NUEVA MÚSICA

SYNTH POP PARA MIRAR: ZEBRA 93 ESTRENA SESIÓN FAUNA

SYNTH POP PARA MIRAR: ZEBRA 93 ESTRENA SESIÓN FAUNA

El trío chileno de synth pop celebra el aniversario de su último trabajo discográfico Fauna estrenando nueva sesión en vivo en Youtube.


Zebra 93 es una banda de synth-pop integrada por Julia Grisenti, Alfredo Ibarra y Miguel Irarrázaval. Su característico sonido de ensueño y nostalgia se ha ido consolidando con el pasar de los años, agregando a su discografía interesantes trabajos como el EP Dimensión (2013) y su primer larga duración Atemporal (2019). El 2021 el trío publicó Fauna, un EP cargado de sintetizadores donde brillan canciones como Velero (canción del año en Radio Duna) y Caer. En esta ocasión, el grupo nos presenta una sesión en vivo donde repasan de manera íntegra esta última publicación discográfica.

Las melodías que definieron a Fauna se apoderan de la pantalla en esta pieza audiovisual grabada en Maitencillo, balneario ubicado en la región de Valparaíso. Dirigida por Sebastián Álvarez, la sesión recién liberada en YouTube repasa el tracklist completo del EP estrenado en septiembre del año pasado, utilizando la inmensidad del océano pacífico y un cálido atardecer como un perfecto telón de fondo. «Este lanzamiento viene a cerrar la increíble etapa que marca Fauna para dar pie a la nueva música que ya estamos trabajando», explica la banda sobre el nuevo proceso creativo que actualmente están llevando a cabo junto al productor musical Claudio Quiñones.

Además de la publicación de Sesión Fauna, Zebra 93 compartió la noticia de que recientemente fueron incluidos en el soundtrack de la segunda temporada de la taquillera serie de HBO Max, Los Espookys con la canción Místico Mezcal, track que forma parte de su primer disco Atemporal.

Desde hoy ya puedes ver la sesión en vivo de Zebra 93 en su canal de YouTube, además de repasar su EP Fauna, disponible en todas las plataformas digitales.

GABRIELA ARCOS: NUEVOS ACENTOS

GABRIELA ARCOS: NUEVOS ACENTOS

La cantautora de indie rock oriunda de Antofagasta Gabriela Arcos, presenta Despacito, un nuevo track donde comienza a mostrar nuevos acentos en su sonido melancólico.


Si antes la escuchábamos cantando desde la intimidad del pop alternativo y el indie folk, en esta ocasión se traslada a un espacio acústico más abierto, con golpes de batería presentes, guitarras distorsionadas y un bajo potente. Tras la excelente recepción de sus epés A solas (2021) y ¿Nos veremos en diciembre? (2021), Gabriela Arcos en Despacito marca una evolución notable en su sonido.

Pese a estos cambios, la identidad artística de la compositora antofagastina se mantiene intacta. Inspirada en la música de referentes como Phoebe Bridgers y Lucy Dacus, en Despacito Gabriela Arcos da continuidad a las letras melancólicas y melodías dulces que le han permitido conquistar miles de oyentes en Chile, México, Argentina y Perú, según cifras de Spotify.

“Esta canción se conecta con el sentimiento que queda tras terminar con alguien. Tiene que ver con el vértigo de volver a estar soltera después de tener una relación larga. Y al mismo tiempo mirar la relación terminada desde una perspectiva optimista y responsable”, profundiza la cantautora, quien este 2022 fue semifinalista de The Voice El Regreso y además consiguió su primera nominación a los Premios Pulsar como Mejor Nuevo Artista.

“Despacito” es además el comienzo de una nueva etapa en la carrera de Gabriela Arcos. Es el primer adelanto de un álbum que la artista planea lanzar durante el 2023 y que contiene “interesantes colaboraciones con artistas chilenos que se han relacionado de alguna forma conmigo en la escena musical”.

Por otro lado, Gabriela Arcos aprovecha esta instancia para promocionar su próximo show en Valparaíso. El evento se realizará el próximo 10 de septiembre en el Teatro IPA y contará con la presentación del talentoso compositor chileno Nando García y la emergente cantautora Anís. Puedes revisar más información y comprar entradas en este enlace.

Despacito fue producida por Wally Lara y masterizada por Felipe El Viejo Díaz. La banda de Gabriela Arcos está conformada por Wally Lara en bajo, Josefina Lund en batería, Constanza Opazo en coros y teclados, y Felipe Díaz en guitarra eléctrica. Sigue a Gabriela Arcos en sus redes para no perderte novedades.

 

DINASTÍA MOON: LISERGIA DESDE EL LITORAL

DINASTÍA MOON: LISERGIA DESDE EL LITORAL

Dinastía Moon plasma un lisérgico viaje instrumental en Cosmonauta, su nuevo single y video que marca la integración de nuevos músicos a la formación oficial de la banda, entre ellos, Matías Cena y Pedro Ogrodnik.


Formados el año 2018, Dinastía Moon es una banda chilena de música psicodélica con matices instrumentales que incluyen elementos hindúes, andinos y otros sonidos occidentales. Su debut se dio de la mano del EP Coscorobag5 (2021), trabajo que fue grabado por el reconocido músico nacional Oscar Videla (Club de Surf, Colombina Parra) junto al productor Felipe Ruz. Tras una renovación en la formación original, el grupo acaba de estrenar su nuevo single Cosmonauta.

Percusiones con sabor latino, cuerdas y capas de síntesis análoga remitentes a la psicodelia manchesteriana y la escuela shoegaze, y un groove cargado de funk espacial es lo que propone Dinastía Moon en Cosmonauta; un intenso viaje instrumental que invita al goce del espíritu, la mente y el cuerpo.

El single autoproducido por la banda actualmente integrada por Óscar Videla en guitarra y sitar, Carmelo War en batería, Matías Soto en percusión, Emile Brisset en saxo alto, Pedro Ogrodnik en guitarra y percusión, Matías Cena en el bajo y Felipe Ruz en teclado y sintetizador. Cosmonauta fue grabada en la casa de uno de sus integrantes entre los bosques de Lo Zárate, mezclada por Felipe Ruz y Román Martínez en el Estudio Coscoroba en San Sebastián, y masterizado por Francisco Holzmann en su estudio Holzmasters.

Además de su estreno en todas las plataformas de streaming, Cosmonauta cuenta además con un videoclip que compendia parte del proceso de grabación del tema con imágenes de una presentación en vivo de la banda en la Sala Hamburgo de San Antonio. El clip ya está disponible en el canal de YouTube del grupo.

ENTRADAS DISPONIBLES EN PASSLINE

Rodeo es violencia: KILTRAK SÓNICA y un pop ANTIESPECISTA

Rodeo es violencia: KILTRAK SÓNICA y un pop ANTIESPECISTA

La cantante y activista antiespecista Kiltrak Sónica, estrena Rodeo es violencia, un nuevo track donde incursiona en las sonoridades del pop electrónico.


Kiltrak Sónica estrena su séptima canción titulada Rodeo es violencia, un track que visibiliza el sufrimiento, la explotación y el maltrato animal existente en la aberrante pero tradicional practica del rodeo.

Tras el lanzamiento de Prende tu fuego, Vegan control, Latido, Amor y Resistencia,  8M Animal, Vegan Queen,  canciones inscritas en el sonido urbano y el rap, esta vez, la cantante presenta una séptima canción de marcado sonido pop sobre el cual señala “hacer esta canción ha sido todo un desafío y algo que creo que es muy bueno, porque incursionando en otros ritmos puedo llegar a otras personas con el mensaje antiespecista”.

El lanzamiento de esta nueva canción se enmarca en el denominado mes de la patria y las tradiciones, contexto en que el rodeo es considerado un deporte nacional, en el cual se normaliza el maltrato y la explotación animal, dejando inhabilitada la Ley 20.380 sobre protección de los animales. La activista señala al respecto “la labor del activismo, y en este caso del activismo musical, es poder transmitir un mensaje y que las personas se informen, se eduquen al respecto y puedan cuestionar lo que se ha mantenido por mucho tiempo y que ha provocado tanto sufrimiento y muerte”. Septiembre es un mes cargado de especismo, el ensalzamiento del consumo de “carne”, rodeo, carreras de caballos, tradiciones que sólo perpetúan el uso de animales. Como activista es mi obligación no callar”.

Con este énfasis en el videoclip de Rodeo es Violencia, se recrea la preparación de un salto al rodeo, acción por la cual activistas antiespecistas irrumpen en una media luna mientras se realiza esta actividad.

https://youtu.be/vLggSF6_Kkk
THE CAGE: EL REGRESO DISCOGRÁFICO DE BILLY IDOL

THE CAGE: EL REGRESO DISCOGRÁFICO DE BILLY IDOL

Billy Idol anunció el lanzamiento de su próximo EP, «The Cage», que saldrá a la venta el 23 de septiembre, trabajo que formará parte de su show en Chile, este 01 de septiembre en el marco del Roadside Tour 2022.


El nuevo material del legendario cantante le sigue al lanzamiento de The Roadside (2021), que incluía el hit Top 15, Bitter Taste, y que recibió elogios de los fans y de la crítica. En este nuevo trabajo, Idol está acompañado por su colaborador de siempre, el compositor y guitarrista Steve Stevens.

Para celebrar el próximo lanzamiento, Billy Idol estrenó hoy el single Cage, con un videoclip dirigido por Steven Sebring (Patti Smith, Jack White). Al salir de la cuarentena, la gente tenía mucha energía acumulada”, recuerda el coproductor Tommy English (Kacey Musgraves, BØRNS), quien también coescribió tres de los temas del álbum con Idol, Stevens y Joe Janiak (Ellie Goulding, Adam Lambert). «Esa fue la inspiración para Cage. Salir y hacer las cosas que habíamos perdido. Y eso incluye no tener miedo de hacer una canción punk rock estridente. Y no nos preocupamos si encajaba porque simplemente suena muy Billy», agregó.

Este estreno llega semanas antes de su venida a Sudamérica, con paradas confirmadas en Chile, Argentina, Brasil, Perú y Paraguay. Recuerda que el músico se estará presentando por primera y única vez , el 01 de septiembre en Teatro Caupolicán. Consigue tus entradas en PUNTOTICKET

 

LOOPS INQUIETANTES: ALONDRA NOCTVRNA ESTRENA ABISMO CLIMÁTICO

LOOPS INQUIETANTES: ALONDRA NOCTVRNA ESTRENA ABISMO CLIMÁTICO

Alondra Noctvrna presenta el videoclip para Abismo climático, nuevo adelanto que forma parte de su disco 2022 próximo a estrenarse. El track y su clip son una inquietante interpelación al desastre medioambiental.

por Rossana Montalbán


Calificado como uno de los tracks más representativos del sonido y del concepto central de su inminente nuevo disco, sucesor de su EP de 2021 H1jX de la Máquina, la música y artista multimedial Alondra Noctvrna acaba de estrenar el videoclip para Abismo Climático, una inquietante reflexión en torno al desastre ambiental de nuestros días.

Con vertiginosos beats y una asfixiante atmósfera que reflejan el cariz de su temática tan urgente como devastadora, Abismo climático y su videoclip exploran los efectos y consecuencias sociales y emocionales del extractivismo salvaje y la incapacidad de asumir la responsabilidad humana ante desastre medioambiental. El trabajo audiovisual propone una narrativa no lineal inspirada en el surrealismo y una estética onírica post-apocalíptica donde las imágenes de desechos y devastación ambiental se contrastan con la opulencia y la exuberancia de caricaturescos villanos consumidores de plástico y sangre, dando forma a una feroz metáfora.

Con dirección de arte y producción bajo la mano de la propia Alondra Noctvrna la pieza audiovisual refuerza la propuesta sonora que la artista ha venido trabajando desde 2019 recorriendo diversos paisajes sonoros bebiendo de la electrónica oscura, el synth wave o el witch house para abordar conflictos personales, la crítica política y el transhumanismo. Sobre este último trabajo la música señala “quise hacer una representación entre fantasiosa y surrealista  de una realidad que no queremos ver. Me parecía importante la presencia de la basura y el plástico para la creación de la estética. Es una canción y un concepto audiovisual que vengo trabajando desde hace mucho, que me presentó varios retos artísticos y me tomó mucho cariño y dedicación poder concretarlo”.

Rodado en la ciudad de Valparaíso, el videoclip cuenta con la actuación de la artista drag «Furia del Nilo», junto a la danza de Agor Krum y Paula Montenegro, su dirección estuvo a cargo de Parásito, y el vestuario en manos del emprendimiento local de ropa reciclada Cola Loca. Este nuevo track es distribuida y promocionada bajo etiqueta del Sello Leviatán.

THE INTERRUPTERS : TOCANDO LA FIBRA

THE INTERRUPTERS : TOCANDO LA FIBRA

In the wild se titula el nuevo álbum de The Interrupters, del cual ya hemos conocido los singles In The Mirror y Anything Was Better. El disco publicado por los sellos  Hellcat/Epitaph, está compuesto por catorce canciones resume una historia de supervivencia y resiliencia  atravesada por su frontwoman Aimee Interrupter. Junto con este nuevo disco, la banda inicia una gira por Europa, pasando por países como Bélgica, Alemania, Italia.

por Angélica Toro S.


The Interrupters están de vuelta con In The Wild, album que muestra una evolución evidente desde los primeros días en que lanzaban She’s Kerosene en 2018, canción que se convirtió en todo un hit radial en Estados Unidos.

Habiendo trabajado en sus tres discos anteriores con el productor Tim Armstrong de Rancid, a quien, en el pasado, la banda llamó el «quinto interruptor», nuevamente con él comenzaron a trabajar en las nuevas composiciones, incluida la que canta como invitado, pero la  colaboración quedó pausada una vez llegada la pandemia y el encierro, momento en que la banda no tuvo más opción que convertir su sala de ensayo en un estudio y hacer el disco ellos mismos.

El tono del disco lo marcan el periodo atravesado por su líder y vocalista, Aimee Interrupter, quien pasó por una intensa terapia que le permitió enfrentar problemas de salud mental que trató de ignorar durante años, llevándola a escribir las canciones más personales de su carrera. «En nuestra música anterior, muchas de las letras que escribí y muchas de las historias que contaba, las contaba sobre otras personas; rara vez lo hacía en primera persona», relató la música en entrevista con el podcast del medio neoyorquino BrooklynVegan. «En la mayoría de la música de The Interrupters, contaría mi historia pero a través de otras personas, como ‘eso le pasó a ella ‘.’ La canción llamada ‘Easy On You’ era mi historia, pero dije ‘ella’, ‘Jenny Drinks’ se trataba de mí en ese momento, pero dije que se trataba de Jenny, ‘She Got Arrested’ fue algo que experimenté en mi vida, pero Lo hice sobre otra persona. Entonces, este disco sentí que era hora de dejar de esconderme detrás de otras personas y finalmente solo contar mi historia y estoy muy contento de haberlo hecho, porque realmente fue una especie de renacimiento, sacarlo y finalmente revelarme. y ser real con lo que soy».


La frontwoman se refiere a In The Wild como la historia de su vida, y la perspectiva sincera y en primera persona que ofrece a lo largo de este álbum hace que sea la música más impactante que The Interrupters haya escrito jamás. Desde el primer segundo del álbum Anything Was Better te sumerge directamente a la angustia de la ansiedad social («Me sentí invisible, pero todos me miraban fijamente»), y aunque la canción suena como un himno punk edificante, en última instancia, se trata de la necesidad de escapar de su pasado.  Aimee también aborda directa o aparentemente las batallas de salud mental con la ansiedad In The Mirror, la depresión Kiss The Ground y el TOC  en su tercer single conocido como adelanto Jailbird. «Nunca me he sentido completamente mujer», es la línea que confronta la frustración de toda una vida con el binarismo de género y con la expectativa de la sociedad de lo que debería ser una mujer. una balada etérea diferente a cualquier otra cosa que The Interrupters haya compuesto hasta ahora.

Para asegurarse de que las historias de Aimee fueran plasmadas de la manera más fiel posible, The Interrupters también expandió su sonido estilísticamente, dando paso a canciones que pertenecen al territorio ska-punk al estilo de la tercera ola que The Interrupters suele pisar, pero más que cualquiera de sus álbumes anteriores, In The Wild se remonta a los estilos de música que dieron forma al ska de tercera ola en primer lugar. La banda explora más de medio siglo de historia musical, desde las raíces tradicionales del ska jamaicano de Burdens y Love Never Dies y la glamorosa balada de rock & roll de My Heart, hasta el ritmo dubby reggae de Kiss The Ground y la primera ola punk de Jailbird, hasta el renacimiento en 2 Tone de As We Live y Let Em Go, hasta himnos clásicos al estilo de Interrupters como In The Mirror, Raised by Wolves o The Hard Way. Y más que nada, el desafío del género nació de la necesidad de hacer coincidir las letras de Aimee con el telón de fondo musical que mejor capturaba el espíritu que estaba tratando de transmitir.

Para ayudar a The Interrupters a llevar a cabo su visión, hubo algunos invitados clave pertenecientes a varias generaciones de ska. Para As We Live, inspirada en 2 Tone, The Interrupters incorporó no solo al colaborador habitual Tim Armstrong , sino también a la leyenda del influyente y seminal sello, Rhoda Dakar de The Bodysnatchers y The Special. Siguiendo esta línea de evocación a las influencias históricas del estilo que los convoca, Burdens, es un track inspirado en el ska de los años 60, presenta a Greg Lee y Alex Désert de Hepcat, a quienes se refirieron como su banda de ska favorita. El igualmente arraigado Love Never Dies presenta a los grandes revivalistas del reggae punky británico The Skints, con quienes The Interrupters han estado de gira este año.

Mientras The Interrupters continua su viaje por la música ska y punk,  sus canciones siguen siendo fuente de pegadizas melodías y coros como las que los llevaron a la radio en su país natal. Sin duda este nuevo trabajo, va más allá del presente y arroja una luz sobre la historia del ska sin parecer una lección de historia , mientras enciende una luz igual o más importante sobre las realidades de la lucha contra la salud mental y el abuso. «Solo quería que fuera lo mejor que pudiera ser y lo más auténtico que pudiera ser», dice Aimee, «y decir mi verdad, y al decir mi verdad, tener la esperanza de que conectaría con la de otras personas». verdad, o contar mi historia con la esperanza de que otras personas puedan ver su historia dentro de ella».

In The Wild sale este 8 de agosto a través de Epitaph 

 

 

 

TALKING PROPS: PUNK ROCK DE ÚLTIMA GENERACIÓN

TALKING PROPS: PUNK ROCK DE ÚLTIMA GENERACIÓN

Con un vigoroso sonido punk rock de última generación la nobel banda Talking Props presenta su primer larga duración titulado Passive Aggressive, disco que los llevará a girar por Estados Unidos, y que este martes estarán presentando en vivo en el bar cultural Klama junto a Los Brito.

Por Rossana Montalbán M

Fotos en vivo C.S


La nobel banda Talking Props publica su primer larga duración titulado Passive Aggressive, una primera entrega de vigoroso punk rock de última generación que recoge los elementos más esenciales del sonido acuñado en la costa este de Estados Unidos, tierras en las que prontamente la banda chilena estará debutando en el marco de su primera gira fuera del país, y donde tendrán la oportunidad de compartir cartel con bandas como Anti-Flag y Hot Water Music, entre otras.

Dos años y el peack de la pandemia transcurrieron antes que Talking Props decidiera, a fines del verano pasado, entrar a grabar un demo en vivo del cual se desprendió el primer molde de lo que sería su futuro larga duración. Con ese primer paso, la banda se abrió a un periodo de experimentación incorporando otros amplificadores y efectos a las composiciones que formarían parte del disco antecedido por el EP The Void y los singles «cruz del sur» y «saints».

Precisamente los dos singles que anteceden al disco fueron vitales para ir afinando el sonido de Aggressive Passive grabado, mezclado y masterizado en Plexstudios y producido por Benjamin Sabah (guitarrista Talking Props) y Juan Pablo Cañoles (Plexstudios), junto con un trabajo de composición liderado en su origen por su vocalista Gastón, en conjunto con su guitarrista principal Cris, y completado más tarde por su baterista Rod y su bajista Pablo.

Tal como su titulo lo anuncia Passive Aggresive se oye como una condensada y, a su vez, explosiva descarga de emociones íntimas y personales liberadas al son de un estridente y vital punk rock de siglo XXI, con el vértigo y el frenesí del tiempo que les toca vivir expresado con la ayuda de predominantes líneas melódicas donde destaca un cuidado trabajo de guitarras. En otro carril, Heartstrings el single escogido como carta de presentación del disco  se asoma como el resultado de nuevas formas para el sonido de la banda abriendo la puerta quizás a más seguidores. Ese contraste la banda también quiso plasmarla en el arte del disco, desarrollado por Benjamín Sabah.

Con su primer LP, Talking Props dará inicio este 23 de octubre a un tour por la Costa Este de Estados Unidos, que incluye diez fechas, una de las más importantes, en el The Fest (festival en Gainesville, Florida) donde compartirán escenario con cabezas de cartel como Hot Water Music, y que también incluye a nombres como Samiam, The Menzingers, The Flatliners, agrupaciones que señalan como indiscutibles influencias de su música. Con esta agenda, la nobel banda comienza a registrar sus primeros grandes hitos, con claras intenciones de dejar sellado su nombre dentro de la escena nacional e internacional. Por el momento, la chance de verles en vivo, es esta noche de martes, en bar cultural Klama, compartiendo fecha con Los Brito.

ENTRADA LIBERADA

 

 

 

MATRIARCADO AHORA : PUSSY RIOT Y UN NUEVO DISCO

MATRIARCADO AHORA : PUSSY RIOT Y UN NUEVO DISCO

La colectiva musical y artística que adquirió visibilidad mundial tras ser apresadas luego de manifestarse en la catedral rusa en 2012, continúa ampliando su discografía, esta vez con la edición de un mixtape titulado Matriarchy Now, que incluye distintas colaboraciones y el single «Plastic».

Por redacción Crónica Sonora


 

El 21 de febrero de 2012, tres integrantes de la colectiva Pussy Riot fueron arrestadas por haber dado un concierto improvisado y no autorizado en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú. Fueron acusadas de vandalismo y condenadas a dos años de cárcel. El juicio atrajo las miradas sobre el grupo en el exterior, también por las denuncias de que recibieron malos tratos al estar bajo custodia.

Desde tal episodio el colectivo adquirió visibilidad mundial para siempre y también un bullado estatus como figuras contestatarias del arte político de nuestros globalizados y digitales días, y señaladas como referentas del feminismo en la cuarta ola del movimiento. La proliferación de la banda y sus integrantes como artistas feministas de impacto mundial, propició la visibilidad a su música inicialmente enmarcada en las formas y apariencias del punk y la performance artivista, plagada de consignas políticas antifacistas y feministas, potenciada por una estética basada en prendas de evidente simbolismo de luchas revolucionarias de tiempos pasados como overoles o pasamontañas resignificados con colores vivaces y transgresores en cuerpos femeninos y no binarios, y en un contexto feminista que por esos años comenzaba a asomarse. La férrea oposición al gobierno de Vladimir Putin manifestada en cada uno de sus actos.

El torbellino político, judicial y mediático que significó el encarcelamiento de la banda, además de atraer la atención del mundo, revivió entre las nuevas generaciones la idea del arte político y activista en el contexto de la fiebre de las redes sociales, y en una nueva explosión del feminismo, recogiendo el apoyo de distintos sectores artísticos y sociales alrededor del mundo entero levantando campañas de apoyo y difusión. Pero todo siguió su curso y la infame persecución política impulsada por el gobierno de Putin no dio tregua alguna hasta el día de hoy, con la banda ya fuera de la cárcel continua enfrentándose al líder político y su régimen.

Diez años después, en pleno 2022 la banda continúa adoptando nuevas formas y estéticas propias de su tiempo, desplazándose de su inicial apariencia y expresión punk para incorporar el pop, la electrónica urbana, y el hip hip moderno. Así ya lo ha ido dejando en evidencia con el material del 2020 y 2021. Para este año la banda ha anunciado la publicación de un nuevo álbum Matriarchy now, recuperando la idea y formato del mixtape, donde se funden tracks, como bien dice su nombre, entremezclados y colaboraciones con diversas artistas como Slayyyter, Salem Ilese, Phoebe Ryan, Mazie y Kito a quienes Tolokonnikova se refiere como su “ejercito feminista”, la producción ejecutiva estará a cargo de Tove Lo. El material llegará el 5 de agosto a través de Neon Gold Records.

Como primer adelanto la banda liberó el sencillo Plastic, una nueva interpelación a las lógicas del patriarcado y la permanente cosificación de la mujer a través de cánones de belleza hegemónica y de la sobrexplotación de determinados estereotipos físicos y sociales. El track incluye la participación de iLoveMakonnen.

En las últimas semanas,  la colectiva ha desplegado su performance en Estados Unidos, tras darse a conocer las controversiales medidas impuestas contra los derechos reproductivos de las mujeres en algunos estados, colgando la pancarta con la frase ‘Matriarchy Now’ en el capitolio del estado de Texas.

 

Matriarchy Now tracklist:

1 – «PRINCESS CHARMING» ft. Salem Ilese
2 – «PUNISH»
3 – «PLASTIC» ft. ILOVEMAKONNEN
4 – «HORNY» ft. Phoebe Ryan
5 – «SUGARMOMMY» ft. mazie
6 – «HATEFUCK» ft. Slayyyter
7 – «POOF BITCH» ft. Big Freedia

INTERROGACIÓN AMOR ¿CÓMO UN ÁNGEL PODRÍA ROMPER MI CORAZÓN?

INTERROGACIÓN AMOR ¿CÓMO UN ÁNGEL PODRÍA ROMPER MI CORAZÓN?

Haciendo honor a su sugerente nombre el dúo español Interrogación Amor, publica su nuevo disco «Cómo un ángel podría romper mi corazón», un disco que se asoma como la guía del abc alternativo de otras épocas pero son sabor a futuro.


Todo es mentira. La inmediatez. Las sonrisas en Instagram. La certeza de la felicidad. Todo falso. Nos atenazan las dudas. Los miedos. Por eso escuchar a INTERROGACIÓN AMOR es como echarse colirio en los ojos, quitarse las gafas, para ver la nada. La juventud de Carlos y Javier su clarividencia, es, permítannos decirlo, insultante.

“Cómo un ángel podría romper mi corazón”, su nuevo disco, y el primero con su nueva formación como dúo, funciona poliédricamente. Como una sinuosa trayectoria abstracta entre estilos musicales, una especie de tratado de posmodernismo sonoro, capaz de pasar por el folk, el noise, el avant garde, el trip hop, el jungle, el digicore, el synth pop o el punk, sin apenas despeinarse. También funciona como un ejercicio de poesía a corazón abierto, sin tapujos, contundente y áspero, lleno de ironía malsana y frases memorables. Pero probablemente su aspecto más atractivo es su condición esquiva.

En INTERROGACIÓN AMOR habitan la oscuridad con una naturalidad que desarma, rompen tópicos casi sin pretenderlo, creando un universo que conquista por sus penumbras, sus incógnitas, por hacer del negro un espacio hipnotizante, desasosegante y confortable al mismo tiempo.

Punto de partida: “nadie me dijo que estaba sangrando”. Entre el sonido de los primeros lanzamientos de Cherry Red, el avant garde y el spoken word. Comienza la hipnosis. Lanzarse al fondo de un pozo como el que se sumerge en una piscina de oro. Turbulencias. Ruido. “No saben cómo me llamo, ¿Qué nombre recitarán el día de mi funeral?” SONIC YOUTH. Y después, “NADA!”. El primer adelanto de este nuevo disco. Synth pop y punk pop. Adictiva. Inmediata. Explosiva. Despecho y vacío. Las gotas de sudor recorren la sien. Para cuando empieza “el amor está en el
aire”, los golpes han llegado de todos los flancos. Ese riff sedoso, seductor, amable, esa manera de romper la canción y levantarla un tono, para decirnos al oído “El amor está en el aire y yo me voy a ahogar”. Y en ese momento entendemos lo difícil que es respirar. “una manera perfecta de morir” funciona como la primera parte de un díptico: una promesa de amor eterno, a prueba de bombas, entre ritmos trip hop y bajos gordos. PORTISHEAD. MASSIVE ATTACK. Díptico que cierra “¿cómo nos pudo pasar?”.

El desengaño, la realidad imponiéndose, y la explosión a modo de jungle. Sudores fríos. Escalofríos y temblores. Convulsiones. ¿Cómo puede la escucha de un disco ser algo tan físico? Y llega “MALA SUERTE”. El Bowie noventero más esquivo, el que componía para David Lynch, digicore y bilis, como si estuvieraWilliam Orbittras los mandos. Como si Björk volviese a sus tiempos más inspirados. “Mala suerte sin pecado concebido”. Menudo latigazo. Inmisericorde. Cómo nos gusta la total ausencia de condescendencia. Y entonces llega “ojalá no salga el sol”, la delicadeza, la guitarra acústica, acariciada, como los momentos de paz de SMASHING PUMPKINS. “Persigo tu fantasma / Por las grietas de tu techo / Compartiendo nuestra sombra / Tú y yo, también el miedo”. Y entonces nos rompemos. ¿Dónde estaba toda esta belleza? ¿Es esto lo que esconde la oscuridad? ¿El silencio? ¿La calma? ¿Es la única manera de conseguir la paz? Y entonces nos damos cuenta de que es la primera parte de otro díptico, el que cierra “en un jardín de amapolas”: “Contando tus latidos / Nos dormimos / Mientras lloras / Volver a nuestro sitio / Un jardín de amapolas”. Y encontramos las turbulencias detrás de la paz, el ruido que hay en el silencio, la belleza que hay en la deformidad. Los sonidos rebotando contra las paredes. La sensación final de vacío, de haberlo soltado todo, de no quedarnos nada dentro. Y entonces hacen tu alma levitar por encima de las nubes con la coda final de “CRISTAL”. Sí, somos frágiles y hermosos. Shoegazing y épica, delays y ecos, EXPLOSIONS IN THE SKY haciendo latir nuestros corazones, pero haciéndonos contener la respiración. ¿Qué ha pasado?

Un punto y aparte merece la ayuda en la producción de DJ HATER (residente de El Invernadero),que ha dado una mayor complejidad y aristas a un disco ya de por si lleno de cicatrices. Pero es que una vez más, INTERROGACIÓN AMOR nos han dejado sin palabras. Esto va muy en serio. Esto es muy serio. ¿Están preparados para romper su corazón?