social para hablar sobre el poder sanador del blues, sobre el jazz en tiempos de Covid, sobre la creación desde el encierro, sobre la música de emblemáticas bandas del under como Políticos Muertos o para repasar discos como «Superficies de Placer» de la banda argentina Virus. Sino también entrevistas a colectivas como Músicas en Red, a bandas independientes como The Polvos, y a músicas como la baterista Jacksa Suazo, entre otres.

 

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REVISTA ESTAS MÁQUINAS MATAN FASCISTAS N° 4 CS- JULIO -AGOSTO -2020

 

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ENCIERRO, DECONSTRUCCIÓN Y RECONSTRUCCIÓN: Diavol Strâin presenta “El Reflejo de mi muerte”.

ENCIERRO, DECONSTRUCCIÓN Y RECONSTRUCCIÓN: Diavol Strâin presenta “El Reflejo de mi muerte”.

En el marco del mes de la visibilidad lésbica, el dúo dark wave lesbofeminista Diavol Strâin presenta en show vía streaming, «El reflejo de mi muerte”, nuevo single adelanto de su próximo disco “Elegía del olvido / Elegía del horror”.
Generar un imaginario musical que visibilice a lesbianas y personas no binarias y sus universos ha sido hasta hace poco otro vacío por llenar en la música chilena. Pero esta labor está siendo abordada por artistas que experimentan la invisivilización cotidiana desde la homosexualidad, la lesbiandad y la transexualidad. Y la creación musical, una vez más, está sirviendo para albergar estas realidades y miradas disidentes a través de proyectos que emergen desde el underground y la contracultura.

Diavol Strain no solo se aventura en proponer un dark wave militante y crítico, donde su propuesta estética y sonora es también una propuesta política y social. Sino que también se embarca en asumir la ardua y trascendental tarea de ir tras la construcción de un imaginario artístico y sobre todo musical que visualice la lesbiandad y la existencia no binaria, buscando plasmar su universo íntimo y las problemáticas a las que se enfrentan en una opresiva sociedad heteropratriarcal.
Sin mirar hacia el lado y en coherencia con un discurso que apela a la toma de acción, el dúo lesbofeminista compuesto por Ignacia Bórquez, guitarra y sintetizador, y Laura M. Molina, bajo y voz, materializa una de sus reflexiones más urgentes al componer “El reflejo de mi muerte”, primer adelanto de su próximo disco “Elegía del olvido / Elegía del horror”, canción inspirada en el cuento de la autora argentina Silvina Ocampo “Cornelia frente al espejo”, su último trabajo publicado en vida en 1988, y uno de sus cuentos menos reseñados por la crítica literaria. Ocampo, instaló a través de este relato la libertad literaria al incluir recursos como el nosense y combinar prosa/verso, alejándose de tradicionales y perfectas prosas como las de Borges o Bioy Cáceres, y reforzando las perspectivas de género y feminista que ya se encontraban presentes en toda su obra, subvirtiendo estereotipos femeninos y cuestionando la identidad al plantear su alteridad y abordar la relación del Yo y la otredad, principalmente a través de “personajes mujeres complejas y ambiguas; planteando la duplicidad de lo femenino a través de recursos como el artificio y de la máscara, construyendo una múltiple representación femenina que busca anular la visión unidimensional del personaje femenino». Es este encuentro entre la literatura de Ocampo y el desasosiego surgido en medio de esa existencia que desafía cada mandato heteronormal, lo que da forma a “El reflejo de mi muerte”, composición que ve la luz en medio del claustro generado por la pandemia, una canción que nace como un acto político y artístico para conmemorar julio, el mes de la visibilidad lésbica.“El reflejo de mi muerte” nace a partir de dos grandes temas que en este último año nos han hecho reflexionar. Uno de ellos fue el cuento “Cornelia frente al Espejo”, de la escritora argentina y lesbiana Silvina Ocampo. En este relato la protagonista recorre su antigua casa dialogando con viejos fantasmas, con su Yo de la infancia, y sus estigmas. El cuento habla sobre el vacío existencial y sobre no poder ser lo que verdaderamente quisiste, al ser completamente rechazada por la sociedad.” comenta Ignacia.


Impulsadas por el apetito de configurar un imaginario de discurso lesbofeminista se abre paso este cruce literario musical como la vía para expresar en lírica, sonido e imagen el conflicto latente de quienes no encajan en la identidad sexual bidimensional, tomando la idea de la desconstrucción y reconstrucción de la identidad y el género.“Todo esto lo relacionamos inmediatamente con el hecho de ser lesbianas y con que muchas veces en tu vida pasas por momentos en que no puedes existir como tal porque está mal. Eres lo peor, te pueden matar, y va en contra de la cultura falocentrista donde tu cuerpa se construye solo en base a lo que la sociedad te deja ser. Esto resulta tan extremo que te terminas penando a ti misma por la imposibilidad de ser. Te vuelves un recuerdo de algo que no llegaste a ser por esas imposiciones. Por lo que debes acabar con eso y reconstruirte a ti misma para salir de ahí”. Afirma la guitarrista. “Por eso nuestra canción “El reflejo de mi muerte”, narra este dolor, esta rabia y esta necesidad de liberarse. En el cuento la protagonista se rinde y termina suicidándose pero nuestra canción quiere tiene un giro de liberación para visibilizar nuestra lesbiandad y ayudar a construir un imaginario lésbico feminista. Y para eso también estamos trabajando en un videoclip para la canción.”

REDEFINIENDO EL ENCIERRO

Luego de estrenar durante el mes de junio, su versión para el tema “Sonrisas fabricadas” de los pioneros del dark wave argentino Euroshima, banda a la que reconocen como una importante influencia en sus letras, Diavol Strâin ha continuado un arduo trabajo de composición y registro desde el encierro, sobrellevando de manera creativa el incierto panorama económico que la pandemia ha evidenciado para todo el sector de la música. Cuentan que no ha sido tan malo después de todo. Sino que se ha presentado como una especie de periodo para lograr concentrarse en trabajar de manera reposada en su nuevo disco, en contraste a la experiencia vivida en la realización de “Todo el caos habita aquí”, cuyo tiempo de trabajo solo abarcó apretados tres meses. Para las musicas el encierro se ha traducido en tiempo disponible para realizar mejores arreglos, perfeccionar el material concebido y aprender técnicas de registro y producción musical que les entreguen autonomía para continuar desarrollando su proyecto cuando no es posible financiar la participación de otros colaboradores. “Este año teníamos programado componer nuestro nuevo álbum, y sabíamos que teníamos que dedicar tiempo a ello, a diferencia de nuestro disco anterior “Todo el caos que habita aquí”, donde solo tuvimos tres meses para hacerlo y fue muy duro y estresante. En este disco queremos darle más vuelta a todo. La cuarentena nos ayudó en ese aspecto, nos dio tiempo para poder estar más concentradas en él. Existencialmente nos ayudó a sobrevivir, la música nos hace cariño en estos momentos, es una vía de escape, desahogo y reflexión. Con Lau conversamos mucho sobre lo lindo de haber creado Diavol porque ha sido lo más lindo que hemos hecho juntas y nos ha ayudado a enfrentar este periodo, unidas y trabajando.” nos cuenta Bórquez.
Aún cuando la banda ha logrado sacar reflexiones y acciones constructivas a pesar del escenario que las rodea, dejan en claro que esa concentración ha sido posible, en gran parte, gracias al apoyo permanente de sus seguidores y colaboradores quienes de distintas formas han contribuido a que el dúo reúna fondos en sus presentaciones vía streaming bajo conceptos de entrada virtual o compra de archivos para descarga, entre otros. “En paralelo el estrés generado por la falta de ingreso ha sido super fuerte y la ayuda y apoyo que hemos recibido de parte de amigues y seguidores interesados en nuestra música y en que nuestro proyecto continúe ha sido super importante, ya que nos ha hecho saber que contamos con cierto apoyo y con gente que cree en nosotras”. Otro aspecto que destacan sobre este periodo es el espacio para reencontrarse con antiguo material, recuperándolo para volver a trabajar sobre él: “El encierro nos ha ayudado harto al ámbito creativo, dándonos el tiempo de experimentar con más cosas, de hurgar en nuestro material y viejos archivos, retomando maquetas abandonadas que hicimos en 2017, y volver a trabajarlas y mejorarlas con mayor conocimiento que antes”.

Llevadas por el ímpetu de la creación musical, la banda sigue encontrando la vuelta de tuerca a la vida en cuarentena, aprovechando su ecosistema más íntimo en el que comparten su cotidianidad con otras compañeras artistas de distintas disciplinas como la danza, la fotografía y la realización audiovisual, convivencia que les ha permitido generar el material de promoción para este nuevo single y el próximo disco, con Fernanda González a cargo las sesiones de fotos y de realizar el videoclip para “El Reflejo de mi muerte”. Y Paloma Mujica como colaboradora de producción, actriz y protagonista del clip.

“Nos sentimos afortunadas de estar encerradas con amigas y colegas artistas con las cuales hemos podido producir material de promoción como fotografías y videos. Vivir estas condiciones de encierro con gente que aprecias y con las cuales compartes el trabajo creativo, fue lo mejor que nos ha ocurrido”. Enfatiza Ignacia

Diavol Strâin estrenará “El Reflejo de mi muerte” este viernes 31 de julio, cerrando el mes de conmemoración para la visibilidad lésbica, en un show vía streaming desde las 17:30 hrs Chile. Sesión en vivo que contará con un set list especial dedicado a tocar aquellos tracks que no formaron parte de su anterior streaming. Como ya es habitual en las presentaciones de la banda, la transmisión también contará con el dj set de Post-Everything desde Texas. El lanzamiento virtual es otra oportunidad para continuar aportando donaciones a la banda escribiendo a diavolstrain@gmail.com, y de manera permanente, adquiriendo discos físicos y digitales en su página de Bandcamp. EVENTO FB

// SHOW ORDER //

– DJ Posteverything

– Diavol Strain Live Show

– Diavol Strain Dj. Set

HORARIOS / TIMING

– 17:30 h >>> Santiago CL / Washington D.C / New York

– 16:30 >>> Bogotá COL / CDMX / Lima, PE

– 18:30 h >>> Buenos Aires, ARG / Rio de Janeiro, BR

– 14:30 h >>> USA West Coast / Vancouver CA / Tijuana MX

– 23:30 h >>> Barcelona ES / Berlín DE / Wroclaw PL

FOTO CABECERA: FERNANDA GONZÁLEZ
FOTO EN VIVO: ALEJANDRO HIDALGO

POP MELANCÓLICO: NESSA PRESENTA SU EP «TO LOSE IT ALL»

POP MELANCÓLICO: NESSA PRESENTA SU EP «TO LOSE IT ALL»

Publicado el pasado 21 de junio, To Lose it All es el reciente EP de Nessa, cantautora local cuyo inicio musical se remonta al año 2011, periodo en que su voz comenzó a resonar en distintos escenarios para el pop de autora. Más tarde, su nombre continuó ganando terreno gracias a su participación en distintos compilados y discos tributos que reunieron a jóvenes voces del pop rock. Uno de ellos, el disco tributo a Jorge González, «Generación de Mierda», homenaje indie al músico chileno y su banda Los Prisioneros, álbum producido por el sitio web RockAlternativo.cl, y publicado en 2013. En este compilado Nessa aportó su versión para la canción «Carita de Gato».

Tras siete años en silencio, Nessa regresa con «To Lose It All», grabado y producido por Ricardo Pacheco en Hombre Pájaro Home Studio. Un trabajo intimista, donde la compositora nos lleva por un viaje de múltiples influencias y sonidos, conjugando elementos tradicionales y elementos experimentales. Las cinco canciones que conforman To lose it all, están unidas en sonido y lírica por la idea de la fragilidad: “Busco transmitir desde el sentimientos de estar viviendo una tormenta pero miando hacia el futuro porque sabes que la tristeza va a asar», comenta Nessa, quien con este nuevo material propone resiliencia sonora y emocional.

TE INVITAMOS A CONOCER LO NUEVO DE NESSA AQUÍ