LANZAMIENTOS

HAMMURAVI: DUALIDAD SONORA

HAMMURAVI: DUALIDAD SONORA

Hammuravi acaba de estrenar su segundo larga duración titulado «Fuego Negro». Un fuego que ha hecho vivir la metamorfosis sonora a su mentora Naty Lane y a su proyecto solista con un disco que sigue recogiendo positivos comentarios, y que en los próximos meses estará mostrando en Santiago. Conversamos con la música sobre su actual devenir.

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Por Rossana Montalbán M

 

Naty Lane y Hammuravi, su proyecto solista, acaba de estrenar su segundo disco Fuego Negro, recientemente lanzado en Valparaiso en formato presencial tras una espera de meses. El disco ya adelantado por los singles «Limbos» y «La ciudad», propone un sonido etéreo e íntimo que se pasea por momentos de oscuridad y tranquilidad, explorando la dualidad de la propia compositora,  una especie de reflejo sonoro que ha ido recorriendo distintos lugares y roles desde su participación en Fatiga de Material con Álvaro Peña, en su rol de bajista estrella en Adelaida y, actualmente en Hammuravi, su proyecto solista desde hace algunos años.

La dualidad parece ser el eje de la música y de la propuesta de Hammuravi, no solo porque Naty Lane nació bajo el signo solar Géminis, sino por su propio nombre, una variación de la palabra Hammurabi, nombre del primer código de leyes de la antigua Mesopotamia, que a su vez contiene el código del ojo por ojo, diente por diente. «Es un código muy rudo, pero a la vez, fonéticamente es una palabra muy dulce, por lo que me gustó esa dualidad, me identificó y decidí usarla, pero cambiándole la b por la v», nos comenta la música. Esa dualidad encontrada por Naty Lane, parece estar presente en todo, y así ha querido colocarla en su música, oscura como la noche y a ratos luminosa y pacífica cual paisaje recóndito. 

Hammuravi comenzó siendo tu proyecto paralelo, paralelo a tu trabajo en Adelaida, y que estuvo en pausa por un tiempo, pero hoy parece que toma cada vez más fuerza y se está convirtiendo en tu proyecto principal ¿es así? ¿Cómo ha sido el desarrollo de este proyecto solista?

No denominaría a Hammuravi como mi proyecto principal, ya que he puesto muchísima entrega en el trabajo que he estado realizando con Adelaida desde 2016, pero sí es un proyecto que en estos momentos va al frente en mi vida y prioridades porque me ha permitido progresar como músico. Ha ido tomando fuerza en el último tiempo, explorando nuevas sonoridades, experimentando y tomando riesgos, lo que lo hace muy atractivo en ese sentido. También me ha permitido estar a cargo del barco, lo que no es una tarea fácil, pero que trae cosas muy buenas también, como la libertad absoluta de hacer lo que quiero sin poner mucho reparo en si a la gente le va a gustar o no. Lo defino como un proyecto personal, porque explora espacios íntimos, los que comparto con la gente en forma de canción. 

Hammuravi se formó en el año 2015 con algunas composiciones que hasta ese momento la bajista mantenía guardadas, y que un buen día se animó a mostrar a su compañero de banda, también productor y gestor del sello Hiss Records, Jurel Sónico. Así, comenzaron a trabajar en la gestación de lo que más tarde fue su primer EP llamado Espesura”.  Un resultado determinante para Naty Lane en los caminos artísticos que comenzaría a desarrollar, ya que gracias a ese trabajo de composición y producción, confirmó, consigo misma, su capacidad para hacer música. «me di cuenta que yo también podía hacer canciones y meter mano, aprendí mucho y me ayudó a ampliar mi visión musical a pesar de haber participado como bajista en varias bandas anteriormente.» relata.

¿Cómo fueron naciendo las canciones que componen Fuego Negro?

Este disco tiene canciones que fueron hechas hace varios años y otras que se compusieron el año pasado, en el encierro mismo de la pandemia y con los instrumentos que tenía a mano, ya que a comienzo de año sufrí un accidente, lo que me obligó a refugiarme en la casa de mis padres y estar sin moverme al menos por un par de meses. Solo tenía mi guitarra de palo” y con eso trabajé las maquetas. Al comienzo no sabía bien para dónde iba esto, solo tenía claro que no quería que fueran canciones rockeras o electrónicas, quería hacer algo diferente, y las canciones solitas me fueron mostrando para dónde iba la cosa, así que, teniendo claro este punto, comencé a trabajar en la sonoridad.

¿Cuánto ha cambiado Hammuravi entre su primer trabajo y este nuevo álbum?

Los cambios son bastante perceptibles, ya que el nuevo disco ha sido trabajado lejos del noise, del rock y de las bases electrónicas, manteniendo las sonoridades de las guitarras acústicas, con un mayor trabajo de las cuerdas y de las voces, lo que hace que este nuevo disco sea más reposado, pero no menos intenso.

Hemos visto que has ido trabajando una nueva imagen… parece que Naty Lane se ha convertido en Hammuravi ¿Cuáles fueron tus influencias musicales, artísticas y estéticas para este nuevo disco?

Mucho tiempo rayé con una película que se llama Only lovers left alive”, la cual tiene una banda sonora increíble realizada en su mayor parte por Josef Van Wissem, lo que hizo que me enamorara de las cuerdas mucho más. También creo que hay cosas de R.E.M, de Velvet Underground y de otras que fueron parte de mis raíces. En el aspecto artístico y estético lo quise enfocar tomando aspectos visuales de los 90s, como es el caso de los videoclips Limbos y La Ciudad, centrándome en transmitir una sensación ensoñadora. Y con respecto a mi propia imagen, creo que es un cambio que marca una nueva etapa, juego a potenciar el mostrarme como una nueva persona, este disco es un renacer en todos los aspectos.

Hammuravi estrenó como adelantos del disco, los singles y videoclips  «Limbos» y «La ciudad». Ambos videoclips  fueron grabados en la V región, en Villa Alemana y Quilpué. «Quise hacerlos en estas ciudades ya que el interior”, como le llamamos a esas ciudades, son los lugares donde crecí y me crié, por lo que tienen mucha relación con el disco. El rodaje fue un tanto difícil, ya que el juego de la cuarentena y los permisos limitan tus libertades para transitar, así que tuvimos que adaptarnos y planificar todo a corto plazo y siempre sujeto a posibles cambios de última hora. Afortunadamente, en ambos videos trabajé con Luis González y Danilo Vergara, un equipo pequeño, pero maravilloso, que me ayudó mucho y que estuvo también presente en todo este proceso del disco»

Hablemos de esta metamorfosis sonora ¿De qué nos habla y cómo suena tu Fuego Negro?

Es un disco íntimo, construido en base a guitarras acústicas, percusión, voces y elementos rústicos como sonajeros de uñas de cabra, cascabeles, claves, tormenta, metalófono, etc., que se conectan con estéticas ritualistas, que se relacionan con un nuevo renacer, con canciones que están inspiradas en la aceptación y reconocimiento de situaciones personales, como las relaciones familiares, el amor y las relaciones de pareja, la amistad y sentimientos relacionados con la muerte y la visión de ésta como renovación de la naturaleza.

¿Cómo describirías la experiencia de trabajar de manera solitaria y llevado la dirección de tu proyecto, y no como parte de una banda.?

Si bien es un disco que compuse casi sola en el grueso de las canciones, hay varios músicos invitados que participaron grabando y haciendo arreglos y que ahora son parte de la formación de Hammuravi en vivo. Hacer un disco sola, en mi caso, me permitió realizar las cosas tal y cual me las imaginaba, sin preocuparme mucho si sería bien recibido o si sería escuchado por muchos. Decidí atreverme y experimentar, usar instrumentos rústicos y poco convencionales, hacer lo que yo quería y eso me tiene muy contenta.

SANTIAGO ANDER PRESENTA «BRITPOP. LA VIDA MODERNA ES UNA BASURA» DE MARCOS GENDRE

SANTIAGO ANDER PRESENTA «BRITPOP. LA VIDA MODERNA ES UNA BASURA» DE MARCOS GENDRE

Santiago Ander Editorial presenta «Britpop: la vida moderna es una basura» del autor español Marcos Gendre. El lanzamiento del libro se llevará a cabo este jueves 01 de julio, a través del IG Live de la editorial, con la presencia del autor junto a los periodistas Fernando Mujica, Rossana Montalbán y la conducción de Carlos Reyes.

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Continuando con las ediciones de autores y libros españoles, Santiago Ander, regresa con la edición chilena de Britpop. La vida moderna es una basura, del cronista español Marcos Gendre, quien debutó en Chile con el valorado título Joy Division. El fuego helado, editado en 2019 por el sello independiente.

Editado originalmente en 2015, Britpop. La vida moderna es una basura, es un completo recorrido por el auge y caída de la última gran invasión británica registrada en la década de los 90s, conocida como la fiebre Britpop. Con capítulos dedicados a Suede, Oasis, Blur, Pulp, entre otras bandas, y a momentos claves de la movida británica; el cronista español nos conduce por un viaje en el tiempo dedicado a diseccionar el alma del último fenómeno musical y comercial de la década, en un repaso por sus hitos musicales, sus discos y bandas más representativas y sus bochornos más recordados, pero sobre todo, un repaso por su impacto y por la influencia que supuso para posteriores generaciones de bandas y estilos.

Con ilustraciones del artista visual chileno Sergio Córdoba y prólogo de la periodista Rossana Montalbán, Britpop. La vida moderna es una basura, llega a estas tierras como un libro indispensable para revisitar la cultura noventera y rastrear sus repercusiones hasta el día de hoy, tal como reza el prólogo de esta nueva edición chilena: «En Britpop: la vida moderna es una basura, Marcos Gendre nos presenta una mirada aguda y profunda sobre uno de los últimos fenómenos musicales de la década de los ‘90. Un relato descarnado e incisivo que no solo pregunta, sino que también entrega luces sobre cómo se teje un suceso de tales características, y lo hace no solo desde la música, sino también a través de un quirúrgico corte al modus operandi de la prensa especializada y de las nuevas ideas políticas y sociales que tomaron fuerza en la Inglaterra de aquellos días».

Lanzamiento

La cita será el jueves 1 de julio a las 19 hrs. por el IG Live de la editorial instagram.com/santiagoandereditorial. Contará con la participación desde España del autor Marcos Gendre, de la periodista Rossana Montalbán del medio digital Crónica Sonora, quien además es la prologuista del libro; del periodista Fernando Mujica de Radio Futuro, y la conducción de Carlos Reyes, autor y guionista de cómics (Los años de AllendeNosotros los Selk’nam).

Reseñas:

“Un viaje en modo documental hacia las entrañas de este fenómeno typical ‘90. Su desarrollo, contradicciones y posterior mutación en el presente. Sin duda, el gran ensayo que nadie se atrevió a escribir hasta el momento sobre esa época, y la obra más reveladora y polémica de entre todas las llevadas a cabo por Gendre”. LaZancadilla

“Por estas páginas bien documentadas desfilan los inevitables Blur y Oasis, pero también Pulp, Suede, The Auteurs, Boo Radleys o Denim. También se habla del intento de manipulación del movimiento por parte de la clase política (encabezada por Tony Blair) y de bandas de vida fugaz, como Shack, Supergrass, Elastica o Echobelly”. RockOnMagazine

“Posiblemente la mejor crónica de aquel movimiento que descubrió a Blur, Suede u Oasis: Marcos Gendre radiografía con entusiasmo y sensatez lo que de verdad ocurrió durante aquellos días. Términos como “Cool Britania” o “New Wave of The New Wave” fueron impulsados por una prensa que necesitaba crear, a toda costa, una novedosa corriente musical eminentemente británica que le plantara cara al poderoso grunge, y de paso contribuyera a descubrir nuevas estrellas para ser adoradas por la juventud de la época”. WebFahrenheit77

Sobre el autor:

Marcos Gendre (A Coruña, España, 1978) es cofundador del magazine web LaZancadilla. Además, es colaborador de otras publicaciones como Atonal, El Salto y Zona de Obras. También escribe para las revistas Rockdelux, Vinte, Mondosonoro, Leer, Luzes, Panenka y Volata. Actualmente colabora en ruidodefondo.org. Entusiasta caníbal discográfico, Gendre arranca su labor en el ensayo musical mediante el aclamado 200 discos de bolsillo: 1977-91 una historia alternativa en formato pequeño. Con este punto de partida, y tras obras tan sobresalientes como Mánchester. El sonido de la ciudadHüsker Dü. Encrucijada en la cumbreThe Go-Betweens. Necesito dos cabezasBlues de la frontera. Anarquía y libertad de los Amador y Miles Davis. Big Bang oceánico; ahora le llega el turno a Britpop: la vida moderna es una basura, su segunda publicación con Santiago-Ander Editorial, tras Joy Division. El fuego helado, en 2019.

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

 

«Live at bar de René» es el título del nuevo disco en vivo de The Ganjas, trabajo que registra uno de los últimos y memorables encuentros sobre el escenario con el legendario productor Jack Endino, llevado a cabo una calurosa noche de verano en el mítico bar de Santa Isabel.

El registro en vivo feat. Endino – quien también estuvo a cargo de mezclar y masterizar el disco – acaba de ser publicado en formato CD con arte original, y en formato digital a partir del 25 de este mes, bajo el sello BYM Records. Además, el disco incluye un adelanto del nuevo material de la banda con ‘Listen to the Lion’.

Por Rossana Montalbán M

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Corría el verano de 2019 cuando The Ganjas nuevamente se reencontraba con el productor Jack Endino para grabar su séptimo disco de estudio. Un reencuentro que venía a reafirmar la vieja camaradería que la banda y el productor habían forjado luego de trabajar juntos por primera vez para la grabación de su disco Resistance en 2011.

Tras varias visitas a Chile, entre los años 2014 y 2017 para trabajar con la banda y continuar el fuerte lazo musical que los unió, el productor de Nirvana,  Mudhoney, Soundgarden, y fundador de Skin Yard, regresó a la capital a finales del 2018 para retomar las grabaciones de lo que sería el próximo disco de estudio de The Ganjas, «Generation», reprogramado finalmente para el 2022, y donde Endino además de producir participa como guitarrista invitado, elemento que además de reforzar la química y fiato entre él y la banda, dio cabida a distintos momentos de improvisación tocando en formato jam session, logrando matices experimentales en las nuevas composiciones. 

Fue precisamente ese fiato musical el que los llevó a compartir escenario una cálida noche de verano, en el mítico Bar de René, escenario ineludible para el rock independiente y el metal en la capital. Oportunidad en la que la banda llevó a cabo una de sus tantas presentaciones en vivo a tablero vuelto en una concurrida y apretada velada donde se transpiró ruido y psicodelia, esta vez con la presencia de una figura clave para el sonido de Seattle en la década de los 80s y noventas, Endino en cuerpo y alma, Endino el músico, despertando el espíritu dormido de Skin Yard y sacando chispas en una suerte de fraternidad sonora junto a The Ganjas.

Los primeros adelantos del mítico encuentro ahora convertido en disco, son las versiones de dos infaltables del repertorio de la banda santiaguina, ‘Ghost Rider’ y ‘La lluvia no quiere caer’, dos canciones que adelantan el próximo estreno digital del disco, programado para el 25 de junio. En tanto el cd, ya se encuentra disponible desde el 4 de junio a través de Bym Records, con una edición limitada de tan solo trescientas copias disponibles que, prontamente, si los seguidores así lo deciden, y al igual que el show que plasma, pasará a ser otra joya difícil de volver a encontrar.

ARRIBA DEL ESCENARIO: EL LIBRO SOBRE LOS MEGARECITALES EN CHILE

ARRIBA DEL ESCENARIO: EL LIBRO SOBRE LOS MEGARECITALES EN CHILE

«Arriba del Escenario» es el título del libro que reconstruye la historia reciente de la megarecitales en Chile. Una investigación que abarca 30 años de una industria que se ha desarrollado a golpe y porrazo, realizada por las periodistas Claudia Montecinos y Javiera Calderón, publicada por RIL Editores, y que se presenta este miércoles 21 de abril, a las 19 hrs, a través de las redes sociales del libro y la editorial.

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Antes de la pandemia, los conciertos eran el panorama favorito de miles de personas. Todas las semanas artistas internacionales presentaban espectáculos, principalmente en Santiago. Pero, ¿Cómo se profesionalizó esta industria hasta alcanzar el estándar de eventos masivos?

La investigación periodística realizada por Claudia Montecinos y Javiera Calderón recorre la historia de los conciertos masivos, a través de los eventos que cambiaron la industria en sus diferentes formas, como el formato de los shows, el aspecto técnico, el comportamiento de las audiencias y las regulaciones del negocio. Este es el recuento de cómo los megaconciertos llegaron a ser lo que son hoy, y todas las batallas que se libraron en ese proceso.

Desde las presentaciones iniciales, como las de Rod Stewart y Silvio Rodríguez en los años postdictadura, hasta el cambio de formato a los festivales como Lollapalooza y Ruidosa, las periodistas Claudia Montecinos y Javiera Calderón relatan los eventos que determinaron la dirección de esta industria y los analizan en su contexto sociopolítico.

«Arriba del escenario: la historia de los megaconciertos en Chile» recoge testimonios de productores, sonidistas, artistas, periodistas y legisladores, quienes entregan claves para comprender los cambios que ha vivido la industria de los conciertos. El rol de las marcas, el sistema de boletería, la protección al consumidor, la presencia de artistas chilenos, son algunos de los temas que el lector encontrará en estas páginas.

“Como seguidoras de la música en vivo, cuestionamos esta industria y su funcionamiento. Queríamos saber por qué las entradas eran tan caras, quiénes estaban detrás de estas mega producciones, en suma, cómo se gestiona un evento. Por eso, la finalidad de esta investigación es que cualquier persona tenga nociones sobre cómo se mueve este mercado, que tanto poder tiene sobre la relación del fanático con su ídolo”, explican las autoras.

Un libro indispensable para quienes disfrutan del ritual de unirse a miles de desconocidos a escuchar a su artista favorito tocar en vivo, mientras esperan que la música vuelva a sonar por los parlantes del escenario.

PRESENTACIÓN DEL LIBRO, 21 DE ABRIL, 19HRS

 

«MORFOPUNK» EL REGRESO DE LA AFILADA PLUMA DE POGO.

«MORFOPUNK» EL REGRESO DE LA AFILADA PLUMA DE POGO.

La afilada pluma del músico, vocalista y letrista de Los Peores de Chile, Pogo, regresa en una nueva edición a cargo de Santiago Ander bajo el título «Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable», un conjunto de relatos urbanos y cotidianos que retratan el correr de los días en un Santiago permanentemente pandémico y distópico, dibujando y diseccionando una virulenta y contaminada realidad que acecha. Un volumen que será presentado este viernes 22 de enero, por los especialistas en cómic Berna Ojeda, Carlos Reyes, la directora del Centro Arte Alameda Roser Fort y el escritor Daniel Hidalgo, desde las 20 hrs, a través del FB LIVE de la editorial

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Siete intensos y delirantes relatos componen «Morfopunk» la nueva entrega del músico, dibujante y escritor Mario Carneyro, conocido por todos como Pogo, el inconfundible fundador de Los Peores de Chile, nombre impostergable de la música punk local. Bajo su descarnada y detallista lupa, el músico y escritor nos conduce por caóticos, aventureros y lúgubres escenarios en donde su pluma destila y entremezcla los universos paralelos, la imaginación y la vivencia de quien ha ejercido el oficio de reportero, ha vivido la desenfrenada vida del rock and roll y ha cultivado la fascinación por el cómic y la contracultura. Bebiendo de la ciencia ficción y de la literatura distópica de clásicos como 1984 de Orwell, Pogo se aventura en una próxima parada para la humanidad y para la virulenta Santiago de Chile enfrascada en una pandemia sempiterna de rostros permanentemente enmascarados. «Es un recorrido ingrato por un futuro que se ve cada día más cercano. Lo localicé en nuestra ciudad, Santiago, porque me fascina destruir esta atosigante ciudad y reconstruirla después al nivel que se merece. Son una serie de cuentos interconectados, de personas cotidianas, en sus quehaceres diarios en un Santiago quizás no tan irreconocible.» – «Desde pequeño me empapé de literatura fantástica, sobre todo ciencia ficción y anticipación. Este último género siempre me llamó la atención, el de arrastrar el mundo real a situaciones inverosímiles, manteniendo el contexto de espacio-tiempo con la realidad que conocemos. Qué mejor que tomar Santiago de Chile y arrastrarlo a un estado de catástrofe interminable e irremediable. Con un puñado de perdedores que intentan, infructuosamente, salvar sus irrelevantes vidas en una ciudad que expira minuto a minuto. ¿Algún parecido con la realidad nuestra?». Agregó en conversación con sus editores.

Literatura distópica made en Chile. Exquisitos relatos de un inframundo existente en la mente de su autor y aún desconocido para muchos. Relatos interconectados entre sí, cargados de imágenes y referencias de la subcultura como de la cultura pop junto a una prosa que se nutre de la visualidad de las historietas es lo que Pogo propone en «Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable»- «Quienes se atrevan a husmear en las páginas del libro encontrarán personajes como uno, quizás manejando algún tipo de tecnología todavía inaccesible a nosotros en tiempo actual, pero personajes reconocibles en sus vidas; ambiciones, particularidades, nosotros mismos empujados a un agonizante siglo XXII sin que nadie se los preguntara.» (lee entrevista completa)

RESEÑA CONTRATAPA

Morfopunk. Historias cotidianas de un futuro inaceptable

Pogo (músico, dibujante, escritor) crea una desalentadora mirada a un futuro cada vez más probable desde nuestro 18 de octubre de 2019 y del virus que hoy asola a todo el mundo.

«Sus relatos son afilados como dagas. Se interconectan como rizomas, componiendo un fractal de SantiagoPaís, desplegando su cargamento como bombas de racimo sobre la pantomima existencial de sus personajes. En esta distopía gris y sucia, el mar es una sopa muerta; la lluvia ácida puede disolver tu traje protector y el aire contaminado puede matarte en minutos si no usas tu máscara Complex, o podrías morir a causa de los virus mortales o de alguna de las tantas nuevas enfermedades incurables, o acabar vaporizado en un enfrentamiento entre los Cholombianos, los Punkamauris y la Milicia. Si tienes suerte, una noche cualquiera hasta podrías bailar en una stroc bajo el influjo musical del máximo morfopunk: Kultrum de Nox.

Sumérgete en este universo delirante. No tienes alternativa, porque el mundo, tal como lo conociste, se diluye hoy ante tus ojos. Entra en estas páginas porque nadie sabe cómo será el futuro (si es que hay). Respira su atmósfera porque ya casi eres un klúster o uno de los morfopunks de Pogo. Lee atentamente este manual de instrucciones. Aprende a sobrevivir en el no-futuro que te alcanza. Y recuerda: Este libro está hecho para tu seguridad. Que lo que viene te sea leve… Si sobrevives.» Carlos Reyes G. (Guionista de cómics)

Preventa: Morfopacks

INCHE ESTRENA «VOCES ANCESTRALES» UN CANTO CONTRA EL RACISMO Y LA DISCRIMINACIÓN

INCHE ESTRENA «VOCES ANCESTRALES» UN CANTO CONTRA EL RACISMO Y LA DISCRIMINACIÓN

Recientemente estrenada «Voces Ancestrales» fue realizada en colaboración con el compositor y productor musical Alekos Vuskovic Gutiérrez, trabajo colaborativo surgido a partir de los violentos hechos de racismo y discriminación sucedidos en el territorio de la Araucanía en agosto de 2020.

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La banda oriunda de Temuco viene presentando desde 2018 su propuesta de rock pluricultural fusionando los sonidos originarios del pueblo mapuche con elementos del rock occidental. En marzo de 2020 INCHE editó su primer EP de dos canciones titulado INCHE EN LOF EL TUME seguido por este nuevo sencillo titulado «Voces Ancestrales».

 

 

«Voces Ancestrales» es una respuesta a los hechos de discriminación hacia el pueblo mapuche ocurridos en la región de la Araucanía en agosto del año pasado. El tema refleja el ser mujer mapuche en tiempos pasados, presente y futuros, rescatando la sabiduría y fuerza ancestral ante las distintas formas de violencias ejercidas por el estado chileno.

Compuesto por la líder-vocalista de la banda Paola Linconao Caniulaf, junto al compositor y productor musical nacional Alekos Vuskovic Gutiérrez, este nuevo trabajo musical  «Evoca el canto, la música y nuestra esencia, estos elementos serán espejo de la realidad contada, con la convicción que seremos ríos, bosques, fuego de fogones y danza de los treiles» señala su autora.

 

En este trabajo colaborativo participaron lxs integrantes de la banda Paola Linconao Caniulaf (voz), Nicolás Molina Rojas (bajo eléctrico) y Javier Huiliñir Curío (batería), apoyados por Alekos Vuskovic Gutiérrez (piano y coros) y en guitarra eléctrica Sebastián Moncada Peñailillo, integrante de la banda de rock instrumental y experimental temuquense INVERNADERO , quienes fueron parte de la versión 2020 del festival SIM São Paulo.

La grabación de VOCES ANCESTRALES fue realizada por Marcelo González Salgado (sonidista de la banda), mezcla y masterización estuvo a cargo de Alekos Vuskovic Gutiérrez, y la carátula del sencillo es una ilustración de Paula Tikay (@paulatikay), quien entrega una imagen cargada de ancestralidad, en la que la mujer es guardiana del territorio, en su lucha activa y permanente por la defensa de los recursos naturales y en nuestra memoria está cada una de sus luchas. 

 

Puedes lo nuevo de Inche AQUÍ

Mira el video de «Voces Ancestrales»

ESCUCHA «7 MARES» EL NUEVO DISCO DE TSUNAMIS

ESCUCHA «7 MARES» EL NUEVO DISCO DE TSUNAMIS

El 24 de diciembre fue estrenado vía streaming el séptimo disco de Tsunamis titulado «7 Mares», un flamante nuevo trabajo que transita por las aguas del punk-rock, la psicodelia, el folk latinoamericano y el pop experimental.

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Recientemente premiados en el Festival de Cine y Documental In‑Edit en la categoría “Mejor fotografía” por su video “Camisa de estrellas” (2020), Tsunamis durante este año, no solo ha publicado 3 singles y 3 videos de alta factura (de los cuales 2 pertenecen al nuevo LP 7 Mares), sino también ha estado trabajando en los Estudios BYM junto a Nes Rodríguez y a distancia con los 7 integrantes que actualmente conforman la banda, para la entrega de este material compuesto por 14 tracks.

Bajo el motor de ser artistas, sacar un trabajo en tiempos de crisis social, político o de salud es un acto, claramente, más potente (y complicado) que en un contexto “normal”. Creo que el arte es un reflejo de la sociedad, un agente de memoria y al mismo tiempo de proyección hacia donde la humanidad podría ir” comenta Goli Gaete, frontman de Tsunamis, sobre el desafío que es publicar en tiempos de pandemia.

El resultado de “7 Mares” sorprende en la manera de cómo se armaron los tracks, ya que el inicio de este material *fue grabado en dos tardes por Goli Gaete con voz, guitarra acústica y registros de audio (field  recordings) , de donde salieron en un inicio 16 canciones que fueron trabajadas separadamente por cada músico.* Parte de los ingredientes nuevos en la producción fue el pedal steel y lap steel de Tan Vargas, y los sintetizadores y secuencias de Cristóbal Rawlins (Raw C), además de coros de mujeres cercanas a la banda. “El disco muestra una paleta más variada, y fue entretenido navegar por otras zonas, más folk, baladas, pop, distinto al garage-rock con el que Tsunamis está generalmente asociado. Hay más elementos, arreglos y un espíritu más colectivo”. Comenta Nes Rodríguez  ingeniero en sonido y co-productor del disco quien tuvo la prolijidad de reunir todos las piezas que fueron entregadas de forma independiente, un verdadero artesano digital como lo considera la banda.

La masterización del disco recayó en Chalo González de Estudios G Masters destacado profesional del sonido ligado a la música chilena y al trabajo de la agrupación con su debut “Tsunamis” (2004) y en “Corre el río” (2006).

Por otra parte, el arte del disco fue encargado al artista visual y músico  Tan Vargas, quien ha realizado las portadas de los singles “Camisa de Estrellas” y “El Futuro”. “El arte del disco es un guiño a la intuición y al concepto de recolección. Con Tsunamis, buscamos generar visuales que representen la poesía de las letras a través de imágenes encontradas e intervenidas en mi estudio”. 

Foto por Aldo Benincasa

7 MARES UN REGALO DE NAVIDAD

Además de liberarse a través de las plataformas streaming (spotify, deezer, apple music, youtube, etc), la banda estrenó el disco por el canal de YouTube de BYM Records . “La idea fue  que puedieran recibir nuestro regalo y conocer el resultado de este trabajo colectivo que se ha creado en tiempos difíciles, acompañadxs de cualquiera sea la familia o amigxs con los que estén compartiendo” concluye Goli. 

Actualmente Tsunamis se integra por Goli Gaete*, (compositor, guitarra, piano y voz) , Pancho Fernández* (guitarra, voces), Sebastián Arce Ilic (batería), Pato Larraín* (bajo), Cristóbal Rawlins (piano, synthes y secuencias), Tan Vargas (lap steels y guitarras) y Seba Garcia-Huidobro (saxo tenor).

RO ESTRENA DEBUT SOLISTA «NO NOS DIMOS CUENTA»

RO ESTRENA DEBUT SOLISTA «NO NOS DIMOS CUENTA»

Endorser, arreglista, instrumentista, cantora, compositora y directora musical en el Bloque Feminista, Ro estrena el adelanto de su primer disco en solitario, el sencillo «No nos dimos cuenta».

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La compositora y multiinstrumentista chilena Ro, estrena “No nos dimos cuenta”, una canción melancólica de reminisencias indie folk y tono nostálgico que se mueve entre el Indie pop y el bedroom pop, con marcadas atmósferas modernas, mezclado con el subgénero conocido como Lo-fi.  Asimismo, su letra es ensoñación y nostalgia pura. Una invitación a recordar con el mayor cariño posible los vínculos de infancia, pero también a dar vuelta esa página y abrazar el momento presente con mucho amor. Una sensación completamente acorde a los tiempos pandémicos en los que vivimos, momento de introspección que llevó a Ro a explorar su faceta compositiva con total libertad, inspirada en la música de Clairo, Girl in red, Orla Gartland, entre otros exponentes juveniles.

En su propuesta solista, Ro se nutre con su joven pero abultado recorrido musical, el que se ha desempeñado -hasta hoy- como directora musical del Bloque Feminista, experiencia musical en la formación de músicas y acción política en las calles definido por Ro como “un espacio familiar, una suerte de manada de apañe entre mujeres y disidencias feministas con un objetivo común”. Es directora musical y arreglista en la escuela carnavalera Chinchintirapie y en paralelo se desempeña como guitarrista de Malú Mora y compositora, intérprete y arreglista de la banda Crisantemo. Fue parte de las bandas de mujeres Calila Lila, La Culebrera y Reptila y en el año 2018 fue captada por Kononykheen,  prestigiosa marca de guitarras made in Rusia, convirtiéndola en una de las pocas mujeres endorser de latinoamérica. 

“No nos dimos cuenta” fue mezclado y masterizado en el estudio de Osvaldo González y a excepción de bajos y sintetizadores, fue registrado íntegramente en el home estudio de Ro quien además grabó los demás instrumentos. Ambos produjeron el single y Esteban Robledo estuvo a cargo del diseño. El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas de distribución digital como Spotify, Apple Music, Youtube, etc. 

MIRA Y ESCUCHA «NO NOS DIMOS CUENTA»

PARANOIA presenta en show streaming «Muerto, pobre, aburrido».

PARANOIA presenta en show streaming «Muerto, pobre, aburrido».

Seis temas inéditos y un cover de Machuca componen “Muerto, pobre, aburrido” el material más reciente del trío punk rock santiaguino, Paranoia.

Grabado en Estudios Plex por Felipe Arenas, “Muerto, pobre y aburrido” continúa destilando lo más explosivo y primal del punk rock, cargado de descontento, víscera y velocidad, entregando temas y coros que recuerdan lo más clásico del género ramonero y a bandas como  los argentinos Flema. Sonido y estilo que los ha llevado a compartir escenarios con bandas tales como; 2 Minutos, Expulsados, CJ Ramone, Black Flag, entre otras.

Además, este nuevo trabajo incluye la versión hecha para la canción «Quisiera saber si esto está bien» de la emblemática banda penquista Machuca, una de las agrupaciones más queridas del punk rock hecho en Chile y que acaba de ser tributada con el disco «Viva Machuca para todos», recientemente estrenado en Spotify.

«Muerto, pobre, aburrido»,  ya tiene fecha para su lanzamiento en vivo por streaming para el sábado 12 de diciembre,19:00hrs, junto a la banda Montoyas. Entradas a la venta AQUÍ

 

KILTRAK SÓNICA ESTRENA VIDEOCLIP PARA SU SINGLE «LATIDO»

KILTRAK SÓNICA ESTRENA VIDEOCLIP PARA SU SINGLE «LATIDO»

La cantante y activista vegana Kiltrak Sónica, cierra este 2020 con el lanzamiento del videoclip para su tercer single “Latido”, una canción en la que continúa redefiniendo el género de la música urbana al servicio del antiespecismo. Este nuevo trabajo se encuentra recientemente disponible en Youtube e Instagram TV en la cuenta de la cantante.

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Luego de un año de removedores acontecimientos tanto para Chile como para el mundo, bajo el contexto de emergencia sanitaria nace “Latido”, el tercer single de Karen Flores, artista visual y profesora mejor conocida como Kiltrak Sónica, cuyo trabajo musical y activista viene haciendo ruido desde 2019 con el estreno de su primera canción “Vegan control”, desde entonces el beat antiespecista no ha parado. 

Música urbana y urgente.

El single estrenado en las plataformas digitales (Spotify, Deezer), el pasado 01 de noviembre Día Mundial del veganismo y, al igual que el resto de su trabajo, grabado y producido por el sello independiente para mujeres y disidencias La Peluquería Records, continúa explorando el género urbano utilizando los elementos rítmicos, sonoros y fraseos del trap o el reggaetón para la transmisión de un mensaje que propone tomar conciencia y actuar ante la devastación del ecosistema y la explotación animal. Compuesto en medio de la primera gran pandemia del siglo XXI e inspirado por los positivos efectos que el confinamiento humano tuvo en la naturaleza y en la actividad de la fauna, la cantante y activista decidió tomar esa importante incidencia para hablarnos de la posibilidad de reformular nuestra relación con el medioambiente.

 

Impactada por las declaraciones de ensayos nucleares efectuados por Corea del Norte en el mar en medio de la pandemia, Kiltrak Sónica nuevamente alza su voz como activista y cantante para escribir “Latido canción donde desarrolla la idea de esa indudable demostración de vida y existencia, lo que ella describe como “latido es el pulso del río en nuestro corazón”. Un latido que se encuentra en todas las especies que habitan el planeta Tierra, hogar de todas ellas, en sus propias palabras: “el latido es el deseo de luchar, es la fuerza para activar, para enfrentar la injusticia y el poder para responder a un mundo que oprime a los animales y arrasa con la naturaleza”. Con el ritmo de un latido, el ritmo de lo que llamamos vida, Kiltrak Sónica nos invita y al mismo tiempo nos empuja con un beat pegajoso y bailable pero jamás vacío, a cuestionarnos, a repensar y a tomar acción sobre las irreparables consecuencias que el especismo humano y el capitalismo han causado en el ecosistema y la vida animal.

 

VÍDEOCLIP

Grabado en la zona de Las Melosas, Cajón del Maipo, bajo la dirección de cámara y montaje a cargo de Andrea Arraño y con la dirección de arte de Coni Marín, en esta tercera realización audiovisual la naturaleza es el escenario para representar el poder regenerativo de esta, la importancia de cuidar los recursos naturales con el lema de la defensa del agua en nuestro territorio “el agua no se vende” y para recalcar la necesidad de restaurar nuestra relación con la madre tierra desde una mirada ecofeminista y antiespecista.