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NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

NATALIA CORVETTO PRESENTA LUNA OSCURA

Evocando los movimientos rotativos y el magnetismo del satélite natural, la cantautora nacional Natalia Corvetto, presenta «Luna oscura», tercer single de su nuevo disco.

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«Luna oscura» es el tercer sencillo del nuevo disco de la compositora nacional Natalia Corvetto, un bolero inspirado en la danza eterna que la Luna hace cada 29 días, para reencontrarse con el sol. Este reencuentro, designado por la naturaleza, sucede en cada luna nueva (luna oscura, novilunio). Bajo esta premisa la compositora nos presenta esta canción en clave bolero, deleitando a través de una melodía protagonizada por la perfecta sincronía entre el violín, la viola y el violonchelo. 

En Luna oescura, el juego de cuerdas y la interpretación vocal de Corvetto destacan desde el primer minuto, creando un cálido y envolvente sonido en la mejor tradición del bolero más sutil y delicado, junto a los músicos Daniel Miranda en guitarra acústica, Milton Rusell en contrabajo, Mauricio Pérez a cargo de tumbadoras y maracas, Raúl Ramos en batería, Danka Villanueva en violín, Maria José Araya en viola, y Paloma Otárola en violoncello.

Interpretando sus transformaciones y movimientos como un baile de seducción que se extiende por 28 días, Natalia Corvetto le canta a la luna, le declara su amor y le agradece su inspiración. Y al cantarle a la luna, le canta a la naturaleza, a sus ciclos, y a su poderosa conexión con la vida. En sus tres minutos de extensión, Luna Oscura evoca el magnetismo y el misterio del amor. Y ya puedes escucharla en Spotify.

GUITARRAS EXPANSIVAS: THE SLOW VOYAGE PREPARA NUEVO ÁLBUM

GUITARRAS EXPANSIVAS: THE SLOW VOYAGE PREPARA NUEVO ÁLBUM

 

La banda oriunda de la sureña ciudad de Los Ángeles, en la región del Bío- Bío, se encuentra afinando los últimos detalles de su segundo disco «Soul´s whisper», programado para este 2021, y del cual ya se conocen los sencillos «Sunset» y  recientemente «Expansion», canción estrenada en abril pasado. «Soul´s whisper» se avecina como el trabajo encargado de abrir fronteras y senderos para la banda y su música.

 

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La banda formada en el año 2013, en la ciudad de Los Ángeles, región del Bío Bío, continua por estos días afinando los últimos detalles de lo que será su segundo disco «Soul´s whisper», un trabajo de largo aliento que viene a materializar parte de los planes congelados con el inicio de la pandemia.

El encierro y la imposibilidad de seguir los planes trazados por razones ajenas al impulso propio, suelen dar paso incontenibles ánimos de expansión y acción. Mucho de esto puede sentirse en el preámbulo a lo que será el nuevo disco de la banda. Precisamente «Expansion» es el título del primer sencillo promocional, una canción creada durante 2015 que, finalmente salió a la luz en un contexto completamente distinto y sin precedentes.  Sin embargo a diferencia de su verdadero origen, la canción logra encajar con el momento actual de la banda, sobre todo, tras enfrentar la inevitable pausa forzada que ha significado el escenario sanitario del Covid 19. De esta manera «Expansion» logra contener tanto en su sonido reverberante y psicodélico como en su título, el presente del cuareteto. Un presente que se proyecta auspicioso y expansivo, precisamente, ya que este nuevo trabajo será editado con el sello peruano Necio Records, actualmente uno de los sellos rock psicodélico de mayor actividad y visibilidad del underground latinoamericano. Al mismo tiempo, para su distribución digital, la banda tendrá el apoyo del sello independiente local Sur Pop Records, aunando dos brazos armados que permitirán que el disco tenga una mayor difusión y circulación más allá de las fronteras nacionales.

Actualmente conformados por Camila Muñoz en bajo, Rodrigo Salamanca en guitarra y coros, y Freddy Lepe en guitarra y voz principal, The Slow Voyage continúa explorando las sendas del shoegaze y la psicodelia más cruda, reforzada por profundas atmósferas resonantes que evocan lo más ineludible del psych rock y sus variaciones noventeras. Sonidos que transportan a los vegetados y frondosos paisajes del lluvioso sur chileno proyectado bajo un lente tridimensional para estimular los sentidos.

 

EL VIAJE LENTO

Formados en el año 2013, los primeros pasos de la banda estuvieron marcados por la grabación de su demo –“Live Session”– para luego embarcarse, a través de Converse Rubber Tracks, en la grabación de uno de sus tracks junto al legendario productor de Seattle, Jack Endino, conocido por sus trabajos con Nirvana y Soundgarden, entre otros. Tras ese primer hito, la banda inició el registro de su disco debut “Time Lapse”, en los Estudios Lautaro del guitarrista de The Ganjas y Casino, Pablo Guiadach.

“Para nuestro álbum debut nos inspiramos en el transcurso de la vida. La gran mayoría de las personas en este país y en el mundo estamos obligadas a trabajar con horarios que te consumen todo el tiempo, con sueldos bajísimos y viviendo siempre al límite, una de las razones de porqué la familia es tan importante en nuestra cultura. Sólo nos tenemos a nosotros y el apoyo mutuo es una de las características más valiosas que rescatamos, sin eso jamás hubiésemos podido hacer música y, desde esa perspectiva, le dimos ese nombre al álbum, pensando en un futuro ‘Time Lapse’ de nuestras experiencias, cuestionando este intervalo de tiempo impuesto”, sostuvieron en entrevista con el Diario Concepción.

SOUL´S  WHISPER

«Soul´s whisper» se avecina como una nueva avalancha de psicodelia ácida nutrida de guitarras expansivas, que además de estimular el viaje auditivo, busca seguir afianzando a la banda como uno de los exponentes destacados de del rock lisérgico sudamericano, con ondas sonoras, que esperan, lleguen a todos los rincones, y pueda llevarlos a nuevos escenarios cuando la música en vivo se reactive. Mientras tanto, Soul´s whisper», toma forma en un 12 pulgadas fabricado en Europa, escogido como el formato más apropiado y placentero para el oído y el sonido del viaje.

Escucha «Expansion» de The Slow Voyage en Spotify

 

 

 

SONIDOS TRANSOCEÁNICOS: EL HIJO, POP EXPERIMENTAL

SONIDOS TRANSOCEÁNICOS: EL HIJO, POP EXPERIMENTAL

En Crónica Sonora encendemos la antena de nuestro Satélite Sonoro, un espacio en colaboración con la agencia cultural Ruido de Fondo para levantar puentes musicales entre España y Chile. Una ventana donde podrás conocer la actualidad y diversidad de los sonidos Ibéricos.

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‘La rueda del cielo’ el nuevo álbum de El Hijo, seudónimo del músico madrileño Abel Hernández.

Tras el golpe de timón transcendental en su trayectoria que supone su inmersión electrónica en el EP ‘Fragmento  I’ (2015), El Hijo sigue indagando en esta senda experimental entre fronteras estilísticas, pero con caparazón  pop. Labor que fue prorrogada en los aclamados ‘Dentro’ (2018) y ‘Capital Desierto’ (2019) con la misma  dedicación obsesiva aplicada por renovadores de la liturgia pop como Disco Inferno en su serie de EPs  publicados en los años 90. Canciones elaboradas como artilugios provistos de códigos genéticos cruzados en su  interior, capaces de hacer coexistir a Arca con Los Chichos o a Ben Frost con bases trap. 

Como bien señaló en su momento Abel Hernández (aka El Hijo), estamos ante la máxima expresión del  post-mainstream, finalidad con la que vuelve a jugar en La rueda del cielo, culmen de dicho concepto,  estructurado para la ocasión mediante un brainstorming intertextual donde se superponen capas de, entre otros,  la Odisea, el Nuevo Testamento y las bases de la cienciología y el cuarto camino de Gurdjeff, Hannah Arendt,  Jacques Derrida, textos de la CCRU y Mark Fisher, La cicatriz interior de Philippe Garrel o Gerry de Gus Van Sant.

Ello da lugar a un palimpsesto que gira como un torbellino de partículas contaminadas en torno a un personaje y  su fracaso en la búsqueda individualista de la redención en el autoexilio y el anhelo de espiritualidad  prefabricada. A cambio, las visiones distópicas de su cíber caos emergen en formas synthwave ultra orgánicas  como ‘Burberry’ o mediante brotes celestiales pero apocalípticos de estribillos flamencos, orbitando alrededor  del planeta Lole y Manuel, sobre suelo arado con las matemáticas Meitei en ‘Tebas (La rueda del cielo)’. En esta  última canción y en ‘Circe’, pone su voz la joven Lauren Casline, una de las tantas colaboraciones convocadas  con el fin de multiplicar los diferentes yoes del personaje y los puntos de vista sobre la historia; por ejemplo a  través del mayestático hechizo arábigo en el que se adentra Rodrigo Cuevas (aparición por cortesía de Aris  Música/El Cohete Internacional) por medio de ‘Espejismo’, o en la aparición de Jorge Tórtel (que canta en  ‘Burberry’ y toca guitarra acústica en ‘Circe’), sin olvidar la colaboración con sintetizadores de Juan Carlos  Roldán. 

 

LA RUEDA DEL CIELO 

 

Preñado de códigos existenciales y cifrados de supervivencia, la liturgia zombi, ya pregonada en su anterior LP,  tiene continuación en singles como ‘Accidentes planeados’, donde el código morse 2.0 nos recuerda que “a veces  es más difícil matar a un zombi que a alguien vivo”. En esta misma canción, somos partícipes de una inquietante  amplitud de espacio, sólo quebrada por magmáticas electrocuciones ballardianas. Teoría del caos reorganizado  en un caleidoscopio de formas buscándose, encontrándose, como en la dialéctica haiku aplicada en el trap sci-fi  de ‘Oasis’. Invenciones como esta última definen una actitud ante el proceso creativo, plasmado  milimétricamente en el what if? condensado en el estribillo de ‘Sirenas’: “Y suena Aphex Twin a 33”. 

Ya sea a través de su policromático uso del autotune o del infinito muestrario de soluciones rítmicas quebradizas  y recursos sonoros imposibles, Abel Hernández desafía la trampa del perfeccionismo, yendo todo lo lejos que se  lo permite ese consumado oficio de productor digital del siglo XXI que le hace destacar en la planicie española. 

Por otro lado, además del uso con cabeza borradora de numerosos pequeños samples (rasquen y ganen, si lo  desean, trazas de Phil Collins, Niño de Elche, John Coltrane, Black Sabbath, Aphex Twin, Mina & Morricone o Tipe  Tizwe), el uso del autosampleo, ya presente en los anteriores lanzamientos de esta segunda época, ha crecido  hasta convertirse en un método compositivo. Un ejemplo claro es la secuencia que inicia ‘Cuaresma’, canción que  surge de improvisar sobre un loop de ‘Segismundo’ (canción que inaugura este nuevo periodo para El Hijo en  2015) y de la que a su vez procede ‘Sirenas’. O ‘Espejismo’, que surge de un loop del compás final de una primera  idea (desechada) de ‘Circe’. Y, por supuesto, ‘Burberry’, que se plantea como si otro El Hijo (en un universo  paralelo) hubiera escrito la canción ‘Cabalgar’ en 2006 bajo la influencia de otras ideas y músicas. 

Como explica el mismo Abel: “la letra es un poco un frankenstein de ‘Cabalgar’ (con guiño a ‘Famous Blue  Raincoat’ de Cohen) y mi idea era jugar con un tiempo fuera de quicio, y tachar, pero al mismo tiempo confirmar, lo  que he hecho con El Hijo en otra vida, en el momento en que lo principal era la voz, lo acústico y la experimentación  con la lírica ro(ck)mántica. Lo bonito es que aquellos versos de ‘Cabalgar’ pueden desviarse de su tiempo y  convertirse en una letra de este disco conceptual sobre el personaje y su fracaso de renacimiento espiritual tras  retirarse a lo más hondo del desierto. Es como si el pasado hubiera estado esperando en el futuro… Con eso hay  también una idea de que con los materiales de cualquier disco se podrían hacer muchos otros y de que el tiempo  que uno vive no es el tiempo del resto, ni tendría por qué ser el de uno tampoco.” 

En consonancia con ese sistema de auto-reproducción paradójica y metástasis, ‘La rueda del cielo’ transcribe el  título de una de las traducciones al castellano de la novela The Lathe of Heaven, de la genia de la ciencia-ficción,  Ursula K. Le Guin, otra inventora de mundos que, como El Hijo, planteó la búsqueda de formas inauditas e  inexplicables para modelar rostros imposibles, perdidos en su propia belleza cósmica. La misma que envuelve  cada gramo sónico de ‘Tohu Bohu’ y Cuaresma’, hallazgos nacidos del atomizador de intuición que rige el  sístole-diástole de estas canciones polimorfas, cuestionadoras de las leyes que marcan las pautas de acción  consensuadas en la relación entre emisor y oyente. 

Por todo ello y los spoilers no emitidos, es la experiencia inmersiva que todxs estábamos esperando: la que es capaz de cuestionar nuestra propia naturaleza como receptores en tiempos de fast-food cultural.

 

 

 

 

 

 

«DIANA» UN ADELANTO DEL NUEVO SONIDO DE CHELSEA WOLFE

«DIANA» UN ADELANTO DEL NUEVO SONIDO DE CHELSEA WOLFE

Tras publicar su colaboración con Emma Ruth Rundle para el tema «Ahedonia», Chelsea Wolfe reaparece con «Diana», canción que forma parte del soundtrack para Wonder Woman «Dark Nights : Death Metal», la última entrega de DC Comics, y una fiel muestra del rumbo sonoro de Wolfe.

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El reciente interés de Hollywood y de las exitosas sagas de clásicos del cómic por levantar figuras femeninas como heroínas principales y ya no secundarias sigue en aumento. En un intento por hacer parecer que la feroz industria cinematográfica se desenmarca de prácticas machistas, misóginas y abusivas, conocidas en detalles, tras la ola de denuncias surgidas a partir del #MeToo, la arremetida de los grandes estudios no se detiene y continua apelando al viejo recurso de reposicionar, más por conveniencia que por convicción, a las olvidadas heroínas del cómic. La industria del cómic con sus propios gigantes tampoco parece estar exenta de este fenómeno oportunista. Así lo demuestra en parte la reaparición de Wonder Woman, mujer maravilla, como la heroína de moda, estrella de DC Cómics cuya reciente entrega se titula «Dark Nights : death metal».

Esta nueva entrega de DC Cómics, llega acompañada de un soundtrack que incluye a nombres como Chelsea Wolfe, quien acaba de estrenar recientemente «Diana», una de las canciones que forman parte de esta esperada y bien pensada banda sonora.

Tras publicar su colaboración con Emma Ruth Rundle para la canción «Ahedonia», Chelsea Wolfe, reaparece con «Diana», canción que forma parte del soundtrack de esta esperada nueva entrega de la clásica e icónica historieta.

Loma Vista Recordings DC Comics dieron a conocer la banda sonora que acompaña la colección de historietas Dark Nights: Death Metal, cómic que en 2020 contó con una miniserie animada en Youtube, donde los artistas involucrados en la música prestaron su voz para dar vida a los diálogos de sus personajes. En esta adaptación de los superhéroes y superheroínas de DC, Chelsea Wolfe fue quien se encargó de prestar su voz para encarnar a la Mujer Maravilla, lo que la inspiró a componer una canción basada en la historia que gira alrededor de ella en la trama de Dark Nights: Death Metal.

“Ha sido un honor y un placer estar involucrado en todo este proyecto, desde contribuir con una canción a la banda sonora, hasta dar voz a Wonder Woman para los episodios de ‘Sonic Metalverse’ de DC Comics. Realmente amo la historia y el arte de esta serie Dark Nights: Death Metal, y me sentí realmente atraído por la parte de Diana en la historia, su fuerza y ​​perspectiva ”, comentó Wolfe.

“Hay un momento en el primer número del cómic en el que ella se encuentra con Wally West y él está tan agotado por sus viajes y todo lo que ha tenido que hacer. Recogí esta energía íntima entre ellos que se sentía casi romántica, pero más como dos viejos amigos que tienen un entendimiento entre ellos: un momento de consuelo y respiro entre todas las peleas y el caos. Terminé escribiendo esta canción sobre ese encuentro. Trabajar con Tyler Bates en ‘Diana’ fue una gran experiencia. Obviamente, es tan genial creando música que se siente como la banda sonora de tu propia película, así que entre él y mi coproductor Ben Chisholm había un paisaje sonoro elevado alrededor de la canción que la llevó a un nivel diferente».

«Diana» es una fiel muestra de los caminos estilísticos y sonoros que Chelsea Wolfe está tomando y sirve como una pequeña muestra del volcánico sonido que está moldeando para su nuevo trabajo sucesor de Birth of violence, álbum publicado en 2019.

La banda sonora que llegará en una serie de formatos y ediciones diferentes, será lanzada el 18 de junio, y otro de los adelantos ya conocidos fue la canción “Forged By Neron” de Mastodon . Entre los artistas presentes en el soundtrack, además de Wolfe y Mastodon, estarán nombres como IDLES, Rise Against, Greg Puciato, HEALTH, Soccer Mommy, Manchester Orchestra, Starcrawler, entre muchos otros.

«OCTUBRE ROJO» EL NUEVO SINGLE DE LA YEGUA NEGRA

«OCTUBRE ROJO» EL NUEVO SINGLE DE LA YEGUA NEGRA

 

“Octubre Rojo”, es el segundo single del nuevo disco de la banda de noise rock La Yegua Negra.

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“Octubre Rojo” es el sucesor de “Colmillo Vampiro”, primer sencillo de EP «Mirador», programado para ser editado durante este invierno bajo el sello interregional Hiss Records y con la producción del músico Jurel Sónico.

Inspirada en el color del arrebol en primavera, el cuadro evoca a través de sus tonos, la intensidad y la urgencia de la revuelta popular del 18 de octubre de 2019.  En versos como “un grito sin gritar” la banda habla de impotencia, del reclamo, de la protesta, y de la necesidad de ser escuchados.

«Octubre rojo» nos entrega sonidos distorsionados y voces reverberadas, acompañadas de modulaciones en sus primeros minutos hasta desencadenar en un muro de guitarras resonantes.

 

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

«LIVE AT BAR THE RENÉ» EL NUEVO DISCO EN VIVO DE THE GANJAS

 

«Live at bar de René» es el título del nuevo disco en vivo de The Ganjas, trabajo que registra uno de los últimos y memorables encuentros sobre el escenario con el legendario productor Jack Endino, llevado a cabo una calurosa noche de verano en el mítico bar de Santa Isabel.

El registro en vivo feat. Endino – quien también estuvo a cargo de mezclar y masterizar el disco – acaba de ser publicado en formato CD con arte original, y en formato digital a partir del 25 de este mes, bajo el sello BYM Records. Además, el disco incluye un adelanto del nuevo material de la banda con ‘Listen to the Lion’.

Por Rossana Montalbán M

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Corría el verano de 2019 cuando The Ganjas nuevamente se reencontraba con el productor Jack Endino para grabar su séptimo disco de estudio. Un reencuentro que venía a reafirmar la vieja camaradería que la banda y el productor habían forjado luego de trabajar juntos por primera vez para la grabación de su disco Resistance en 2011.

Tras varias visitas a Chile, entre los años 2014 y 2017 para trabajar con la banda y continuar el fuerte lazo musical que los unió, el productor de Nirvana,  Mudhoney, Soundgarden, y fundador de Skin Yard, regresó a la capital a finales del 2018 para retomar las grabaciones de lo que sería el próximo disco de estudio de The Ganjas, «Generation», reprogramado finalmente para el 2022, y donde Endino además de producir participa como guitarrista invitado, elemento que además de reforzar la química y fiato entre él y la banda, dio cabida a distintos momentos de improvisación tocando en formato jam session, logrando matices experimentales en las nuevas composiciones. 

Fue precisamente ese fiato musical el que los llevó a compartir escenario una cálida noche de verano, en el mítico Bar de René, escenario ineludible para el rock independiente y el metal en la capital. Oportunidad en la que la banda llevó a cabo una de sus tantas presentaciones en vivo a tablero vuelto en una concurrida y apretada velada donde se transpiró ruido y psicodelia, esta vez con la presencia de una figura clave para el sonido de Seattle en la década de los 80s y noventas, Endino en cuerpo y alma, Endino el músico, despertando el espíritu dormido de Skin Yard y sacando chispas en una suerte de fraternidad sonora junto a The Ganjas.

Los primeros adelantos del mítico encuentro ahora convertido en disco, son las versiones de dos infaltables del repertorio de la banda santiaguina, ‘Ghost Rider’ y ‘La lluvia no quiere caer’, dos canciones que adelantan el próximo estreno digital del disco, programado para el 25 de junio. En tanto el cd, ya se encuentra disponible desde el 4 de junio a través de Bym Records, con una edición limitada de tan solo trescientas copias disponibles que, prontamente, si los seguidores así lo deciden, y al igual que el show que plasma, pasará a ser otra joya difícil de volver a encontrar.

HEMEROTECA : PRINCE ESTABA PROHIBIDO

HEMEROTECA : PRINCE ESTABA PROHIBIDO

 

PRINCE 1958 – 2016

«Prince estaba prohibido en mi intolerante y cristiano hogar. Estaba escondido entre Richard Pryor – a quien no podíamos escuchar por nada del mundo y unas revistas porno bien guardadas. En el colegio secundario, mis padres me daban 30 o 40 dólares en un sobre, y con eso me compraba una tarjeta que cubría un mes de almuerzos en la escuela. Era noviembre de 1982, y agarré mis 36 dólares y compré 1999, de Prince; What time is it?, de The Time, y el álbum de Vanity 6. Me morí de hambre todo el mes.»

Ahmir Thompson, The Roots, 
Revista Rolling Stone 2004.

 

 

TSUNAMIS EN VIVO DESDE ESTUDIOS BYM RECORDS

TSUNAMIS EN VIVO DESDE ESTUDIOS BYM RECORDS

 

 

 

Tras el lanzamiento de su séptimo disco 7 mares, Tsunamis retoma actividad estrenando sesión en vivo desde los estudios del sello discográfico BYM RECORDS.

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Este jueves 27 de mayo TSUNAMIS estrena vía streaming “En vivo desde Estudios BYM” un registro íntimo a cargo de la productora TV Piratas, viejos colaboradores de la banda, grabado en uno de los lugares más íntimos e importantes en los últimos años para Tsunamis, el estudio del sello discográfico Bym Records. Lugar que ha visto nacer las canciones que pertenecen a sus discos «7Mares» (2020) y «Trans Express Sudamericane» (2017). Precisamente, dos de los álbumes que la banda rescata en este streaming, realizado en conjunto con Nes Rodríguez sonidista y co-fundador de BYM.

En 2003, a cargo de Alvaro Guerra y  Juan Domínguez, nace TV Piratas, productora audiovisual que realizó algunas de las piezas más emblemáticas de la escena independiente local de la primera década del siglo XXI, entre las que se encuentran, Guiso, Tsunamis, Pendex, entre otros. Entre estos se encuentra uno de sus trabajos más conocidos, el videoclip para «In Flames» (2004) de Tsunamis, video que llegaría a ser emitido por la pantallas de MTV Latino, posicionando a la banda y a su crudo y rocanrolero disco debut que llegó a conocerse en el resto de Latinoamérica.

En septiembre de 2020, después de 15 años trabajando juntos, y tras la imposibilidad de tocar en vivo, TV Piratas le propuso a la banda filmar una tocata en el estudio de su sello BYM RECORDS para una fonda virtual. El resultado fue tan logrado que la banda decidió lanzarla por su propia cuenta y convertirla en un documento para sus seguidores «Tratamos de captarlos en su esencia, usamos la opción del blanco y negro más crudo y en sintonía con ellos la grabación fue de una tirada. La energía envolvió el estudio y el resultado creo yo que queda más que demostrado, un en vivo de una energía única” comentaron los realizadores.

La sesión en vivo desde Bym Records registrada mientras la banda trabajaba en su disco 7 mares, cuenta con canciones de este último álbum y podrá verse a partir de este jueves 27 de mayo, a las 21hrs, pagando un aporte voluntario para la banda y su equipo, y quedará disponible para todos y todas a través de la nueva plataforma de @portaldisc hasta el 15 de Junio 2021.

BOWIE: POSTHUMANISMO SÓNICO EN CONVERSATORIO

BOWIE: POSTHUMANISMO SÓNICO EN CONVERSATORIO

Este martes 25 de mayo, a las 18:30 hrs, se llevará a cabo en Alma Negra Librería, el conversatorio sobre el libro David Bowie: Posthumanismo Sónico, del filósofo y escritor uruguayo Ramiro Sanchiz, un ensayo que propone develar la figura y obra de Bowie a partir de lo performativo.

¿Quién o qué fue David Bowie? es la pregunta que surge al adentrarse en el ensayo del filósofo y escritor uruguayo Ramiro Sanchiz, quien nos responde postulando que Bowie fue un alien venido del futuro para cruzar y alterar todos los límites, hackeando la industria musical, infectando el pop a través de lo performativo, lo masculino a través de lo femenino, lo humano a través de lo extraterrestre.  A partir de esta idea y entregando un sólido marco conceptual basado en las definiciones del posthumanismo, Sanchiz recorre la música y la performance constante del artista británico y en cómo estos aspectos  desarrollados en extremo por Bowie contribuyeron a una intervención definitiva en la cultura pop.

Bowie mirado como un proceso más que como un sujeto, un proceso de rasgos sónicos y especulativos,  con lo que el escritor de ciencia-ficción Ramiro Sanchiz construye un ensayo penetrante sobre la naturaleza humana. David Bowie, posthumanismo sónico nos propone una lectura radical del creador de Ziggy Stardust transitando entre el espíritu fandom y las teorías del posthumanismo crítico, entablando diálogo con autores como Timothy Morton, Graham Harman, David Lynch o H.P. Lovecraft.

Desplegando un conocimiento detallado de la música de Bowie, de sus agentes contaminantes (los procedimientos aleatorios y maquínicos con Brian Eno; el Ambient hauntológico y horrorístico de Scott Walker; las simbiosis vampíricas con Lou Reed, Angela Barnett o Marc Bolan, así como sus personajes y máscaras. Un enjambre, una swarmachine, una horda de mutaciones y contagios que ponen a prueba nuestra comprensión y que reafirman a David Bowie como el explorador adelantado de un viaje colectivo hacia lo desconocido.

El libro editado durante 2020 por Holobionte Ediciones, llega a Chile a través de la recientemente inaugurada Alma Negra Librería y plataforma, cuyo catálogo librero propone un amplio universo de lecturas críticas en torno a las ciencias sociales, la literatura, el arte y la música, entre otros. Precisamente, el trabajo de Sanchiz es parte de una abultada sección dedicada a los libros sobre música, sección que reúne una cuidada selección de estudios musicológicos, estudios culturales, biografías, ensayos, estudios filosóficos, crónicas y más, que se pueden encontrar en www.almanegraliberia.com, y que busca cubrir la cada vez más creciente necesidad de lecturas musicales como también poder mostrar la labor editorial que actualmente se está haciendo en torno al ámbito musical tanto en Chile como en el resto de Iberoamérica.

El conversatorio David Bowie: posthumanismo sónico, contará con la participación de su autor Ramiro Sanchiz junto al Doctor en Filosofía Cristóbal Durán, la periodista especializada en música y fomento lector Rossana Montalbán y la librera y doctora en Historia Silvana Vetö, dueña de Alma Negra Librería. El encuentro es otra de las diversas actividades impulsadas por la librería con el fin de divulgar la labor editorial iberoamericana y con el fin de proponer nuevos editores, nuevos títulos, nuevos autorxs y nuevas perspectivas críticas para la música.

Conversatorio con Ramiro Sanchiz, autor de David Bowie, Posthumanismo Sónico (Barcelona, Holobionte Ediciones, 2020).

Martes 25 de mayo, 18:30 hrs
Vía Zoom
Actividad sin cupos limitados
Inscripción previa en almanegralibreria@gmail.com

 

 

BOB DYLAN : UN GÉNERO EN SÍ MISMO

BOB DYLAN : UN GÉNERO EN SÍ MISMO

En octubre de 2016 Bob Dylan fue reconocido con el Premio Nobel de Literatura, convirtiéndose en el primer músico en recibir el honorable galardón que reconocía en él la contribución de haber «creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición americana», una expresión tanto musical como literaria que continua siendo explorada como un género en sí mismo, como bien lo muestra la extensa bibliografía existente en torno al laureado cantautor.

Por Rossana Montalbán

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El trabajo de Dylan y su impacto como referente cultural, musical y literario desde la década de los 60s, se encuentra revisado y analizado en una vasta bibliografía. Ensayos, biografías y cancioneros que continúan la interminable labor de descifrar la figura e influencia del cantautor en la música y en la literatura. Exhaustivas investigaciones de quienes han observado el viaje de Dylan desde sus primeros días como músico folk, militante y exponente de la canción protesta, hasta su evolución al sonido eléctrico y la elaboración de un cancionero profundamente americano, cargado de referentes literarios.

 

La bibliografía Dylaniana es extensa, y al parecer, interminable cuando una y otra vez se vuelve a escribir sobre el cantautor, abriendo nuevas interrogantes probablemente porque la respuesta definitiva a su obra y figura no existen, y no son parte de su leyenda. Una leyenda en permanente construcción, tal como se enuncia en el documental Rolling Thunder, pieza audiovisual que registra uno de los momentos vitales del cantautor, cuando en plena década de los setentas decidió salir de gira con una caravana de músicos, músicas, poetas, colaboradores entre los que se incluían Allen Ginsberg, Joan Báez, o Joni Mitchell, un capítulo ya relatado con anterioridad en una fascinante crónica escrita por Sam Shepard publicada como libro » Rolling Thunder: Con Bob Dylan en la carretera».

Lo cierto es, que probablemente, pocos músicos vivos reúnen tan extensa bibliografía sobre ellos y su obra, comprobándose una vez más el puente establecido por Dylan y el mundo literario, puente que ha estimulado la retroalimentación entre ambos universos, y a su vez, ha creado un género en sí mismo, el dylaniano o el sub género de la canción de autor o canción literaria, cuyas inflexiones transitan por el poemario, la crónica, la alegoría. Un cancionero que es en sí mismo, literatura pura.

Pero para hablar de Dylan, es necesario remontarse tanto y, de igual manera, a su génesis musical como a su génesis como escritor de canciones.  Y en cómo estos mundos y sus elementos se transfiguraron en él, dando forma al universo dylaniano que fue parido gracias a los cromosomas de Dylan Thomas, Woody Guthrie, Robert Jonhson y Pete Seeger.

Desde sus comienzos, Bob Dylan cantó pensando en los desheredados y en los marginados. Para ello utilizó y revitalizó la tradición popular del folk americano: las baladas del Norte y el blues del Sur. De este modo, introdujo en la canción moderna elementos tradicionales y sociales mientras ligaba sus composiciones a sus experiencias personales. Como muchos otros, viviendo el clamor de la convulsión de los años sesentas, Dylan buscó nuevas formas de expresión que a pesar de venir referenciadas demandaban en espíritu el nacimiento de un mundo nuevo.

Su personal lectura del folk, la llegada a la canción protesta y su posterior mal llamada «conversión» al rock, conforman la encrucijada permanente de su obra, tres momentos formativos de Dylan con distintas intensidades tanto lírica como musicalmente que quedaron plasmadas en casi una década de discos como «Bringing it all back home», «Highway 61 revisited», «Blonde on Blonde» o «Blood on tracks», constituyendo el nacimiento de un solo Dylan, de un solo referente, el cantautor con guitarra eléctrica.

El 13 de octubre de 2016, Dylan se convirtió en el primer músico y cantante en recibir el premio Nobel de Literatura. Con este galardón la Academia Sueca reconoció su aporte capital a la narrativa de la música esgrimiendo como razón suficiente el hecho de «crear una nueva expresión poética dentro de la gran tradición americana». El inusitado reconocimiento solo vino a confirmar su intervención y presencia en las artes literarias desde hace ya casi cincuenta años y vino a recordar la obsesión por descifrar su genio e ingenio, obsesión que ha perseguido a críticos musicales y académicos alrededor de todo el mundo, alimentando miles de páginas y ediciones en diversos idiomas, todas presentadas como aproximaciones no definitivas.

Tras conocerse, quizás, la máxima confirmación del impacto de Dylan, se hizo necesario acudir a aquellos libros que tiempo antes ya habían explorado a modo de estudio literario su obra. Ese es el caso del libro de Christopher Ricks y «Dylan: visiones del pecado» editado en 2004, un trabajo que revisa y analiza la poesía del cantautor, en tanto métrica, versos y metáforas, conectándolo a otros nombres capitales de las letras. Al mismo tiempo, leer a Dylan, y no sobre Dylan, probablemente sea una de las más concretas aproximaciones a su obra, por eso, su aplaudida autobiografía Crónicas, Vol 1, también editada por primera vez en 2004, resulta una parada necesaria en este viaje al centro del músico.

DYLAN POETA: VISIONES DEL PECADO

Christopher Ricks

En este libro del profesor Christopher Ricks, el académico analiza con mirada crítica las composiciones del cantante y poeta norteamericano -al que emparenta con los grandes poetas anglosajones T. S. Eliot, Gerard M. Hopkins, Tennyson, John Donne, William Blake y Philip Larkin – comparando incluso al bardo norteamericano, por su genio, ingenio y desenvoltura para saltarse las normas, con el propio William Shakespeare, a quien se conoce popularmente en los países anglosajones como «The Bard».

STOCKHOLM 1966-09-28 *For Your FIles* Bob Dylan during anpress conference in Stockholm, Sweden April 28, 1966 during his ‘ Bob Dylan World Tour 1966/ Kod: 151

¿Por qué los poemas que forman las canciones de Dylan son tan buenos? bajo esa sencilla pero enorme pregunta, el autor, Christopher Ricks, desarrolla este libro donde se interna verso a verso en los escritos del cantautor. Considerado junto a Harold Bloom uno de los principales críticos literarios contemporáneos, cuando desmenuza las letras (o poemas) de las canciones de Dylan y analiza incluso el modo de interpretarlas (recitarlas) para averiguar dónde reside el misterioso atractivo que hace que se sigan escuchando cincuenta años después y sean referencia inevitable de casi dos generaciones.

A pesar de ser un ateo confeso, Ricks utiliza como armazón para su análisis pecados capitales, virtudes teologales y hasta «gracias divinas», consiguiendo detectar toda clase de resonancias bíblicas incluso en canciones no pertenecientes a esa época religiosa que, para algunos de nosotros, resulta la menos interesante pero que no deja de ser parte del universo dylaniano.

 

BOB DYLAN

CRÓNICAS

Los prolegómenos de la crónica vital y profesional de Bob Dylan nos remontan, a través de una mirada abierta, al Greenwich Village de 1961, testigo principal de su llegada a Nueva york. De ahí parte la andadura iniciática que el bardo desgrana en este primer volumen de la trilogía autobiográfica cuando, recién llegado a Nueva York, merodea por el Village en pos de su destino. Dylan alterna observaciones elegíacas con retazos de recuerdos, aderezados con comentarios agudos e incisivos.

Las incomparables dotes de narrador y la exquisita expresividad que constituyen el sello distintivo de su música hacen de Crónicas una reflexión penetrante sobre la vida y sobre las personas y los lugares que moldearon al hombre y su arte.

Una autobiografía mayor, con puño y letra del laureado cantautor, en la que junto con explorar su llegada a Nueva York en 1961 y la grabación de su primer álbum, describe uno de sus periodos personales menos luminosos, omitiendo su época de mayor fama, a mediados de la década de 1960.

A su vez, la pluma y el criterio narrativo del músico se deciden a recorrer en extenso la historia de dos de sus álbumes menos conocidos, New Morning (1970) y Oh Mercy (1989), narrando sus colaboraciones con el poeta Archibald MacLeish y con el productor Daniel Lanois. En el capítulo de New Morning, Dylan aborda su insatisfacción y rechazo con la idea del «portavoz de una generación» que por décadas se le atribuyó.

Dejando en claro que es uno de los cronistas más aventajados de su generación, en el final del libro el músico describe con pasión el momento en que escuchó por primera vez la composición de Bertolt Brecht y Kurt Weill «The Threepenny Opera» y el momento en que su oído descubrió los discos de Robert Johnson.