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LA GUITARRA DESENFADADA DE CORDELL JACKSON

LA GUITARRA DESENFADADA DE CORDELL JACKSON

 

 

En 1992 la cerveza Budweiser publicó un comercial para televisión donde el célebre Bryan Setzer -de los Stray Cats y la Brian Setzer Orchestra- aparecía tocando sobre el escenario hasta que una abuela que aparece en las graderías sube a tocar con él y simplemente le vuela la cabeza. La mujer demuestra con la guitarra que es más poderosa que Setzer y termina transformándose en el centro de atención. El comercial fue un éxito por la presencia de Setzer, pero, sobre todo, por esa mujer rocanrolera con apariencia de abuela. Lo que casi nadie sabía era que esa abuela no estaba actuando, sino que realmente era una de las guitarristas más poderosas que ha conocido el rock and roll y que Setzer, para darse un gusto, había pedido incorporarla en el aviso, como una forma de homenajear a una de sus ídolas y referentes musicales. Esa abuela era Cordell Jackson.

Cordell Jackson es una de las pioneras del rockabilly e influencia vital para lo que posteriormente se haría llamar psychobilly. Relegada durante casi toda su vida a la posición “de culto”, Jackson solo adquirió notoriedad siendo ya anciana -con el citado comercial de Budweiser-, por lo que la imagen que tenemos de ella es la estampa de una anciana vestida con un ancho y viejo vestido de fiesta, tocando la guitarra eléctrica a todo volumen y velocidad, ganándose el apodo de “la abuela del rock and roll”. Pero su carrera venía de mucho antes; es más, Cordell Jackson era un referente no solo para el guitar hero Brian Setzer, sino también para músicos como Link Wray, The Cramps y The A-Bones. Y no exagero: una vez que escuches a Cordell Jackson te será inevitable pensar en el sonido de Poison Ivy de The Cramps, otra de las grandes admiradoras. Las presentaciones en vivo de Jackson eran una inyección de energía: ella subía al escenario sin músicos, solo con su guitarra eléctrica y amplificador, bien peinada y con sus clásicos vestidos, y comenzaba a tocar con una energía impensada, con tanta fuerza que rompía las uñetas casi en cada canción. 

Sin embargo, y por increíble que parezca, su mayor aporte a la música viene por otro lado: fue la primera mujer en producir, diseñar, organizar y promover música en su propio sello discográfico independiente. Sí, Cordell Jackson fundó y lideró durante toda su vida el sello discográfico Moon Records, donde editó y distribuyó de manera independiente y autogestionada su música y la de otros y otras artistas de Memphis. Pero volvamos al principio.

Cordell Jackson -nacida en Misisipi en 1923- venía de una familia muy cercana a la música. Su padre era un violinista que ocasionalmente la dejaba tocar en su banda, los Pontotoc Ridge Runners. Con solo doce años ya tocaba la guitarra, la mandolina, el piano, la armónica y el banjo, y llegó a presentarse en vivo regularmente en el programa de radio donde trabajaba su padre. En una entrevista, muchos años después, recordaría que a esa edad la gente le decía «las niñas no tocan la guitarra», a lo que ella respondía “bueno, yo sí lo hago”. (Y vale decir que para entonces Elvis Presley apenas estaba naciendo). Una vez terminada la escuela se mudó a Memphis, en busca de mejores perspectivas para sus inquietudes musicales. Fui allí, en la cuna del rock and roll, donde comenzó a escribir canciones, para ella y para otros artistas, y para fines de los años cuarenta compró su propio equipo de grabación, transformándose, muy probablemente, en la primera ingeniera de sonido de Estados Unidos. 

En 1956 fundó, sin pedirle permiso a nadie, Moon Records, su propio sello discográfico. En una entrevista señaló: “estuve haciendo algunos demos en Memphis Recording Services y en Sun, con Sam Phillips, quien escuchó un par de canciones «Rock and Roll Christmas» y «Beboppers Christmas», pero me dijo que no tenía suficiente tiempo ese año en particular para publicar antes de Navidad, así que me dijo que volviera el próximo año. Así que llegué a casa y le digo a mi esposo que iba a partir desde otro lado”. Y así lo hizo. Moon Records comenzó a operar en el estudio de la casa de Cordell Jackson, siendo ella la encargada de grabar, arreglar, mezclar, publicar, editar y promocionar sus propios discos, con toda la actitud Do It Yourself que muchos años más tarde el punk convertiría en uno de sus pilares. “Soy mi propia mánager, soy mi propia agente comercial, hago las canciones, hago de todo, escribo mis propias notas, preparo el empaque y voy al banco. No necesito de nadie para producir mis discos ni nada. No trabajaría con una major a menos que puedan hacerlo como yo tengo que hacerlo”.

Durante los años sesenta y setenta, Jackson se dedicó a Moon Records de manera parcial, mientras ejercía de vendedora de propiedades, pero para fines de los setenta y principios de los ochenta, con el revival de la música garage -con The Cramps a la cabeza- los singles casi enterrados de Cordell Jackson tuvieron una segunda vida. Una nueva camada de bandas la admiraba y hacían versiones de sus canciones, coleccionaban sus singles e imitaban su manera de tocar. Moon Records acuspo recibo y editó un álbum recopilatorio en vinilo con los sencillos de los años cincuenta titulado The 50’s Rock on the Moon of Memphis Tennessee: An Oddity. Pero no solo eso: por aquellos años grabó su primer y único videoclip para el tema “The Split”, un video de bajo presupuesto grabado en el patio de su casa, mostrándola rasgando la guitarra con una velocidad asombrosa, intercalando también imágenes del interior con una Cordell haciendo escenas con un sentido del humor envidiable. Un video simple, pero que comenzó a levantar polvo y a hacer circular el rumor de “la abuela del rock and roll”. 

Muy pronto la prensa musical también pondría sus ojos en ella. Fue así como llegaría a tocar en vivo en MTV. La actuación de Cordell Jackson en este programa – y en ¡MTV!- tendría como banda de soporte nada menos que a Miriam Linna (batería) y Marcus Natale (bajo), miembros de The A-Bones, una banda que merece -y, les aseguro, tendrá- su artículo propio. En esta presentación, Jackson aparece sentada con uno de sus típicos vestidos tocando a toda velocidad, con una fuerza y energía que emociona, mientras la increíble Miriam Linna -quien también fuera la primera baterista de The Cramps y fundadora de Norton Records- toca la batería de una forma conmovedora. Pura energía rock and roll y garage. Por favor, hazte un favor y ve este video en YouTube.

Cordell llegaría a ser invitada muchas veces más a la televisión, incluso al estelar de David Letterman. Por supuesto, su notoriedad tardía, que se expandiría aun más con el comercial de Budweiser, tendría sus detractores entre el público conservador, que no lograban ver más que a una abuela haciendo cosas de jóvenes. Pero, por supuesto, Jackson tenía una respuesta para ellos: “Si quiero bailar el rock & roll a los sesenta y nueve años, con un vestido anterior a la guerra, no es asunto de nadie más que mío”. Tampoco faltaron quienes vieron con ojos suspicaces su técnica agresiva y poco pulcra, diferente, por ejemplo, a la de Setzer. Pero ese no era tema para ella: “Equivocarme no me importa en lo más mínimo. No sé si soy grandiosa, buena o mala, solo me interesa que la gente disfrute de la música. Al subir al escenario lo único que te garantizo es un bonito vestido y el volumen muy alto”.

En los años noventa, Cordell Jackson se mantuvo activa tocando en vivo y grabando en Moon Records, con un respeto bien ganado y una pequeña pero fiel legión de fans. Recibió varios homenajes, apareció en cameos en cine, fue versionada por distintas bandas de garage-rock -como los A-Bones, por ejemplo- y entró al Salón de la Fama del Rock and Roll de Memphis. Nunca consiguió el éxito masivo, cosa que, como podrán adivinar, tampoco le interesaba en lo más mínimo. Ella era feliz con su música, sus vestidos, su estudio de grabación y una honestidad brutal que mantuvo en pie hasta el día de su muerte, el 14 de octubre de 2004, cuando Moon ya era el sello en activo más antiguo de Memphis: “No me importa hacerme rica, pero siempre y cuando la gente disfrute de la música. Algunas discográficas simplemente publican un disco y se retiran. Algunos sacan dos y renuncian. Algunos sacan tres y renuncian. Pues, yo nunca vendí ni renuncié. 

DERRUMBANDO DEFENSAS: 12 AÑOS DE HARDCORE FEMINISTA

DERRUMBANDO DEFENSAS: 12 AÑOS DE HARDCORE FEMINISTA

Derrumbando Defensas,la banda oriunda de Temuco, acaba de cumplir doce años de trayectoria, doce años de resistencia, hardcore y feminismo que, por estos días, festejan con distintas actividades virtuales en sus redes sociales, mientras se preparan para retomar la actividad en estudio y en vivo. Repasamos su historia y música en la siguiente entrevista.

Por Rossana Montalbán

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Formadas en 2009, en Temuco, región del Bío Bío, con Maritza en voz, Mónica en guitarra, Coty en betaría y Carolina en bajo, Derrumbando Defensas es, a día de hoy, una de las bandas integradas por mujeres más antiguas del circuito hardcore punk de la última década. Un camino en el que han cultivado su propia lectura del hardcore punk crossover tomando elementos del metalcore, el death, el thrash  junto con el desarrollo de líricas de corte existencial y descontento social en el que el antiespecismo y el feminismo son causas principales.

Tres discos componen hasta ahora su discografía, “En días de egoísmo y gritos de dolor” de 2010, seguido por “El mundo cerró sus ojos” de 2014, y finalmente “Confrontación” de 2017. Tres discos con los que la banda ha salido de gira por Brasil y Argentina para compartir escenario con emblemáticas agrupaciones sudamericanas como Ecocidio.

Su último show pre pandemia fue la apertura para los legendarios D.R.I en su última visita a Chile en marzo de 2020, año que cerraron formando parte, como la única banda liderada por mujeres, del disco tributo a Machuca “Qué viva Machuca para todos”, reversionando la canción “No quiero morir antes de haber vivido”. Sin duda, otro hito para una banda que, desde el underground, abrió una pequeña gran puerta para la permanente brecha de género existente en la música.

Fue a mitad del 2009 cuando Maritza y Coty se reunieron con la idea de iniciar un proyecto musical hecho exclusivamente por mujeres. Desde un principio, sus preferencias musicales las llevaron a habitar el circuito hardcore punk de la ciudad, lugar en el que evidenciaron la poca presencia de congéneres entre quienes asistían a las tocatas como también la nula participación de mujeres a nivel musical integrando alguna banda. Ese hecho fue determinante para lo que luego sería el nacimiento de Derrumbando Defensas, doce años atrás. «Maritza vocalista y Coty baterista respectivamente, fueron quienes siempre tuvieron la intención de formar una banda de mujeres. Después de varios intentos se completó la formación definitiva hasta el día de hoy, Carolina bajista, prima de Coty y yo como guitarrista fui la última en incorporarme. Para nosotras existía una necesidad de ver a mujeres tocando, porque si bien veíamos mujeres en las tocatas o participando en fanzines era muy escaso ver a mujeres músicas en este circuito musical. Y en el estilo de música que a nosotras nos gustaba no habían mujeres tocando por eso quisimos ser partícipes y tomar acción y ponernos a tocar. Queríamos consolidarnos en este género musical donde no había mucha participación femenina». Relata Mónica, guitarrista de la banda.

Los primeros años de la banda transcurrieron en el circuito underground temuquense, en casas okupas y centros culturales autogestionados. Espacios y momentos de los cuales la banda guarda gratos recuerdos sobre cómo las acogió el público. «Nuestras primeras actuaciones fueron en la Okupa Casa Roja ubicada en el centro de Temuco, lo mencionamos siempre porque fue un lugar muy icónico que mucha gente recuerda con cariño y que ya no existe. Ahí tuvimos muy buena recepción». Recuerda Mónica.

Desde sus orígenes, géneros musicales como el HxC o el punk han sido corrientes que se han situado desde lo disruptivo y lo anti sistémico ejerciendo una mirada crítica y, sobre todo, de repudio hacia la sociedad postmoderna y capitalista desde posiciones profundamente radicales y divergentes en oposición a un sistema socioeconómico y sociopolítico opresor, violento y hegemónico. Sin embargo, esta esencia contracultural no ha estado exenta de reproducir lógicas poco horizontales, discriminatorias o patriarcales que suelen atravesar todos lo ámbitos de la sociedad, incluso, el underground. A día de hoy, aún resulta difícil hablar de un circuito under de no predominancia masculina. Pero al mismo tiempo, el aumento de proyectos musicales liderados por mujeres, ha ido pavimentando el camino hacia una posible equidad y diversidad en los espacios, así lo relata Mónica: «Llevamos doce años tocando y en general nuestra experiencia ha sido buena y positiva, hemos tenido buena recepción y acogida por parte del público en general y de los hombres sobre todo. Pero en nuestros primeros años sí se daban situaciones complejas cuando tocábamos en algunos shows en circuitos más metaleros en los que muchas veces nos empezaban a gritar supuestos piropos mientras tocábamos, dejando en segundo plano nuestra labor musical. En esos días se resaltaba mucho el hecho de que éramos una banda de mujeres como algo muy pintoresco, y como si fuéramos un objeto. Y solo se referían a lo estético. Con el paso del tiempo eso dejó de ocurrir, y hoy después de años tocando se refieren a nosotras como músicas y hablan de nuestra música no de nosotras cómo nos vemos o de cómo nos vestimos».

Otra problemática que no puede dejarse de lado al momento de conocer el trabajo de bandas como Derrumbando Defensas, es la centralización y la dificultad para dar a conocer la actividad existente en otras regiones del país, enfrentándose a mayores obstáculos de difusión, e incluso, de acceso a tecnología apropiada para lograr un trabajo musical de calidad y profesional. «Es interesante lo que dices porque no pude evitar recordar la experiencia con nuestro primer disco el cual se grabó, mezcló y masterizó en Santiago, y fundamentalmente se hizo así porque cuando hablábamos con otras bandas nos recomendaban solo gente y contactos de Santiago. Durante una época estuvimos de manera constante alternando entre Santiago y Temuco porque un par de nuestras integrantes de la banda, la bajista y baterista, se fueron a vivir a allí desde hace dos años y nos ha servido para mantenernos activas y vigentes y ha hecho que nos conozcan más personas y ayuda a la retroalimentación que pueda haber entre una ciudad y otra. Quizás desde el punto de vista geográfico se siente esa barrera pero a estas alturas las redes y los contactos se van dando en todos lados y el paso del tiempo y la tecnología ha hecho que las cosas se den de manera menos centralizada» recuerda y afirma Mónica.

En este mismo sentido, la experiencia de la centralización con sus distintas desventajas, paradójicamente logra generar otro fenómeno relevante, reforzando el sentido de lo local, contribuyendo de alguna forma al florecimiento y a la persistencia del underground. «Desde que partimos, en esos años en Temuco habían muchas actividades musicales con distintos estilos de música y muchas bandas activistas sacando discos y tocando. Siempre ha existido una identidad local y gente que asistía a esos shows a escuchar a esas bandas de sus ciudad. Creo que aún lo hay pero con la pandemia todo cambió y algunos locales cerraron, no sabemos como será todo después de eso y si esto generará un estancamiento en el circuito musical de la ciudad». Dice Mónica.

El sonido de Derrumbando Defensas enraizado en el hardcore metal y el crossover, encontramos los principales códigos del género, la estridencia, los quiebres, la velocidad, lo gutural y el desgarro de la voz. «Desde nuestro inicios lo primordial fue el sonido hardcore, y luego fue evolucionando con las influencias de cada una, fuimos fusionando distintos elementos, dando forma a este crossover con guiños notorios a cada uno de los géneros que mezclamos como el thrash, el death o el punk». Señala Coty, baterista de la banda.

Entre 2010 a 2017, el cuarteto ha editado tres discos, en los cuales se puede percibir cómo la banda ha ido puliendo su trabajo en estudio y cómo su sonido  junto con sus líricas se han ido reformulando con el paso del tiempo y con la experiencia adquirida. «Bueno, en este primer disco no teníamos tanto conocimientos del trabajo profesional de grabar un disco a pesar de aunque todas ya habíamos tenido bandas. Grabamos en Santiago con el apoyo de bandas amigas conseguimos estudio e instrumentos para poder hacerlo. Me prestaron instrumentos en esa época y no tenía dinero para comprarme los propios. Fue una gran experiencia y muy entretenido. Estuvimos todo un día grabando voces, guitarras, baterías y bajos. Y lo masterizó uno de los integrantes de La Miseria de tu rostro.  Viajamos desde Temuco juntamos plata entre todas , vendimos cosas para poder lograrlo. Y a pesar de todo quedamos conformes y nos fue bien con el disco a pesar de que ahora podemos encontrarle falencias, nos dimos cuenta que esas cosas se mejoran con el tiempo». Agrega Coty.

“En días de egoísmo y gritos de dolor”, es el primer disco de la banda, editado en 2010, un disco donde las letras resultan más introspectivas y emocionales, precisamente marcando el pulso visceral de la música de Derrumbando Defensas como una de sus principales cartas de presentación. «Qué bonito lo que dices. La verdad es que a mí me hace cuestionar y en realidad volver once años atrás. Y la verdad es que efectivamente las letras son más emocionales e introspectivas por el periodo que estábamos viviendo cada una, personalmente yo estaba viviendo un momento muy malo donde todavía no era tan feminista, es decir no tenía suficiente amor propio como para entender que lo que nos merecemos las mujeres es el respeto. Ese disco me ayudó mucho a gritar para poder liberarme con la banda y para afrontar varios temas emocionales. Me ayudó a valorarme a mi misma, a seguir adelante y no dejar que me pasen a llevar. Otro aspecto relevante en nuestras letras desde nuestros inicios siempre ha sido la liberación animal. Todas somos vegetarianas, asistimos a marchas y a actividades de defensa animal. Es importante poder cantar por los que no tienen voz. Las letras tienen que ver con nuestras convicciones en todo sentido, en lo social y en lo personal. En el respeto entre los seres. Y queremos dar esos mensajes en nuestra música y cuando tocamos en vivo donde conversamos y hablamos en el escenario para reforzar lo que dicen nuestras canciones». Dice Coty.

Para su segundo disco, titulado “El mundo cerró sus ojos”, la banda continuó afinando su lectura del hardcore crossover como también fue adquiriendo nuevas influencias para nutrir ese sonido que ha logrado cuajar, de manera consistente los códigos de cada subgénero. Un sonido que se ha forjado a punta de dedicación, optimizando los recursos disponibles tanto a nivel técnico como artístico, bajo la autogestión y el espíritu autodidacta de la banda. «En este segundo disco todavía no teníamos un productor que nos pudiera aportar más al trabajo. lo grabamos en diferentes lugares y eso nos demoró un poco para poder concretar el disco, estuvimos nosotras a cargo de la mezcla y lo masterizamos afuera. Un aspecto importante en nuestro sonido es la mezcla de influencias y corrientes que cada una escucha. En nosotras hay distintos estilos. Escuchamos metal extremo, metal clásico, punk, metalcore, deathcore, y así vamos uniendo todo eso y va surgiendo el sonido de Derrumbando Defensas. Siempre nos ha querido clasificar en un solo tipo de hardcore pero eso, la verdad, es que no es posible porque nosotras mezclamos todos esos sonidos y elementos», cuenta Coty.

Para Confrontación”, su último disco editado en 2017,  las cuatro músicas decidieron abordar con mayor crudeza los grandes temas que las convocan, y en él se puede escuchar una versión acabada de lo que la banda ya venía proponiendo en sus trabajos anteriores, una poderosa avalancha de velocidad, estridencia y quiebres rítmicos sustentando el mensaje  directo y frontal de sus líricas. «En este disco ya queríamos entregar un trabajo más profesional y un sonido lo más logrado posible con mejores instrumentos y equipos. Lo grabamos con Brutal Records donde tuvimos un trabajo detallado de pulir los temas de tocar todo a tiempo. Quedamos muy conformes con este trabajo que es mucho más logrado que los dos anteriores»  cerró Coty.

Por estos días, el cuarteto compuesto por Mónica, Coty, Carolina y Maritza, ya se encuentra finalizando el proceso de composición de su cuarto disco, para en las próximas semanas, y tras una larga espera, iniciar su trabajo en estudio que verá la luz antes de fin de año, y así continuar escribiendo y gritando esta historia de resistencia, hardcore y feminismo.

DELUSIONAL EN VIVO: BBS PARANOICOS ESTRENA SHOW INÉDITO.

DELUSIONAL EN VIVO: BBS PARANOICOS ESTRENA SHOW INÉDITO.

Continuando con los festejos de sus treinta años de trayectoria, la emblemática banda de hardcore melódico BBS Paranoicos, estrena el show de lanzamiento de su noveno y premiado disco Delusional, realizado en septiembre de 2018 en Centro de Eventos Blondie.

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Probablemente, pocas bandas de rock subterráneo, en Chile, tengan una trayectoria tan articulada y creciente como la que ha logrado forjar a lo largo de tres décadas BBS Paranoicos. Tres décadas donde todo ha cambiado; el circuito underground, las formas de hacer y divulgar música, las comunicaciones, la tecnología, el mundo. Ese cambio el cuarteto lo ha sabido canalizar en una trabajosa y fructífera vida musical que los ha llevado a romper sus más inmediatos límites como banda surgida en la escena punk rock de principio de los 90s. Desde entonces, ese viaje no se ha detenido y los ha convertido en una de las bandas más longevas, prolíficas y consolidadas de su generación.

2018 fue el año en que BBS Paranoicos regresó en gloria y majestad tras un silencio discográfico de cuatro años luego de lanzar y promocionar Cruces (2014). Por esos días la banda había decidido tomarse las cosas con calma antes de volver al estudio, pero mientras tanto, las fechas en vivo seguían su curso programático, así fue como en 2016 la banda ofició como show de apertura para la primera y única visita de Descendents a Chile. Un encuentro seminal para lo que llegaría a ser su siguiente disco.

Corría el invierno de 2018 cuando el cuarteto anunciaba la presentación en vivo de su noveno disco de estudio, Delusional, uno de los más logrados y aplaudidos hasta la fecha, grabado en los estudios The Blasting Room, en Colorado, Estados Unidos, y producido por el legendario músico de Descendents, y experimentado productor de bandas como Rise Against y Lagwagon, Bill Stevenson, a quien, precisamente, habían conocido y asombrado la noche de su debut en Santiago.

Estrenado en julio de ese año y, más tarde, ganador del Premio Pulsar 2019 en la categoría Mejor Artista Rock, el disco tuvo su noche estelar el sábado primero de septiembre de 2018, en un abarrotado centro de eventos Blondie, ante un fervoroso y entusiasta público fiel que había agotado las entradas para el esperado show donde se presentaría la nueva apuesta sonora que la banda había logrado bajo la dirección y sabiduría de Stevenson. Una apuesta que nuevamente dejaba ver cómo la banda era capaz de alcanzar nuevos y acabados matices para un perfeccionado sonido BBS Paranoicos donde las guitarras, los juegos de rítmicos, las velocidades variantes y las líneas melódicas combinan en justa precisión y energía, energía que durante dos horas se pudo presenciar aquella noche de septiembre en el mítico recinto santiaguino, noche donde BBS Paranoicos desplegó su flamante nueva creación en una explosiva liturgia de sudor y coros a todo pulmón.

Registrado de manera íntegra capturando la fuerza del momento, y sumándose a su imparable calendario de celebraciones, hasta ahora, virtuales, “Revive Delusional” será transmitido este 24 de julio, disponible por 24 hrs, y las entradas para conectar con la presentación están disponibles a través de Ticketplus con un valor de $5.000 en Preventa, $7.000 General y $10.000 con el registro de audio para descarga. 

 

 

THE NEW YORK DOLLS: MEDIO SIGLO DE ROUGE, TACONES Y CRUDEZA

THE NEW YORK DOLLS: MEDIO SIGLO DE ROUGE, TACONES Y CRUDEZA

 

Si hay una palabra que resume de manera más o menos amplia a la banda New York Dolls, esa palabra es influyentes. Su aparición a comienzos de los años ’70 fue un verdadero mazazo a quienes vieron en ellos la inspiración para tomar los instrumentos y formar sus propias bandas.

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Herederos descarriados del rock and roll de los años ‘50, mezclados con una actitud desafiante, peligrosa – y no solo para la sesión de fotos -, con un sonido desprolijo clásico de garage y una facha de travestis pendencieros, New York Dolls fue una verdadera bofetada a los grupos empaquetados, una llama que devolvió al rock and roll a la calle y le entregó la posta a bandas como Ramones para que dieran forma a lo que posteriormente se conocería como punk. Pero su historia está llena de excesos y tragedias que tienen hoy solo a uno de los sus miembros, el cantante David Johansen, con vida. El hecho de que estemos cumpliendo cincuenta años desde su fundación, quizás sea una buena excusa para detenerse en su historia, tan breve y autodestructiva como alucinante.

El glitter-rock, rebautizado en la actualidad como glam-rock, nació de las posturas desprejuiciadas y provocadoras de un puñado de músicos que coqueteaban con la ambigüedad -fuera real o simple pose- a través de disfraces, el uso kitsch de lentejuelas y maquillaje femenino. Pero su sonido era más bien clásico, excepto en momentos de genialidad de Bowie o en piezas inspiradas de Marc Bolan de T-Rex. Los New York Dolls tomaron esa apariencia provocadora para adaptarla a su particular música, mucho más cercana a los riffs sucios de Keith Richards que a las melodías de glitter-stars como Elton John. Pero no solo eso, los Dolls se ponían tocones y llevaban navajas, se emborrachaban, eran yonquis y callejeros. Eran peligrosos. Su rock and roll esencial, inmediato, sin sobreproducción ni overdubs, más sus letras que hablaban de drogas y de la calle, los transformaron en cosa de semanas en la banda que había que ir a ver. Sus influencias musicales eran marcadamente cercanas al blues y al rock and roll primitivo -incluso grabaron un cover de Bo Diddley para su legendario álbum debut-, al sonido sucio de los primeros Rolling Stones, más la ejecución fiera de los Stooges y MC5, pero todo pasado por el filtro de las peligrosas calles de la Nueva York de los ‘70.

Los Dolls se formaron en 1971 y comenzaron tocando en algunos antros neoyorquinos. La primera formación que saltó al escenario estaba compuesta por el cantante David Johansen, los guitarristas Johnny Thunders y Sylvain Sylvain, el bajista Arthur Kane y el baterista Billy Murcia. Sus actuaciones eran tan salvajes que se corrió la voz por toda la escena neoyorquina y pronto estaban tocando en el Max’s Kansas City, local famoso por las exhibiciones de la Velvet Underground. Ya en 1972, The Faces, la banda de Rod Stewart y Ron Wood, los invitaron a ser sus teloneros en una serie de conciertos en Londres, incluyendo presentaciones multitudinarias en Wembley. Todos los miembros de los Dolls eran aficionados -aunque aficionados es decir poco- a las fiestas y el consumo de alcohol y drogas, lo que pronto comenzaría a marcar a fuego su trágica trayectoria. En una fiesta tras una de esas presentaciones en Londres, el baterista Billy falleció en la tina. Lo que ocurrió fue que Murcia se desmayó por una sobredosis accidental de Quaaludes o Mandrax mezclados con alcohol. En un esfuerzo por reanimarlo, fue puesto en la tina con agua caliente mientras le metían café frío, el cual se derramó por su garganta dando lugar a una asfixia que le provocó la muerte. La banda canceló los shows que le quedaban en Inglaterra y volvió a Nueva York, sin pensar en que su reputación de tipos peligrosos y salvajes se había acrecentado con la muerte absurda de su baterista, quien fue reemplazado por el legendario Jerry Nolan, dando así con la formación más clásica de New York Dolls: Johansen, Thunders, Sylvain, Kane, Nolan.  

Esta fue la formación que entró a grabar, con la producción del reputado Todd Rundgren, su primer disco de estudio bajo el sello Mercury y publicado en 1973. Este álbum fue una catarsis. Estaban allí todos los elementos que convirtieron a los Dolls en una de las bandas más influyentes del rock and roll y su evolución futura. Canciones rápidas y directas, un sonido difuso y ruidoso, letras muy lejanas del simbolismo o la poesía, sino que muy terrenales, que hablaban de la neurosis de la vida en una ciudad como Nueva York, de drogas, de problemas adolescentes y cortocircuitos sociales. Quizás el título de canciones como “Personality Crisis”, “Trash” o “Pills” nos den una pista de dónde iba la cosa. Otro aspecto impresionante es la portada, con los Dolls luciendo sus tacones y labios pintarrajeados, con cocteles y cigarrillos, y el logo de la banda escrito con lápiz labial. Una invitación real al lado salvaje. 

Guitarist Johnny Thunders (1952-1991) from American rock band the New York Dolls performs live on stage at the Wembley Festival of Music, at the Empire Pool, Wembley, London, 29th October 1972. (Photo by Michael Putland/Getty Images)

 

 

El álbum -titulado simplemente New York Dolls– abre con “Personality Crisis”, lo más cercano a un hit que llegaron a tener. El tema es sin duda uno de los comienzos más impresionantes en la historia del rock and roll. Un golpe de platillo, un riff, una escala en el piano al estilo Jerry Lee Lewis, y comenzamos a ser invadidos de puro rock and roll: tres acordes, energía y espíritu juvenil, notoriamente influido por los Rolling Stones, pero llevado al extremo salvaje en el que siempre se movieron. continúa el álbum con “Looking For A Kiss” y “Vietnamese Boy”, ambas piezas adrenalínicas que anticipan de manera clara al punk que estaba a punto de explotar. Otras canciones imperdibles son “Frankenstein” y “Trash”, piezas que esconden el poco virtuosismo de los músicos tras una dosis de fiereza y energía pocas veces escuchada hasta entonces.

Los Dolls en corto tiempo ganaron una corte de seguidores ilustres. Los futuros miembros de Ramones reconocieron en varias entrevistas que ver en vivo a los Dolls fue lo que los empujó a crear la banda, lo mismo que a la mayoría de los músicos que protagonizarían poco tiempo después el fenómeno del CBGB. El mismo David Bowie iba a verlos cada vez que su estadía en Estados Unidos coincidía con sus presentaciones y llegó a dedicar una canción al fallecido Billy Murcia, con quien Bowie hizo amistad en 1972, mientras seguía las presentaciones de la banda y se iba de fiesta con ellos. Incluso, al otro lado del Atlántico, un joven Morrissey se transformaba en el presidente de su club de fans en Inglaterra, absolutamente encandilado con la impostura e insolencia de la banda (en su biografía dedica páginas y páginas a la influencia de los New York Dolls en su carrera musical).

David Johansen and David Bowie during a Halloween Party at Max’s Kansas City, NYC. October 30, 1974. © Bob Gruen / www.bobgruen.com
Please contact Bob Gruen’s studio to purchase a print or license this photo. email: info@bobgruen.com
Image #: R-441

Como suele ocurrir con bandas como los Dolls, las críticas fueron increíbles, pero las ventas moderadas. Hubo más giras, presentaciones en televisión, más fiestas y drogas, fama y respeto, pero nunca hubo éxito comercial. Hubo también un segundo álbum que tampoco logró el éxito de ventas y ni siquiera el mismo efecto en el público que su debut, lo que los dejó sin sello y empujó a la banda a buscar ciertos cambios. Así fue como el célebre Malcolm McLaren pasó a tomar las riendas del grupo. El futuro “creador” de los Sex Pistols quería darle al grupo una onda más provocativa y se le ocurrió vestirles de rojo y hacerlos actuar con una bandera soviética de fondo, pensando que sería una buena forma de publicidad, aunque fuera provocando con un tema tan delicado para los estadounidenses en tiempos en que la Guerra Fría seguía latente. La cosa no funcionó ni de cerca. La percepción en el público era que los Dolls estaban acabados, buscando cualquier recurso para volver a salir a flote. Los excesos tampoco ayudaban y la banda pronto se disolvería. McLaren, sin embargo, volvería a Londres con muchas ideas que aplicar allá, desde una tienda de ropa donde vender atuendos tipo New York Dolls, hasta formar una nueva banda basada en la música de los neoyorquinos más la apariencia de otro joven que por entonces comenzaba a asomar en la escena underground de Nueva York: Richard Hell. Pero esa es otra historia.

Tras su disolución, Johnny Thunders y Jerry Nolan formaron los Heartbreakers -donde también tocó Richard Hell-, agigantando su leyenda con esta nueva banda pionera del punk, con temas como “Born to lose”, “Baby talk”, “I wanna be loved” y “Chinesse Rocks”. Sin embargo, los músicos nunca pudieron lidiar con los excesos y, en 1991, Thunders moriría de una sobredosis. Un año más tarde fue el turno de Nolan. 

El año 2004 se produjo una inesperada reunión de la banda. Fue Morrissey, su eterno fan, quien los alentó insistentemente -por teléfono y en persona- para que regresaran a los escenarios. El excantante de los Smiths fue quien les consiguió todo para el regreso, que contó también con la grabación de un disco en vivo (The return of the New York Dolls: Live from Royal Festival Hall, de 2004) y una película documental.

Sylvain, Kane y Johansen volvían a reunirse y esta vez bajo la chapa de leyendas vivientes. Ya no tenían nada que demostrar, sino que simplemente disfrutar y darles a sus fans más jóvenes el privilegio de escucharlos en directo. Pero la suerte no estuvo de su parte y meses después del glorioso regreso la banda sumó a otra nueva baja: Arthur Kane, que murió de leucemia.

Sylvain y Johansen siguieron adelante, consiguieron a otros músicos y grabaron un par de discos más. Si bien hay en estos trabajos algunos buenos momentos que nos recuerdan a los viejos Dolls (“Runnin’ around”, “Dance like a monkey”, “Punishing world”, “’Cause I sez so”), sus actuaciones en vivo habían bajado mucho su fuerza y calidad. Por otro lado, mucha agua había corrido bajo el puente, los Dolls ya no eran los travestis maleantes y rocanroleros de antaño, sino que tenía una edad respetable y sus canciones ya no sonaban a espíritu adolescente, sino más bien a nostalgia. Fue así como se produjo la nueva y definitiva separación de (lo que iba quedando de) los New York Dolls. Para colmo, a comienzos de 2021, en que conmemoramos los cincuenta años de su fundación, el guitarrista Sylvain Sylvain falleció de cáncer.

Muchas son las bandas y músicos que han rendido tributo a los Dolls, ya sea citándolos en entrevistas como una de sus máximas influencias, o directamente a través de covers, como Joan Jett, Scott Weiland, y Sonic Youth, que grabaron excelentes versiones de “Personality crisis”, o The Panic Buttons y Morrisey, que grabaron sus versiones de “Trash”. La influencia de esta banda es fundamental para que el rock and roll haya recuperado la fuerza y para que el punk pudiera surgir y llegar a ser exitoso. ¿Qué escuchar para comenzar? Sin duda, el New York Dolls, aquel disco homónimo del año ’73, ese de la foto de los cinco músicos sobre sus tacones, con sus caras poco amigables y el coctel en la mano. Por lejos, uno de los discos más influyentes en la historia del maldito rock and roll.  

LOS ANGELES – SEPTEMBER 8: Singer David Johansen, guitarist Johnny Thunders, drummer Jerry Nolan, bassist Arthur Kane, and guitarist Sylvain Sylvain of the rock and roll group ‘The New York Dolls’ pose for a portrait with host Don Steele on ‘The Real Don Steele Show’ on KHJ channel 9 on September 8, 1973 in Los Angeles, California. (Photo by Richard Creamer/Michael Ochs Archives/Getty Images)
DE VUELTA A LA SIMPLEZA : LA FIESTA DEL DIABLO ESTRENA «A FLOTE»

DE VUELTA A LA SIMPLEZA : LA FIESTA DEL DIABLO ESTRENA «A FLOTE»

El sexteto que explora la fusión entre el folk, el punk y las raíces sonoras celtas, La Fiesta del Diablo, presenta su más reciente single llamado “A Flote”, una propuesta que regresa a la simpleza  del punk clásico.

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Después de participar durante el 2020 en el destacado tributo a Machuca con su propia versión de la canción “Sin Respuesta”, este año planifican una seguidilla de lanzamientos que anticipan su próximo EP; y es la canción “A Flote” la que da el puntapié inicial para este proceso, todo esto bajo el alero de su nuevo sello FolkRules.

La canción escrita y compuesta hace casi 2 años, presenta una mirada metafórica sobre la auto-superación, además de hacer un resiliente llamado para no decaer en los tiempos que se están viviendo, es esto lo que lleva a la banda a elegirla como single y, de esta manera, llevarle un mensaje de apoyo a todos quienes la escuchen.

“Cuando creamos esta canción varios integrantes de la banda estábamos pasando por nuestra propia pandemia: teníamos problemas personales que debíamos solucionar y que incluso fueron repercutiendo en el futuro de la banda. Es por esto que nos hace mucho sentido lanzarla ahora y que sientan que queremos continuar y verlos a todos en un futuro muy próximo” comenta Jimmy Attack, su vocalista.

Para el proceso de grabación los músicos se encerraron a registrar todo en los estudios de Fonógrafo Records, quienes ya poseen experiencia en su sonido. De esta manera resaltan instrumentos como el violín y el acordeón. En el arte del single encontramos al ilustrador y tatuador Alex Silva, quien colaboró con su propuesta de carátula.

En los planes futuros que anuncia La Fiesta del Diablo se viene un nuevo tributo: esta vez a Víctor Jara; así como también el videoclip de la canción “A Flote” además de un show streaming que están preparando para los próximos meses. Porque aún cuando la pandemia los ha retenido un tiempo, la inquietud y las ganas de seguir creando los ha llevado a que estos meses sean muy productivos.

TAMARA PARIS PRESENTA «CARNE DE CAÑÓN»

TAMARA PARIS PRESENTA «CARNE DE CAÑÓN»

«Carne de Cañón» es el primer adelanto del disco debut de la cantautora chilena Tamara Paris. El material fue grabado en Mutaller Estudios, bajo la dirección artística de Cris Jacar y la post-producción de Sergio Ulloa.

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Fue a finales de 2018 cuando Tamara Paris comenzó a dar sus primeros pasos en la música explorando sonidos rock, pop y folk. Desde entonces, ha participado en diversos eventos culturales y actualmente se encuentra trabajando en su álbum debut,  del cual adelanta como su primer single a la canción titulada «Carne de Cañón» .

«Me gusta mucho el folk y creo que mis primeras canciones nacieron desde esa vereda, de la chacarera que tanto me gusta. Pero con el pasar del tiempo mis creaciones fueron mutando y creo que actualmente están más
cargadas al pop, rock y folk.» señaló.

Carne de Cañón es una canción autobiográfica pero escrita en tercera persona y en masculino. «Principalmente porque en ese tiempo estaba buscando otras formas de poder escribir, que no fuera siempre en primera persona», señala.  En este primer adelanto, la compositora aborda el tópico del crecimiento persona y de los tropiezos en el camino hacia la madurez. «Habla de sobreponernos a las adversidades, seguir adelante y lucir con orgullo nuestras propias cicatrices. Es una invitación a reírse de uno mismo, a no tomarse las cosas tan en serio».

Tamara Paris considera al arte como una manifestación que nace del alma con un propósito mucho más grande que ser cool por tocar un instrumento o por cantar. Esa manifestación artística está cargada de emocionalidad, de humanidad buscando traspasar las barreras de lo individual para hacer que otras personas también conecten,
pretende abarcar un colectivo. «El arte es para sensibilizarnos, para hacernos más humanxs, ¡para remover conciencias! Entonces, desde esa perspectiva, me defino y me construyo como artista.» afirma Tamara.

El proceso de composición de carne de cañón se llevó a cabo a fines del 2019, y que pudo finalizar en 2002 tras estudiar producción musical, convirtiéndose en su proyecto final para el curso. El proceso de grabación fue lento y se realizó paso a paso ya que la cantautora tuvo que realizar distintas actividades de autogestión para poder financiar el trabajo. «Surgieron un montón de imprevistos, pero todo salió bien. El tema fue mezclado y masterizado a mediados de mayo y pudo ser lanzado los primeros días de junio».

El videoclip para «carne de cañón» será lanzado en las próximas semanas con un show de streaming donde la cantautora estará mostrando parte de su primer disco. me gustó mucho porque complementa visualmente ese toque infantil propio de la canción. «Todavía no están definidos los detalles, pero el concierto tendrá una duración de 45 minutos, aproximadamente, que tendrá por objetivo mostrar un adelanto de lo que será mi álbum debut. Ese compendio de canciones son una muestra del camino que he recorrido, con una propuesta sonora mucho más potente, distinta al formato acústico que acostumbro».

EL MANTRA DE UN ADIÓS: LAS 3 MARÍAS ESTRENAN «YA TE VAS»

EL MANTRA DE UN ADIÓS: LAS 3 MARÍAS ESTRENAN «YA TE VAS»

«VIENTO BAJO» ES EL INTROSPECTIVO TRABAJO DEL DÚO LAS 3 MARÍAS, EDITADO EN 2020, ÁLBUM  COMPUESTO POR  SIETE CANCIONES DE LAS CUALES SE DESTACA «YA TE VAS», SENCILLO QUE POR ESTOS DÍAS ACABA DE ESTRENAR SU VIDEOCLIP.

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Las 3 Marías es la banda de los hermanos Diego y Esteban Cabezas, quienes desde el año 2014 en Santiago de Chile se mueven soltando integrantes e instrumentos, trabajando un folk rock presentado el 2016 con el lanzamiento de su primer EP homónimo y dos años más tarde con su primer LP ‘Deja De Matar Tu Karma’, donde la intención de presentaciones en vivo ardientes es plasmada en un disco con influencias dark, post hardcore y folklore latinoamericano.

Viento Bajo (Sultán Discos, 2020) es producido nuevamente por Marcelo Peña MIOPEC quien trabaja con la banda desde el inicio y mantiene el tono melancólico y añorante que convive con la potencia y la voz grávida, como sonido característico de Las 3 Marías. Con espacios puramente instrumentales que recuerdan viajes mántricos y otros con cantos de tonos graves o muy agudos que intervienen y presentan una dualidad capaz de contar historias y levantar consignas como señalan los Hermanos Cabezas, Viento Bajo’ funciona como una gran obra para ser escuchada desde inicio a fin y que te encamina bajo el mundo rasposo, agreste y tosco de un disco sencillo y suculento.  

“Ya te vas” es una de esas siete canciones que componen Viento bajo,  track que estrena un videoclip que grafica la pesadumbre y tristeza de la pérdida y la partida, expresadas en un mantra que repite de forma constante “Ya te vas” en medio de un montaje que se difumina en la oscuridad del ocaso o el gris que viene antes del amanecer.

Dirigido por Las 3 Marías, el videoclip “Ya te vas” fue grabado en Pucón y lo puedes ver aquí:

 

DADALÚ: ENTRE LUCES Y SOMBRAS

DADALÚ: ENTRE LUCES Y SOMBRAS

 

 

Inspirada en los efectos lumínicos de la película no finalizada del francés Henri-Georges Clouzot, «L’enfer» (1964), Dadalú estrenó el videoclip para “Las luces altas”, un trabajo audiovisual que acompaña a la canción del mismo nombre, otra muestra de su disco «El mapa de los días». 

Por Rossana Montalbán

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Luego de meses, vuelvo a conversar con Daniela Saldías, Dadalú, esa artista anti acomodaticia del underground local, que acaba de estrenar nuevo videoclip para “Las luces altas”, otro tema que se desprende de su disco editado en 2020 por el sello norteamericano Cudighi Records,“El mapa de los días”, un mapa cambiante y mutante, que muestra los ángulos interminables de una artista que se niega adormecerse en lo obvio y en lo tradicional. 

“Las luces altas” parece ser a primera escucha y a primera vista, una suerte de metáfora sobre aquello que encandila mal, sin embargo, ella se encarga de desechar, en primera instancia, la idea y nos cuenta: “Lo de las luces altas es literal, hice esa canción porque me molestan las luces altas, las luces que están arriba de mi cabeza las apago. Es más literal que una metáfora. Es un rollo que tengo”.

La canción surgida de su experimento compositivo llevado a cabo durante 2018, en el que la música compuso una canción diaria en máximo tres horas, dando como resultado el material que conforma “El mapa de los días”, suena como una oscura balada vaporwave o smooth soul, llevada a las formas y al sello de Dadalú: “como estaba en ese experimento de componer rápido, en ese tiempo sonaban bandas como Homeshake, una banda que no cacho mucho pero me puse a escuchar una de sus canciones para saber de qué se trataba, y eso fue marcando el tempo de la canción y con esa onda me puse a componer”. 

Deshacerse es su constante, deshacerse de ideas rebuscadas y, sobre todo, deshacerse de cualquier clasificación. Más allá de lo que intentemos interpretar o definir en la propuesta de la artista, lo que prevalece es el despojarse de determinadas estructuras creativas dando cabida, sobre todo, la experimentación y al flujo espontáneo de la música y el arte venga de donde venga, negándose a lo preconcebido como también a las estrategias: “Las definiciones de lo pop y lo no pop siempre me complican porque el video que hice anteriormente “Ya no sé”, es una canción súper pop, por decir algo, pero no tengo una estrategia para esto o lo otro, hago lo que me nace hacer. Nunca he hecho un solo estilo de música”.

La expresión como principal móvil, sacar lo que se lleva adentro, la creatividad y también los demonios, armarlos y desarmarlos como figuras de plastilina, sin orden y sin límite. De alguna forma, la música de Dadalú señala al juego como principal método para expresar lo más íntimo o lo tradicionalmente omitido, así sus letras y sus sonidos comunican mucho más que solo lo visceral, comunican conflictos, contextos, realidades personales y sociales porque lo íntimo es también político. Y precisamente, en “Las luces altas” como en el resto del disco la voz de Dadalú se escucha para referirse al clasismo, al sistema neoliberal, al machismo, a las pequeñas violencias domésticas y cotidianas, y al históricamente censurado ciclo menstrual de la mujer, y no será ni la primera, ni la última vez que la música se refiera a ella, “Siempre he creado desde mi, es la única certeza que tengo, y a mí, me llega la regla, es parte de mi vivencia y como siempre he creado desde mi, es música personal como una forma de terapia y como una forma de autoconocimiento. Hablo de eso, es parte de mi vida, y yo plasmo mi vida en mi arte”.

Inspirada en los efectos lumínicos de la película no finalizada del francés Henri-Georges Clouzot, «L’enfer» (1964), Dadalú ideó el videoclip para “Las luces altas”, un trabajo audiovisual que cuenta con la participación de la actriz y guionista Pamela Barboza, el actor Paco Pasquette, y la colaboración de Joaquín Fernández y Diego Cabezas. Con este nuevo trabajo la artista continúa explorando su propio imaginario y mostrando diferentes momentos de su último disco, algo que hace solo por placer creativo y no por demanda industrial “Siempre me gustó mucho esta canción pero ya no creo en las estrategias convencionales del single. Ojalá poder hacerle clips a todas las canciones del disco pero se dio que pude hacer este video que siempre quise hacer. Pienso que hablar en términos de industria radial es un poco obsoleto, eso ya no existe” sentencia.

Al igual que en la película en que se inspiran, las imágenes que Dadalú ideó para “Las luces altas” hablan mucho más que de un simple y obvio rechazo por las luces encandilantes que cuelgan sobre su cabeza, ya que emulando las técnicas de iluminación innovadoras del film, el clímax psicodélico, la ilusión de los rostros de los actores en transición entre emociones y personalidades, entre luces  y sombras, sugieren como en el filme, una fijación y una representación más que una literalidad, representación de algo que solo el ejercicio artístico puede transformar “Siempre quise imitar las luces de esas imágenes para este video, creo que es un poco una especie de locura porque es un poco loco que a alguien le preocupe la iluminación o que le haga mal”.

HORREGIAS: “ESTAMOS EN UNA INTERSECCIÓN ENTRE ACTIVISMO Y MÚSICA” 

HORREGIAS: “ESTAMOS EN UNA INTERSECCIÓN ENTRE ACTIVISMO Y MÚSICA” 

 

Doce años han pasado desde que Horridia, Feocia y Mari Crimen, dieron vida a Horregias como un proyecto musical disidente, cuya propuesta ha buscado visibilizar la existencia lésbica y la marginalidad a través del punk rock más allá del punk rock y, sobre todo, mucho más allá de un circuito musical tradicional .

Punk rock lesbofeminista, tres acordes y ruido sin tranzar, plasmado en dos discos hasta la fecha «Pasarela Fracaso» 2011 y «Lo Normal» 2017, dedicado a la joven lesbiana asesinada en 2016 Nicole Saavedra, quien también inspira la canción del mismo nombre, editada en 2020. Durante más de una década y desde el margen, la música de Horregias ha retratado la lesbofobia, la represión y la violencia de género. De alguna forma, esas han sido las banderas alzadas por la banda para ir en contra de los estereotipos de belleza, para denunciar la gordofobia, el clasismo y para ejercer la subversión desde los bordes y muy lejos de un circuito musical oficial y comercial que sigue reproduciendo sus vicios, un lugar donde los discursos y las estéticas siguen enfrascadas en la demanda visual de los cánones de belleza tradicionales, acomodados, blancos, patriarcales y heteronormativos.

Conversar con Horregias es conversar con tres voces disidentes, críticas y honestas que conocen el desencanto de no encajar en las estructuras y parámetros sociales incluso del mismo underground. Ubicadas al margen del margen, la música y el discurso de Horregias, no quiere ser colonizado ni mimetizarse con el lado amable y complaciente que hoy invade los activismos culturales, sociales y LGTB, en medio de fechas significativas para el movimiento como el Mes de la visibilidad lésbica o el Mes del orgullo, “celebración” a la que ellas responden fuerte y claro “no hay orgullo sin reparación”, una respuesta y una consigna que cobra aún más sentido en un nueva conmemoración del lesbocidio de Nicole Saavedra Bahamondes, este 25 de junio, donde además, se lleva a cabo la semana de agitación en su memoria y por justicia, donde Horregias son parte fundamental como colaboradoras y activistas musicales. Precisamente este 25 de junio la banda encabezará la sesión en vivo transmitida por Youtube desde Casa Rogelia, a partir de las 20:00 hrs, como parte de las actividades de conmemoración.

El año pasado (2020) cumplieron doce años de vida como banda ¿Cómo ha sido este viaje desde la resistencia lésbica a través de la música? 

Horridia: como un paseo en una montaña rusa de emoción.

Feocia: Estamos en una intersección entre el activismo y la música. No somos parte de la mal llamada industria musical, y tampoco estamos en ese activismo que conversa con los asesinos de los gobiernos para obtener derechos. Creo que vamos a habitar ese lugar hasta que le últime cierre la puerta. Pero sigue siendo importante que esa intensidad de la resistencia lésbica tenga un espacio en la historia de la música.

M.Crimen: Yo llevo menos tiempo con Horregias, soy la tercera batería y desde que me subí a tocar las canciones de la banda la conexión entre les tres fluyó al primer ritmo, después de eso, el humor y ya, listo! Después vino todo lo que significa hacer música en un país como este cuando la prioridad es sobrevivir, después nos encontramos con realidades como el lesbocidio de Nicole Saavedra Bahamondes, que nos movilizó para convertirnos en amplificadores, micrófonos para que la lucha por justicia para y por las víctimas de lesbo y trans odio suene más fuerte, se escuche más lejos.

RM: ¿Hay algún signo específico, según Uds., que denote esa evolución o involución, en relación a los días cuando comenzaron a tocar a hoy en el presente, doce años después? 

Horridia: La capacidad de entenderse o al menos tratar de hacerlo, atender nuestros conflictos y amarse de la forma más sana dentro de nuestras capacidades monstruosas.

Feocia: Entender que para aportar a una revolución hay que detenerse en nuestros propios vínculos y comunidades, hablar de violencia, hablar de nuestras miserias, conversar y sanar las heridas. Y reírse un montón para hacer canciones que al tocar nos hagan sentir que por 2 minutos y medio somos una sola cosa, una masita.

M.Crimen: Entender que las cosas terminan por eso disfrutar que existe ahora! porque es ahora que sigue siendo necesario alzar este grito, gritar para que no nos sigan matando y para visibilizar todas las muertes que día a día parecen no terminar.

RM ¿Creen que la sociedad chilena ha avanzado en algo en esta última década?

Horridia: No lo sé, siento que es una trampa pensar en eso, porque también se puede avanzar a un precipicio. Tengo una esperanza de que la humanidad está viendo ese precipicio en forma más concreta, pero también puede ser todo mentira y lo que pienso que es un avance es un retroceso. Mi única ambición es recuperar la libertad de ser quienes somos y armar las comunidades que se nos ocurran.

Feocia: Hay que poner en tensión muchas cosas para poder hacer cambios, salirse de la comodidad, perder el miedo como lo han hecho les secundaries. Veo cosas lindas en esa generación.

M.Crimen: Estábamos en esa y comenzó esta pandemia, es muy violenta la impresión de sentir que todes comienzan a despertar y acto seguido el encierro, el miedo, el toque de queda, somos un pueblo tan masacrado, nos han dado tanto lumazo que es difícil que los palos se devuelvan o cambien de bando, pero por lo menos está la conciencia de que no será ni el estado, ni el gobierno, ni las leyes Y menos los pacos quienes nos van a defender o a cuidar, y estamos aprendiendo para cuidarnos entre nosotres y cada une.

CANCIÓN DE AMOR Y JUSTICIA

Un 25 de junio de 2016 Nicole Saavedra Bahamondes de 24 años fue encontrada muerta, con las manos atadas y con señales de tortura en un sitio eriazo de Limache. Desde entonces, su muerte ha sido símbolo de la violencia lesbofóbica en Chile y de la ausencia total de justicia y mecanismos legales que condenen los crímenes de esta índole. Hoy, en el marco de la Semana de agitación #JusticiaParaNicole, su muerte y su recuerdo se hacen canción gracias a Horregias.

Cinco años han pasado desde que Nicole Saavedra fue encontrada muerta. Cinco años de largo y enlentecido proceso judicial en el cual ni siquiera se han establecido sospechosos, dejando en evidencia, una vez más, la indiferencia de las instituciones hacia la comunidad lésbica/lgtb y sus familiares. Sin embargo, pese al dificultoso camino en la búsqueda de responsables y de un proceso judicial respetuoso y justo, la figura y memoria de Nicole están más presentes que nunca gracias a diversas acciones de protesta y reivindicación por parte de organizaciones sociales y activistas, entre ellas, Horregias, quienes han sido voz permanente en la visibilización de ésta y otras realidades que afectan a la comunidad lésbica.

Así nació «Nicole Saavedra Bahamondes», una canción que es un tributo a su vida como también un grito de protesta y venganza contra su muerte, recordándonos la atrocidad cometida contra Nicole y tantxs otrxs. Una canción grabada por la productora musical, guitarrista y voz del proyecto Círculo Polar, Victoria Cordero en Estudio Lautaro de Santiago durante el mes de marzo, a días del inicio de la cuarentena. Una grabación que cuenta con el apoyo del sello independiente Vacaciones, lanzada a través de sus plataformas digitales el 19 de junio de 2020, en el marco de la Semana de Agitación por Nicole, una iniciativa que, al igual que este año, a través de distintas acciones a lo largo del territorio busca mantener en tiempo presente el crimen contra Nicole y la necesidad de justicia para ella y su familia.

RM: En 2020, en medio de la pandemia, estrenaron la canción “Nicole Saavedra Bahamondes”, un tributo a la vida de Nicole y una demanda de justicia por su lesbocidio… por favor cuéntenme de esa experiencia de componer y crear esta canción pensando en el asesinato de Nicole.

Horridia: Es una experiencia personal a partir de la denuncia del crimen de lesboodio contra Nicole Saavedra y de la violencia del Estado siendo cómplice de la invisibilización de este caso y de muchos otros, obstaculizando la investigación. Es una experiencia dolorosa porque al conocer más detalles del caso te das cuenta de lo poco que vale tu propio derecho a la vida. Entonces pasan cosas como ver la imagen de Nicole en una fotografía, y dotar a esa imagen de tu propia historia. Por ejemplo, yo juraba que Nicole usaba una polera de Nirvana en una de las fotos más vistas en las redes, pero eso no era así, porque ella era mucho menor que yo, y no usaba esa polera, ese elemento es mío y se impregnó en la canción de forma media inconsciente.

Feocia: Somos parte de la agrupación Justicia por Nicole, y nos hemos involucrado mucho en la denuncia contra el lesbo odio, el trans odio. La primera vez que fuimos a Quillota estuvimos tan soles pero vimos el fuego en la María Bahamondes, Las Brujas, Radio Humedales, y todes quienes estuvieron ese 2017. Nos propusimos, en primera instancia, contar donde vayamos que, en Chile el Estado y las instituciones judiciales son cómplices de los lesbocidios, apoyar a María Bahamondes en lo que se le ocurriera para presionar. Y hacer canciones es lo que podemos aportar también. Hoy María Bahamondes y activistas de Justicia por Nicole están siendo criminalizadas por exigir justicia. Entonces no paran de haber razones para seguir denunciando.

M.Crimen: El lesbocidio de Nicole Saavedra se podría haber evitado si no fuera por la violencia patriarcal que se normaliza también en el sistema judicial que opera en contra de quienes buscan justicia y los asesinos siguen impunes, haber conocido esta realidad nos llevó a terminar de comprender la música que hacemos, resulta que puede ser como un arma, si hay que ponerse literal lo haremos.

RM: ¿Conciben la música como un arma para la denuncia?

Horridia: Si, es portable, de alto alcance y viaja por el aire como un virus, toda mi onda de arma.

Feocia: La música acompaña los procesos sociales, que son de la gente y de nadie más. Los cambios vienen de poner en crisis la normatividad, de contagiarnos en ese sentimiento de quemarlo todo, es un mensaje que se recibe con la  corporalidad misma, desde otras corporalidades lésbicas y no hegemónicas en movimiento, como es nuestro caso.

M.Crimen: Si po, la voz contra el silencio, el olvido, la desaparición, la invisivilización de nuestras existencias, nos quieren borrar, hay que volver a rayar, lesbiana, camiona, marica, trans, transbiana etc.

RM: ¿De qué manera la música les ha servido para visibilizar y exponer su vida disidente? 

Horridia: para mí la música es una forma de expresión desde chica, tal como mi vida disidente estuvo escondida mucho tiempo, me encantaba cantar, pero me daba mucha plancha hacerlo delante de cualquier persona. En la medida que hice consciente el placer que me generaba inventar canciones y cantarlas con mis amigues, también abracé mi vida disidente, vienen de la mano esas dos fuerzas para mí, porque al final es una sola.

Feocia: Me pasa igual que Horridia Parra. Tengo mucho resentimiento de la heterosexualidad obligatoria. Y cuando decidimos ser una banda lesbiana visible también quisimos hablar de nuestra existencia y de como vivimos el lesbianismo abortando la heteronorma. Transformarme en lo que me hubiera gustado ver cuando chica.  

M.Crimen: Para mi las Horregias son referente, y cuando las conocí incluso antes de tocar con elles me ayudaron a salir del closet, con sus letras y su atrevimiento en el escenario, así que, por lo menos, mi vida disidente, de forma consciente, comenzó con Horregias.

RM: Creen que el movimiento feminista y fechas como el día nacional contra el femicidio o incluso del Mes del orgullo se hacen cargo también del lesbocidio y de la violencia contra las disidencias?

Horridia: Yo creo que si bien tienen un impacto en algunas capas de la sociedad, no lo tiene en la profundidad necesaria para incorporar todo lo que está al margen de la hegemonía. Para ser parte de eso tienes que encajar a estas estructuras institucionales, y eso es ir en contra de lo que implica ser disidente, entonces seguimos colaborando entre las mismas, un ejemplo concreto es la conmemoración del crimen de Nicole que se realiza en Quillota en junio, si bien ha aumentado la convocatoria, no tiene nada que ver con las convocatorias masivas centralizadas en Santiago.

M.Crimen: Para mi, seguimos siendo como identidades disidentes el margen de la lucha feminista, las demandas aún siguen siendo de las problemáticas de las mujeres cis -hétero, y en los espacios feministas hemos tenido que visibilizar nuestra lucha para ganar un lugar dentro del feminismo y eso es agotador, frustrante y deprimente, no debería ser así. 

RM: Una de sus tocatas presenciales durante la pandemia, entre las pequeñas treguas otorgadas por las autoridades para actividades colectivas fue su participación en Kutral Fest (diciembre 2020)

¿cómo surgió esa fecha y cómo fue la experiencia itinerante?

Feocia: Fuimos convocades por las Trabajadoras de la Música a través de la flaca (Carolina Ozaus) de Vaso de Leche para participar del Kutral Fest, donde tocamos sobre un camión en Franklin a las 12 del día. Tocar camiones sobre un camión siempre fue un sueño que ahora cumplimos muy sopeades y un poco al borde del surmenage por el sol que a las 12 pega infernal ahí entre las calles de Franklin. La itinerancia me parece necesaria siempre y que bueno que se levanten este tipo de festivales gestionados principalmente por mujeres, entiendo. De todas formas, como siempre comento, me interesa que estos festivales también consideren a las disidencias sexo-genéricas, y a quienes, como nosotres mismes, no hemos tenido ni 5 segundos para pensar en derechos laborales desde la música, porque somos atuogestives y desconfiamos del estado, sus instituciones y de pensar en legalizar alguna cosa .

RM: ¿Hay un nuevo disco en el horizonte? ¿Qué planes futuros hay en carpeta?

Horridia: han surgido varias ideas este último tiempo porque el confinamiento ha sido muy duro para nosotras de distintas maneras. Estamos probando nuevos formatos de show y también nuevas formas de contar cosas entonces quizás lo que hacemos termine siendo un disco, pero no es el fin último. 

M.Crimen: Tocar y estar juntas creando, armar nuevos espacios creativos que por todo lo acontecido nos resulta difícil a veces, lograr esto ya es una gran hazaña.

 

SONIDO ANÁLOGO: RUIDOTEKA RECORDS DE ARGENTINA EDITA EN CASSETTE SEIS BANDAS CHILENAS

SONIDO ANÁLOGO: RUIDOTEKA RECORDS DE ARGENTINA EDITA EN CASSETTE SEIS BANDAS CHILENAS

 

VALORIZANDO EL SONIDO ANÁLOGO Y EL FORMATO FÍSICO EN PLENA ERA SPOTIFY, SEIS BANDAS CHILENAS, DIXIE GOAT, PIES DE PLOMO Y ARTEAGA (SANTIAGO), THE POLVOS, KAYROS, CONDENADOS (CONCEPCIÓN), SE UNEN AL CATÁLOGO DEL SELLO ARGENTINO RUIDOTEKA RECORDS PARA EDITAR SUS DISCOS EN FORMATO CASSETTE. SEIS BANDAS QUE REPRESENTAN EL ACTIVO CIRCUITO DE STONER DOOM LOCAL SEÑALADO COMO UNO DE LOS MÁS VALORADOS DEL CONTINENTE.

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Por Rossana Montalbán

 

Ruidoteka Records es el sello argentino especializado en la edición de cassettes cuyo catálogo se ha centrado en dar a conocer el stoner doom sludge que actualmente se está haciendo alrededor del mundo. Junto con editar a bandas como Hebi Katana de Japón, Sonic Taboo de Estados Unidos, Splendidula de Bélgica, Melissa de Brasil, o la Era de Acuario de México, en el último año, Ruidoteka Records ha estrechado lazos con Chile para publicar a las bandas nacionales The Polvos, Kayros, Condenados, Pies de plomo, Arteaga y Dixie Goat, seis bandas que se deciden al querido y revitalizado cassette casi como una cuestión de principios en una época en que el lanzamiento digital predomina.

Fundado en 2019 por Marcelo Di Agosta junto a su esposa Valeria Donda, la Ruidoteka opera desde el barrio Flores en Buenos Aires, y tras dos años funcionando primero como distribuidores y luego como editores, hoy reúne un vasto catálogo de stoner doom sludge que refleja el vigoroso estado del género musical a nivel mundial, con bandas que siguen cultivando y reformulando las variantes de uno de los subgéneros más potentes del metal subterráneo.“Fue una buena opción especializarnos en un solo estilo musical y todas sus variantes en formato cassette para ofrecer algo diferente, ya que en Argentina existe solo un sello de tapes de doom, en el resto del mundo hay muchos más pero no son tantos como de heavy metal y otros estilos extremos”, nos cuenta Marcelo Di Agosta fundador de Ruidoteka Records.

Las seis bandas chilenas que hoy se están sumando a esta propuesta discográfica, tres de Santiago y tres de Concepción, son parte de lo que Di Agosta señala como “Una escena muy rica en bandas de este tipo de sonido y estilo donde cada banda es mejor que la otra. Chile, Argentina y México son los tres países que están a la vanguardia del stoner doom en el continente, y hoy todo el mundo está mirando a Latinoamérica”. En ese valorado circuito encontramos a Pies de Plomo, activos desde 2014 explorando la psicodelia con guitarras pesadas y voces lisérgicas, el trío conformado por Marco Plaza, Pedro Ogrodnik y Carlos Pérez, presenta la edición física de su tercer y más reciente disco «El gran misterio», estrenado de manera digital en diciembre de 2020, calificado como una perfecta pieza de cruda psicodelia retro.

También en la línea del retro fuzz más puro encontramos a los santiaguinos de Arteaga, circulando desde 2013 y editando una serie de material en cuidadas y coloridas ediciones vintage tanto en vinilo como en cassette. Siguiendo ese amor por lo análogo, este 2021 la banda sorprende junto a la etiqueta argentina para sacar a la luz el box set con sus dos primeros Eps, Vol 1 «Agradable» y Vol 2 «Dios sol».

Hacia la región del Bío Bío, en Concepción, nos encontramos a la otra triada de bandas que forman parte de esta comitiva local. Kayros, una de las bandas más antiguas del stoner rock acuñado en Chile. Formados en 2006,  desde entonces la banda ha cultivado un sólido sonido que rescata lo más denso y alucinógeno del también llamado desert rock, dando forma a una propia versión de pesadez y groove. 

La contraparte más pesada corre por cuenta de Condenados, la banda doom penquista, referentes en el sonido funerario más extremo, que este año reeditará junto al sello argentino, su segundo disco titulado «The three of death», en una edición que contará con bonus track y nuevo arte para su portada. Finalmente, en estas tierras del sur, la triada se completa con The Polvos, el combo supersónico que reúne a experimentados músicos del under penquista, quienes reeditarán su disco debut Darkness Emotion, segunda edición a cargo de Ruidoteka.

Además de ser esta vitrina para el doom, el sello ha logrado enfocarse exclusivamente en la edición de cassettes como único y principal formato, un formato que día a día recobra mayor presencia en los sellos independientes y mayor demanda por parte de los melómanos y coleccionistas que ya no solo buscan el vinilo sino también buscan reencontrarse con el que alguna vez fue el contenedor principal para toda una generación, un objeto casi personal que cargabas contigo a toda hora y en todo lugar, y que además permitió una circulación de música que el LP no, en tanto grabación y regrabación de tapes destinados a circular de mano en mano para compartir compilados de bandas y discos completos. “Es con lo que uno se crió, creo que están a la misma altura el cassette y el vinilo como artículo coleccionable, y creo que es lo que más prefieren las bandas, a la hora de editar, en el stoner y el doom. No tiene mucha comparación, es algo mágico, al abrir la cajita, al sacarlo, al ponerlo en la casetera, al mirar la lámina, al darlo vuelta, es un ítem de culto, nostálgico” afirma el gestor del sello. 

De alguna forma ese es el espíritu que hoy prima para los editores de cassettes como Ruidoteka Records, para los coleccionistas y, sobre todo, para las bandas que deciden sacar su material en este formato. Para la mayoría, el cassette es un formato que te reconecta con otra época, una época musical formativa, que tras su esporádica desaparición a raíz de la llegada del CD, se convirtió en un formato económico, posible de financiar, fabricar y trabajar de una manera más artesanal en cuanto a diseño y presentación, tal como nos relata Marcelo: En términos de fabricación es bastante más económico que el vinilo, y muchas veces, tiene el mismo precio que un CD. El tape además de ser un ítem de culto y nostálgico es un medio económico, coleccionable, y quienes editamos y coleccionamos tratamos de que queden como si lo fuéramos a comprar nosotros mismos. Y sobre todo es económico para las bandas y para la gente para que puedan tener el material o distribuirlo”

Tal como señala Di Agosta, el cassette hoy ha vuelto a ser uno de los formatos predilectos para las bandas del under, del stoner doom y sus variantes. Precisamente, el amor por el formato y por cierto sonido unió los caminos de Ruidoteka con las bandas chilenas The Polvos, Kayros, Condenados, Arteaga, Pies de plomo y de Dixie Goat, esta última, la primera banda chilena en ser editada por el sello. El trío compuesto Nicolás Orcástegui en guitarra y voz, Sebastián Martínez en batería, y Alexis Marín en bajo, acaba de estrenar durante el mes de mayo, la edición argentina de Black Sun Child, su disco debut editado en 2015, trabajo que en ese momento los posicionó como una de las revelaciones del stoner doom local, y que este 2021 llega por primera vez en formato cassette en una edición limitada de 30 copias en color negro y con el arte original. «Es la primera edición que sale del debut en cassette. La novedad es que viene con la caratula «original» con la que se estreno el disco en octubre de 2015. Físicamente, salió con otra caratula ese mismo año. Ahora decidimos, considerando el formato clásico, que llevase dicha caratula de frente y al interior el arte que se hizo posterior». Nos comenta Nico Orcastegui, voz y guitarra. «Habíamos pensado sacarlo en cassette hace años, DIY, teníamos de hecho los cassettes para hacerlo (eran morados), pero nunca nos organizamos y la idea quedo solo en eso. Por suerte ahora se dio y además tiene una distribución como corresponde» continúa.

El acercamiento entre Marcelo Di Agosta y las bandas chilenas comenzó a través de The polvos Todo empezó con The Polvos, la primera banda con la que hicimos contacto, cuando aún estábamos formando nuestra identidad. Ellos me abrieron un montón de puertas con otras bandas del under chileno, con Kayros, Dixie Goat”. relata. “Marcelo se comunicó con nosotros a través de Instagram y nos planteó la idea de hacer una edición de «Darkness Emotion» y que fuera con una carátula alternativa, diferente a la original y nos pareció una maravillosa opción” nos cuenta Roberto Mora de The Polvos. Di Agosta se dedicó a rastrear a cada una de las bandas y con Dixie Goat ocurrió algo similar según nos cuenta Nicolás: «Marcelo nos contactó para preguntarnos si queríamos editar un cassette con ellos. Su intención en un principio era sacar nuestro ultimo disco, pero considerando que recién había salido en ese formato vía Olde Magick Records, le propusimos que fuese nuestro primer disco».

Precisamente hoy en día, cuando los lanzamientos digitales en plataformas como Spotify se han convertido en la gran alternativa cuando no hay presupuesto para fabricar discos, obligando a dejar de lado el formato físico para las nuevas generaciones, la producción de cassettes experimenta, para suerte de muchas y muchos, una segunda y auspiciosa vida, más de veinticinco años después de haber sido declarados objetos de museo, la cinta ha regresado en gloria y majestad para sus verdaderos fieles. Las bandas eligen el cassette ya que no es un formato excluyente, es un formato con historia, no desechable y como si fuera poco, ya no es el formato que la industria comercial impone. El cassette ha vuelto a su origen. “Somos amantes de lo vintage, ya habíamos hecho una edición en ese formato bajo el sello Sangra la Oreja Récor, de Héctor Piri Latapiat y el sonido análogo es increíble e insuperable para bandas con el sonido como el nuestro”. El trio Dixie Goat apunta algo similar en cuanto a la mística del cassette  «Para nosotros, como muchos, el formato físico es lo ideal, independiente cual sea (vinilo, cd, cassette). Ahora bien, considerando que es con el formato con el que creció la gente de nuestra edad, además del revival que vive por estos días. Inolvidables los trade colegiales, rebobinar con lápiz bic, etc. Lindo formato».

En los próximos meses Ruidoteka Records se alista para editar los tapes de The Polvos, Pies de Plomo, Arteaga, Condenados y Kayros, ya disponibles para pre-order, y que por el momento solo podrán obtenerse a través de las  mismos músicos. “Nos encantaría tener distribuidor allá en Chile, aún no lo tenemos. Queremos encontrar a alguien con quien trabajar la distribución.  Agradecemos a las bandas chilenas por su confianza y por la oportunidad de trabajar con ellas, rompiendo ese mito infame de que los chilenos y argentinos no nos queremos. Puedo decir que es toda una mentira” cierra Di Agosta.

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