Rossana Montalbán

Rossana Montalbán Marambio, Periodista y Licenciada en Comunicación Social. Mención Industria Cultural y Medios Digitales. Se ha desarrollado en el área de la industria del libro para distinas casas editoriales y en el periodismo musical en medios escritos y radio. Ha trabajado con editoriales nacionales e internacionales, entre ellas, Fondo de Cultura Económica, Cuarto Propio, Liberalia Ediciones, Garlopa Ediciones y otros. Creadora, productora y locutora del programa radial Noches de Rock, espacio de entrevistas a bandas de la escena rock independiente local, transmitido entre los años 2005 y 2009 en formato podcast y en la red de radios comunitarias de Chile. Columnista de la emblemática revista de metal Grinder Magazine. Formó parte del equipo de cobertura de shows en vivo para la agencia FotoRock,cl y autora de la sección Memoria Rock para la misma plataforma. Autora de la Columna Disco Eterno en Disorderl.cl, y colaboradora en Revista La Noche. En 2013 funda Crónica Sonora, medio digital que dirige actualmente .
CAT PEOPLE: ONG CORAZÓN DE GATO LANZA CALENDARIO INSPIRADO EN DAVID BOWIE Y FREDDIE MERCURY.

CAT PEOPLE: ONG CORAZÓN DE GATO LANZA CALENDARIO INSPIRADO EN DAVID BOWIE Y FREDDIE MERCURY.

La ONG Corazón de Gato lanza su calendario 2020, CORAZONES LATIENDO, inspirado en David Bowie y Freddie Mercury. Con su compra aportas a financiar el rescate, rehabilitación y esterilización de colonias de gatos ferales. Para conocer más detalles del proyecto conversamos con su directora y fundadora Paulina Fágel, y repasamos parte de la unión gatos y música.

 

Probablemente, uno de los tantos efectos que ha tenido el estallido social en nuestra cotidianidad ha sido, al fin, la visibilización de las demandas por los derechos animales. Con ello, la labor de cientos de organizaciones que por años han mantenido esta solitaria lucha en contra del abandono y el maltrato amparados en la ausencia de una legislación que permita entregar protección y garantizar los cuidados y derechos básicos a la población animal, en medio de nuestro contexto de demandas sociales, ha adquirido la notoriedad y valor que por largo tiempo no se les brindó.

En busca de un cambio profundo, pareciera que poco a poco comienza  a comprenderse que los derechos de los animales deben ser resguardados por todos quienes habitamos el planeta a través de una cultura de respeto a las especies. Y que estas especies y sus derechos deben ser incluidos en los petitorios oficiales como por ejemplo ocurrió en la consulta ciudadana realizada por la Asociación de Municipalidades el pasado 15 de diciembre, donde se consultó por hospitales veterinarios públicos y por mayor protección para los animales a través de esterilización gratuita, refugios, etc, etc, etc.

Otro foco de acción durante estos dos meses de movilización y activismo han sido la organización de cabildos por el derecho animal con el fin de elaborar un marco regulatorio que sea incluido en el futuro proceso constituyente que comenzará en 2020.

 

 

La batalla por la dignidad por primera vez, y aún a tiempo, es también por la dignidad de todas las especies. Caballos, vacas, gallinas, perros, gatos, y una infinidad de fauna salvaje. El querido perro matapacos, símbolo de la movilización de un Chile olvidado, marginado y no privilegiado como el quiltro callejero que día tras día sobrevive a la precariedad y a la indiferencia, es la más reveladora, dolorosa, alentadora y significativa manifestación de como hemos sido y como queremos ser como sociedad, entre nosotros y con los otros.

Es en este nuevo escenario las campañas de distintas fundaciones adquieren mayor fuerza, sentido, y sobre todo, reciben mayor atención y espacio de acción en un contexto donde ahora la normalidad es luchar por una vida digna con conciencia y responsabilidad. Así día tras días nos encontramos con las organizaciones movilizadas en las calles, reforzando su presencia y generando nuevas formas de financiamiento, una de ellas, es la que ha impulsado CORAZÓN DE GATO, quienes desde hace diez años se dedican a rescatar y realizar operativos de esterilización a colonias de gatos ferales. Además, gestionan las adopciones de los felinos rescatados y rehabilitados. Su política es el bienestar de estos bigotudos en todas sus formas, así como crear conciencia en torno a maltrato y tenencia responsable, enfocados en promover el compromiso, la responsabilidad social y el respeto a todo ser vivo sintiente. Corazón de Gato no recibe ayuda estatal,  ni de privados, y se mantiene gracias a personas que creen en su proyecto.

 

“Hemos observado como se eleva el clamor contra la injusticia, hemos recorrido las calles siendo testigos de la inmensa violencia que se despliega ante demandas legítimas y necesarias.

Estamos en profundo desacuerdo contra todo abuso, maltrato, mutilación, tortura y asesinato a quienes exigen un Chile mejor; así como condenamos el maltrato y utilización de animales por parte de las FFAA y carabineros para sus propósitos represivos.

Son momentos en que estamos llamados a la reflexión, pero también a la acción. Por nuestra parte, hemos mantenido nuestros canales abiertos para ayudar a quienes nos han requerido; estamos en contacto con los cuidadores de colonias de gatos ferales para retomar sus TNR, seguimos en nuestra labor de cuidar, alimentar y buscar hogares temporales o definitivos para nuestros rescatados. Esta también es una lucha que, en las actuales condiciones del país, se nos ha hecho más ardua.

Apoyamos todo movimiento que busque un Chile más justo, digno y libre donde vivir y crecer; desde nuestro profundo respeto a los animales, a los gatos, a la gente y este territorio que queremos compartir en paz.

En estos momentos, al igual que siempre, queremos agradecer a quienes han estado con nosotros en todo momento por medio de su ayuda, palabras de cariño y preocupación, así como al mismo tiempo con humildad les pedimos que en estos momentos difíciles no nos olviden. Pronto retomaremos nuestras funciones en las redes sociales ya que hasta hoy nos hemos mantenido completamente concentrados en nuestra tarea diaria con los habitantes de Corazón De Gato y con quienes nos han solicitado ayuda.

Por un Chile nuevo, más justo y compasivo. Un Abrazo”.

 

Con este mensaje, la organización comunicó a través de su página de Facebook, el día 12 de noviembre, parte de su labor y posición como activistas en el actual contexto social y político.

Continuando su comprometida labor en medio del estallido, la reciente campaña de financiamiento corresponde a la publicación de su ya tradicional calendario ilustrado, cuya versión 2020 está inspirada en dos reconocidas figuras musicales amantes de los gatos: DAVID BOWIE y FREDDIE MERCURY.

 

 

No resulta extraña la conjunción entre música y gatos. Los fascinantes y misteriosos animales que habitan techos y hogares, han sido desde tiempos inmemoriales grandes compañeros del proceso creativo.  Símbolos de hedonismo, sensualidad, independencia, misterio y ternura, los felinos han generado e inspirado todo un imaginario que se desprende de su naturaleza. Un imaginario presente en la música, en el arte y en la literatura, dando cuenta de la fascinación de no acabar que el humano ha sentido por ellos.

David Bowie y Freddie Mercury, ambos compositores y figuras mayores de la música popular, expresaron su fascinación por la naturaleza felina a través de canciones, estéticas y también a través de vínculos interespecies que quedaron inmortalizados en célebres fotografías junto a sus compañeros gatunos.

 

En el cancionero de Bowie es posible apreciar dicha inclinación a través de la canción CAT PEOPLE, tema compuesto para la película del mismo nombre junto al maestro del sintetizador Giorgio Moroder. Una composición que se caracteriza por su sonido electrónico de alta intensidad, buscando representar el misterio y la fiereza felina como parte del argumento de la película de horror erótico del mismo nombre, o EL BESO DE LA PANTERA, dirigida por Paul Schrader.

 

 

Pero en esta relación entre música y gatos, probablemente la más paradigmática de todas sea el profundo vínculo que FREDDIE MERCURY, vocalista de QUEEN, mantuvo con sus diez felinos, entre ellos, Tiffany, Romeo, Oscar, y la conocida Delilah, convertida en canción. Diez felinos que habitaron la intimidad de una de las voces y figuras más trascendentes de la música popular de los últimos 45 años, y cuya personalidad artística y humana lo llevó a identificarse con animales y no con personas, dándoles especial cuidado y prioridad como sus compañeros de casa con habitaciones individuales y lujos para cada uno.

 

 

El amor por los gatos ha generado un cancionero cargado de maullidos, ronroneos, rasguños, bigotes y pelos. Compañeros silenciosos, distantes pero cercanos, la presencia felina se ha descrito como privilegio y acto mágico.  Y también como algo demoníaco. Sam, el mal portado gato de Syd Barret inspiró la psicodélica LUCIFER SAM, de su disco THE PIPER AT THE GATES OF DOWN, homenaje al endemoniado comportamiento de algunos seres vivos en interacción con los molestos humanos.

 

 

La fascinación por el comportamiento felino y el ánimo del humano por poseer algo de eso es lo que Robert Smith transmite en THE LOVECATS- THE CURE, 1983, apelando al amor de los gatos y a la idea de amarse como lo hacen estas criaturas.

 

 

 

Canciones y gatos. Gatos y canciones, unión anti depresión de fin de año. Energía felina e imaginario rock and roll, animalidad y música, es lo que nos ha llevado al trabajo de la Ong Corazón de Gato y su calendario 2020 CORAZONES LATIENDO, una propuesta que une ambas obsesiones. Conversamos con su fundadora y directora Paulina Fágel, artista visual y activista, quien nos relata como se gestó este proyecto:

“El calendario lo hacemos todos los años. Cada edición tiene una temática distinta. El 2018 fue el viaje a la luna, el año pasado el viaje al mar. El primero lo hicimos en 2010 y 2011, luego de un larga pausa lo retomamos en 2016”. 

 

 

 ¿Por qué decidieron hacer esta edición inspirada en músicos?

Este año teníamos otra idea, pero no me parecía muy inspiradora, así que hicimos un giro. El giro fue en septiembre, el calendario lo estábamos trabajando desde esa fecha aproximadamente.

En Corazón de Gato somos dos, Fernando Santander, colaborador desde hace ya 3 años. Él es dibujante y yo estudié Licenciatura en Artes. Entonces un día nos sentamos a conversar sobre el calendario, ya había bastante avanzado, y yo en lo personal encontraba bonito el tema pero poco inspirador. Ahí fue cuando le propuse a Fernando otras ideas y salió la idea de hacerlo con Bowie y Mercury. Aparte a ambos nos gustan mucho musicalmente.

 

 

 

 

¿Por qué escogieron estos dos músicos? 

A ellos les gustaban los gatos

¿Crees que ellos como músicos tengan algo de gatos?

Por supuesto, en su propia manera, tienen algo de gatos, y ambos como rasgo general tienen esa cosa del misterio, la forma de presentarse en público, la forma de interactuar con su público.

¿Cómo será el formato del calendario?

En la portada irán tres dibujos de nuestros gatos: Guacolda, Taro y Morgan. Ellos serán los protagonistas. Y cada gato personificado de Bowie o Mercury es uno de nuestros gatos. Cada mes será una canción distinta, de manera alternada entre ambos personajes.  Un mes Bowie y luego Mercury, cada mes con una de sus canciones.

 

 

¿Qué canciones se podrán encontrar en el calendario?

Varias de las más conocidas irán representadas por nuestros gatos personificados, y la ilustración irá acompañada de las principales estrofas de cada canción.  Algunas de las canciones que forman parte del calendario son ASHES TO ASHES de Bowie y CRAZY LITTLE THING CALLED LOVE de Queen.

 

 

¿Desde cuándo estará disponible el calendario y cómo se puede adquirir?

El calendario de homenaje a Bowie/Mercury estará disponible desde el 23 de diciembre. Por lo general las entregas las realizamos en metros, previa coordinación, tenemos metros establecidos (Matta, Sta Isabel, Irarrazabal, Bustamante), pero en ocasiones podemos coordinar otras estaciones. Su valor será de 8000 mil. Es un calendario de escritorio, anillado doble y láminas termolaminadas. Son ediciones limitadas y se pueden pedir al mail hola@corazondegato.cl  y a nuestro instagram @corazondegato.

 

CALENDARIO 2020 ★ CORAZONES LATIENDO

★ DETALLES

Valor Calendario $8.000

Medidas: 11×16 cm – Escritorio – Anillado doble – 13 láminas termolaminadas – 12 meses.

★ ¿CÓMO LO CONSIGO?

Envíanos mensaje vía inbox o email al correo hola@corazondegato.cl (también puedes dejar tu email o solicitar envío de mensaje en los comentarios), para coordinar los detalles.

★ ¿DÓNDE ENTREGAN?

– Metros Matta – Irarrázaval – Sta Isabel – Bustamante o podemos coordinar excepciones.

– Regiones: Envíos vía Starken – Chilexpress – Correos Chile u otros. (con envío por pagar en destino)

* También podemos enviar dentro de Santiago.

★ Cada venta de calendario va en directa ayuda de nuestros habitantes, pronto tendremos más sorpresas!

 

VOCES SUBTERRÁNEAS, FICCIÓN DE GÉNERO

Texto de la presentación realizada por la periodista Rossana Montalbán en el lanzamiento del VOCES SUBTERRÁNEAS. NUEVAS VOCES DEL RELATO PUNK & UNDER, publicado por Santiago Ander Editorial, el pasado 19 de diciembre en librería Kalimera. 

Nos encontramos aquí, un día después de que la Cámara de Diputados rechazara la paridad de género y la opción de cupos para los pueblos originarios en el acuerdo por una nueva constitución que comenzará a elaborarse próximamente. Un rechazo que contó con 80 votos a favor, 62 en contra, y 7 abstenciones. Con esta votación, la ultraderecha chilena nos ha enviado, a todas, un claro mensaje: “SEGUIRÁ ESTA HISTORIA, SEGUIRÁ ESTE ORDEN, PORQUE DIOS ASÍ LO QUISO, PORQUE DIOS TAMBIÉN ES HOMBRE”. Sin embargo, en dos meses de movilización incesante tenemos la profunda convicción de que sin nosotras no hay DEMOCRACIA como tal, y sin nosotras tampoco habrá una nueva constitución que garantice una sociedad más justa para todes.

Hoy 19 de diciembre también se conmemora el día contra el femicidio, es por eso que esta tarde quiero centrarme únicamente en las tres voces femeninas que componen esta antología. Tres voces venidas del quehacer musical, el activismo, y la literatura. Tres voces cuyos registros divergentes, entonan distintas partes de una misma gran melodía, de una vieja canción conocida por todas nosotras: la violencia de género. 

Naty Lane de Chile, Valentina Artaud, de Uruguay, y Jaqui Casais de Argentina, a través de distintos estilos de escritura, y utilizando distintos recursos literarios, retratan la violencia de género ejercida en sus distintos niveles, desde lo micro a la macro. Desde la intimidad al espacio público. Estas tres narradoras visibilizan escenarios y situaciones de profunda violencia tanto física como simbólica en contra de la mujer. 

En VOCES SUBTERRÁNEAS será posible leer a tres mujeres sudamericanas instaladas en espacios y quehaceres que históricamente han sido atribuidos a los hombres como lo son la escritura y la música. Dos Espacios donde la mujer fue desde un comienzo promovida como musa o groupie, pero no como mente pensante creativa, y ejecutante. Dos espacios atravesados por las lógicas de una sociedad patriarcal, cuyas prácticas recurrentes son validadas y ejercidas no solo por hombres sino también, aunque cueste admitirlo, por mujeres sobre mujeres. Es así como a través de los relatos de estas tres autoras ubicadas en diferentes lugares geográficos y con diferentes discursos, no necesariamente feministas pero sí enmarcados en la problemática de género como el móvil para su escritura, nos mantendrán despiertos, sin permitirnos olvidar que en pleno siglo XXI, la presencia de mujeres en estos espacios sigue manteniendo intacta su naturaleza de lucha permanente.

 

EL HURACÁN MELANIE

En un tono intimista NATY LANE recrea escenas de la cotidianidad. La bajista de Adelaida, nos relata la historia de Melanie, una joven sonidista, cuya vida caótica e inestable, tiene como eje central una relación de pareja precaria y abusiva, sostenida por la necesidad económica de su novio y por la necesidad de ella de tener a alguien.

Aparentemente, un relato de desamor juvenil. Sin embargo, el cuadro que, de forma ágil, entrega la autora, no solo nos permite revivir una típica escena de desencuentro y traición, sino que también reconocer prácticas de abuso y violencia normalizadas por abusadores y abusados en el contexto de relaciones sociales tóxicas.  Probablemente, muchas hemos tenido una amiga como Melanie, o hemos sido una Melanie en alguna etapa de nuestras vidas. Naty dibuja la normalidad de la disfuncionalidad y del tormento emocional de manera exquisita y sencilla haciéndonos creer por un momento que esto es solo una anécdota más en la agitada vida de una chica con mala suerte en el amor.

VALENTINA ARTAUD, LA FÁBRICA.

A través de una prosa poética voraz y cruda, Valentina recrea emociones y sensaciones, imágenes, visualidad a través de las palabras, describiendo lugares y acciones de violencia y sexo. Sexo y Violencia. Y también de violencia sexual.

Dueña de un discurso enmarcado en el feminismo y el posporno, su narrativa juega con lo explícito y lo implícito para retratar nuestro lado más sórdido, más cobarde y más abusivo. 

Todo transcurre en LA FÁBRICA, el inhóspito escenario industrial es como en Manchester un lugar para la música, para la fiesta, para los raros, para los inadaptados. Es ahí donde Valentina se hace cargo del relato de violencia y abuso contenido en espacios como el underground o en el masculino rock and roll. Lugares en que la violencia, el sexismo, la misoginia han estado presentes como material de entretención de una prolongada cultura machista.

Artaud nos quiere enfrentar con eso que a muchos nos cuesta aceptar y mirar de frente, el contexto de los abusos, donde los escenarios y espacios descritos aquí no son la excepción y todo lugar puede ser un espacio para lo no consentido.

 

JACQUI CASAIS – MARTIRIO HAMMER

La activista, música y poeta feminista argentina entrega uno de los relatos más extensos de la antología. Una distopía patriarcal rebosante de totalitarismo y misoginia, un relato que sigue de alguna forma la tradición de autoras como Margaret Atwood.

Un relato cyber punk feminista, utilizando una voz masculina o neo masculina, que relata su enajenada cotidianidad como habitante de un país que ha sido militarizado, un país en que el internet ha sido prohibido por una ley de ciberseguridad, restringiendo el acceso a todo tipo de información previa al año 2020, año en el que transcurre el relato de este joven llamado Matías. 

Casais construye una realidad de supremacía masculina, basada exclusivamente en el exterminio social, civil, cultural y sexual de la mujer.  En el 2020 de la autora, las mujeres no poseen documentos, no tienen acceso a la educación, y a partir de los 17 años están obligadas por ley a parir hijos cuyos progenitores deben ser los miembros de su familia en edad reproductiva,  es decir sus hermanos. 

Desde luego, no estoy aquí para contarles el relato, sino para abrir su curiosidad y apetito lector. Pues el ejercicio literario de la activista, música y poeta, se desplaza de la narrativa nutrida por el imaginario del rock and roll y de la problemática de género para entrar derechamente en una ficción feminista, de hiperfeísmo, imaginando un 2020 donde el patriarcado se ha perfeccionado en la opresión del otro, y donde la mujer como objeto de opresión ha sido superado,  la mujer ya no existe como ser social, individuo, ni siquiera como “ciudadana de segunda clase sin privilegios y sin honor”. La autora se aventura con la peor versión de nuestra realidad actual, una versión que siempre es posible si nuestra peor pesadilla social y humana se materializara. Pero no solo eso, Jacqui aporta en el sub relato una reflexión existencialista sobre el futuro de la sociedad patriarcal donde el control a través de la violencia y del no acceso a la información y a la tecnología resultarán decisivos para el destino de las próximas generaciones y su sobrevivencia.  Una reflexión más que apropiada cuando se sigue en alerta por la implementación del tratado TPP 11

Tres relatos de pluma ágil que contienen un relato principal y uno secundario. Ficciones sobre una realidad que acecha constantemente. Un relato más denso que el otro. Uno más militante que el otro. Uno más visceral y visual que el otro. Uno más cotidiano que el otro.

NO ES SOLO ROCK AND ROLL, aquí, los recursos literarios, estéticos y los discursos de cada una de estas autoras proponen una nueva ficción de género. No es casual que en este milenio surjan voces como las de estas escritoras visibilizando prácticas presentes en todos los ámbitos de nuestras vidas. Esto ya no es un atrevimiento, es casi una obligación, pero al mismo tiempo sigue siéndolo en tanto se siga normalizando, perfeccionando y garantizando la violencia de género.

 

Sobre la autora:  Rossana Montalbán es periodista especializada en música e industria editorial, fundadora de Crónica Sonora.

 

 

COMUNICADO OFICIAL: CICLO CS CANCELADO

COMUNICADO OFICIAL: CICLO CS CANCELADO

COMUNICADO OFICIAL

Crónica Sonora informa que la actividad enmarcada en el ciclo de conversaciones sobre editar libros de música en Chile, junto a Editorial Camino, su editor Jonathan Lukinovic y el autor y musicólogo Jorge Canales, programada para este jueves 24 de octubre en librería Kalimera de barrio Italia, se suspende hasta nuevo aviso.

En medio de un estado de excepción, militares descontrolados en las calles y las libertades coartadas a través del toque de queda, creemos firmemente que no es momento de promover ningún tipo de actividad de ocio, sino tiempo para salir a la calle a defender el derecho a la dignidad y a la libre expresión. Tiempo para organizarse, para informar lo que está pasando en nuestros barrios sitiados, tiempo para viralizar, y para romper el grotesco cerco mediático que pretende confundir y dividir a una ciudadanía que después de mucho ha logrado alzar la voz.

Desde esta trinchera llamada Crónica Sonora donde entendemos la música como una expresión cultural y social, tomamos nuestra responsabilidad como medio de comunicación independiente abriendo nuestras plataformas a todo contenido e información seria que contribuya a la movilización nacional junto al pueblo del cual somos parte en este urgente proceso político y social.

Rossana Montalbán.

Directora

www.cronicasonora.cl

 

 

UNA ALCANTARILLA ABIERTA.

UNA ALCANTARILLA ABIERTA.

“Esta ciudad es como una alcantarilla abierta”, así describe el enajenado y sensitivo Travis Bickle a la ciudad que lo ve enloquecer, en TAXI DRIVER.  Ruidosa, sucia, infecciosa, así se percibe a la ciudad de Nueva York en la década de las 70s y a principio de los 80s, periodo que ve nacer a Sonic Youth. Hablar de Sonic Youth es hablar de esa alcantarilla, y de un sonido directamente heredado de la Velvet Underground, banda que define para siempre el camino musical de esa ciudad; como también lo hace la vital y nutrida escena punk y new wave, marcando la siguiente gran parte del mapa. En plena sintonía con ambos referentes, el cuarteto toma la libre experimentación y amasa una vanguardia musical a partir de 1981, dando lugar a un nuevo torrente de sonido, y a una propuesta artística que no solo modifica la esfera musical, sino que a toda la cultura subterránea de su tiempo. Ahí nace el sonido de esa alcantarilla abierta; el sonido de Sonic Youth.

 

 

Los ochentas y el rechazo a la era Reagan habían quedado plasmados en la superioridad y experimentación anticomercial de Daydream Nation, mientras que Goo abría los noventas con un escenario social, cultural y musical diferente. La premisa era no repetirse. Es ahí donde se abre una línea divisoria antes de Goo y después de Goo. 

Cuando volvemos a escuchar el álbum editado en 1990, el primero bajo el alero de la multinacional Geffen Records, nos reencontramos con un momento decisivo en el sonido de la banda, momento en el que se produce el movimiento expansivo de una agrupación rupturista y transgresora, que en términos estilísticos se hace cargo del ruido, la psicodelia, las influencias retro pop; y el salvajismo del rock para usar por primera vez la tradicional estructura de canción verso-estribillo, y aún así, obtener como resultado un disco incendiario y una suerte de manifiesto artístico musical que propone estética e ideología sonora para la década de los noventas.

Dirty boots abre el disco con Thurston Moore en la voz. Ritmo jovial y atolondrado, probablemente una de las características eternas de la banda siempre poseedora de esa cualidad juvenil. El riff inicial ligero y melódico, describiendo aventuras adolescentes, hazañas nocturnas y desparpajo. La delgada y limpia voz de Moore puesta en contraste con el decibel alto, el estallido de guitarras y los pedales perfectamente disonantes en diferentes colocaciones. Melodía y disonancia unidas para la bienvenida de Sonic Youth al mundo de Mtv.

 

 

Tunic (song for Karen): ruido de guitarras y la entrada de la reina Kim, la voz etérea de Gordon siempre como encapsulada nos remite a pasajes oníricos en medio de un compás ágil y de crudeza para hablarnos de la otra reina, Karen Carpenter, heroína de los neoyorkinos. Oscura y disonante, un epílogo de noise surreal en memoria de la reina olvidada.

Mary Christ: una patada sónica muy punketa y primal, chillona y de compás entrecortado. Gordon y Moore compartiendo voces y gritos esquizoides, aludiendo a fanatismos religiosos y al catolicismo americano, una fijación recurrente que vuelve una y otra vez en varias canciones, jugando con ello para desarticularlo: “Talking to a punker priest / just dogging the breeze / about been in a tree / he says it’s free now! along comes mary christ”/ “angel in a devil skirt, buys me a shirt / says i hope you like / uh, like what now!? / hope i hope you like, like you like your hope / with the tightest rope / i see, i know now! / here we go – i’ ve been waitin so long, yeh i know – for Mary to come along / aaaooooiii”. Una pastilla punk ácida, nada más neoyorkino que eso.

En Kool Thing, Sonic Youth está lanzando una molotov sobre los poderes corporativos y el sexismo. Lo hace de manera tan inteligente, tan poco obvia y tan lúcida.  Y claro, está usando el ruido, la connotación sexual, el poder y el dinero de la gran corporación y el mainstream, y lo hace para hablar sobre política e ideología. Pero no termina ahí; en ella encontramos otra determinada acción para la época, la unión con Chuck D de los incendiarios y fundamentales Public Enemy; la burla a todo cliché sexista que pudiese representar el rock and roll y el mismísimo rap, en voz de Kim Gordon: “Hey, kool thing, come here, sit down beside me, there’s something i gotta ask you. I just wanna know, what are you gonna do for me? i mean, are you gonna liberate us girls from male white corporate oppression?  Tell it like it is, huh? yeah!, don’t be shy”. Es Gordon la que está citando al activismo, ironizando sobre el héroe y la liberación femenina en un mundo gobernado por el patriarcado y las grandes corporaciones: “Fear of a female planet?” murmura Chuck D en uno de los momentos insuperables del disco. La chica de la banda utilizando el alcance de la industria para lanzar un encriptado manifiesto radical.

 

 

El track cinco “Mote”, compuesto y cantando por Lee Ranaldo es la evidencia de la influencia ramonera con un inicio que incluso podríamos comparar al de “Rock n roll radio”, ondas sonoras y un dial. Mientras que el resto nos recuerda a los mejores momentos de Rocket to Russia. Y qué mejor referente si vas a incursionar en la estructura pop-punk. La guitarra de Ranaldo reventada, filuda y distorsionada, el estruendo atraviesa toda la canción: When you see the spiral turning through alone / and you feel so heavy that you just can’t stop it when this sea of madness / turns you into stone picture of your life shoots like a rocket”. Los coros de J. Mascis, Dinosaur Jr. poniendo aires de punk melódico y finalmente el eterno juego de pedales y cuerdas en suspensión hasta el último acople.

 

 

“My friend Goo” mucho más simple y directa, en tono irónico ¿De quién se están riendo los Sonic Youth? ¿de las masas? ¿la moda? ¿o de alguna generación algo boba?. En “Disappearer” nos reencontramos con la experimentación, y ese juego de doble guitarra y bajo junto a la catártica y mooniana batería de Steve Shelley, conteniéndose en un punto de equilibrio evitando que la contundencia marque decisivamente el ritmo de la canción, permitiendo ese característico ritmo indeterminado e impredecible.

La alternancia entre Thurston Moore, Lee Ranaldo y Kim Gordon como vocalistas, es otra de las grandes virtudes de la juventud sónica, otorgándole fluidez y carácter experimental a cada momento. Goo tiene estribillos, tiene catarsis eléctricas y amplificadores que están a punto de estallar. A continuación, dos piezas de la saga Kim Gordon “Mildred Pierce”, dos minutos y trece de melodía instrumental acelerada, estridencias y voz gutural explotando en el final que no puedo evitar vincular a las evidentes influencias que la banda recibió del crossover o de la declarada fascinación de Moore con el metal, uno de sus primeros amores.

 

 

“Cinderella’s big score”, Gordon nuevamente al ataque, otro de los grandes momentos del disco. Una intro espeluznante de riffs a punto de explotar marcando las diferentes afinaciones, y Shelley entrando a marcar el galope cada vez a mayor velocidad para la entrada de la voz casi asfixiada de la rubia: “If i could give you anything, i would give you a kick /you’d rather have a dollar,than a hug from your sis”. La canción explota rabiosa y cruda en medio de sentimientos de decepción y oscuridad: “Don’t give me yr soul, it’s caught is an abyss  / a cold is gonna take you, and freeze away your tears”. En “Cinderella´s big score”, la calma ha desaparecido, Kim Gordon y Sonic Youth lo incendian todo.

 

 

Las últimas dos canciones del disco, “Scooter + jinx” un minuto y siete de caos sonoro, decibel y distorsión. Ruido puro y retorcido para pasar a “Titanium exposé”, marcada por las distorsiones de las guitarras, una intro potente, el quiebre, el groove y la sonoridad ácida. Thurston en la voz principal y Gordon en los coros: “Waking up i see you dreaming of a drivin’ open your eyes to see tv set in blue, i’ve been waiting for you to smile, i’m pretty freezin’, wintertime come summer, you are why it’s happenin’ / [kim]: sugar babe sugar babe do it to me, do me babe do me babe can’t you see me? i’m sugar now sugar now do it to me”. El juego de voces entre Gordon y Moore siempre otorga un toque espacial, y los interpases rítmicos y vocales son la curva del terror para el oyente inexperto en rock caótico. Vuelvo nuevamente a la sintonía de los neoyorquinos con la potencia del crossover y el metal extremo.

Goo se presenta como toda una cátedra sobre eso que conocemos como noise o rock alternativo. Pero vamos más allá de las etiquetas y los manoseados conceptos del underground o el mainstream. Esto es expansión pura, es ir de la premeditada experimentación arraigada en la vanguardia y lo anticomercial, a un sonido de estructuras musicales claras y más cercanas a la convención, recibidas directamente de las grandes influencias pop que la banda adora, todo esto sin perder un gramo de alma, ni una nota de acople. Quizás, también, eso sea una alcantarilla abierta, los cojones y alma de un acto desprejuiciado que une elementos que parecen opuestos, y por supuesto, la claridad artística y la visión de una banda que es mucho más que una banda de rock alternativo.  Porque Sonic Youth es tan visceral como craneal, y su música siempre ha sido una propuesta artística completa desde lo ideológico, lo conceptual y lo visual. No olvidemos la memorable portada a cargo de Raymond Pettibon, ilustrador del underground norteamericano, cuya imágen icónica es recogida de la crónica roja y llevada a la estética pop,  comunicando el sentido total de Goo, que además de ejercer el cruce vital entre el noise y el molde verso/estribillo, es lo que el mismo Thurston Moore ha expresado al hablar del vídeo de Kool thing – canción emblema del disco – : “Esto es el encuentro de Barbarella con Andy Wharhol”. Es un hecho comprobado que Sonic Youth dio con la fórmula del noise para las masas.

EN ESTADO DE GRACIA

EN ESTADO DE GRACIA

 

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En ese mismo sendero, el blues es su gran influencia, palpitando en todo su trabajo. Jeff Buckley es un músico que lo practica con todas sus letras al momento de componer, cantar y tocar la guitarra, pues comprende cada uno de sus códigos, y posee su sentimentalismo y crudeza. Su lenguaje es poético, su estilo personal, canta y escribe con las penas del diablo; exorciza, y crea belleza. Grace es su máxima, huele a música del alma.

En Grace lo de Buckley es implícitamente ambicioso y perfeccionista. Toma referentes estilísticos clásicos para reconfigurarlos a su medida, casi siempre desde lo eléctrico. Mostrando credenciales, su voz tenor lo lleva a elegir tres diversas canciones ajenas para interpretar, porque Buckley es muchas veces un cantor cuya voz y Telecaster son capaces de hacer a Cohen o a Holiday; hombre o mujer, jazz o rock; blues o folk; amor, soledad; lo sagrado, lo pagano; la vida y la muerte; así es el imaginario y el repertorio del que canta, solo determinado por el acto en sí.

 

 

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MOJO PIN: La primera afirmación de todo lo que esbozamos al inicio; acordes emergiendo desde el silencio, la voz de Buckley evocando recuerdos y sensaciones: reconstruyendo una escena, una cama, un tacto. Su canto comienza a entrar en la ensoñación propia del delirio de quien necesita a alguien que, sólo puede ser sustituido, de forma pasajera, por ese “Mojo pin”, al que alude: “if only you’d come back to me, if you laid at my side, wouldn’t need no mojo pin, to keep me satisfied. Y regresamos a la realidad, en un estallido de guitarras y el coro: “Don’t wanna weep for you, don’t wanna know, i’m blind and tortured, the white horses flow, the memories fire, the rhythms fall slow, black beauty i love you so”. Su canto siempre en el lamento, un fraseo ligero que se suelta de su boca para ir más alto donde su registro vocal agudo y emotivo sube y baja una y otra vez. Jeff nos está cantando un blues todo el tiempo, entendiendo el blues como el canto del alma y nos está hablando de la esencia de todo esto al decir: “born again from the rhythm screaming down from heaven”, una idea que ronda en otras canciones.

 

 

 

GRACE: Remece desde los primeros acordes, describiendo un encuentro, la muerte, el amor, el renacer a algo. Quién sabe. Un tiempo ha llegado. Así lo describen los versos : “There’s the moon asking to stay / Long enough for the clouds to fly me away / Well it’s my time coming, i’m not afraid to die”. Mientras que en el siguiente verso, nuevamente la impronta de quien entiende el hecho de cantar, de portar la voz: “My fading voice sings of love, But she cries to the clicking of time, Of time”. Potente melodía electroacústica, configurando a su manera el rock y el folk. El medio tiempo siempre balanceándose hasta cierto punto, de ida y de vuelta en medio de los juegos y contraposiciones de cuerdas y arcos, vitales en el sonido translúcido de la canción, jugando con la intensidad y un coro en segunda línea en el último puente, apoyando a la voz de nuestro Buckley. Es ahí cuando el tiempo del que nos habla se detiene y el sonido de un “tic tac” contando el compás, va y viene,  como cuando nos dice “wait in the fire”, para luego volver a zarpar y terminar arriba en guitarras y voz. Su letra, inseparable de lo que su voz y la sonoridad transmiten, es intensa y redentora como la naturaleza de lo que se está manifestando en la vida de quien canta: “Oh my love, And the rain is falling and i relieve My time has come / It reminds me of the pain I might leave, Leave behind”.

 

LAST GOODBYE: Probablemente la más groovie del disco, un juego de slide y una línea de bajo súper marcada y pegajosa en su comienzo. Una clásica balada de medio tiempo y delicados arreglos que le dan el dramatismo de la despedida: Kiss me, please, kiss me / But kiss me out of desire, babe, and not consolation, You know, it makes me so angry ’cause I know that in time / I’ll only make you cry, this is our last goodbye”.

 

LILAC WINE: Es en este momento cuando el músico, el cantautor, nos dio una clave vital para entenderlo, y que evidentemente, una vez fallecido, con las publicaciones póstumas, quedó aún más claro. En esta lista Lilac Wine es la primera apropiación de un tema ajeno, que más adelante volveremos a encontrar. Si bien “Hallelujah” de Leonard Cohen es por antonomasia uno de los mejores covers, al menos, de los noventas, uno de los mejores covers a Cohen, y uno de los mejores covers que hizo Jeff en vida,  ya sabemos, que sólo es uno de muchos.

 

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Lilac Wine, originalmente cantada por Eartha Mae Kitt y Nina Simone, dos de las bellezas negras que Buckley adoró y tributó cuanto pudo, nos lleva a todo lo que nutre su música y que por sobre todo define su manera de cantar e interpretar: la melancolía propia del blues. Siempre desde el desgarro, la elegancia y armonía del jazz, precisamente, en este momento, donde su prodigiosa voz se pone al servicio de una pieza jazzística para cantar sobre la borrachera interminable de quien pierde a su amor:i lost myself on a cool damp night, gave myself in that misty Light / was hypnotized by a strange delight under a lilac tree”/ “i made wine from the lilac tree, put my heart in its recipe/ it makes me see what i want to see, and be what i want to be/ when i think more than i want to think, do things i never should do/ i drink much more that i ought to drink, because i brings me back you”, / “Lilac wine, is sweet and heady / like my love, lilac wine, / i feel unsteady, like my love”.  De manifiesto su fascinación por las voces femeninas y su afición al travestismo vocal, algo que pocos y talentosos cantantes masculinos pueden hacer de manera tan fluida.

 

SO REAL: Vertiginosa y confesional, Buckley parece empeñado en sacar todos los tormentos afuera. Un crudo y suelto riff en aparente calma, marca todo el tema, junto a las divagaciones que la letra describe de manera más bien críptica: “Love, let me sleep tonight on you couch, and remember the smell of the fabricof your simple city dress, oh… that was so real” / we walked around til the moon got full like a plate / the wind blew an invocation and i fell asleep at the gate”La guitarra va subiendo a medida que se intensifica la confesión, hasta explotar en una suerte de mareos sónicos. Porque lo que se presenta como íntima afirmación es el retrato de las emociones ambivalentes y el vértigo ante el más poderoso de los sentimientos que experimentamos los seres humanos: “i love you, but i’m afraid to love you, i love you, but i’m afraid to love you, i’m afraid / oh… that was so real”.

 

HALLELUJAH: En este recorrido por Grace, una segunda y profunda aproximación a lo que Jeff Buckley es como intérprete, y cómo toma lo que de cierta forma pareciera pertenecerle, porque Buckley inicia un diálogo cuando toma a Cohen, a Simone, a Piaf o a The Smiths. Si Leonard Cohen había ido lejos al tomar este mito católico sobre el Rey David como recitan sus primeras líneas “I heard there was a secret chord, That David played and it pleased the lord”para iniciar toda una metáfora sobre lo trascendental de la vida en cada una de sus expresiones más mínimas, reales y salvajes: “Baby I’ve been here before, I’ve seen this room and I’ve walked this floor / I used to live alone before I knew you / I’ve seen your flag on the marble arch / But love is not a victory march / It’s a cold and it’s a broken hallelujah”. Porque Hallelujah es metáfora, incluso ironía, cuando se está haciendo referencia en tono “sagrado” o “místico” a las enseñanzas que la vida con sus diferentes ribetes puede dejar: Well, maybe there’s a god above / But all I’ve ever learned from love / Was how to shoot somebody who outdrew you / It’s not a cry that you hear at night / It’s not somebody who’s seen the Light / It’s a cold and it’s a broken hallelujah” En clave gospel y canto religioso, como parte de esta metáfora construida por Cohen al componer la canción. Buckley toma, probablemente, como modelo la versión hecha por JOHN CALE en 1991, incluso con cierta solemnidad, y quizá, abrumado cuando nos deja escuchar ese suspiro antes de comenzar a interpretar casi a capela, sólo acompañado de la guitarra. Nuevamente su voz, el principal instrumento en todo esto, su color, su altísimo registro y su intensidad estremecen hasta los huesos.

 

 

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LOVER YOU SHOULD´ VE COME OVER: Enfrentados ya con todo lo que nos conmueve desde lo más profundo, Lover you should´ve come over” es la poesía que nace de la ausencia, el deseo y el desconsuelo. Órgano y guitarra acústica; con los clásicos códigos del folk rock, describe entre metáforas y palabras sencillas, la miseria y la procesión que dejan los amores perdidos, los amores rotos: Looking out the door I see the rain fall upon the funeral mourners / Parading in a wake of sad relations as their shoes fill up with water” / “I’m broken down and hungry for your love / With no way to feed it  / Where are you tonight? Child, you know how much I need it”. Porque en estos términos nos movemos en el universo de un compositor que está exponiendo el alma con su música, reflexiones y dudas que penan, la ambivalencia nuevamente“And maybe I’m too young, To keep good love from going wrong, But tonight you’re on my mind so (you’ll never know)” / “Too young to hold on and too old to just break free and run”. Jeff Buckley nos lleva en sus letras al sentido trágico de las cosas: So I’ll wait for you… And I’ll burn, Will I ever see your sweet return, oh, or will I ever learn”Acompañado de un sutil coro de apoyo, lleno de aires soul y gospel en los términos de Buckley“Caus It’s never over, my kingdom for a kiss upon her shoulder  /  It’s never over, all my riches for her smiles when I sleep so soft against her… / It’s never over, all my blood for the sweetness of her laughter / It’s never over, she is the tear that hangs inside my soul forever”Es este mismo sentido trágico en el que se mezclan la pérdida, el requerimiento y la espera. Aunque todo esté perdido, cantando con devoción a quien aún se ama con devoción: Sweet lover, you should´ve come over / Oh, love well I’m waiting for you / Lover, you should’ve come over… Cause it’s not too late”. 

 

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CORPUS CHRISTI CAROL: Buckley elige al enorme Benjamin Britten, pianista inglés, compositor y director de orquesta. Britten, a quien reconocemos entre los grandes nombres de la música clásica del Siglo XX, debía tener una cualidad específica que llevará a Buckley a invocarlo de esta forma, entendiendo el diálogo del músico con la interpretación vocal; palabra clave, además del oscuro sentido de la pieza escogida. Precisamente, la obra de Britten está enfocada a la música vocal y a las emociones transmitidas por los tonos y armonías de la voz. Buckley no se equivoca, y como el cantor que es, se desdobla vocal y emocionalmente para meterse en la piel de lo que está interpretando. Celestial, majestuoso, ya ni siquiera es Buckley; un espíritu ha emergido de su garganta para cantar los versos: “Lu li lu lay lu li lu lay / The falcon hath born my mate away / And on this bed there lieth a Knight / His wound is bleeding day and night / By his bedside kneeleth a maid / And she weepeth both night and day”.

 

 

ETERNAL LIFE:  Quizá, sin saberlo nuestro hombre escribe su propio epílogo: “Eternal Life is now on my trail, Got my red glitter coffin, man, just need one last nail, While all these ugly gentlemen play out their foolish games. There’s a flaming red horizon that screams our names”El decibel es alto y la rabia marca la pulsión; quemando puentes, Buckley se alinea con el sentido maldito del rock n roll.

DREAM BROTHER: El adn de ésta última dice entre otras cosas: Led Zeppelin. Cadenciosa, exótica y lisérgica; su sonido parece alimentado por los grandes momentos del Physical Graffiti. Tenemos claro que Jeff Buckley aprendió muchísimo de Zeppelin, desde el travestismo vocal que Plant ya practicaba en los sesenta y en la relectura del blues en la voz y la guitarra. Dream brother oscura y misteriosa: “That dark angel he is shuffling in, Watching over them, with his black feather wings unfurled”/ Dream Brother with your tears, scattered round the World”Se hacen presentes los demonios del abandono de su padre Tim Buckley: “Don’t be like the one who made me so old, Don’t be like the one, who left behind his name, ‘Cause they’re waiting for you like I waited for mine….And nobody ever came”.

Un cantautor, por ese entonces, en pleno ascenso, encaminado a ser el favorito de la industria, encaminado, quizás, a ser estrujado por ella, ya alabado por pares y predecesores, y cuya abrupta muerte deja todas esas interrogantes de siempre ¿qué hubiese pasado si estuviera vivo?  ¿ su música sería tan valorada si él aún estuviera grabando discos? ¿Qué música estaría haciendo hoy?. ¿Y si hubiese hecho otro disco tanto o más bello que Grace, quién sabe? Resulta inevitable pensar que, probablemente con vida, su obra y su impronta hubieran caminado menos estelares como un buen secreto a voces, respetado, citado pero sin ese exceso de «gloria» que la muerte, muchas veces entrega. Quizá, la muerte lo embellece todo.

LA CANCIÓN DE TEXTO Y SUS POSIBILIDADES

LA CANCIÓN DE TEXTO Y SUS POSIBILIDADES

PEZ ESPIRAL PRESENTÓ LA BOLSA DE BASURA LIBRO DE CUENTOS BREVES DEL MÚSICO Y ESCRITOR URUGUAYO

LEO MASLÍAH.  (MARTES 06 DE AGOSTO, 2019. TEATRO ICTUS, SANTIAGO) 

 

                                                                                              Fotos por Alejandro Hidalgo

 

Tres encuentros con Leo Maslíah marcan este mes de agosto la cartelera de la capital. El primero de ellos, motivado por la publicación de su libro de cuentos breves LA BOLSA DE BASURA, en una cuidada edición chilena a cargo del sello independiente PEZ ESPIRAL. Los otros dos, dedicados a repasar en vivo su extensa producción fonográfica de mas de 40 discos. Un repertorio musical que sonará en Santiago y Valparaíso

 

 

La prolífica trayectoria de Maslíah como pianista, compositor y escritor hacen de su producción artística una pieza de colección única en el panorama del quehacer musical hispanoamericano. Hoy con más de 40 años de trayectoria a cuestas Leo, el escritor, el compositor y el eximio pianista, todos, uno solo, recorre escenarios familiares como el Teatro Oriente o el Teatro Ictus donde se reencuentra con viejos amigos como los cantautores Eduardo Peralta, Felo, y el periodista y escritor Jorge Montealegre, a quien conoció por Payo Grondona, todos juntos, reunidos y unidos por lugares, historias, anécdotas y paralelismos como tantas veces en el CAFÉ DEL CERRO .

 

 

Es un encuentro especial, es cosa de pensarlo, pues por primera vez se edita en Chile la obra literaria del uruguayo, una obra literaria latente en su obra musical, y donde resulta casi imposible entender la una sin la otra, pues la literatura de sus canciones es patrimonio suyo como de aquellas generaciones que crecieron escuchándolo y compartiendo escenario con él. Así lo cuenta Eduardo Peralta, el primero de los presentadores de la velada en Teatro Ictus: Yo he admirado siempre la versatilidad y oficio de Leo”- “Decir que leo es un artista inclasificable es poco. Yo pienso que es un inquieto con una creatividad sin límites que le impide constreñirse a solo un ámbito de la expresión artística”.  

Peralta , poeta, trovador, amigo íntimo de los versos y la melodía escribe como canta y canta como escribe, por eso ha querido homenajear a MASLÍAH con un poema al estilo de los trovadores medievales con rimas en la misma forma en varias estrofas como si fueran espejos, semejantes, pero nunca iguales:

 

   LEO MASLÍAH CON BANDA / 

es un concierto genial / 

que trae su sarabanda / 

desde la Banda Oriental… / 

Por eso en el Teatro Oriente / 

Leo Maslíah y su gente / 

harán su gran recital / 

y eso es Providencial…

El talento se desbanda / 

de este artista magistral / 

cuya leyenda se agranda / 

como en la canción ritual / 

de Fernanda… Qué elocuente / 

es este Leo, vidente, / 

irreverente ancestral, / 

diverso y fundamental…

Este martes en Chile anda / 

con su propuesta esencial / 

Sin Parra mas con parranda / 

literaria y musical, / 

En este teatro valiente / 

histórico y resiliente / 

hoy no hace un recital… / 

Lanza su libro especial…!

Por hacerle propaganda / 

hablan de humor… ¡qué banal! /

Quieren reducir a stand up /

Su talento colosal? / 

Leo es algo diferente / 

polisémica es su mente… / 

Es uruguayo total / 

y además universal…

Que en Chile como en Holanda,

Canelones y Parral,

Rusia y Nueva Zelanda,

Pueda hacer su recital!

Para que así mundialmente

Su arte inteligente

Tenga como es natural

Un planetario sitial…

El surrealismo manda

En su estilo sin igual,

Y Aristide con su bufanda

Roja, desde un pedestal,

Lo mira amable y sonriente,

Con Brassens y con Lapointe,

Desde el océano astral

Donde hay un Pez Espiral…

Hasta el Solís le comanda

Un obra original!

Que tal ejemplo se expanda

A nuestro Municipal…

Gracias, te dice mi gente,

Que irá contigo al Oriente,

Leo Maslíah inmortal,

Uruguayo universal!

 

 

En la obra de Maslíah se cruzan la poesía, la música clásica, la música popular, el teatro y el cuento, siendo LA BOLSA DE BASURA uno de los libros más queridos de su catálogo literario, cuyas ediciones en Argentina y Uruguay se han agotado de forma recurrente, volviéndolo uno de esos libros escurridizos e inencontrable. Originalmente editado por la emblemática EDICIONES DE LA FLOR, misma casa editorial de la entrañable MAFALDA, La bolsa de basura reúne textos escritos entre la década de los 80 y 90, algunos de ellos, material usado por el músico en sus presentaciones en vivo. Relatos breves sobre la cotidianidad donde la brillante y a veces experimental prosa de Maslíah es capaz de transformar acciones ordinarias en delirantes situaciones del gran teatro del absurdo.

 

 

El periodista Jorge Montealegre comenta : “El relato de Leo es una imagen en cámara lenta que muestra la ridiculez de cada movimiento y de lo que se está haciendo. Leo es un observador describiendo algo que al mirarlo detalladamente resulta tragicómico, mostrándote la evolución inesperada de los acontecimientos”.

 

 

La velada continúa con FELO relatando sus primeros encuentros con Maslíah en el extinto y recordado CAFÉ DEL CERRO. Con la extrañeza e ironía de siempre dice desconocer por completo el motivo de su participación en este lanzamiento. Su singular chispa saca carcajadas a todo el teatro, una y otra vez, mientras continúa repasando una serie de anécdotas que lo unen al autor. Finalmente, guitarra en mano, es el encargado de cerrar el memorioso encuentro.

 

                                                                                       Fotos por Alejandro Hidalgo

 

Pensar en LEO MASLÍAH es pensar en la canción de texto en casi todas sus posibilidades, así mismo LA BOLSA DE BASURA en su primera edición en Chile, (PEZ ESPIRAL 2019) resulta una de esas ideas bien pensadas sobre una obra musical-literaria-teatral casi inseparable.

LEO MASLÍAH Y BANDA SE PRESENTA ESTE JUEVES 8 DE AGOSTO EN TEATRO ORIENTE, 21 HRS. MÁS DETALLES AQUÍ

 

UNA OLA DE FRÍO AZOTA SANTIAGO.

UNA OLA DE FRÍO AZOTA SANTIAGO.

Una ola de frío cae sobre la ciudad y no es exclusivamente por el invierno que azota. 

Vuelvo a Bar Loreto para comprobar, quizás, una vez más, el estimulante estado de la escena dark cold wave de nuevo siglo. Hace un año exacto, DRAB MAJESTY, se presentaba en este mismo local repleto de devotos dispuestos a escuchar al futurista y maquinal dúo dueño de una elaborada visualidad. 

 

STOCKHAUSSEN EN CHILE- LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

Un año después, la novedad viene del continente latinoamericano; México D.F, y lleva por nombre, nada más y nada menos que, STOCKHAUSSEN, título decidor para el proyecto solista del músico ÁNGEL KAUFF, una suerte de joven prodigio con formación en piano clásico cuya pasión por las teclas ha desatado una búsqueda y experimentación que trasciende siglos y sonidos enlazando el barroco, la música moderna y el minimal wave. En la música de este STOCKHAUSSEN, teclas y teclados parecen cruzarse constantemente, muestra de ello es su disco XXI (2018), con recurrentes escenas de la hipercomunicada era en que vivimos, una era en que humanos y máquinas, no tan sofisticadas, están a punto de ser uno solo. 

 

STOCKHAUSSEN EN CHILE- LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

Ángel Kauff visita por primera vez Chile alentado por sus colegas chilenas DIAVOL STRAIN y por la jugada desinteresada de METATRON PRODUCCIONES, los mismos responsables de la visita de los fundadores del sello danés de música post industrial POS ISOLATION, Christian Staadsgard y Loke Rahbek, en noviembre de 2018.

Compañeros de ruta en giras anteriores, esta fecha reúne nuevamente al músico mexicano con el dúo feminista dark cold wave DIAVOL STRAIN, prontas editar su segundo LP y a embarcarse en una nueva gira por México y E.E.U.U. 

Son las 23:30 cuando Lau y Ginger, (DIAVOL STRAIN) en bajo, guitarra y sintetizadores, ya se preparan para salir a escena, mientras el bar, poco a poco, comienza a repletarse con un público aún no habituado a la música antes de medianoche. 

 

DIAVOL STRAIN LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

La profunda voz de LAU y las guitarras distorsionadas y resonantes de GINGER comienzan a escucharse en el rojizo escenario de Loreto. Las líneas de bajo marcan el pulso y las vertiginosas pistas sintéticas nos conducen por el imaginario feminista y distópico del DIABLO EXTRAÑO. La banda repasa su ep DEMONIO y su disco TODO EL CAOS HABITA AQUÍ, con temas como WROCLAW, PUERTA AL CREMATORIO, MÁS ALLÁ DEL MURO DEL SUEÑO o ÉTER

 

DIAVOL STRAIN LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

Finalmente, la reunión se concreta con KAUFF subiendo a escena para una feroz versión a tres voces de TODO EL CAOS HABITA AQUÍ. Diavol Strain se despide dejándonos la sensación de haber presenciado a uno de los proyectos musicales más serios y sólidos de la escena oscura local.

 

DIAVOL STRAIN LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

STOCKHAUSSEN EN CHILE- LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

El bar se ha llenado, y sobre el escenario el joven STOCKHAUSSEN saluda, agradece la asistencia y el encuentro con Chile. Comienza la era del hielo sintético, pistas, teclados y baterías programadas acompañadas de una robótica y profunda voz que describe imágenes urbanas y solitarias,  la ciudad y el humano-humanoide. Virulenta y sintética, así suena la música de STOCKHAUSSEN, invitando a un baile frenético y repetitivo como el eterno loop de su máquina. Una máquina que alberga los diferentes registros de la música electrónica, a veces más fría y otras veces industrial donde la voz no pierde protagonismo y las letras en español predominan, así lo demuestra el set list compuesto por títulos como “Un dilema”, “La información”,“Nuevas tecnologías”, “Moderna sensación”, entre otras.

 

STOCKHAUSSEN EN CHILE- LIVE BAR LORETO 19 DE JULIO 2019

 

En una fría noche de julio, una fecha de culto en plena ciudad de Santiago de Chile, ha terminado por tender los puentes entre la escena dark cold wave local y latinoamericana .

 

 

EN LA CRISIS DE LA MEDIANA EDAD.

EN LA CRISIS DE LA MEDIANA EDAD.

Elegir un disco de The Rolling Stones para revisar resulta, personalmente hablando, una tarea difícil per se, sobre todo cuando el amor que se siente por ellos hace perder cualquier atisbo de “razón” ante su discografía. Pues bien, en medio de la indecisión lógica que acarrean tamaños discos como AftermathBeggars BanquetSticky fingersExile On Mainstreet y varios más que, quizá ni siquiera sean tan grandes pero que siempre guardan más de alguna joya, decidí ir por periodo y simbolismo. Dejando atrás los primeros días de blues y psicodelia con la firma de Brian Jones; pasar de largo por la brillante y prolífica era Mick Taylor; y dirigirme al ciclo de Ron Wood y el término de los agitados setentas. Así llegamos a los ochentas, pues los Stones se venían preparando para su tercera década dos discos atrás; Some Girls 1978 y Emotional Rescue 1980, ambos con momentos neurálgicos en “Miss you”, el homónimo “Emotional Rescue” o “She so cold”. Sin embargo, no fue sino hasta 1981 con Tattoo You que la década se abrió avasalladora para sus majestades satánicas en plena era posmoderna, post punk y new wave.

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Siempre inamovible, la institución Rolling Stones pasaba por sus propios cambios. Algo resentidos después de los turbulentos y excedidos setentas, de vuelta del “sexo, drogas y rock and roll”, el espectro de la banda parecía algo agotado. Los Stones debían aprender a calzar su estatus de señores del rock & roll, pues ya no eran novedad y tampoco eran esos chiquillos que los padres prohibirían a sus hijas. Esta suerte de crisis, entre la eterna juventud y el inevitable paso del tiempo, a nivel musical venía percibiéndose entre Some Girls y Emotional Rescue; algo no cuajaba completamente en el sonido de ambos discos. A pesar de contar con grandes momentos, la energía vital de la banda no alcanzaba, efecto lógico, ya que nunca habían parado entre una década y otra; aún así, tampoco lo harían ahora, pero quizá, ya era momento de soltar esa necesidad imperiosa de ser siempre los Rolling Stones.

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START ME UP: Un riff que tiene vida propia hace décadas, la carga sexual explícita, la mujer objeto, y ahí ante nosotros la primera confesión de los Stones en la crisis de la “madurez”, rogando por un segundo aliento: If you start me up, If you start me up I’ll never stop”-  “You make a grown man cry / Spread out the oil, the gasoline / I walk smooth, ride in a mean, mean machine / Start it up”. “Ride like the wind at double speeden / You, you, you make a grown man cry / You, you make a dead man come”. Más allá de su natural resonancia como single oficial y súper hit,“Start me up” es una rola de las más grandes en el cancionero de la banda, de esas que te devuelven el alma al cuerpo, transmitiendo energía sexual por los poros. Dos décadas a cuestas, y nuevamente los Stones entregaban una canción icónica en sonido y en imagen. En su video, Jagger, sus muecas, sus movimientos, ropa deportiva, malla elástica y cinco figuras esqueléticas, resistiéndose a ese inevitable paso de la edad. Un comienzo sin medias tintas los Rolling Stones poniendo la firma en la década de los ochentas.

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HANG FIRE: Sigue la lógica que ya nos anunciaba “Start me up”, la banda rebosante de energía, siempre con un tono lúdico, nos viene a decir que los Stones estaban de vuelta y estaban en llamas, con desparpajo, carácter y esa elasticidad rítmica del rock and roll crudo y oreja bajo la firma rolinga. Penurias y premisas holgazanas: “In the sweet old country where I come from /Nobody ever Works”/ “You know marrying money is a full time job, I don’t need the aggravation  / I’m a lazy slob  / I hang fire, I hang fire”, una especie de declaración de rebeldía en medio de esta supuesta madurez que más adelante empezamos a oler.

SLAVE: Sacando las credenciales del blues rock, escuchamos a los Stones siendo los Stones; un riff aceitoso, un órgano, R&B, cencerro y ese medio tiempo que tan bien manejan. “Don´t wanna be your slave” / Twenty four hours a day ,hey, why don’t you go down to the supermarket” canta Jagger entre falsetes y fraseos. Como ocurre con varias de las canciones que forman Tattoo You, aquí, la banda recupera una composición de la era Mick Taylor, algo que se huele a kilómetros y nos lleva de inmediato al Goat´s Head Soup o al Black and Blue. Grabada en forma de Jam como casi todo en esa gloriosa época y recuperada para las sesiones de Tattoo You. ¿En qué pensaban los Stones y su productor cuando decidieron dejar afuera a Pete Townshend en coros, Billy Preston en el órgano y al grandioso Sonny Rollins en saxo? Una canción así merecía mucho más.

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LITTLE T & A: Dos acordes y un ritmo infeccioso que te pueden sacar de inmediato a la pista de baile. Cruda, simple y directa, los códigos del sonido rolinga, sin pretensiones, siguiendo la línea de sus maestros, Chuck Berry o Buddy Holly. Escuchamos a Richards manejando como nadie ese tono callejero: She’s my little rock ‘n’ roll / The heat’s raiding, the tracks is fading / Joints rocking could be anytime at all/ But the bitch keeps bitching / Snitcher keeps snitching”/ “She’s my little rock ‘n’ roll/ My tits and ass with soul baby / You got to shock them, show them / She got a feeling to know, baby”. El rock and roll de viejo cuño al modo de los Stones.

BLACK LIMOUSINE: Olor a bourbon y aires sureños. Inspirada en Hope Wilson, una de las pocas canciones compuestas por Ronnie Wood a partir de un riff de slide como puede escucharse a lo largo de todo el tema. Cantando sobre viejas glorias y volviendo a sus raíces. “We used to shine, shine, shine, shine  / Say what a pair, say what a team / We used to ride, ride, ride, ride /In a long black limousine / Those dreams are gone baby”.

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NEIGHBOURS: Así como “Hang Fire” o “Start Me Up”representa el sonido de los Stones en los ochentas, el riff elástico, la batería cruda y la estructura básica y oreja. También en tono lúdico, “Neighbours” riéndose de ellos mismos y sus pares de generación “los vecinos molestos”, las estrellas de rock en tranquilos barrios residenciales: “Ladies, have i got crazies? / screaming young babies / no piece and no quiet / i got t.v.’s, saxophone playing / groaning and straining / with the trouble and strife” / Neighbours, do yourself a favour, Don’t you mess with my baby when I’m working all night, You know that neighbours steal off of my table, Steal off of my table, ain’t doing all right. Bien sabe Richards sobre vecinos enemigos y denuncias por tocar guitarra en su departamento de Nueva York. La primera de las dos canciones compuestas para el disco.

WORRIED ABOUT YOU: Extraída de las sesiones de Black and Blue, su sonido nos devuelve a 1975. Los Stones mostrando ese lado soul que tan bien les queda, sobre todo cuando Jagger nos atrapa con su falsete preguntándose: Sometimes I wonder,  why you do these things to me / Sometimes I worry girl that you ain’t in love with me / Sometime I stay out late, yeah I’m having fun / Yes, I guess you know by now you ain’t the only one / Baby, sweet things that you promised me babe”. Hemos entrado en tierra derecha, pues vamos sintiendo cómo lentamente los stones se van poniendo más íntimos, menos juguetones, más reflexivos, en sus términos, sobre amores y vínculos. Un glorioso solo de guitarra como puente para continuar con Jagger de lleno y con voz plena: “Yeah, I’m a hard working man , When did I ever do you wrong?, Yeah, I get all my money baby ,Bring it, bring it all home ,Yeah, I’m telling the truth”/ “Till then I’m worried Lord, I just can’t seem to find my way”. Nuevamente Preston al órgano marcando la intensidad de una verdadera pieza soul. Aunque es un tema que iba a ser parte de “Emotional Rescue”, finalmente quedó afuera, y quizá, ésta es una de las razones por las que dicho disco no llegó a ser tan grande.

Y claro, estamos en la última parte que hace de Tattoo You la gran obra rolinga de la década; porque ocurre precisamente lo opuesto a “Some girls” o “Emotional rescue”, que tienden a desinflarse a medida que vamos a llegando a los últimos temas; por el contrario, aquí vamos cada vez mejor.

 

 

Tops: Otra clara muestra de la gran impronta Rolling Stone, un blues de medio tiempo, R&B y la guitarra de Mick Taylor, suave y pavoneando. Hey baby, every man is the same come on, I’ll make you a star / I’ll take you a million miles from all this / Put you on a pedestal/ Come on, come on” / “Have you ever heard those opening lines? / You should leave this small town way behind / I’ll be your partner, show you the steps / With me behind your tasting of the sweet wine of success”.

Heaven: Volver a escuchar esta canción me recuerda el primer encuentro con ella. Oda al amor físico y a las sensaciones, revelación que te confirma y te recuerda por qué Tattoo You es un disco esencial en la discografía de los Stones y quizás su último gran trabajo. “Heaven” ensalza la ternura y la intimidad, lejos del sudor y del exceso: “Smell of you baby, my senses/ My senses be praised / Smell of you baby, my senses / My senses be praised / Kissing and runnin’, Kissing and runnin’ away, Kissing and runnin’, Kissing and runnin’ away”. Hipnótica como lo sería el talismán de un amante que promete protección:  “Nothing will harm you / Nothing will stand in your way / Nothing, nothing / Nothing will stop you / And nothing will stand In your way”Toda una pieza única en el cancionero de la banda, Bill Wyman al sintetizador, la sutil batería de Watts Jagger en el falsete y la guitarra, marcando el tono afiebrado de visiones dulces y placenteras. La prueba fehaciente de esta suerte de adultez, pues es el otro de los dos temas hechos para el disco, donde se encuentra captado el momento de la banda. Que no quepa duda que Heaven es una de las grandes canciones que los Stones hicieron en esa década.

Llegamos a los últimos dos tracks. “No Use in Crying”, de alma bluesera y melancólica, el coro y las voces marcan la pauta, particularmente en el pase de Jagger, de falsete a voz plena: “Standing in the kitchen/ Looking way out cross the fields / You see a face in the window / It not real, it not real/ Ain’t no use in crying /  Stay away from me”.  Con la mano de Ronnie Wood en la composición, es otro de los grandes y logrados momentos del disco.“Waiting On Friend”finalmente reúne todas las ideas sobre pérdida, aceptación, y claro está, madurez:“making love and breaking hearts / it is a game for youth /but i’m not waiting on a lady / i’m just waiting on a friend”. Quién lo diría; aquellos que han acuñado buena parte de los clichés del rock and roll, se toman la licencia para confesar un poco más: “i need someone i can cry to / i need someone to protect”; amistad, dependencia, un poco de cinismo – quién sabe-, Waiting on a friend es una canción colorida y cálida, con aires reggae y el saxo del grandísimo Sonny Rollins en el final, melódico, infinito y trascendental como si llegase ese esperado ser querido. Por sobre todo un homenaje a la amistad.

 

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Tattoo You fue el resultado del rescate de material dejado en las sesiones hechas para “Black and Blue”, “Some Girls” y el mismo “Emotional Rescue”, precisamente en la transición de 70´s a 80´s, donde las dos únicas canciones compuestas para el álbum fueron Neighbours Heaven.

En términos concretos, parecía un disco hecho de sobras en un momento que la banda deseaba salir de gira y contar con material promocional. Sin embargo, tenemos claro que es muchísimo más que eso, pues fue el resultado de cierta soltura, espontaneidad y olfato al retomar material de primera línea que había quedado de lado, quizá por temor a arriesgarse o a la mínima posibilidad de sonar “aburridos”. Lo cierto, es que el momento para mostrar lo que habían guardado sigilosamente y desatar esa nueva energía retenida, había llegado.

Desde luego, el momento de la banda quedó explícito; Tattoo You simbolizó la adultez y la reivindicación total consigo mismos, logrando un trabajo increíblemente fresco, aún siendo tan reposado en términos de composición y producción. Finalmente, Tattoo You es hasta hoy, uno de los momentos más vitales e icónicos de sus satánicas majestades.

 

ÁNGEL KAUFF – STOCKHAUSSEN : «Hay demasiadas bandas y personas que siguen haciendo fuerza en la música independiente»

ÁNGEL KAUFF – STOCKHAUSSEN : «Hay demasiadas bandas y personas que siguen haciendo fuerza en la música independiente»

Pareciera que el dark wave se encuentra en un vigoroso momento no sólo en Latinoamérica sino en todo el mundo. El flujo continuo de bandas de diferentes lugares de Europa y América del norte hacía este rincón, y de Chile hacía el extranjero, dan cuenta de un nutrido panorama de producción y autogestión artística enmarcada en un género musical que encuentra, nuevamente, un especial asidero en nuestro vertiginoso e hipercomunicado siglo.  En ese sendero nos cruzamos con la visita del músico mexicano ÁNGEL KAUFF mostrando su proyecto minimal dark wave electrónico STOCKHAUSSEN. Un recorrido apoyado por la productora independiente METATRON, que lo trae desde Ciudad de México, gracias a la propuesta y colaboración del dúo feminista DIAVOL STRAIN, con quienes ha compartido gira en ocasiones anteriores y a quienes declara como su banda chilena favorita.

Ángel ha llegado a Chile hace unos días, ha recorrido Valparaíso y Viña del Mar capturando postales invernales que quedaran para la posteridad mientras prepara el esperado encuentro de este viernes, donde Stockhaussen tocará por primera vez en nuestra capital para presentar su disco titulado XXI, y hacernos recordar la fría y maquinal era en que vivimos.

 

 

¿Qué expectativas tienes de este paso por Chile ?

He llegado con mucha emoción de poder mostrar un poco de mi universo musical al sur del continente, con las ganas de escuchar y conocer nuevos proyectos con los que comparto ese vínculo latinoamericano y de saber que muchas personas aún están interesadas en mantener en pie la escena subterránea en su ciudad (entre público que consume, bandas y proyectos, organizadores, clubs, páginas que promueven la música, etc), es un hecho que me llevare/llevo muchísimo.

 

Cuéntanos cómo surge esta fecha en SANTIAGO 

Ha surgido gracias al apoyo e interés de Metratron, quienes son una productora de Santiago, además de una de mis bandas favoritas de Chile llamada Diavol Strain que han sido quienes han unido los lazos entre sí, en conjunto creando un gran equilibrio trabajando juntos.

 

 

 

¿Cómo ves la escena musical independiente en el resto de Latinoamérica? 

Es demasiado especial darse cuenta de que hay demasiadas bandas y personas que siguen haciendo fuerza en la música independiente, nuevas generaciones de músicos que hacen de la música su vida, mucho talento en todo sentido, mucho apoyo entre sí, sin duda mucho del futuro real.

 

En tu trabajo musical encontramos influencias de compositores doctos clásicos como Bach  ¿Cómo haces para incorporar elementos de la música barroca o culta y llevarla a la electrónica?

La música clásica siempre ha sido parte de mi desde la infancia, difícil no experimentar a través de ella uniendo diferentes géneros, siempre es algo divertido y los resultados pueden ser interesantes. Me ha dado herramientas extras para poder crear música, me influye principalmente cuando compongo música clásica que pongo bajo el nombre de Ángel Kuaff, aunque a veces incluya algún destello en los proyectos oscuros de los cuales formo parte. Siempre en cada álbum decidí agregar algo de eso como un tributo pues finalmente es parte del núcleo y la base, sigo aprendiendo de la música, sigo conociendo muchos artistas y sin duda seguiré sintiéndome humano a través de ella.

 

 

Hablemos sobre tu último disco titulado XXI  ... de todos los cambios tecnológicos que nos está tocando vivir … como músico, artista y ser humano ¿qué es lo que más te inquieta de este tiempo?

El tema «La información» es uno de las composiciones principales de “XXI y habla sobre la nueva era de la comunicación, la tecnología, la unión entre máquina y humanos como parte de la evolución, el equilibrio, la conexión, entre otras cosas, con un destello de sonidos del pasado. Es un reflejo de la época en que me ha tocado vivir, y es algo que me toca mucho como persona.

 

¿ Qué te ha llamado la atención de Chile hasta el momento en relación a las temáticas que hoy estás abordando en tu música y propuesta? 

La oscuridad chilena es muy peculiar por muchas cosas, me gusta que aunque seamos de polos diferentes en residencia, seamos tan cercanos en muchos sentidos, cada uno con su propio estilo y personalidad. También su pasión y entrega por la música.

 

 

Has estado en otros países de Sudamérica ¿Qué has podido recoger de esos intercambios?  

Las mejores impresiones, muchos amigos, nuevas perspectivas que te ayudan a comprender mejor el mundo y sus vínculos entre sí, cosas y sonidos que compartirnos.

 

Eres un músico que permanentemente está colaborando con otros artistas. ¿Tienes pensado trabajar con algún músico chileno?

Stockhaussen es un proyecto en el cual hago música como solista, pero también es un proyecto para que otros músicos puedan experimentar componiendo música juntos y lograr nuevos resultados, aprovechando la nueva era de comunicación componiendo incluso a distancia, para el próximo álbum tengo contemplado hacer una colaboración con Diavol Strain.

 

 

Luego de Chile, ¿hacía dónde te diriges?

En temas de eventos tengo contemplado algunos shows en México que incluyen Guadalajara, Edo Mex y la propia Ciudad de México regresando de Sudamérica, también tengo programado un tour de dos meses en Agosto/Spetimebre de 2019 en Europa que incluye muchas ciudades, toda esa información podrán encontrarla en mis redes oficiales, en este tour además de tocar como Stockhaussen, tendré la oportunidad de tocar con mi otro proyecto llamado Isotropía que comparto con mi partner in crime Keren Batok, gracias al apoyo del sello Alemán “Young & Cold Records”.

 

¿Hay fecha para un próximo disco? 

Ya estoy componiendo el cuarto álbum que podrán encontrarlo también en vinilo, verá la luz posiblemente a finales de este año o a inicios del próximo, aunque ya hay un par de temas arriba que son sólo un adelanto.

Un agradecimiento especial a todas las personas que siguen apoyando todo esto, sigan haciendo fuerza y resistan sobre todo, porque siguen nuestros tiempos.

 

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DIAVOL STRAIN  «La escena oscura en Chile, y en muchos lados, no se caracteriza por tener acción política»

DIAVOL STRAIN «La escena oscura en Chile, y en muchos lados, no se caracteriza por tener acción política»

Conformadas como dúo, GINGER BLUE en guitarra, synth, batería digital y coros, y LAU M en bajo, voz, synth y batería digital, DIAVOL STRAIN recoge elementos discursivos y retóricos de movimientos como las Riot grrrl junto a la estética y sonido de ineludibles referentes del dark y el goth. Oriundas de la joya del pacífico, en su joven pero sólida trayectoria han desarrollado un feroz énfasis por tocar en vivo no sólo en la concurrida y colapsada capital de Chile, sino que se han dedicado a girar de forma permanente por el norte y sur del país, además de su natal quinta región, una hazaña mayor para cualquier banda independiente. Esta misma dedicación ha llevado al dúo a realizar shows en países como Alemania, Holanda, Polonia, Perú, Estados Unidos, Canadá Colombia, y México, en el marco de reconocidos festivales de la escena dark como Minicave (DE), Near Dark Festival (USA), Return to the Batcave (PL) y en festivales de carácter feministas como The F Word (NL) y FemFest (CL).

Al conversar con ellas se puede intuir que DIAVOL STRAIN es uno de los proyectos musicales más activos, serios y con mayor proyección del dark wave local, cuya impronta feminista aporta un discurso y una mirada crítica a un género musical poco militante y descomprometido con causas sociales. Un discurso y una mirada que conviven con los principios estéticos propios del estilo pero al mismo tiempo proponen acción, organización, participación, respeto e inclusión como respuesta a la contemplación y al caos, una propuesta no tan recurrente en una época donde probablemente bastaría con ofrecer una oscuridad vacía e indiferente.

 

 

¿Cómo y cuándo nace DIAVOL STRAIN 

 

GINGER: Diavol strâin nació a mediados del 2015, nosotras, Ginger y Lau, nos juntamos a tomar unas chelas. En ese tiempo eramos amigas y nos habíamos conocido dentro del mismo círculo de tocatas, donde Ginger tocaba en Blasfemme (Riot Grrl, postpunk, shoegaze), y Lau ya era parte del grupo Vaso de leche (Postpunk, Noise, Garage). Ambas teníamos muchos deseos de hacer música con batería electrónica y estábamos rallando con bandas como She Past Away, M!r!m, Coldreams, Dream Affair, etc. 

 

LAU: Por otro lado coincidíamos en la cuna ruidosa de Siouxsie and the Banshees, The Cure, Sonic Youth, Cocteau Twins, Los Prisioneros, siendo todo una sumatoria de influencias que desembocaron en el impulso de hacer este proyecto y nuestras primeras creaciones.

 

El formato dúo ¿fue una elección o se fue dando de manera espontánea?

 

Lau: A lo largo de nuestro camino hemos tenido diversas formaciones, quedando como dúo desde fines de 2017 tanto por asuntos prácticos (es mucho más fácil movernos y que nos inviten a otros lugares) como por ser el núcleo de todo este proyecto desde los inicios.

 

¿A qué alude el nombre de la banda DIAVOL STRAIN ?

 

LAU: Diavol Strâin quiere decir “Diablo Alienígena” ó “Diablo extraño” en rumano. Llegamos a ese concepto, pues nos costó bastante ponernos de acuerdo a cómo llamaríamos a todo esto que estaba surgiendo. Nada en español nos parecía, si a una le gustaba algo, la otra discrepaba, hasta que Ginger, consultando un diccionario que tenía, hizo una lista de palabras en ese idioma que eran atractivas tanto por su fonética como significado. Coincidimos en la unión de esas palabras y el concepto nos gustó mucho, porque el diablo para nosotras es un concepto de disidencia, de cuestionamiento. 

 

GINGER: Es un ser que formó sus propias ideas y puso en duda lo que se supone era incuestionable. En relación a lo alienígena es similar. Ambas coincidíamos en este sentirse alienígena dentro de un sistema que busca adherirte a él como un engranaje más. Vivir en una otredad, fuera de ese margen en lo más posible y honesto, tanto desde nuestras corporalidades como nuestros sistemas de trabajo y relaciones con el mundo. Por otro lado, el concepto también trae consigo un imaginario potente que ambas abrazamos, pues tiene que ver con lo esotérico, lo oculto, el espacio exterior y otros multiversos.

 

¿Cómo se lleva la escena del dark wave subterráneo en Chile con el feminismo? ¿Se llevan?

 

GINGER: A decir verdad son corrientes que en pocas ocasiones se juntan. La escena oscura en Chile, y en muchos lados, no se caracteriza por tener acción política, o por artistas que se pronuncien al respecto. Por lo mismo siempre buscamos hacer el llamado a que más personas se pronuncien y accionen, a no separar tanto esas corrientes porque creemos que el feminismo se aplica en todo. Nosotras no compartimos espacios con personas que han tenido actitudes violentas o discriminatorias. 

 

LAU: También nos sucede que en los lugares donde encontramos ese coincidir político no son usualmente bandas como la nuestra (es más común en el reggaetón, el pop, etc ) pero justamente también esa es la idea, la posibilidad de unir varios estilos y compartir en instancias donde se busquen puntos en común que vayan más allá del estilo musical o el purismo de géneros.

 

 

Como mujeres lesbianas y feministas liderando un proyecto musical ¿cuál ha sido su experiencia en el circuito local, creen que es un espacio machista? 

 

Más que llamarlo machista preferimos verlo como otro espacio cultural más que se encuentra dominado por machos donde claramente nos hemos sentido discriminadas y pasadas a llevar en múltiples ocasiones al ser mujeres lesbianas músicas. Desde chica una se ve enfrentada a comentarios sobre tu calidad musical, de si tocas tan bien como un hombre o no, de querer promocionar tus canciones y shows musicales a través de flyers que se enfocan más en venderte como un objeto y no como una artista, o que te cierren espacios dominados por machos porque te empieza a ir bien, etc. Es por eso que para nosotras ha sido muy importante no solo dedicarnos a la música desde la participación en bandas sino que generando y gestionando espacios libres de estas prácticas heteropatriarcales, lo cual ha sido también un gran desafío. Hasta el momento hablar de “espacios seguros” es algo complejo ya que falta mucho por reflexionar y deconstruir en nosotres mismes pero al menos nos encontramos trabajando muy alerta en estos espacios que queremos construir, en cada tocata, cada fiesta que organizamos estamos muy pendientes de que la gente que asiste no sea víctima de violencia de cualquier tipo, y claramente no sólo publicando que no se aceptarán prácticas xenófobas, anti LGTBIQ+, sino que organizándonos con planes de acción reales para sobrellevar algún escenario de ese tipo. 

 

 

METATRON PRODUCCIONES está a cargo de organizar el show de STOCKHAUSSEN – ÁNGEL KAUFF en Chile, una iniciativa autogestionada de la cual ustedes son parte clave… ¿Cómo surgió esta idea de traer al músico y como ha sido la experiencia de sacar adelante shows internacionales en la escena dark wave?

 

GINGER: Somos colaboradoras de la productora Metatron, la cual es liderada por nuestro amigo Martín Dörr a quien conocimos el año pasado al invitarnos a participar de un show en Casa de Salud en Concepción. Se generó una muy buena conexión de gustos musicales que permitió que comenzáramos a trabajar juntes, de hecho esta es el primer show en concreto que podemos realizar en conjunto. Por otro lado, a Ángel lo veníamos conociendo desde el año pasado también a raíz de nuestra gira por Norteamérica, y bueno desde hace tiempo que veníamos disfrutando de su música la cual sentimos que nos ha influenciado mucho también. 

LAU: Por eso, apenas supimos que estaba la posibilidad de traer a Stockhaussen a Chile, se lo propusimos a Martín, de quien agradecemos mucho su profesionalismo y gestión en toda la producción del concierto. Valoramos profundamente su apoyo a la escena underground la cual todes sabemos que es un desafío poder levantar pero que es súper necesaria. A nivel mundial están saliendo bandas y proyectos muy interesantes pertenecientes a esta nueva ola oscura que merecen un espacio. Así que desde ya dejamos invitados a todes a que emerjan de la zona de confort de los clásicos y se acerquen a conocer todas estas nuevas propuestas. 

 

 

 

Su reciente disco TODO EL CAOS HABITA AQUÍ, es su primer larga duración ¿Cómo fue el trabajo de composición, producción y cuánto tiempo tomó hacerlo? 

 

GINGER:  El año pasado lanzamos nuestro primer larga duración llamado “Todo el Caos Habita Aquí” un LP refleja y representa todo el aprendizaje musical alcanzado junto con nuestras experiencias políticas y esotéricas, permitiéndonos construir un punto de vista y posición frente a lo vivido. Siempre decimos que componer nuestro pequeño Alien fue un parto, pues pasamos por todas las emociones, desde el goce hasta el estrés máximo ya que, por un lado, teníamos la presión del tiempo al tener que componer 10 temas en 3 meses, y por otro, enfrentarnos al desafío de producir todo entre las dos. 

Componer las líneas melódicas de cada uno de los instrumentos, grabar en nuestro pequeño estudio el demo de cada canción, poniendo énfasis en algo más que encontrar ritmos interesantes, sino también que se viesen atravesados por el concepto total del disco. Sin duda ha sido un proceso que nos ha hecho crecer en muchos aspectos, como músicas al perfeccionarnos en nuestros instrumentos; como compañeras al generar metodologías de trabajo simétricas desde el feminismo y la horizontalidad, reconociéndonos más allá de ser amigas o pareja sino que como mujeres enfrentadas a un sistema heteropatriarcal. 

 

                                                                                  Diavol Strain tocando en New Orleans

 

 

¿A partir de qué ideas se construye el concepto central del disco?

 

LAU: El disco refleja diversas reflexiones y emociones en torno a experiencias a las que nos hemos enfrentado desde los inicios de Diavol Strâin. Todo el Caos habita aquí es precisamente eso, un caos que traspasa más allá de una moral dualista, de hecho, posee muchas aristas, son sentimientos extremos, aprendizajes que a veces llegan como un balde de agua fría a remover lo que diste por hecho en algún momento, se vuelve un motor y devenir constante donde la existencia se va moviendo. Así es como todo comienza con la magia del caos, un mantra ruidoso donde invocamos la exaltación de todos esos sentimientos seguido de furia, que de lleno es un conjuro que llama a abrazar nuestra rabia y hacerla un arma contra todo este sistema heteropatriarcal y opresor. Sistema que lleva a un deseo de escapar, de sentirte paria en todas partes y a decidir por el Autoexilio. Bajo esa misma decisión se hace indispensable definirse, llevar las palabras a los actos y también cuestionarse. No basta con denominarse como feminista, antiespecista o anarquista. La idiosincrasia capitalista-machista se inmiscuye igual vistiendo de punk o contracultural, y Éter es la crítica a tal deformación.

 

GINGER:  Por otro lado, nos vemos inmersas en la crisis de luchar en convertirnos lxs seres-máquinas que engranan el sistema. En las Tinieblas Inmóviles (que corresponde a un capítulo de Evangelion) habla de esa crisis, de un frío anormal que nos consume, norma y aísla. Ante la marea de pugnas internas, Neptuno expresa el exceso y el desborde en que muchas veces caemos, atrapadas por nuestros propios demonios, explotando en una tormenta de soledad y tristeza. Sturm und Drang (Tormenta e Ímpetu) gráfica esa pena, además que explora verbalizarla en alemán el cual otorga una atmósfera más acuosa y envolvente. En medio del caos no solo surge la rabia o el abatimiento. Wroclaw es una hermosa ciudad de Polonia que tuvimos la suerte de conocer, donde comenzó a brotar el lazo amoroso que nos une como pareja y compañeras de vida. Desde varios años venimos compartiendo instancias únicas que han ido estrechando ese lazo, mutándolo a un deseo inexorable de estar juntas y enfrentar lo que venga. 

 

 

Finalmente, Todo el caos habita aquí y Más allá del muro del sueño (este último obtiene su nombre por la obra de H.P. Lovecraft ) corresponden al momento final antes de que esta espiral vuelva la curva siguiente. Vemos como el tiempo se conecta en pasado y presente, mirando el horizonte, esperando a que el fin ocurra una vez más. Aquella imagen se puede ver de hecho en el final de la película Donnie Darko, que plantea un concepto similar y fue influyente en parte del proceso del disco. La fase cúlmine es el despojo de la materia, el paso a otro plano de existencia. Nuestros diversos “yo” carentes de cuerpo, tanto en el sentido espiritual, onírico, o incluso nuestra extensión en el nexo de internet, vuelven al polvo para sumergirse en otra parábola del caos.

 

 

¿Con quienes trabajaron y dónde se puede encontrar el disco ?

GINGER: Tuvimos la suerte de contar con un equipo (Marce y Aaron) quienes nos brindaron total apoyo y respeto al momento de grabar. De hecho, se volvió una convivencia prácticamente diaria ya que fueron meses de vernos casi todos los días durante largas jornadas donde también aprendimos de sus conocimientos y experiencia. El resultado nos ha dejado muy satisfechas y ha tenido muy buena recepción, logrando formar parte del sello Young and Cold records de Ausburg- Alemania, con quienes sacaremos el LP en formato vinilo y CD en septiembre de este año, además de contar con copias en cassette a cargo de NoLux (Santiago).

 

¿Cómo definen su sonido actualmente y qué bandas chilenas tanto góticas como post punk o dark han influenciado ese sonido?

 

Hay varias bandas chilenas que nos influenciaron en sonidos oscuros y bailables. La más representativa en cuanto a lo post punk son Los Prisioneros, creemos que son influencia de muchas bandas porque experimentaron muchos tipos de sonidos que van desde el punk (Generación de Mierda) hasta el new wave (Corazones) y todo lo que hay entremedio. También encontramos mucha influencia en sonidos del disco “Viva Chile” de Electrodomésticos, y del primer periodo de Lucybell (hasta el disco Sesión Futura). De bandas oscuras actuales encontramos harta influencia en la banda death rock TERMINAL, así como de nuestros amigos Sidosis de Viña, quienes también deambulan entre el postpunk y el dark wave.

 

 ¿Cuáles son los próximos planes de DIAVOL STRAIN?

 

Lo más próximo, es este 19 de Julio donde compartiremos escenario en Bar Loreto con Stockhaussen, proyecto solista del artista mexicano Ángel Kauff. Estamos muy emocionadas de realizar esta fecha ya que hemos trabajado mucho para poder concretarlo y por fin se dará la instancia. Además, estamos preparando nuevo material que tendrá su primer avistamiento en redes sociales durante septiembre con un videoclip que estrenaremos en nuestra segunda gira por Estados Unidos y México, la cual parte ese mismo mes y se extiende hasta fines de octubre. El próximo año 2020 lanzaremos nuestro tercer trabajo de estudio que ya tiene por nombre “Elegía del Olvido”.